El art rock es un subgénero de la música rock que generalmente refleja un enfoque desafiante o vanguardista del rock, o que hace uso de elementos modernistas , experimentales o poco convencionales. El art rock aspira a elevar el rock del entretenimiento a una declaración artística, [8] optando por una perspectiva más experimental y conceptual de la música. [3] Se pueden extraer influencias de géneros como la música experimental , la música de vanguardia , la música clásica y el jazz . [1]
La música del art rock fue creada con la intención de escuchar y contemplar más que de bailar , [3] y a menudo se distingue por el uso de efectos electrónicos y texturas fáciles de escuchar, muy alejadas de los ritmos propulsores del rock temprano. [8] El término a veces puede usarse indistintamente con " rock progresivo ", aunque este último se caracteriza en particular por el empleo de técnica instrumental clásica y texturas sinfónicas .
El mayor nivel de popularidad del género se produjo a principios de la década de 1970 a través de artistas británicos. La música, así como la naturaleza teatral de las representaciones asociadas con el género, logró atraer a adolescentes y adultos más jóvenes con inclinaciones artísticas, especialmente debido a su virtuosismo y complejidad musical/lírica. [3] El art rock está más asociado con un cierto período de la música rock, que comenzó en 1966-67 y terminó con la llegada del punk rock a mediados de la década de 1970. [9] Después, el género se infundiría en géneros musicales populares posteriores de las décadas de 1970 y 1990. [3]
El crítico John Rockwell dice que el art rock es uno de los géneros más amplios y eclécticos del rock, con su abierto sentido de desapego creativo, pretensiones de música clásica e inclinaciones experimentales y vanguardistas . [10] En la música rock de la década de 1970, el descriptor "arte" generalmente se entendía como "agresivamente vanguardista" o "pretenciosamente progresista". [11] "Art rock" se utiliza a menudo como sinónimo de rock progresivo . [12] [10] [1] [3] Históricamente, el término se ha utilizado para describir al menos dos tipos de música rock relacionados, pero distintos. [13] El primero es rock progresivo, mientras que el segundo uso se refiere a grupos que rechazaron la psicodelia y la contracultura hippie en favor de un enfoque modernista y vanguardista definido por Velvet Underground . [13] La ensayista Ellen Willis comparó estos dos tipos:
Desde principios de los años sesenta… hubo una contratradición en el rock and roll que tenía mucho más en común con el arte elevado –en particular el arte de vanguardia– que la tan publicitada síntesis arte-rock [rock progresivo]; implicó utilizar más o menos conscientemente los cánones formales básicos del rock and roll como material (de la misma manera que los artistas pop usaban el arte de masas en general) y refinar, elaborar y aprovechar ese material para producir... arte rock and roll. Mientras que el art rock se basaba implícitamente en la afirmación de que el rock and roll era o podía ser tan valioso como las formas de arte más establecidas, el arte del rock and roll surgió de un compromiso obsesivo con el lenguaje del rock and roll y un desdén igualmente obsesivo por aquellos que rechazaron ese lenguaje o querían suavizarlo, hacerlo más fácil... la nueva ola ha heredado la contratradición. [14]
El arte rock enfatiza las tradiciones románticas y autónomas, en contraste con la estética de lo cotidiano y lo desechable encarnado por el arte pop . [15] American Popular Music de Larry Starr y Christopher Waterman define el art rock como una "forma de música rock que mezcla elementos del rock y la música clásica europea", citando a las bandas de rock inglesas King Crimson , Emerson, Lake & Palmer y Pink Floyd como ejemplos. [16] Las características comunes incluyen música orientada a álbumes dividida en composiciones en lugar de canciones, con secciones instrumentales y orquestación sinfónica generalmente largas y complicadas. [3] Su música se usaba tradicionalmente dentro del contexto de discos conceptuales , y sus temas líricos tendían a ser "imaginativos" y de orientación política. [3]
Se han identificado diferencias entre el art rock y el rock progresivo, donde el art rock enfatiza influencias vanguardistas o experimentales y una "estructura sonora novedosa", mientras que el rock progresivo se caracteriza por poner un mayor énfasis en la técnica instrumental, el contenido literario y la música sinfónica de formación clásica. características. [1] Comparado con el rock progresivo, el art rock es "más desafiante, ruidoso y poco convencional" y "menos influenciado por lo clásico", con más énfasis en la música de vanguardia . [1] Las similitudes son que ambos describen un intento mayoritariamente británico de elevar la música rock a nuevos niveles de credibilidad artística, [1] y se convirtieron en el análogo instrumental de los álbumes conceptuales y las óperas rock , que típicamente estaban más orientados a la voz. [17]
El art rock también puede referirse al rock clásico o a una fusión de rock progresivo y folk . [3] El ensayo de Bruce Eder The Early History of Art-Rock/Prog Rock afirma que " el 'rock progresivo', también conocido a veces como 'art rock' o 'rock clásico ' ", es música en la que "las bandas [están] tocando suites, no canciones; tomando prestados riffs de Bach, Beethoven y Wagner en lugar de Chuck Berry y Bo Diddley ; y usando un lenguaje más cercano a William Blake o TS Eliot que a Carl Perkins o Willie Dixon ". [18]
A finales de los años sesenta y principios de los setenta, el rock cooptó y desafió la visión predominante del arte musical, a menudo al mismo tiempo. Esto es evidente en un cuerpo musical diverso que incluye Pet Sounds de los Beach Boys y Sgt. de los Beatles . Pimienta ; Freak Out ... the Who , la ópera rock Tommy de Frank Zappa ; el álbum conceptual tecnológicamente avanzado de Pink Floyd, Dark Side of the Moon ; y la fusión jazz/rock de Miles Davis .
