El rock artístico es un subgénero de la música rock que generalmente refleja un enfoque desafiante o vanguardista del rock, o que hace uso de elementos modernistas , experimentales o no convencionales. El rock artístico aspira a elevar el rock del entretenimiento a una declaración artística, [7] optando por una perspectiva más experimental y conceptual de la música. [3] Las influencias pueden provenir de géneros como la música experimental , la música de vanguardia , la música clásica y el jazz . [1]
El rock artístico fue creado con la intención de escuchar y contemplar más que para bailar , [3] y a menudo se distingue por el uso de efectos electrónicos y texturas fáciles de escuchar muy alejadas de los ritmos propulsivos del rock primitivo. [7] El término a veces puede usarse indistintamente con " rock progresivo ", aunque este último se caracteriza en particular por su empleo de una técnica instrumental de formación clásica y texturas sinfónicas .
El género alcanzó su mayor nivel de popularidad a principios de los años 1970 gracias a los artistas británicos. La música, así como la naturaleza teatral de las representaciones asociadas con el género, fue capaz de atraer a adolescentes y adultos jóvenes con inclinaciones artísticas, especialmente debido a su virtuosismo y complejidad musical/lírica. [3] El rock artístico se asocia principalmente con un cierto período de la música rock, que comienza en 1966-67 y termina con la llegada del punk rock a mediados de los años 1970. [8] Después, el género se infundiría en géneros musicales populares posteriores de los años 1970-90. [3]
El crítico John Rockwell dice que el rock artístico es uno de los géneros más amplios y eclécticos del rock, con su evidente sentido de desapego creativo, pretensiones de música clásica y tendencias experimentales y vanguardistas . [9] En la música rock de la década de 1970, el descriptor "artístico" generalmente se entendía como "agresivamente vanguardista" o "pretenciosamente progresivo". [10] "Rock artístico" se usa a menudo como sinónimo de rock progresivo . [11] [9] [1] [3] Históricamente, el término se ha utilizado para describir al menos dos tipos de música rock relacionados, pero distintos. [12] El primero es el rock progresivo, mientras que el segundo uso se refiere a grupos que rechazaron la psicodelia y la contracultura hippie a favor de un enfoque modernista y vanguardista definido por Velvet Underground . [12] La ensayista Ellen Willis comparó estos dos tipos:
Desde principios de los años sesenta […] hubo una contratradición en el rock and roll que tenía mucho más en común con el arte elevado —en particular, el arte de vanguardia— que con la tan publicitada síntesis art-rock [rock progresivo]; implicaba utilizar de manera más o menos consciente los cánones formales básicos del rock and roll como material (de la misma manera que los artistas pop utilizaban el arte de masas en general) y refinar, elaborar y jugar con ese material para producir […] arte rock and roll. Mientras que el art rock se basaba implícitamente en la afirmación de que el rock and roll era o podía ser tan digno como formas de arte más establecidas, el arte rock and roll surgió de un compromiso obsesivo con el lenguaje del rock and roll y de un desdén igualmente obsesivo por aquellos que rechazaban ese lenguaje o querían diluirlo, hacerlo más fácil […] la nueva ola ha heredado la contratradición. [13]
El art rock enfatiza las tradiciones románticas y autónomas, en contraste con la estética de lo cotidiano y lo desechable encarnado por el art pop . [14] American Popular Music de Larry Starr y Christopher Waterman define el art rock como una "forma de música rock que mezcla elementos del rock y la música clásica europea", citando a las bandas de rock inglesas King Crimson , Emerson, Lake & Palmer y Pink Floyd como ejemplos. [15] Las características comunes incluyen música orientada al álbum dividida en composiciones en lugar de canciones, con secciones instrumentales generalmente complicadas y largas y orquestación sinfónica. [3] Su música se usó tradicionalmente dentro del contexto de discos conceptuales , y sus temas líricos tendían a ser "imaginativos" y de orientación política. [3]
Se han identificado diferencias entre el rock artístico y el rock progresivo, donde el rock artístico enfatiza las influencias vanguardistas o experimentales y la "estructura sonora novedosa", mientras que el rock progresivo se ha caracterizado por poner un mayor énfasis en la técnica instrumental de formación clásica, el contenido literario y las características sinfónicas . [1] En comparación con el rock progresivo, el rock artístico es "más desafiante, ruidoso y poco convencional" y "menos influenciado por la música clásica", con más énfasis en la música de vanguardia . [1] Las similitudes son que ambos describen un intento principalmente británico de elevar la música rock a nuevos niveles de credibilidad artística, [1] y se convirtieron en el análogo instrumental de los álbumes conceptuales y las óperas rock , que típicamente estaban más orientados a la voz. [16]
El rock artístico también puede referirse tanto al rock de estilo clásico como a una fusión de rock progresivo y folk . [3] El ensayo de Bruce Eder The Early History of Art-Rock/Prog Rock afirma que " el 'rock progresivo', también conocido a veces como 'rock artístico' o 'rock clásico ' " es música en la que las "bandas [están] tocando suites, no canciones; tomando prestados riffs de Bach, Beethoven y Wagner en lugar de Chuck Berry y Bo Diddley ; y usando un lenguaje más cercano a William Blake o TS Eliot que a Carl Perkins o Willie Dixon ". [17]
A finales de los sesenta y principios de los setenta, el rock adoptó y desafió la visión predominante del arte musical, a menudo al mismo tiempo. Esto es evidente en un conjunto diverso de música que incluye Pet Sounds de los Beach Boys y Sgt . Pepper de los Beatles ; Freak Out de Frank Zappa ... la ópera rock Tommy de los Who ; el álbum conceptual tecnológicamente avanzado Dark Side of the Moon de Pink Floyd ; y la fusión de jazz y rock de Miles Davis .
