La guitarra clásica , también conocida como guitarra española , [1] es un miembro de la familia de las guitarras utilizadas en la música clásica y otros estilos. Un instrumento acústico de cuerdas de madera con cuerdas de tripa o nailon , es un precursor de las guitarras acústicas y eléctricas modernas con cuerdas de acero , las cuales usan cuerdas de metal . Las guitarras clásicas derivan de instrumentos como el laúd , la vihuela , el gittern (el nombre es un derivado del griego " kithara "), que evolucionaron en la guitarra renacentista y en la guitarra barroca de los siglos XVII y XVIII . La guitarra clásica moderna de hoy fue establecida por los diseños tardíos del luthier español del siglo XIX , Antonio Torres Jurado .
Para un diestro, la guitarra clásica tradicional tiene 12 trastes libres del cuerpo y se sostiene correctamente con la pierna izquierda, de modo que la mano que puntea o rasguea las cuerdas lo hace cerca de la parte posterior del orificio de sonido (esto se llama posición clásica). Sin embargo, la mano derecha puede moverse más cerca del diapasón para lograr diferentes calidades tonales. El músico normalmente sostiene la pierna izquierda más alta mediante el uso de un reposapiés . La guitarra moderna de cuerdas de acero, por otro lado, generalmente tiene 14 trastes libres del cuerpo (ver Dreadnought ) y comúnmente se sostiene con una correa alrededor del mástil y el hombro.
La frase "guitarra clásica" puede referirse a cualquiera de dos conceptos distintos al instrumento en sí:
El término guitarra clásica moderna a veces distingue a la guitarra clásica de formas más antiguas de guitarra, que en su sentido más amplio también se denominan clásicas , o más específicamente, guitarras antiguas . Algunos ejemplos de guitarras antiguas incluyen la guitarra romántica temprana de seis cuerdas ( c. 1790-1880 ) y las guitarras barrocas anteriores con cinco órdenes .
Los materiales y métodos de construcción de la guitarra clásica pueden variar, pero la forma típica es la de una guitarra clásica moderna o aquella guitarra clásica histórica similar a las primeras guitarras románticas de España, Francia e Italia. Las cuerdas de guitarra clásica que antes estaban hechas de tripa ahora están hechas de materiales como nailon o fluoropolímeros , generalmente con un alambre fino de cobre plateado enrollado alrededor de las cuerdas acústicamente más bajas (dAE en afinación estándar).
Se puede identificar un árbol genealógico de la guitarra. La guitarra flamenca deriva de la clásica moderna, pero tiene diferencias en el material, la construcción y el sonido. [2] [3]
La guitarra clásica tiene una larga historia y se pueden distinguir varios:
Tanto el instrumento como el repertorio pueden verse desde una combinación de varias perspectivas:
Histórico (periodo cronológico de tiempo)
Geográfico
Cultural
Aunque hoy en día la "guitarra clásica" se asocia principalmente con el diseño de la guitarra clásica moderna, existe un creciente interés por las guitarras antiguas y por comprender el vínculo entre el repertorio histórico y la guitarra del período particular que se utilizó originalmente para interpretar ese repertorio. El musicólogo y autor Graham Wade escribe:
En la actualidad, es habitual tocar este repertorio en reproducciones de instrumentos que siguen fielmente los conceptos de la investigación musicológica, con los ajustes técnicos y de interpretación adecuados. Así, en las últimas décadas nos hemos acostumbrado a artistas especialistas en el arte de la vihuela (un tipo de guitarra del siglo XVI muy popular en España), el laúd, la guitarra barroca, la guitarra del siglo XIX, etc. [5]
Los diferentes tipos de guitarras tienen diferentes estéticas de sonido, por ejemplo, diferentes características del espectro de color (la forma en que la energía del sonido se distribuye en la frecuencia fundamental y los armónicos ), diferente respuesta, etc. Estas diferencias se deben a diferencias en la construcción; por ejemplo, las guitarras clásicas modernas suelen utilizar un varetaje diferente (varetaje en abanico) del utilizado en las guitarras anteriores (tenían varetaje en escalera); y el luthier utilizó una sonoridad diferente.
Existe un paralelismo histórico entre los estilos musicales (barroco, clásico, romántico, flamenco, jazz) y el estilo de “estética sonora” de los instrumentos musicales utilizados, por ejemplo: Robert de Visée tocaba una guitarra barroca con una estética sonora muy diferente de las guitarras utilizadas por Mauro Giuliani y Luigi Legnani –ellos utilizaban guitarras del siglo XIX–. Estas guitarras a su vez suenan diferentes a los modelos Torres utilizados por Segovia que son adecuados para interpretaciones de obras romántico-modernas como Moreno Torroba .