— Michael Campbell , Música popular en Estados Unidos , 2012 [12]
Los límites entre el arte y la música pop se volvieron cada vez más borrosos a lo largo de la segunda mitad del siglo XX. [19] El primer uso del término "art rock", según el Diccionario en línea Merriam-Webster , fue en 1968. [4] A medida que el formato dominante de la música pop pasó de los sencillos a los álbumes , [nb 1] muchas bandas de rock crearon obras que aspiraba a hacer grandes declaraciones artísticas, donde el art rock florecería. [21] A medida que avanzaba a finales de la década de 1960, junto con el desarrollo del rock progresivo, el art rock adquirió notoriedad junto con el rock experimental. [22]
Se supone que la primera figura del art rock fue el productor y compositor Phil Spector , quien se hizo conocido como autor por sus producciones de Wall of Sound que aspiraban a una "grandiosidad clásica". [23] Según el biógrafo Richard Williams : "[Spector] creó un nuevo concepto: el productor como director general del proceso creativo, de principio a fin. Él tomó el control de todo, eligió a los artistas, escribió o eligió el material. , supervisó los arreglos, les dijo a los cantantes cómo frasear, dirigió todas las fases del proceso de grabación con la más minuciosa atención al detalle y lanzó el resultado en su propio sello". [24] Williams también dice que Spector transformó la música rock de un arte escénico a un arte que sólo podía existir en el estudio de grabación, lo que "allanó el camino para el art rock". [25]
El líder de los Beach Boys, Brian Wilson, también es citado como uno de los primeros ejemplos del productor musical de autor. [26] [nb 2] Al igual que Spector, Wilson era conocido como un obsesivo solitario del estudio que producía laboriosamente paisajes sonoros fantásticos a través de su dominio de la tecnología de grabación. [28] El biógrafo Peter Ames Carlin escribió que Wilson fue el precursor de "un nuevo tipo de art-rock que combinaría las posibilidades trascendentes del arte con la accesibilidad generalizada de la música pop". [29] A partir de la influencia del trabajo de Wilson y del trabajo del productor de los Beatles , George Martin , los productores musicales después de mediados de la década de 1960 comenzaron a ver el estudio de grabación como un instrumento musical utilizado para ayudar en el proceso de composición. [26] El crítico Stephen Holden dice que las grabaciones de mediados de la década de 1960 de los Beatles, Spector y Wilson a menudo se identifican como las que marcan el inicio del art pop, que precedió al art rock "grandioso y de inflexión clásica" que comenzó a finales de la década de 1960. [21]
Muchos de los principales grupos británicos de la década de 1960, incluidos miembros de los Beatles, los Rolling Stones , los Kinks , los Who , 10cc , los Move , los Yardbirds y Pink Floyd, llegaron a la música a través de la escuela de arte . [30] [31] Esta institución se diferenciaba de su contraparte estadounidense en términos de tener un plan de estudios menos aplicable a la industria y en su enfoque en promover el talento excéntrico. [32] A mediados de la década de 1960, varios de estos actos adoptaron un enfoque basado en el arte y la originalidad, mientras que anteriormente habían estado absorbidos únicamente en la interpretación auténtica de estilos musicales derivados de Estados Unidos, como el rock 'n' roll y el R&B . [33]
Según el periodista Richard Goldstein , muchos músicos populares de California (como Wilson) deseaban ser reconocidos como artistas y lucharon con esta aspiración. Goldstein dice que la línea entre violar las convenciones musicales y hacer "música verdaderamente popular" hizo que aquellos que no tenían "egos lo suficientemente fuertes" (en contraste con Bob Dylan y los Beatles) estuvieran "condenados a un rechazo respetuoso, y algunos álbumes con ventas decepcionantes generalmente significaba silencio... Anhelaban la fama, como sólo la gente necesitada puede hacerlo, pero también querían hacer arte, y cuando ambos impulsos no pudieron lograrse, retrocedieron en una bola de confusión frenética". [34]