— Michael Campbell , Música popular en Estados Unidos , 2012 [11]
Los límites entre el arte y la música pop se fueron difuminando cada vez más a lo largo de la segunda mitad del siglo XX. [18] El primer uso del término "art rock", según el Merriam-Webster Online Dictionary , fue en 1968. [4] A medida que el formato dominante de la música pop pasó de sencillos a álbumes , [nb 1] muchas bandas de rock crearon obras que aspiraban a hacer grandes declaraciones artísticas, donde el art rock florecería. [20] A medida que avanzaba a fines de la década de 1960, en conjunto con el desarrollo del rock progresivo, el art rock adquirió notoriedad junto con el rock experimental. [21]
Se ha asumido que la primera figura del rock artístico fue el productor de discos y compositor Phil Spector , quien se hizo conocido como autor por sus producciones Wall of Sound que aspiraban a una "grandiosidad clásica". [22] Según el biógrafo Richard Williams : "[Spector] creó un nuevo concepto: el productor como director general del proceso creativo, de principio a fin. Tomó el control de todo, eligió a los artistas, escribió o eligió el material, supervisó los arreglos, les dijo a los cantantes cómo frasear, planeó todas las fases del proceso de grabación con la más dolorosa atención al detalle y lanzó el resultado en su propio sello". [23] Williams también dice que Spector transformó la música rock de un arte escénico a un arte que solo podía existir en el estudio de grabación, lo que "allanó el camino para el rock artístico". [24]
El líder de los Beach Boys, Brian Wilson, también es citado como uno de los primeros ejemplos del productor musical de autor. [25] [nb 2] Al igual que Spector, Wilson era conocido como un obsesivo solitario del estudio que producía laboriosamente paisajes sonoros fantásticos a través de su dominio de la tecnología de grabación. [27] El biógrafo Peter Ames Carlin escribió que Wilson fue el precursor de "un nuevo tipo de rock artístico que combinaría las posibilidades trascendentes del arte con la accesibilidad general de la música pop". [28] Inspirándose en la obra de Wilson y en la obra del productor de los Beatles , George Martin , los productores musicales después de mediados de los años 1960 comenzaron a ver el estudio de grabación como un instrumento musical utilizado para ayudar en el proceso de composición. [25] El crítico Stephen Holden dice que las grabaciones de mediados de los años 1960 de los Beatles, Spector y Wilson a menudo se identifican como el inicio del pop artístico, que precedió al rock artístico "bombástico, de inflexión clásica" que comenzó a fines de los años 1960. [20]
Muchos de los principales grupos británicos durante la década de 1960, incluidos miembros de los Beatles, los Rolling Stones , los Kinks , los Who , 10cc , los Move , los Yardbirds y Pink Floyd, llegaron a la música a través de la escuela de arte . [29] [30] Esta institución se diferenciaba de su contraparte estadounidense en términos de tener un programa de estudios menos aplicable a la industria y en su enfoque en promover el talento excéntrico. [31] A mediados de la década de 1960, varios de estos actos adoptaron un enfoque basado en el arte y la originalidad, donde anteriormente se habían absorbido únicamente en la interpretación auténtica de estilos musicales derivados de Estados Unidos, como el rock 'n' roll y el R&B . [32]
Según el periodista Richard Goldstein , muchos músicos populares de California (como Wilson) deseaban ser reconocidos como artistas y luchaban por lograr esta aspiración. Goldstein dice que la línea entre violar las convenciones musicales y hacer "música verdaderamente popular" hizo que aquellos que no tenían "egos lo suficientemente fuertes" (en contraste con Bob Dylan y los Beatles) estuvieran "condenados a un rechazo respetuoso, y unos pocos álbumes con ventas decepcionantes generalmente significaban silencio... Anhelaban la fama, como solo la gente necesitada puede hacerlo, pero también querían hacer arte, y cuando ambos impulsos no se podían lograr, retrocedían en una bola de confusión frenética". [33]