Si consideramos la guitarra desde una perspectiva histórica, el instrumento musical utilizado es tan importante como el lenguaje y el estilo musical del período en cuestión. Por ejemplo, es imposible tocar un De Visee o Corbetta (guitarristas y compositores barrocos) con una base histórica en una guitarra clásica moderna. La razón es que la guitarra barroca utilizaba cuerdas, que son dos cuerdas muy juntas (al unísono) que se pulsan juntas. Esto le da a las guitarras barrocas una característica de sonido inconfundible y una textura tonal que es parte integral de una interpretación. Además, la estética del sonido de la guitarra barroca (con su fuerte presencia de armónicos) es muy diferente de las guitarras de tipo clásico moderno, como se muestra a continuación.
El uso actual de guitarras tipo Torres y post-Torres para el repertorio de todos los períodos es a veces visto con crítica: las guitarras modernas de estilo Torres y post-Torres (con su diseño y varetaje en abanico) tienen un sonido grueso y fuerte, muy adecuado para el repertorio de la era moderna. Sin embargo, se considera que enfatizan demasiado la fundamental (a expensas de los parciales de armónicos) para el repertorio anterior (clásico/romántico: Carulli, Sor, Giuliani, Mertz, ...; barroco: de Visee, ...; etc.). "Andrés Segovia presentó la guitarra española como un modelo versátil para todos los estilos de interpretación" [6] hasta el punto de que, todavía hoy, "muchos guitarristas tienen una visión de túnel del mundo de la guitarra, que proviene de la tradición moderna de Segovia". [7]
Si bien los instrumentos de estilo Torres y post-Torres con varetaje en abanico coexistieron con las guitarras tradicionales con varetaje en escalera a principios del siglo XX, las formas más antiguas finalmente desaparecieron. Algunos atribuyen esto a la popularidad de Segovia , considerándolo "el catalizador del cambio hacia el diseño español y la llamada escuela 'moderna' en la década de 1920 y más allá". [6] Los estilos de música interpretados en guitarras con varetaje en escalera estaban pasando de moda y, por ejemplo, en Alemania, más músicos estaban recurriendo a la música folclórica (música Schrammel y la Contraguitarra ). Esto se localizó en Alemania y Austria y volvió a pasar de moda. Por otro lado, Segovia estaba tocando conciertos en todo el mundo, popularizando la guitarra clásica moderna y, en la década de 1920, el estilo romántico-moderno español con obras para guitarra de Moreno Torroba, de Falla, etc.
El guitarrista clásico del siglo XIX Francisco Tárrega fue el primero en popularizar el diseño de Torres como instrumento clásico solista. Sin embargo, algunos sostienen que la influencia de Segovia hizo que dominara sobre otros diseños. Fábricas de todo el mundo comenzaron a producirlos en grandes cantidades.
Los compositores del período del Renacimiento que escribieron para guitarra de cuatro órdenes incluyen a Alonso Mudarra , Miguel de Fuenllana , Adrian Le Roy , Grégoire Brayssing , Guillaume de Morlaye y Simon Gorlier .
Guitarra de cuatro órdenes
Algunos compositores conocidos de guitarra barroca fueron Gaspar Sanz , Robert de Visée , Francesco Corbetta y Santiago de Murcia .
Desde aproximadamente 1780 hasta 1850, la guitarra tuvo numerosos compositores e intérpretes, entre ellos:
Hector Berlioz estudió guitarra cuando era adolescente; [11] Franz Schubert poseía al menos dos y escribió para el instrumento; [12] y Ludwig van Beethoven , después de escuchar tocar a Giuliani, comentó que el instrumento era "una orquesta en miniatura en sí mismo". [13] Niccolò Paganini también fue un virtuoso de la guitarra y compositor. Una vez escribió: "Amo la guitarra por su armonía; es mi compañera constante en todos mis viajes". También dijo, en otra ocasión: "No me gusta este instrumento, pero lo considero simplemente como una forma de ayudarme a pensar". [14]
El guitarrista y compositor Francisco Tárrega (21 de noviembre de 1852 – 15 de diciembre de 1909) fue uno de los grandes virtuosos y maestros de la guitarra y está considerado el padre de la guitarra clásica moderna. Como profesor de guitarra en los conservatorios de Madrid y Barcelona, definió muchos elementos de la técnica clásica moderna y elevó la importancia de la guitarra en la tradición de la música clásica.
A principios de la década de 1920, Andrés Segovia popularizó la guitarra con giras y grabaciones fonográficas tempranas. Segovia colaboró con los compositores Federico Moreno Torroba y Joaquín Turina con el objetivo de ampliar el repertorio de guitarra con nueva música. [15] La gira de Segovia por América del Sur revitalizó el interés público en la guitarra y ayudó a que la música para guitarra de Manuel Ponce y Heitor Villa-Lobos llegara a un público más amplio. [16] Los compositores Alexandre Tansman y Mario Castelnuovo-Tedesco recibieron el encargo de Segovia de escribir nuevas piezas para guitarra. [17] Luiz Bonfá popularizó estilos musicales brasileños como la recién creada Bossa Nova, que fue bien recibida por el público de los EE. UU.
