La tecnología musical mecánica es el uso de cualquier dispositivo, mecanismo, máquina o herramienta por parte de un músico o compositor para hacer o interpretar música; para componer , escribir , reproducir o grabar canciones o piezas; o para analizar o editar música. Las primeras aplicaciones conocidas de la tecnología a la música fueron el uso de una herramienta por parte de los pueblos prehistóricos para perforar a mano agujeros en los huesos para hacer flautas simples. Los antiguos egipcios desarrollaron instrumentos de cuerda, como arpas , liras y laúdes , que requerían hacer cuerdas delgadas y algún tipo de sistema de clavijas para ajustar el tono de las cuerdas. Los antiguos egipcios también usaban instrumentos de viento como clarinetes dobles e instrumentos de percusión como platillos . En la antigua Grecia , los instrumentos incluían el aulos de doble lengüeta y la lira. Numerosos instrumentos se mencionan en la Biblia, incluidos el cuerno , la flauta, la lira, el arpa y la gaita . Durante los tiempos bíblicos, también se usaban la corneta, la flauta, el cuerno, el órgano, la flauta y la trompeta. Durante la Edad Media , se desarrolló la notación musical escrita a mano para escribir las notas de las melodías del canto llano religioso ; esta notación permitió a la Iglesia católica difundir las mismas melodías del canto por todo su imperio.
Durante la era de la música renacentista , se inventó la imprenta , que facilitó mucho la producción masiva de música (que antes se copiaba a mano). Esto ayudó a difundir los estilos musicales más rápidamente y en un área más amplia. Durante la era barroca (1600-1750), se desarrollaron tecnologías para instrumentos de teclado, lo que llevó a mejoras en los diseños de órganos de tubos y clavecines, y al desarrollo de un nuevo instrumento de teclado alrededor de 1700, el piano. En la era clásica (1750-1820), Beethoven agregó nuevos instrumentos a la orquesta para crear nuevos sonidos, como el flautín , el contrafagot , los trombones y la percusión desafinada en su Novena sinfonía . Durante la era de la música romántica (c. 1810 a 1900), una de las formas clave en que las nuevas composiciones se dieron a conocer al público fue mediante la venta de partituras relativamente económicas , que los amantes de la música amateur de clase media interpretaban en casa en su piano u otros instrumentos. En el siglo XIX se añadieron a la orquesta nuevos instrumentos, como cornetas con válvulas de pistón , saxofones, bombardinos y tubas de Wagner . Muchas de las innovaciones mecánicas desarrolladas para los instrumentos en el siglo XIX, en particular para el piano, los instrumentos de viento metal y de madera, siguieron utilizándose en el siglo XX y principios del XXI.
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Los hallazgos de los sitios arqueológicos paleolíticos sugieren que las personas prehistóricas usaban herramientas de tallado y perforación para crear instrumentos. Los arqueólogos han encontrado flautas paleolíticas talladas a partir de huesos en los que se han perforado agujeros laterales. La disputada flauta Divje Babe , un fémur perforado de oso de las cavernas , tiene al menos 40.000 años de antigüedad. Instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos de instrumentos de cuerda , como el Ravanahatha , se han recuperado de los sitios arqueológicos de la civilización del valle del Indo . [1] La India tiene una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo: se encuentran referencias a la música clásica india ( marga ) en los Vedas , antiguas escrituras de la tradición hindú . [2] La colección más antigua y más grande de instrumentos musicales prehistóricos se encontró en China y data de entre 7000 y 6600 a. C. [3]
En el Egipto prehistórico , la música y el canto se usaban comúnmente en la magia y los rituales, y se usaban pequeñas conchas como silbatos . [4] : 26–30 La evidencia de instrumentos musicales egipcios data del período predinástico , cuando los cantos funerarios desempeñaron un papel importante en la religión egipcia y fueron acompañados por badajos y posiblemente la flauta. La evidencia más confiable de tecnologías de instrumentos data del Imperio Antiguo , cuando se desarrollaron tecnologías para construir arpas , flautas y clarinetes dobles . [5] Los instrumentos de percusión, liras y laúdes fueron utilizados por el Reino Medio . Los platillos de metal fueron utilizados por los antiguos egipcios. [6] A principios del siglo XXI, el interés en la música del período faraónico comenzó a crecer, inspirado por la investigación de musicólogos nacidos en el extranjero como Hans Hickmann . A principios del siglo XXI, músicos y musicólogos egipcios dirigidos por el profesor de musicología Khairy El-Malt en la Universidad Helwan de El Cairo habían comenzado a reconstruir instrumentos musicales del Antiguo Egipto, un proyecto que aún continúa. [7]