El autor Matthew Bannister rastrea "la estética más consciente y camp del rock artístico" hasta el artista pop Andy Warhol y la Velvet Underground, quienes emularon la síntesis arte/pop de Warhol. [34] En consecuencia: "Warhol llevó la combinación de Spector de la desencarnación, la 'distancia' y el refinamiento de la alta cultura con la 'inmediatez' de las formas culturales de masas como el rock and roll varias etapas más allá... Pero la estética de Warhol estaba más elaborada que la de Spector, que representaba una fase de transición entre el autorismo anticuado y los principios completamente posmodernos y distantes del arte pop... El enfoque de Warhol resuena en todo el rock artístico, más obviamente en su postura de distancia y desapego". [35] En 1969, los Doors también exploraron el género del rock artístico en su cuarto álbum, The Soft Parade . [36]
El lanzamiento en diciembre de 1965 de Rubber Soul de los Beatles significó un punto de inflexión para el álbum pop, [37] transformándolo en su alcance desde una colección de sencillos con temas de menor calidad a una forma de arte distinta, llena de composiciones originales de alta calidad. [38] El álbum obtuvo el reconocimiento de los Beatles como artistas por parte de la prensa convencional estadounidense, [39] anticipándose a la legitimación cultural de la música rock como forma de arte. [40] Escribiendo en 1968, Gene Sculatti de Jazz & Pop reconoció a Rubber Soul como "el álbum definitivo de 'rock como arte'" y "el prototipo necesario" que artistas importantes como los Rolling Stones (con Aftermath ) y los Beach Boys se habían sentido obligados a seguir. [41]
El período en el que la música rock se alineó más estrechamente con el arte comenzó en 1966 y continuó hasta mediados de la década de 1970. [42] El académico Michael Johnson asocia "los primeros momentos documentados de ascenso en la música rock" con Pet Sounds de los Beach Boys y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de los Beatles (1967). Lanzado en mayo de 1966, Pet Sounds surgió del deseo de Wilson de hacer una "declaración completa", como creía que los Beatles habían hecho previamente con Rubber Soul . [43] [nb 3] En 1978, el biógrafo David Leaf escribió que el álbum presagiaba el rock artístico, [45] mientras que según The New York Observer , " Pet Sounds demostró que un grupo pop podía hacer una pieza de la duración de un álbum comparable con las mejores obras de larga duración de Bernstein , Copland , Ives y Rodgers y Hammerstein ". [46] Pet Sounds también se destaca como el primer álbum conceptual de rock. [47] [48] [nb 4] En 1971, la revista Cue describió a los Beach Boys como "uno de los vanguardistas" en lo que respecta al rock artístico, entre muchos otros aspectos relacionados con la contracultura, durante el período hasta finales de 1967. [49]
La enciclopedia de 2013 Music in American Life de Jacqueline Edmondson afirma que, aunque fue precedido por ejemplos anteriores, el álbum debut de Frank Zappa y las Mothers of Invention , Freak Out! (junio de 1966), llegó a ser visto como "la primera incorporación exitosa de música de arte en un contexto pop". Con Los Ángeles como su base desde principios de la década de 1960, Zappa pudo trabajar en un entorno donde el radicalismo estudiantil estaba estrechamente alineado con una escena de vanguardia activa, un entorno que colocó a la ciudad por delante de otros centros contraculturales en ese momento y que continuaría informando su música. [18] El escritor y pianista Michael Campbell comenta que el álbum "contiene una larga lista no categórica de las influencias de Zappa, desde compositores de vanguardia clásicos hasta músicos folclóricos oscuros". [11]
El álbum Revolver de los Beatles (agosto de 1966) promovió la perspectiva del álbum como arte [50] y continuó la evolución de la música pop. [51] Liderado por el sencillo de rock artístico " Eleanor Rigby ", [52] amplió el alcance del género en términos de la gama de estilos musicales, que incluían indio, vanguardista y clásico, y el contenido lírico del álbum, [53] y también en su alejamiento de las nociones previas de melodía y estructura en la composición de canciones pop. [54] Según Rolling Stone , " Revolver señaló que en la música popular, cualquier cosa -cualquier tema, cualquier idea musical- ahora podía hacerse realidad". [55] Al igual que con Rubber Soul , el álbum inspiró a muchos de los artistas de rock progresivo de la década de 1970, [56] y cada una de sus canciones ha sido reconocida como anticipadora de un nuevo subgénero o estilo. [57]