El repertorio de guitarra clásica también incluye obras contemporáneas modernas, a veces denominadas "Nueva Música", como Changes de Elliott Carter , [18] Codex I de Cristóbal Halffter , [19] Sequenza XI de Luciano Berio , [20] Maurizio Pisati. Sette Studi de Maurice Ohana , [ 21] Si Le Jour Paraît de Maurice Ohana , [22] Rara (eco sierologico) de Sylvano Bussotti , [23] Suite für Guitarre allein, op. 164 , [24] Algo: Due pezzi per chitarra de Franco Donatoni , [25] Variazioni Notturne de Paolo Coggiola , [26] etc.
Entre los artistas conocidos por incluir repertorio moderno se encuentran Jürgen Ruck, Elena Càsoli, Leo Brouwer (cuando todavía actuaba), John Schneider , Reinbert Evers , Maria Kämmerling , Siegfried Behrend , David Starobin , Mats Scheidegger , Magnus Andersson , etc.
Este tipo de repertorio suele ser interpretado por guitarristas que han optado especialmente por centrarse en la vanguardia en sus interpretaciones.
Dentro de la escena musical contemporánea también hay obras que se consideran generalmente extremas, como Kurze Schatten II de Brian Ferneyhough , [27] Away from de Sven-David Sandström [28] y Toccata Orpheus de Rolf Riehm , entre otras, que son conocidas por su extrema dificultad.
También hay una variedad de bases de datos que documentan obras de guitarra modernas como Sheer Pluck [29] y otras. [30] [31]
La evolución de la guitarra clásica y su repertorio abarca más de cuatro siglos. Tiene una historia que estuvo marcada por las aportaciones de instrumentos anteriores, como el laúd, la vihuela y la guitarra barroca.
El último guitarrista que siguió los pasos de Segovia fue Julián Bream, que cumplirá 73 años el 15 de julio de 2006. Miguel Llobet, Andrés Segovia y Julián Bream son las tres personalidades del mundo del espectáculo del siglo XX. No me malinterpretéis, hoy en día tenemos muchos guitarristas que son excelentes intérpretes, pero ninguno con una personalidad tan marcada en su tono y estilo como Llobet, Segovia y Bream. En todos los ámbitos instrumentales, no sólo en la guitarra, hay una falta de individualismo con una fuerte tendencia al conformismo, lo que me parece muy lamentable, ya que el arte (la música, el teatro o las artes pictóricas) es un asunto muy individual y personal. [32]
— Bernard Hebb, Entrevista
Los orígenes de la guitarra moderna no se conocen con certeza. Algunos creen que es originaria de Europa, mientras que otros piensan que es un instrumento importado. [33] Los instrumentos similares a la guitarra aparecen en tallas y estatuas antiguas recuperadas de las civilizaciones egipcia, sumeria y babilónica. [34] Esto significa que los instrumentos iraníes contemporáneos, como el tanbur y el setar, están lejanamente relacionados con la guitarra europea, ya que todos derivan en última instancia de los mismos orígenes antiguos, pero por rutas e influencias históricas muy diferentes. Las gitterns llamadas "guitarras" ya se usaban desde el siglo XIII, pero su construcción y afinación eran diferentes a las de las guitarras modernas. La época en la que se realizaron más cambios en la guitarra fue entre los años 1500 y 1800. [35]
El libro Tres libros de música de Alonso de Mudarra , publicado en España en 1546, contiene las primeras piezas escritas conocidas para una guitarra de cuatro órdenes. Esta "guitarra" de cuatro órdenes fue popular en Francia, España e Italia. En Francia, este instrumento ganó popularidad entre los aristócratas. Un volumen considerable de música se publicó en París entre los años 1550 y 1570: Le Troysième Livre... mis en tablature de Guiterne de Simon Gorlier se publicó en 1551. En 1551, Adrian Le Roy también publicó su Premier Livre de Tablature de Guiterne, y en el mismo año también publicó Briefve et facile instruction pour apprendre la tablature a bien accorder, conduire, et disposer la main sur la Guiterne. Robert Ballard, Grégoire Brayssing de Augsburgo y Guillaume Morlaye ( c. 1510 – c. 1558 ) contribuyeron significativamente a su repertorio. Le Premier Livre de Chansons, Gaillardes, Pavannes, Bransles, Almandes, Fantasies de Morlaye, que tiene un instrumento de cuatro órdenes ilustrado en su página de título, se publicó en colaboración con Michel Fedenzat y, entre otras piezas, publicaron seis libros de tablaturas del laudista Albert de Rippe (quien muy probablemente fue el maestro de Guillaume).