La civilización del valle del Indo tiene esculturas que muestran instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros. Se han recuperado varios tipos de instrumentos de cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo Daro gracias a las excavaciones realizadas por Sir Mortimer Wheeler . [8]
Según las Escrituras , Jubal fue el padre de los arpistas y organistas (Gén. 4:20-21). El arpa era uno de los instrumentos principales y el favorito de David , y se menciona más de cincuenta veces en la Biblia. Se utilizaba tanto en ceremonias alegres como en ceremonias de luto, y su uso fue "elevado a su máxima perfección bajo David" (1 Sam. 16:23). Lockyer añade que "Era la dulce música del arpa la que a menudo desposeía a Saúl de su melancolía (1 Sam. 16:14-23; 18:10-11). [9] : 46 Cuando los judíos estaban cautivos en Babilonia colgaron sus arpas y se negaron a usarlas mientras estaban en el exilio, siendo anteriormente parte de los instrumentos utilizados en el Templo (1 R. 10:12). Otro instrumento de cuerda de la clase del arpa, y también utilizado por los antiguos griegos, era la lira . Un instrumento similar era el laúd , que tenía un cuerpo grande en forma de pera, un mástil largo y un diapasón con trastes y tornillos en la cabeza para afinar. Las monedas que mostraban instrumentos musicales, la moneda de la Revuelta de Bar Kojba , fueron emitidas por los judíos durante la Segunda Revuelta Judía contra el Imperio Romano de 132-135 d. C.
Además, estaba el salterio , otro instrumento de cuerda al que se hace referencia casi treinta veces en las Escrituras. Según Josefo , tenía doce cuerdas y se tocaba con una pluma , no con la mano. Otro escritor sugirió que era como una guitarra, pero con una forma triangular plana y encordada de lado a lado. [9] : 49
Entre los instrumentos de viento utilizados en el período bíblico estaban la corneta , la flauta de madera, el cuerno , el órgano, la flauta y la trompeta primitiva. [9] : 50 También había trompetas de plata y el oboe doble . Werner concluye que, a partir de las medidas tomadas de las trompetas en el Arco de Tito en Roma y de las monedas, "las trompetas eran muy agudas con un cuerpo delgado y un sonido estridente". Agrega que en La guerra de los hijos de la luz contra los hijos de las tinieblas , un manual de organización y estrategia militar descubierto entre los Rollos del Mar Muerto , estas trompetas "parecen claramente capaces de regular su tono con bastante precisión, ya que se supone que emiten señales bastante complicadas al unísono". [10] : 2 Whitcomb escribe que el par de trompetas de plata fueron fabricadas de acuerdo con la ley mosaica y probablemente estaban entre los trofeos que el emperador Tito trajo a Roma cuando conquistó Jerusalén. Añade que en el Arco elevado al victorioso Tito, "hay un relieve esculpido de estas trompetas, mostrando su forma antigua. (ver foto) [11]
Según Whitcomb, la flauta se utilizaba comúnmente en ocasiones festivas y de duelo. "Incluso el hebreo más pobre se veía obligado a contratar a dos flautistas para que tocaran en el funeral de su esposa". [11] El shofar (el cuerno de un carnero) todavía se utiliza para fines litúrgicos especiales, como los servicios del Año Nuevo judío en las comunidades ortodoxas. Como tal, no se considera un instrumento musical, sino un instrumento de simbolismo teológico que se ha mantenido intencionalmente en su carácter primitivo. En la antigüedad se utilizaba para advertir de un peligro, para anunciar la luna nueva o el comienzo del sabbat , o para anunciar la muerte de un notable. "En su uso estrictamente ritual, llevaba los gritos de la multitud a Dios", escribe Werner. [10] : 12