Clash Music nombra al álbum debut de la Velvet Underground de marzo de 1967, The Velvet Underground & Nico, "el disco de art-rock original". [58] [nb 5] Bannister escribe sobre la Velvet Underground: "ninguna otra banda ejerció el mismo control sobre las mentes de los artistas, escritores y audiencias de art-rock/alternativo de los años 1970/1980". [60] Su influencia se repetiría a partir de los años 1970 en variasescenas indie mundiales, [60] [nb 6] y en 2006, The Velvet Underground & Nico fue incluido en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso , que comentó: "Durante décadas [ha] proyectado una enorme sombra sobre casi todas las subvariedades del rock de vanguardia , desde el art-rock de los 70 hasta el no-wave , el new-wave y el punk ". [61] Sin embargo, cuando Velvet Underground apareció por primera vez a mediados de los años 1960, se enfrentaron al rechazo y fueron comúnmente descartados como una banda "maricón". [62] En 1982, el músico Brian Eno declaró que si bien The Velvet Underground & Nico inicialmente vendió solo 30.000 copias, "todos los que compraron una de esas 30.000 copias comenzaron una banda". [63]
Paul McCartney , de los Beatles, consideró a Pet Sounds "el disco de la época" y, en junio de 1967, la banda respondió con su propio álbum: Sgt. Pepper's , [64] [nb 7] que también estaba influenciado por Freak Out! [65] AllMusic afirma que la primera ola de músicos de rock artístico se inspiraron en Sgt. Pepper's y creían que para que la música rock creciera artísticamente, debían incorporar elementos de la música europea y clásica al género. [1] [nb 8] Muchos grupos británicos florecieron a raíz del álbum; aquellos que aparecen en Music in American Life incluyen a Moody Blues , Strawbs , Genesis y "más notablemente", Pink Floyd. [67] [nb 9] Roger Waters de la banda declaró más tarde que tanto Sgt. Pepper como Pet Sounds "cambiaron por completo todo sobre los discos" para él. [69]
El mayor nivel de popularidad del art rock se produjo a principios de la década de 1970 a través de artistas británicos como King Crimson y Queen . [3]
A principios de la década, Pink Floyd lanzó Atom Heart Mother , con la canción principal de 23 minutos ocupando toda la primera cara del LP. Este experimento con el colaborador Ron Geesin dio como resultado la canción ininterrumpida más larga de Pink Floyd registrada, una suite dividida en seis partes, que requirió que la banda utilizara a veces un coro y una sección de metales en la gira. El álbum fue un éxito comercial, lo que le dio a la banda su primer disco número uno en el Reino Unido. Señaló un cambio en su música desde las incursiones psicodélicas de sus álbumes de finales de los 60 hacia un período de creatividad renovada en forma de música rock más larga y progresiva.
El entusiasmo por las exploraciones del art rock disminuyó a mediados de la década de 1970. [11] Desde entonces hasta la década de 1990, el art rock se infundió en varios géneros de música popular. [3] La Encyclopædia Britannica afirma que las tendencias de su género fueron continuadas por algunos artistas de hard rock y pop rock británicos y estadounidenses, y que las colaboraciones de Brian Eno a fines de la década de 1970 y principios de la de 1980 con David Bowie y Talking Heads son un ejemplo de "la infusión exitosa de las tendencias del art rock en otros géneros de música popular". [3] Bowie y Eno colaboraron en una serie de álbumes consecutivos llamados " Trilogía de Berlín ", caracterizados como una "trifecta de art rock" por Consequence of Sound , quien señaló que en el momento de su lanzamiento, "Los discos experimentales no conectaban con el público en la escala a la que Bowie estaba acostumbrado... La nueva ola había explotado y una generación de descendientes de Bowie había subido al escenario". [70]
En los años 1980, una nueva generación de rockeros ingleses de arte tomó el lugar de bandas de los años 1970 como Roxy Music , [71] Yes , Genesis , Jethro Tull y Emerson, Lake & Palmer . El periodista Roy Trakin dice: "Por supuesto, estos incondicionales todavía pueden llenar el Madison Square Garden y vender una gran cantidad de discos, como siempre lo han hecho, pero sus días de toma de riesgos aventureros e innovación musical han quedado atrás hace mucho tiempo, reemplazados por la satisfacción presuntuosa del éxito comercial". [72]