La historia escrita de la guitarra clásica se remonta a principios del siglo XVI con el desarrollo de la vihuela en España. Si bien el laúd se estaba volviendo popular en otras partes de Europa, los españoles no lo aceptaron bien debido a su asociación con los moros. [38] En cambio, apareció la vihuela, similar a un laúd, con dos cuerdas más que le dieron más rango y complejidad. En su forma más desarrollada, la vihuela era un instrumento parecido a una guitarra con seis cuerdas dobles hechas de tripa, afinadas como una guitarra clásica moderna con la excepción de la tercera cuerda, que estaba afinada medio tono más baja. Tiene un sonido alto y es bastante grande para sostenerlo. Han sobrevivido pocos y la mayoría de lo que se conoce hoy proviene de diagramas y pinturas.
Se cree que la guitarra de seis cuerdas más antigua que se conserva fue construida en 1779 por Gaetano Vinaccia (1759 - después de 1831) en Nápoles , Italia ; sin embargo, la fecha en la etiqueta es un poco ambigua. [39] [40] [41] La familia de luthiers Vinaccia es conocida por desarrollar la mandolina . Esta guitarra ha sido examinada y no muestra signos reveladores de modificaciones de una guitarra de doble cuerda. [42] La autenticidad de las guitarras supuestamente producidas antes de la década de 1790 a menudo está en duda. Esto también corresponde a cuando apareció el método de 6 cuerdas de Moretti, en 1792.
La guitarra clásica moderna fue desarrollada en el siglo XIX por Antonio de Torres Jurado , Ignacio Fleta , Hermann Hauser Sr. y Robert Bouchet. El luthier y músico español Antonio de Torres le dio a la guitarra clásica moderna su forma definitiva, con un cuerpo ensanchado, una curva de cintura aumentada, un vientre adelgazado y un refuerzo interno mejorado. [43] La guitarra clásica moderna reemplazó una forma más antigua para el acompañamiento de canciones y bailes llamada flamenco , y se creó una versión modificada, conocida como guitarra flamenca .
El fingerstyle se utiliza fervientemente en la guitarra clásica moderna. El pulgar tradicionalmente puntea la nota grave, o fundamental , mientras que los dedos tocan la melodía y sus partes acompañantes. A menudo, la técnica de la guitarra clásica implica el uso de las uñas de la mano derecha para puntear las notas. Los intérpretes destacados fueron: Francisco Tárrega , Emilio Pujol , Andrés Segovia , Julian Bream , Agustín Barrios y John Williams (guitarrista) .
La guitarra clásica moderna se suele tocar en posición sentada, con el instrumento apoyado sobre el regazo izquierdo y el pie izquierdo sobre un taburete. Como alternativa, si no se utiliza un taburete, se puede colocar un soporte de guitarra entre la guitarra y el regazo izquierdo (el soporte suele fijarse al lateral del instrumento con ventosas ). (Por supuesto, hay excepciones, ya que algunos intérpretes optan por sujetar el instrumento de otra manera).
Los diestros utilizan los dedos de la mano derecha para pulsar las cuerdas, con el pulgar pulsando desde la parte superior de la cuerda hacia abajo (golpe descendente) y los demás dedos pulsando desde la parte inferior de la cuerda hacia arriba (golpe ascendente). El dedo meñique, en la técnica clásica tal y como evolucionó en el siglo XX, se utiliza únicamente para acompañar al dedo anular sin golpear las cuerdas y, de este modo, facilitar fisiológicamente el movimiento del dedo anular.
Por el contrario, la técnica flamenca y las composiciones clásicas que evocan al flamenco emplean el dedo meñique de forma semiindependiente en el rasgueado flamenco de cuatro dedos , ese rápido rasgueo de la cuerda con los dedos en orden inverso empleando el dorso de la uña, una característica familiar del flamenco.
La técnica flamenca , en la ejecución del rasgueado, también utiliza el golpe ascendente de los cuatro dedos y el descendente del pulgar: la cuerda se golpea no sólo con la parte interior, carnosa, de la yema del dedo, sino también con la parte exterior, la uña. Esto también se utilizaba en una técnica de la vihuela llamada dedillo [44] que recientemente ha comenzado a introducirse en la guitarra clásica.