Entre los instrumentos de percusión se encontraban campanas , platillos , sistros , panderos , tamboriles y panderetas . El pandero o tabret era un pequeño tambor de mano utilizado en ocasiones festivas y se consideraba un instrumento de mujeres. En tiempos modernos, el Ejército de Salvación lo utilizaba a menudo. Según la Biblia, cuando los hijos de Israel salieron de Egipto y cruzaron el Mar Rojo , « Miriam tomó un pandero en sus manos; y todas las mujeres salieron en pos de ella con panderos y danzas». [9]
En la Antigua Grecia , los instrumentos utilizados en toda la música se pueden dividir en tres categorías, [12] según cómo se produce el sonido: cuerdas, vientos y percusión. Entre los instrumentos utilizados en la música de la Antigua Grecia se encontraban los siguientes:
En la Eneida , Virgilio hace numerosas referencias a la trompeta. La lira, la cítara, el aulos, el hidraulis (órgano de agua) y la trompeta encontraron su lugar en la música de la antigua Roma .
Los romanos pueden haber tomado prestado el método griego [1] [ página requerida ] de "notación enquiriádica" para registrar su música, si es que usaban alguna notación. Cuatro letras (en notación inglesa "A", "G", "F" y "C") indicaban una serie de cuatro tonos sucesivos. Los signos de ritmo, escritos sobre las letras, indicaban la duración de cada nota. El arte romano representa varios instrumentos de viento de madera, "metal" , percusión y cuerda . [2] Los instrumentos de estilo romano se encuentran en partes del Imperio donde no se originaron, e indican que la música estaba entre los aspectos de la cultura romana que se extendieron por las provincias.
Los instrumentos romanos incluyen:
Durante la era de la música medieval (476 a 1400), las melodías de canto llano que utilizaban los monjes para las canciones religiosas eran principalmente monofónicas (una sola línea melódica, sin partes de armonía) y se transmitían por tradición oral ("de oído"). La música medieval más antigua no tenía ningún tipo de sistema de notación para escribir las melodías. A medida que Roma intentaba centralizar los diversos cantos en grandes distancias de su imperio, que se extendía desde Europa hasta el norte de África, se necesitaba una forma de notación musical para escribir las melodías. Mientras la iglesia tuvo que depender de enseñar a la gente a cantar melodías "de oído", limitó el número de personas a las que se les podía enseñar. Además, cuando las canciones se aprenden de oído, las variaciones y los cambios se introducen de forma natural.
Se introdujeron varios signos escritos sobre los textos del canto, llamados neumas . Estos pequeños signos indicaban al cantante si la melodía subía o bajaba de tono. En el siglo IX, se estableció firmemente como el método principal de notación musical. El siguiente desarrollo en la notación musical fueron los "neumas elevados", en los que los neumas se colocaban cuidadosamente a diferentes alturas en relación con los demás. Esto permitía que los neumas dieran una indicación aproximada del tamaño de un intervalo determinado (por ejemplo, un intervalo pequeño como un tono o un intervalo grande como una sexta), así como la dirección (subiendo o bajando de tono).
Al principio, los puntitos se colocaban simplemente en el espacio entre las palabras. Sin embargo, este método dificultaba determinar en qué tono empezaba una canción o cuándo volvía a tener el mismo tono. Esto llevó rápidamente a que se colocaran una o dos líneas, cada una representando una nota particular, sobre la música con todos los neumas relacionados con ellas y se colocaran sobre las líneas o encima de ellas. La línea o líneas actuaban como punto de referencia para ayudar al cantante a medir qué notas eran más altas o más bajas. Al principio, estas líneas no tenían un significado particular y, en su lugar, se colocaba una letra al principio que indicaba qué nota representaba. Sin embargo, las líneas que indicaban el do central y el fa una quinta más abajo se volvieron poco a poco más comunes. La finalización del pentagrama de cuatro líneas suele atribuirse a Guido d'Arezzo (c. 1000-1050), uno de los teóricos musicales más importantes de la Edad Media. El sistema de notación neumática, incluso en su estado plenamente desarrollado, no definía claramente ningún tipo de ritmo para el canto de notas. Se esperaba que los cantantes pudieran improvisar el ritmo, utilizando tradiciones y normas establecidas.