El autor Matthew Bannister remonta "la estética camp más consciente del art rock" al artista pop Andy Warhol y Velvet Underground, quienes emularon la síntesis arte/pop de Warhol. [35] En consecuencia: "Warhol llevó la combinación de Spector de la incorpórea, la 'distancia' y el refinamiento de la alta cultura con la 'inmediatez' de las formas culturales de masas como el rock and roll varias etapas más allá... Pero la estética de Warhol estaba más elaborada que Spector, que representó una fase de transición entre el autorismo anticuado y los principios completamente posmodernos y distantes del arte pop... El enfoque de Warhol resuena en todo el art rock, más obviamente en su postura de distancia y desconexión". [36] En 1969, los Doors también exploraron el género art rock en su cuarto álbum, The Soft Parade . [37]
El lanzamiento en diciembre de 1965 de Rubber Soul de los Beatles significó un hito para el álbum pop, [38] transformándolo en alcance de una colección de sencillos con pistas de menor calidad a una forma de arte distinta, llena de composiciones originales de alta calidad. [39] El álbum obtuvo reconocimiento para los Beatles como artistas de la prensa estadounidense, [40] anticipando la legitimación cultural de la música rock como forma de arte. [41] En un escrito de 1968, Gene Sculatti de Jazz & Pop reconoció a Rubber Soul como "el álbum definitivo de 'rock como arte'" y "el prototipo necesario" que tenían grandes artistas como los Rolling Stones (con Aftermath ) y los Beach Boys. me sentí obligado a seguir. [42]
El período en el que la música rock se alineó más estrechamente con el arte comenzó en 1966 y continuó hasta mediados de los años setenta. [43] El académico Michael Johnson asocia "los primeros momentos documentados de ascensión en la música rock" con Pet Sounds de los Beach Boys y Sgt. de los Beatles . Banda del club de corazones solitarios de Pepper (1967). Lanzado en mayo de 1966, Pet Sounds surgió del deseo de Wilson de hacer una "declaración completa", como creía que los Beatles habían hecho anteriormente con Rubber Soul . [44] [nb 3] En 1978, el biógrafo David Leaf escribió que el álbum anunciaba el art rock, [46] mientras que, según The New York Observer , " Pet Sounds demostró que un grupo pop podía hacer una pieza de la duración de un álbum comparable con la "Las mejores obras de larga duración de Bernstein , Copland , Ives y Rodgers y Hammerstein ". [47] Pet Sounds también se considera el primer álbum conceptual de rock. [48] [49] [nb 4] En 1971, la revista Cue describió a los Beach Boys como "entre la vanguardia" en lo que respecta al art rock, entre muchos otros aspectos relacionados con la contracultura, durante el período hasta finales de 1967. [50]
La enciclopedia Music in American Life de Jacqueline Edmondson de 2013 afirma que, aunque fue precedido por ejemplos anteriores, el álbum debut de Frank Zappa and the Mothers of Invention Freak Out! (junio de 1966) llegó a ser visto como "la primera incorporación exitosa de música artística en un contexto pop". Con Los Ángeles como su base desde principios de la década de 1960, Zappa pudo trabajar en un ambiente donde el radicalismo estudiantil estaba estrechamente alineado con una escena vanguardista activa, un escenario que colocó a la ciudad por delante de otros centros contraculturales en ese momento y que continuaría. para informar su música. [19] El escritor y pianista Michael Campbell comenta que el álbum "contiene una larga lista no categórica de las influencias de Zappa, desde compositores clásicos de vanguardia hasta oscuros músicos folclóricos". [12]
Revolver de los Beatles (agosto de 1966) impulsó la perspectiva del álbum como arte [51] y continuó la evolución de la música pop. [52] Liderado por el sencillo art-rock " Eleanor Rigby ", [53] amplió el alcance del género en términos de la gama de estilos musicales, que incluían indio, vanguardista y clásico, y el contenido lírico del álbum. [54] y también en su desviación de nociones previas de melodía y estructura en la composición de canciones pop. [55] Según Rolling Stone , " Revolver señaló que en la música popular, cualquier cosa, cualquier tema, cualquier idea musical, ahora podría realizarse". [56] Al igual que Rubber Soul , el álbum inspiró a muchos de los artistas de rock progresivo de la década de 1970, [57] y se ha reconocido que cada una de sus canciones anticipa un nuevo subgénero o estilo. [58]