Algunos guitarristas modernos, como Štěpán Rak y Kazuhito Yamashita , utilizan el dedo meñique de forma independiente, compensando su acortamiento manteniendo una uña extremadamente larga. Rak y Yamashita también han generalizado el uso del golpe ascendente de los cuatro dedos y el golpe descendente del pulgar (la misma técnica que en el rasgueado del flamenco : como se explicó anteriormente, la cuerda se golpea no solo con la parte interna y carnosa de la punta del dedo sino también con la parte externa, la uña) tanto como golpe libre como golpe de apoyo. [45]
Al igual que con otros instrumentos de cuerda pulsada (como el laúd), el músico toca directamente las cuerdas (normalmente punteándolas) para producir el sonido. Esto tiene consecuencias importantes: se pueden producir diferentes tonos/ timbres (de una sola nota) punteando la cuerda de diferentes maneras ( apoyando o tirando ) y en diferentes posiciones (como más cerca o más lejos del puente de la guitarra). Por ejemplo, puntear una cuerda al aire sonará más brillante que tocar la misma nota o notas en una posición con trastes (que tendría un tono más cálido).
La versatilidad del instrumento significa que puede crear una variedad de tonos, pero este estilo de punteo con los dedos también hace que el instrumento sea más difícil de aprender que la técnica de rasgueo de una guitarra acústica estándar. [46]
En las partituras de guitarra , los cinco dedos de la mano derecha (que pulsan las cuerdas) se designan con la primera letra de su nombre en español, a saber: p = pulgar , i = índice , m = mayor , a = anular , c = meñique [47 ]
Los cuatro dedos de la mano izquierda (que tocan las cuerdas) se designan 1 = índice, 2 = mayor, 3 = anular, 4 = meñique. El 0 designa una cuerda abierta, una cuerda que no se detiene con un dedo y cuya longitud total vibra al pulsarla. Es raro utilizar el pulgar de la mano izquierda en una interpretación, ya que el mástil de una guitarra clásica es demasiado ancho para resultar cómodo y la técnica normal mantiene el pulgar detrás del mástil. Sin embargo, Johann Kaspar Mertz, por ejemplo, es notable por especificar que el pulgar toque las notas graves en la sexta cuerda, anotada con una punta de flecha hacia arriba (⌃). [48]
Las partituras (a diferencia de las tablaturas ) no indican sistemáticamente la cuerda que se debe pulsar (aunque la elección suele ser obvia). Cuando es útil indicar la cuerda, la partitura utiliza los números del 1 al 6 dentro de círculos (de la cuerda más aguda a la más grave).
Las partituras no indican sistemáticamente las posiciones del diapasón (dónde poner el primer dedo de la mano que presiona los trastes), pero cuando es útil (principalmente con acordes de cejilla), la partitura indica las posiciones con números romanos desde la primera posición I (dedo índice en el 1er traste: FB bemol-E bemol-A bemol-CF) hasta la duodécima posición XII (dedo índice en el 12º traste: EADGBE. El 12º traste es donde comienza el cuerpo) o incluso más arriba hasta la posición XIX (la guitarra clásica suele tener 19 trastes, y el 19º traste suele estar dividido y no se puede usar para presionar las cuerdas 3.ª y 4.ª).
Para lograr efectos de trémolo y pasajes de escalas rápidos y fluidos, el ejecutante debe practicar la alternancia, es decir, nunca tocar una cuerda con el mismo dedo dos veces seguidas. Utilizando p para indicar el pulgar, i para el índice, m para el dedo medio y a para el anular, los patrones de alternancia más comunes incluyen:
La música escrita específicamente para la guitarra clásica data de la adición de la sexta cuerda (la guitarra barroca normalmente tenía cinco pares de cuerdas ) a finales del siglo XVIII.
Un recital de guitarra puede incluir una variedad de obras, por ejemplo, obras escritas originalmente para laúd o vihuela por compositores como John Dowland (nacido en Inglaterra en 1563) y Luis de Narváez (nacido en España c. 1500 ), y también música escrita para clave por Domenico Scarlatti (nacido en Italia en 1685), para laúd barroco por Sylvius Leopold Weiss (nacido en Alemania en 1687), para guitarra barroca por Robert de Visée (nacido en Francia c. 1650 ) o incluso música con sabor español escrita para piano por Isaac Albéniz (nacido en España en 1860) y Enrique Granados (nacido en España en 1867). El compositor más importante que no escribió para guitarra pero cuya música se toca a menudo en ella es Johann Sebastian Bach (nacido en Alemania en 1685), cuyas obras barrocas para laúd, violín y violonchelo han demostrado ser muy adaptables al instrumento.
Entre la música escrita originalmente para guitarra, los primeros compositores importantes son del período clásico, entre ellos Fernando Sor (n. España 1778) y Mauro Giuliani (n. Italia 1781), ambos con un estilo fuertemente influenciado por el clasicismo vienés. En el siglo XIX, compositores de guitarra como Johann Kaspar Mertz (n. Eslovaquia, Austria 1806) se vieron fuertemente influenciados por el predominio del piano. No fue hasta finales del siglo XIX cuando la guitarra comenzó a establecer su propia identidad única. Francisco Tárrega (n. España 1852) fue fundamental en esto, incorporando a veces aspectos estilizados de las influencias moriscas del flamenco en sus miniaturas románticas. Esto fue parte del nacionalismo musical europeo dominante de finales del siglo XIX. Albéniz y Granados fueron fundamentales para este movimiento; su evocación de la guitarra tuvo tanto éxito que sus composiciones han sido absorbidas por el repertorio estándar de guitarra.