Los instrumentos utilizados para interpretar música medieval incluyen la flauta primitiva, que estaba hecha de madera y que no tenía llaves ni almohadillas de metal. Las flautas de esta época podían fabricarse como un instrumento de soplado lateral o de soplado final; la flauta dulce de madera y el instrumento relacionado llamado gemshorn ; y la flauta de pan . La música medieval utilizó muchos instrumentos de cuerda pulsada como el laúd , el mandore , el gittern y el salterio . Los dulcémeles , similares en estructura al salterio y la cítara , originalmente se pulsaban, pero comenzaron a tocarse con martillos en el siglo XIV después de la llegada de una nueva tecnología que hizo posible las cuerdas de metal.
La lira de arco del Imperio bizantino fue el primer instrumento de cuerda frotada europeo registrado. El geógrafo persa Ibn Khurradadhbih del siglo IX (fallecido en 911) citó la lira bizantina como un instrumento de arco equivalente al rabāb árabe e instrumento típico de los bizantinos junto con el urghun (órgano), el shilyani (probablemente un tipo de arpa o lira ) y el salandj (probablemente una gaita ). [17] La zanfona era un violín mecánico que utilizaba una rueda de madera colofonia unida a una manivela para "arquear" sus cuerdas. Los instrumentos sin caja de resonancia como el arpa de mandíbula también eran populares en la época. Las primeras versiones del órgano, el violín (o vielle ) y el trombón (llamado sacabuche ) existieron en la era medieval.
La era de la música renacentista (c. 1400 a 1600) fue testigo del desarrollo de muchas tecnologías nuevas que afectaron la interpretación y distribución de canciones y piezas musicales. Alrededor de 1450, se inventó la imprenta , que hizo que las partituras impresas fueran mucho más baratas y más fáciles de producir en masa (antes de la invención de la imprenta, toda la música notada se copiaba laboriosamente a mano). La mayor disponibilidad de partituras impresas ayudó a difundir los estilos musicales más rápidamente y en un área geográfica más grande. Un factor limitante para la difusión más amplia de los estilos musicales fue que los monjes , monjas , aristócratas y músicos y cantantes profesionales estaban entre las pocas personas que podían leer música.
El grabado mecánico de placas se desarrolló a finales del siglo XVI. [18] Aunque el grabado de placas se había utilizado desde principios del siglo XV para crear arte visual y mapas, no se aplicó a la música hasta 1581. [18] En este método, se grababa una imagen reflejada de una página completa de música sobre una placa de metal. Luego se aplicaba tinta a las ranuras y la impresión musical se transfería al papel. Las placas de metal se podían almacenar y reutilizar, lo que hacía de este método una opción atractiva para los grabadores de música. El cobre fue el metal inicial de elección para las primeras placas, pero en el siglo XVIII el peltre se convirtió en el material estándar debido a su maleabilidad y menor costo. [19]
Muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento. Algunos instrumentos utilizados durante el Renacimiento eran variaciones o mejoras de instrumentos que habían existido previamente en la era medieval. Los instrumentos de metal en el Renacimiento eran tocados tradicionalmente por profesionales que formaban parte de gremios , que mantenían en secreto las técnicas de ejecución. Algunos de los instrumentos de metal más comunes que se tocaban incluían:
Instrumentos de cuerda incluidos:
Instrumentos de percusión incluidos:
Instrumentos de viento de madera incluidos:
Durante la era barroca de la música (aproximadamente entre 1600 y 1750), se desarrollaron tecnologías para instrumentos de teclado que llevaron a mejoras en los diseños de órganos de tubos y clavecines y al desarrollo de los primeros pianos. Durante el período barroco, los constructores de órganos desarrollaron nuevos tipos de tubos y lengüetas que crearon nuevos colores tonales (timbres y sonidos). Los constructores de órganos crearon nuevos registros que imitaban varios instrumentos, como el registro de viola da gamba . El período barroco se considera a menudo como la "edad de oro" de la construcción de órganos, ya que prácticamente todos los refinamientos importantes del instrumento alcanzaron su punto máximo. Constructores como Arp Schnitger , Jasper Johannsen, Zacharias Hildebrandt y Gottfried Silbermann construyeron instrumentos que mostraban tanto una artesanía exquisita como un sonido hermoso. Estos órganos presentaban acciones mecánicas de teclas bien equilibradas, lo que le daba al organista un control preciso sobre el habla de los tubos. Los órganos de Schnitger presentaban timbres de lengüeta particularmente distintivos y grandes divisiones de pedal y Rückpositiv.