Clash Music nombra el álbum debut de Velvet Underground de marzo de 1967, The Velvet Underground & Nico, "el disco de art-rock original". [59] [nb 5] Bannister escribe sobre Velvet Underground: "ninguna otra banda ejerció el mismo control sobre las mentes de los artistas, escritores y audiencias de arte/rock alternativo de los años 1970 y 1980". [61] Su influencia se repetiría a partir de la década de 1970 en variasescenas independientes de todo el mundo, [61] [nb 6] y en 2006, The Velvet Underground & Nico fueron incluidos en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso , quien comentó: "Por Durante décadas ha proyectado una enorme sombra sobre casi todas las subvariedades del rock de vanguardia , desde el art-rock de los 70 hasta el no-wave , el new-wave y el punk ". [62] Sin embargo, cuando Velvet Underground apareció por primera vez a mediados de la década de 1960, enfrentaron el rechazo y comúnmente fueron descartados como una banda "maricón". [63] En 1982, el músico Brian Eno afirmó que, si bien The Velvet Underground & Nico inicialmente vendieron sólo 30.000 copias, "todos los que compraron una de esas 30.000 copias formaron una banda". [64]
Paul McCartney de los Beatles consideró Pet Sounds "el disco de la época" y, en junio de 1967, la banda respondió con su propio álbum: Sgt. Pepper's , [65] [nb 7] que también fue influenciado por Freak Out! [66] AllMusic afirma que la primera ola de músicos de art rock se inspiró en el sargento. Pepper's y creían que para que la música rock creciera artísticamente, debían incorporar elementos de la música clásica y europea al género. [1] [nb 8] Muchos grupos británicos florecieron a raíz del álbum; aquellos que figuran en Music in American Life incluyen a Moody Blues , Strawbs , Genesis y "más notablemente", Pink Floyd. [68] [nb 9] Roger Waters de la banda declaró más tarde que tanto el sargento. Pepper and Pet Sounds "cambió completamente todo lo relacionado con los discos" para él. [70]
El mayor nivel de popularidad del art rock se produjo a principios de la década de 1970 a través de artistas británicos como King Crimson y Queen . [3]
A principios de la década, Pink Floyd lanzó Atom Heart Mother , con la canción principal de 23 minutos ocupando toda la primera cara del LP. Este experimento con el colaborador Ron Geesin produjo la canción ininterrumpida más larga de Pink Floyd jamás registrada, una suite dividida en seis partes, que requirió que la banda a veces utilizara un coro y una sección de metales durante la gira. El álbum fue un éxito comercial y le dio a la banda su primer disco número uno en el Reino Unido. Señaló un cambio en su música desde las incursiones psicodélicas de sus álbumes de finales de los 60 hacia un período de creatividad renovada en forma de música rock más larga y progresiva.
El entusiasmo por las exploraciones artísticas en roca disminuyó a mediados de la década de 1970. [12] Desde entonces hasta la década de 1990, el art rock se infundió en varios géneros de música popular. [3] Encyclopædia Britannica afirma que las tendencias de su género fueron continuadas por algunos artistas de hard rock y pop rock británicos y estadounidenses , y que las colaboraciones de Brian Eno a finales de los 70 y principios de los 80 con David Bowie y Talking Heads son ejemplares de "la exitosa infusión de tendencias del art rock hacia otros géneros de música popular". [3] Bowie y Eno colaboraron en una serie de álbumes consecutivos llamados " Berlin Trilogy ", caracterizados como una "trifecta de art rock" por Consequence of Sound , quien señaló que en el momento de su lanzamiento, "Los discos experimentales no eran conectarse con el público en la escala a la que Bowie estaba acostumbrado... La Nueva Ola había explotado y una generación de descendientes de Bowie había subido al escenario". [71]
En la década de 1980, una nueva generación de art rockers ingleses tomó el lugar de bandas de la década de 1970 como Roxy Music , [72] Yes , Genesis , Jethro Tull y Emerson, Lake & Palmer . El periodista Roy Trakin dice: "Por supuesto, estos incondicionales todavía pueden llenar el Madison Square Garden y vender una gran cantidad de discos, como siempre lo han hecho, pero sus días de aventureros riesgos e innovación musical quedaron atrás, reemplazados por la satisfacción engreída de éxito comercial." [73]