Las guitarras eléctricas y de cuerdas de acero características del auge del rock and roll en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial se volvieron más ampliamente tocadas en América del Norte y el mundo angloparlante. Agustín Barrios Mangoré de Paraguay compuso muchas obras y llevó a la corriente principal las características de la música latinoamericana, al igual que el compositor brasileño Heitor Villa-Lobos . Andrés Segovia encargó obras a compositores españoles como Federico Moreno Torroba y Joaquín Rodrigo , italianos como Mario Castelnuovo-Tedesco y compositores latinoamericanos como Manuel Ponce de México. Otros compositores latinoamericanos destacados son Leo Brouwer de Cuba, Antonio Lauro de Venezuela y Enrique Solares de Guatemala. Julian Bream de Gran Bretaña logró que casi todos los compositores británicos, desde William Walton y Benjamin Britten hasta Peter Maxwell Davies, escribieran obras significativas para guitarra. Las colaboraciones de Bream con el tenor Peter Pears también dieron como resultado ciclos de canciones de Britten, Lennox Berkeley y otros. Hay obras importantes de compositores como Hans Werner Henze de Alemania, Gilbert Biberian de Inglaterra y Roland Chadwick de Australia.
La guitarra clásica también se utilizó ampliamente en la música popular y el rock & roll en la década de 1960 después de que el guitarrista Mason Williams popularizara el instrumento en su éxito instrumental Classical Gas . El guitarrista Christopher Parkening es citado en el libro Classical Gas: The Music of Mason Williams diciendo que es la pieza de guitarra más solicitada además de Malagueña y quizás la pieza de guitarra instrumental más conocida en la actualidad. En el campo del Nuevo Flamenco , las obras e interpretaciones del compositor e intérprete español Paco de Lucía son conocidas en todo el mundo.
No se han escrito muchos conciertos para guitarra clásica a lo largo de la historia. Sin embargo, algunos conciertos para guitarra son hoy en día ampliamente conocidos y populares, especialmente el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo (con el famoso tema del 2º movimiento) y Fantasía para un gentilhombre . Los compositores que también escribieron conciertos para guitarra famosos son: Antonio Vivaldi (originalmente para mandolina o laúd), Mauro Giuliani , Heitor Villa-Lobos , Mario Castelnuovo-Tedesco , Manuel Ponce , Leo Brouwer , Lennox Berkeley y Malcolm Arnold . Hoy en día, cada vez más compositores contemporáneos deciden escribir un concierto para guitarra, entre ellos Bosco Sacro de Federico Biscione, para guitarra y orquesta de cuerdas, es uno de los más inspirados.
La guitarra clásica se distingue por una serie de características:
Las partes típicas de las guitarras clásicas incluyen: [50]
El diapasón (también llamado diapasón ) es una pieza de madera con trastes metálicos incrustados que constituye la parte superior del mástil. Es plano o ligeramente curvado. La curvatura del diapasón se mide por el radio del diapasón, que es el radio de un círculo hipotético del que la superficie del diapasón constituye un segmento. Cuanto menor sea el radio del diapasón, más notablemente curvado será el diapasón. Los diapasones suelen estar hechos de ébano , pero también pueden estar hechos de palo rosa , alguna otra madera dura o de compuesto fenólico ("micarta").
Los trastes son tiras de metal (normalmente de aleación de níquel o acero inoxidable) incrustadas a lo largo del diapasón y colocadas en puntos que dividen matemáticamente la longitud de la cuerda. La longitud de vibración de las cuerdas se determina cuando se presionan las cuerdas detrás de los trastes. Cada traste produce un tono diferente y cada tono está espaciado medio paso entre sí en la escala de 12 tonos. La relación de los anchos de dos trastes consecutivos es la raíz duodécima de dos ( ), cuyo valor numérico es aproximadamente 1,059463. El duodécimo traste divide la cuerda en dos mitades exactas y el vigésimo cuarto traste (si está presente) divide la cuerda en dos mitades nuevamente. Cada doce trastes representa una octava. Esta disposición de trastes da como resultado una afinación de temperamento igual .