Los constructores de clavecines del sur de los Países Bajos construyeron instrumentos con dos teclados (dos teclados) que podían usarse para la transposición . Estos instrumentos flamencos sirvieron como modelo para la construcción de clavecines de la era barroca en otras naciones. En Francia, los teclados dobles se adaptaron para controlar diferentes coros (grupos) de cuerdas, creando un instrumento musicalmente más flexible (por ejemplo, el teclado superior podía configurarse para un registro de laúd silencioso, mientras que el manual inferior podía configurarse para un registro con múltiples coros de cuerdas, para un sonido más fuerte; esto permitía al clavecinista tener dos dinámicas y colores de tono de un instrumento). Otro enfoque que podría usarse en un clavecín de dos teclados sería usar un acoplador para hacer que un teclado toque dos coros de cuerdas (por ejemplo, un juego de cuerdas de 8' y un juego de cuerdas de 16' una octava más baja), de modo que este teclado pudiera usarse para un sonido solista fuerte, y luego tener otro teclado configurado para activar solo un teclado, creando un volumen de acompañamiento . Los instrumentos de la cúspide de la tradición francesa, de fabricantes como la familia Blanchet y Pascal Taskin , se encuentran entre los clavecines más admirados y se utilizan con frecuencia como modelos para la construcción de instrumentos modernos. En Inglaterra, las firmas Kirkman y Shudi produjeron clavecines sofisticados de gran potencia y sonoridad. Los constructores alemanes ampliaron el repertorio sonoro del instrumento añadiendo coros de dieciséis pies , que se sumaban al registro grave, y coros de dos pies , que se sumaban al registro agudo.
El piano fue inventado durante la era barroca por el experto fabricante de clavecines Bartolomeo Cristofori (1655-1731) de Padua , Italia, quien fue empleado por Ferdinando de' Medici, Gran Príncipe de Toscana . Cristofori inventó el piano en algún momento antes de 1700. [20] [21] Si bien el clavicordio permitía un control expresivo del volumen y el sustain, era demasiado silencioso para grandes interpretaciones. El clave producía un sonido suficientemente fuerte, pero ofrecía poco control expresivo sobre cada nota. El piano ofrecía lo mejor de ambos, combinando volumen con control dinámico.
El gran éxito de Cristofori fue resolver, sin ningún ejemplo previo, el problema mecánico fundamental del diseño de pianos: el martillo debe golpear la cuerda, pero no permanecer en contacto con ella (como una tangente permanece en contacto con una cuerda de clavicordio) porque esto amortiguaría el sonido. Además, el martillo debe volver a su posición de reposo sin rebotar violentamente, y debe ser posible repetir la misma nota rápidamente. El mecanismo de piano de Cristofori fue un modelo para los muchos enfoques de mecanismos de piano que siguieron. Los primeros instrumentos de Cristofori eran mucho más fuertes y tenían más sustain que el clavicordio. El clavicémbalo continuó utilizándose en interpretaciones durante los primeros 50 años de la existencia del piano; sin embargo, después de 1750, el clavicémbalo fue gradualmente eliminado de las orquestas y pequeños grupos musicales.
Desde aproximadamente 1790 en adelante, el piano de la era de Mozart sufrió enormes cambios que llevaron a la forma moderna del instrumento. Esta revolución fue en respuesta a la preferencia de los compositores y pianistas por un sonido de piano más potente y sostenido, y fue posible gracias a la Revolución Industrial en curso con recursos como el alambre de piano de acero de alta calidad para las cuerdas y la fundición de precisión para la producción de marcos de hierro . Con el tiempo, el rango tonal del piano también aumentó de las cinco octavas de la época de Mozart al rango de más de 7 que se encuentra en los pianos modernos. El progreso tecnológico temprano le debe mucho a la firma Broadwood . John Broadwood se unió a otro escocés, Robert Stodart, y un holandés, Americus Backers , para diseñar un piano con caja de clavicémbalo, el origen del "grand". Lo lograron alrededor de 1777. Rápidamente se ganaron una reputación por el esplendor y el tono poderoso de sus instrumentos, y Broadwood construyó algunos que eran progresivamente más grandes, más ruidosos y de construcción más robusta.
Enviaron pianos tanto a Joseph Haydn como a Ludwig van Beethoven , y fueron la primera empresa en construir pianos con un rango de más de cinco octavas: cinco octavas y una quinta (intervalo) durante la década de 1790, seis octavas en 1810 (Beethoven usó las notas adicionales en sus obras posteriores) y siete octavas en 1820. Los fabricantes vieneses siguieron estas tendencias de manera similar; sin embargo, las dos escuelas usaban diferentes acciones de piano: los Broadwoods eran más robustos, los instrumentos vieneses eran más sensibles.
La corneta , un instrumento de viento metal con válvulas de pistón emparentado con la trompeta, no podría haberse desarrollado sin la mejora de las válvulas de pistón por parte de Heinrich Stölzel y Friedrich Blühmel . A principios del siglo XIX, estos dos fabricantes de instrumentos inventaron casi simultáneamente las válvulas que todavía se utilizan hoy en día. La instrumentación de Beethoven para orquesta agregó flautín , contrafagot y trombones al final triunfal de su Sinfonía n.º 5 (1804-1808). Un flautín y un par de trombones ayudan a producir efectos de "tormenta" y "luz del sol" en la dramática Sexta Sinfonía del compositor . El uso que hizo Beethoven del flautín, el contrafagot, los trombones y la percusión desafinada en su Novena Sinfonía amplió el sonido de la orquesta.
Durante la era de la música romántica (c. 1810 a 1900), una de las formas clave en que las nuevas composiciones se hicieron conocidas por el público fue mediante la venta de partituras , que los amantes de la música amateur interpretaban en casa en su piano o en grupos de música de cámara , como cuartetos de cuerda . Dado que las partituras para el mercado masivo eran relativamente baratas, esto permitió a los compositores y letristas distribuir sus canciones y piezas musicales a un público más amplio y en un área geográfica más grande. Si bien la difusión generalizada de las partituras ayudó a difundir los estilos musicales en un área más grande, el impacto se limitó, sin embargo, a los segmentos socioeconómicos que podían leer música, cantar melodías de partituras y poseer pianos y otros instrumentos musicales, es decir, la clase media y la clase alta. Las personas de los segmentos socioeconómicos más bajos solo pudieron beneficiarse indirectamente de esta difusión más amplia de los estilos musicales (es decir, al escuchar nuevas canciones interpretadas por músicos profesionales en burdeles o tabernas ), ya que las personas pobres generalmente no sabían leer música ni poseer pianos u otros instrumentos costosos.