Los trastes, el diapasón, los clavijeros y el clavijero de una guitarra clásica, todos unidos a una larga extensión de madera, constituyen colectivamente su mástil . La madera del diapasón suele ser diferente a la del resto del mástil. La tensión de flexión en el mástil es considerable, en particular cuando se utilizan cuerdas de mayor calibre. La escala más común para la guitarra clásica es de 650 mm (calculada midiendo la distancia entre el extremo de la cejuela y el centro del traste 12 y luego duplicando esa medida). Sin embargo, las escalas pueden variar entre 635 y 664 mm o más. [51]
Este es el punto donde el mástil se une al cuerpo. En la unión tradicional del mástil española, el mástil y el bloque son una sola pieza con los lados insertados en ranuras cortadas en el bloque. Otros mástiles se construyen por separado y se unen al cuerpo ya sea con una unión de cola de milano, una mortaja o una unión al ras. Estas uniones suelen estar encoladas y pueden reforzarse con sujetadores mecánicos. Recientemente, muchos fabricantes utilizan sujetadores atornillados. Las uniones del mástil atornilladas alguna vez se asociaron solo con instrumentos menos costosos, pero ahora algunos fabricantes y constructores manuales de primer nivel están utilizando variaciones de este método. Algunas personas creían que el mástil/bloque de una pieza de estilo español y los mástiles de cola de milano encolados tienen un mejor sustain, pero las pruebas no han podido confirmarlo. Mientras que la mayoría de los constructores de estilo español tradicional utilizan el mástil/bloque de una pieza, Fleta, un destacado constructor español, utilizó una unión de cola de milano debido a la influencia de su formación temprana en la fabricación de violines. Una razón para la introducción de las uniones mecánicas fue facilitar la reparación de los mástiles. Esto es más un problema con las guitarras de cuerdas de acero que con las cuerdas de nailon, que tienen aproximadamente la mitad de tensión de cuerda. Es por esto que las guitarras con cuerdas de nailon a menudo tampoco incluyen un tensor.
El cuerpo del instrumento es un determinante importante de la variedad general del sonido de las guitarras acústicas. La tapa de la guitarra, o tabla armónica , es un elemento finamente elaborado y diseñado a menudo de abeto o cedro rojo . Considerado el factor más importante para determinar la calidad del sonido de una guitarra, esta delgada pieza de madera (a menudo de 2 o 3 mm de espesor) tiene un grosor uniforme y está reforzada por diferentes tipos de refuerzos internos. La parte posterior está hecha de palo rosa y el palo rosa brasileño es especialmente codiciado, pero a veces se utilizan caoba u otras maderas decorativas. [52]
La mayor parte del sonido es causado por la vibración de la tapa de la guitarra a medida que la energía de las cuerdas vibrantes se transfiere a ella. Los luthiers han utilizado diferentes patrones de refuerzo de madera a lo largo de los años ( Torres , Hauser , Ramírez , Fleta y CF Martin se encuentran entre los diseñadores más influyentes de su época); no solo para fortalecer la tapa contra el colapso bajo la tremenda tensión ejercida por las cuerdas tensadas, sino también para afectar la resonancia de la tapa. Algunos fabricantes de guitarras contemporáneos han introducido nuevos conceptos de construcción como la "doble tapa" que consiste en dos placas de madera extrafinas separadas por Nomex , o refuerzos con patrón de celosía reforzados con fibra de carbono. La parte posterior y los lados están hechos de una variedad de maderas como caoba, arce, ciprés, palo rosa de la India y el muy apreciado palo rosa brasileño ( Dalbergia nigra ). Cada uno se elige por su efecto estético y resistencia estructural, y dicha elección también puede desempeñar un papel en la determinación del timbre del instrumento . Estos también están reforzados con varetaje interno y decorados con incrustaciones y filetes. Antonio de Torres Jurado demostró que era la tapa, y no el fondo y los aros de la guitarra lo que daba al instrumento su sonido, en 1862 construyó una guitarra con fondo y aros de papel maché. (Esta guitarra reside en el Museu de la Musica de Barcelona, y antes del año 2000 fue restaurada a condiciones tocables por los hermanos Yagüe, Barcelona). El cuerpo de una guitarra clásica es una cámara de resonancia que proyecta las vibraciones del cuerpo a través de un orificio de sonido , lo que permite que la guitarra acústica se escuche sin amplificación. El orificio de sonido normalmente es un solo orificio redondo en la tapa de la guitarra (debajo de las cuerdas), aunque algunos tienen diferentes ubicaciones, formas o números de orificios. La cantidad de aire que puede mover un instrumento determina su volumen máximo.
La tapa, el fondo y los aros del cuerpo de una guitarra clásica son muy finos, por lo que se pega una pieza flexible de madera llamada kerfing (porque a menudo se raya o se corta para que se doble con la forma del aro) en las esquinas donde el aro se une a la tapa y el fondo. Este refuerzo interior proporciona de 5 a 20 mm de área de encolado sólida para estas uniones de esquina.