En el siglo XIX, comenzaron a aparecer nuevos instrumentos como el saxofón en algunas partituras orquestales. Aunque solo aparece como instrumento solista destacado en algunas obras, por ejemplo, la orquestación de Maurice Ravel de Cuadros de una exposición de Modest Mussorgsky y las Danzas sinfónicas de Sergei Rachmaninoff , el saxofón está incluido en otras obras, como el Boléro de Ravel , las Suites 1 y 2 de Romeo y Julieta de Sergei Prokofiev . El bombardino se utilizó en algunas obras del Romanticismo tardío, generalmente tocando partes marcadas como "tuba tenor", incluida Ein Heldenleben de Richard Strauss . La tuba wagneriana , un miembro modificado de la familia de las trompas, aparece en el ciclo de Richard Wagner El anillo del nibelungo y varias otras obras de Strauss, Béla Bartók y otros; tiene un papel destacado en la Sinfonía n.º 7 en mi mayor de Anton Bruckner . [22] Las cornetas aparecen en el ballet El lago de los cisnes de Pyotr Ilyich Tchaikovsky , en La Mer de Claude Debussy y en varias obras orquestales de Hector Berlioz .
El piano continuó experimentando desarrollos tecnológicos en la era romántica, hasta la década de 1860. En la década de 1820, el centro de innovación en la construcción de pianos se había trasladado a París, donde la firma Pleyel fabricó pianos utilizados por Frédéric Chopin y la firma Érard fabricó los utilizados por Franz Liszt . En 1821, Sébastien Érard inventó el mecanismo de doble escape , que incorporaba una palanca de repetición (también llamada balancier ) que permitía repetir una nota incluso si la tecla aún no había subido a su posición vertical máxima. Esto facilitaba la ejecución rápida de notas repetidas, un dispositivo musical explotado por Liszt. Cuando el invento se hizo público, revisado por Henri Herz , el mecanismo de doble escape se convirtió gradualmente en estándar en los pianos de cola, y todavía se incorpora en todos los pianos de cola que se producen actualmente.
Otras mejoras del mecanismo del piano incluyeron el uso de cubiertas de fieltro grueso para los martillos en lugar de capas de cuero o algodón. El fieltro, que fue introducido por primera vez por Jean-Henri Pape en 1826, era un material más consistente, lo que permitía rangos dinámicos más amplios a medida que aumentaban los pesos de los martillos y la tensión de las cuerdas. El pedal de sostenuto , inventado en 1844 por Jean-Louis Boisselot y copiado por la firma Steinway en 1874, permitió una gama más amplia de efectos.
Una innovación que ayudó a crear el sonido potente y fuerte del piano moderno fue el uso de un fuerte marco de hierro. También llamado "placa", el marco de hierro se asienta sobre la tabla armónica y sirve como baluarte principal contra la fuerza de la tensión de las cuerdas que puede superar las 20 toneladas en un piano de cola. El marco de hierro fundido de una sola pieza fue patentado en 1825 en Boston por Alpheus Babcock , [23] combinando la placa de pasador de enganche de metal (1821, reclamada por Broadwood en nombre de Samuel Hervé) y barras de resistencia (Thom y Allen, 1820, pero también reclamadas por Broadwood y Érard). La mayor integridad estructural del marco de hierro permitió el uso de cuerdas más gruesas, tensas y numerosas, lo que aumentó aún más la fuerza del tono del instrumento. En 1834, la firma Webster & Horsfal de Birmingham sacó al mercado una forma de alambre de piano hecho de acero fundido ; según Dolge, era "tan superior al alambre de hierro que la firma inglesa pronto tuvo el monopolio". [24]
Otros avances importantes incluyeron cambios en la forma en que se encordan los pianos, como el uso de un "coro" de tres cuerdas en lugar de dos para todas las notas excepto las más bajas, lo que hizo que el piano sonara más fuerte y la implementación de una escala de cuerdas superpuestas, en la que las cuerdas se colocan en dos planos separados, cada uno con su propia altura de puente . La estructura de acción mecánica del piano vertical fue inventada en Londres, Inglaterra en 1826 por Robert Wornum , y los modelos verticales se convirtieron en el modelo más popular, también amplificando el sonido. [25] Los pianos verticales eran más compactos que los pianos de cola y menos costosos, por lo que la invención del piano vertical ayudó a hacer del piano un instrumento aún más importante en los hogares privados (para la creación musical amateur); en las escuelas; en las salas de ensayo; y en algunos tipos de lugares de actuación.