Durante la construcción final, se talla o fresa una pequeña sección de las esquinas exteriores y se rellena con material de encuadernación en las esquinas exteriores y tiras decorativas de material junto a la encuadernación, que se denominan filetes . Este encuadernado sirve para sellar la veta de la tapa y la parte posterior. Los materiales de encuadernación y filetes generalmente están hechos de madera o de materiales plásticos de alta calidad.
El objetivo principal del puente de una guitarra clásica es transferir la vibración de las cuerdas a la tabla armónica, que hace vibrar el aire dentro de la guitarra, amplificando así el sonido producido por las cuerdas. El puente mantiene las cuerdas en su lugar en el cuerpo. Además, la posición del puente, generalmente una tira de hueso o plástico que sostiene las cuerdas fuera del puente, determina la distancia hasta la cejuela (en la parte superior del diapasón).
La guitarra clásica moderna de tamaño completo tiene una longitud de escala [53] de alrededor de 650 mm (25,6 pulgadas), con una longitud total del instrumento de 965–1016 mm (38,0–40,0 pulgadas). La longitud de escala se ha mantenido bastante constante desde que fue elegida por el creador del instrumento, Antonio de Torres . Esta longitud puede haber sido elegida porque es el doble de la longitud de una cuerda de violín. Como la guitarra está afinada a una octava por debajo de la del violín, se podría usar el mismo tamaño de tripa para las primeras cuerdas de ambos instrumentos.
Los instrumentos de escala más pequeña se producen para ayudar a los niños a aprender a tocar el instrumento, ya que la escala más pequeña hace que los trastes estén más juntos, lo que lo hace más fácil para las manos más pequeñas. El tamaño de la escala para las guitarras más pequeñas suele estar en el rango de 484 a 578 mm (19,1 a 22,8 pulgadas), con una longitud del instrumento de 785 a 915 mm (30,9 a 36,0 pulgadas). Los instrumentos de tamaño completo a veces se denominan 4/4, mientras que los tamaños más pequeños son 3/4, 1/2, 1/4 e incluso tan pequeños como 1/8 para niños muy pequeños. Sin embargo, no existe un conjunto estandarizado de dimensiones para las guitarras fraccionarias, y su diferencia de tamaño no es lineal con respecto a una guitarra de tamaño completo.
Se utilizan distintas afinaciones. La más común, que podríamos denominar "afinación estándar", es la siguiente:
El orden anterior es la afinación desde la 1.ª cuerda (la cuerda más aguda, mi'; espacialmente la cuerda más baja en la posición de ejecución) hasta la 6.ª cuerda (la cuerda más grave, mi); espacialmente la cuerda más alta en la posición de ejecución y, por lo tanto, cómoda para tocar con el pulgar.
La explicación de esta afinación "asimétrica" (en el sentido de que la 3ª mayor no está entre las dos cuerdas centrales, como en la afinación de la viola da gamba) es probablemente que la guitarra se originó como un instrumento de 4 cuerdas (en realidad un instrumento con 4 órdenes dobles de cuerdas, ver arriba) con una 3ª mayor entre la 2ª y la 3ª cuerda, y sólo se convirtió en un instrumento de 6 cuerdas mediante la adición gradual de una 5ª cuerda y luego una 6ª cuerda afinadas una 4ª aparte:
"El desarrollo de la afinación moderna se puede rastrear en etapas. Una de las afinaciones del siglo XVI es CFAD. Esto equivale a las cuatro cuerdas superiores de la guitarra moderna afinadas un tono más abajo. Sin embargo, el tono absoluto de estas notas no es equivalente al "tono de concierto" moderno. La afinación de la guitarra de cuatro órdenes se adelantó un tono y hacia finales del siglo XVI, se utilizaban instrumentos de cinco órdenes con una cuerda más baja añadida afinada en La. Esto produjo ADGBE, una de las numerosas afinaciones variantes de la época. La cuerda E grave se añadió durante el siglo XVIII". [54]
Esta afinación es tal que las cuerdas vecinas están separadas por 5 semitonos como máximo. También hay una variedad de afinaciones alternativas de uso común . La más común se conoce como afinación Drop D , que tiene la sexta cuerda afinada de un E a un D.
Una guitarra de tamaño bastante pequeño con el fondo abovedado en el grabado de Etienne Picart (c. 1680) basado en la pintura de Leonello Spada Concert (c. 1615), Museo del Louvre, París
...Según los registros históricos actuales, Gaetano Vinaccia y su hermano Gennaro fueron los responsables de la creación de la primera guitarra de seis cuerdas alrededor de 1776 en Nápoles... Los historiadores modernos a menudo han puesto en duda la autenticidad de su guitarra superviviente...
![{\displaystyle {\sqrt[{12}]{2}}}](https://wikimedia.org/api/rest_v1/media/math/render/svg/bc835f27425fb3140e1f75a5faa35b1e8b9efc35)
