Una sinfonía es una composición musical ampliada de la música clásica occidental , generalmente para orquesta . Aunque el término ha tenido muchos significados desde sus orígenes en la era griega antigua, a finales del siglo XVIII la palabra había adquirido el significado común hoy en día: una obra que generalmente consta de múltiples secciones o movimientos distintos , a menudo cuatro, con el primer movimiento en forma sonata . Las sinfonías casi siempre se componen para una orquesta que consta de una sección de cuerdas ( violín , viola , violonchelo y contrabajo ), metales , instrumentos de viento de madera y percusión que en total suman entre 30 y 100 músicos. Las sinfonías se anotan en una partitura musical , que contiene todas las partes del instrumento. Los músicos de orquesta tocan partes que contienen sólo la música anotada de su propio instrumento. Algunas sinfonías también contienen partes vocales (p. ej., la Novena Sinfonía de Beethoven ).
La palabra sinfonía se deriva del vocablo griego συμφωνία ( symphōnía ), que significa "acuerdo o concordia de sonido", "concierto de música vocal o instrumental", de σύμφωνος ( sýmphōnos ), "armonioso". [1] La palabra se refería a una variedad de conceptos diferentes antes de decidirse finalmente por su significado actual que designa una forma musical.
En la teoría griega tardía y medieval, la palabra se usaba para consonancia , a diferencia de διαφωνία ( diaphōnía ), que era la palabra para "disonancia". [2] En la Edad Media y posteriormente, la forma latina sinfonía se usaba para describir varios instrumentos, especialmente aquellos capaces de producir más de un sonido simultáneamente. [2] Isidoro de Sevilla fue el primero en utilizar la palabra sinfonía como el nombre de un tambor de dos cabezas [ cita necesaria ] , y desde c. 1155 a 1377 la forma francesa symphonie era el nombre del organistrum o zanfona . En la Inglaterra medieval tardía, la sinfonía se usaba en ambos sentidos, mientras que en el siglo XVI se equiparaba con el dulcimer . En alemán, Symphonie era un término genérico para espinetas y virginales desde finales del siglo XVI hasta el siglo XVIII. [3]
En el sentido de "sonar juntos", la palabra comienza a aparecer en los títulos de algunas obras de compositores de los siglos XVI y XVII, incluidas Sacrae symphoniae de Giovanni Gabrieli y Symphoniae sacrae, liber secundus , publicadas en 1597 y 1615, respectivamente. ; Eclesiastiche sinfonie , dette canzoni in aria francese, per sonare, et cantare , op. 16, publicado en 1607; Sinfonie musicali de Lodovico Grossi da Viadana , op. 18, publicado en 1610; y Symphoniae sacrae , op . 6, y Symphoniarum sacrarum secunda pars , op. 10, publicados en 1629 y 1647, respectivamente. A excepción de la colección de Viadana, que contenía música puramente instrumental y profana, todas eran colecciones de obras vocales sacras, algunas con acompañamiento instrumental. [4] [5]
En el siglo XVII, durante la mayor parte de la época barroca, los términos sinfonía y sinfonía se utilizaron para una variedad de composiciones diferentes, incluidas piezas instrumentales utilizadas en óperas , sonatas y conciertos , generalmente parte de una obra más grande. La ópera sinfonía , u obertura italiana , tenía, en el siglo XVIII, una estructura estándar de tres movimientos contrastantes: rápido, lento, rápido y parecido a una danza. Es esta forma la que a menudo se considera la precursora directa de la sinfonía orquestal. Los términos "obertura", "sinfonía" y "sinfonía" fueron considerados intercambiables durante gran parte del siglo XVIII. [5]
En el siglo XVII, las piezas compuestas para grandes conjuntos instrumentales no designaban con precisión qué instrumentos debían tocar cada parte, como es la práctica desde el siglo XIX hasta el período actual. Cuando los compositores del siglo XVII escribieron piezas, esperaban que estas obras fueran interpretadas por cualquier grupo de músicos disponible. Para dar un ejemplo, mientras que la línea de bajo en una obra del siglo XIX está compuesta para violonchelos , contrabajos y otros instrumentos específicos, en una obra del siglo XVII, una parte de bajo continuo para una sinfonía no especificaría qué instrumentos interpretarían la parte. La interpretación de la pieza podría realizarse con un grupo de bajo continuo tan pequeño como un solo violonchelo y clavecín . Sin embargo, si se dispusiera de un presupuesto mayor para una actuación y se requiriera un sonido más amplio, un grupo de bajo continuo podría incluir múltiples instrumentos para tocar acordes (clavecín, laúd , etc.) y una variedad de instrumentos de bajo, incluidos violonchelo, contrabajo, viola baja o incluso una serpiente , uno de los primeros instrumentos de viento bajo.
LaRue, Bonds, Walsh y Wilson escriben en la segunda edición del Diccionario de música y músicos de New Grove que "la sinfonía se cultivó con extraordinaria intensidad" en el siglo XVIII. [6] Desempeñó un papel en muchas áreas de la vida pública, incluidos los servicios religiosos, [7] pero un área de apoyo particularmente fuerte para las actuaciones sinfónicas fue la aristocracia. En Viena, quizás el lugar más importante de Europa para la composición de sinfonías, "literalmente cientos de familias nobles apoyaban establecimientos musicales, generalmente dividiendo su tiempo entre Viena y sus propiedades ancestrales [en otras partes del Imperio]". [8] Dado que el tamaño normal de la orquesta en ese momento era bastante pequeño, muchos de estos establecimientos cortesanos eran capaces de interpretar sinfonías. El joven Joseph Haydn , que asumió su primer trabajo como director musical en 1757 para la familia Morzin , descubrió que cuando la familia Morzin estaba en Viena, su propia orquesta era sólo una parte de una escena musical animada y competitiva, con múltiples aristócratas patrocinando conciertos. con sus propios conjuntos. [9]
El artículo de LaRue, Bonds, Walsh y Wilson rastrea la expansión gradual de la orquesta sinfónica a lo largo del siglo XVIII. [10] Al principio, las sinfonías eran sinfonías de cuerda, escritas en solo cuatro partes: primer violín, segundo violín, viola y bajo (la línea de bajo fue tomada por violonchelo(s), contrabajo(s) tocando la parte una octava por debajo , y quizás también un fagot). En ocasiones, los primeros sinfonistas incluso prescindieron de la parte de viola, creando así sinfonías de tres partes. También era posible una parte de bajo continuo que incluyera un fagot junto con un clavicémbalo u otro instrumento de acordes. [10]
Las primeras adiciones a este sencillo conjunto fueron un par de trompas, ocasionalmente un par de oboes, y luego trompas y oboes juntos. A lo largo del siglo, se agregaron otros instrumentos a la orquesta clásica : flautas (a veces reemplazando a los oboes), partes separadas para fagotes, clarinetes, trompetas y timbales. Las obras variaron en su puntuación con respecto a cuál de estos instrumentos adicionales aparecerían. La orquesta clásica a gran escala, desplegada a finales de siglo para las sinfonías de mayor escala, tiene el conjunto de cuerdas estándar mencionado anteriormente, pares de vientos ( flautas , oboes , clarinetes , fagotes ), un par de trompas y timbales. Un instrumento de teclado continuo (clavecín o piano ) seguía siendo una opción.
El estilo de sinfonía "italiano", utilizado a menudo como obertura y entreacto en los teatros de ópera , se convirtió en una forma estándar de tres movimientos: un movimiento rápido, un movimiento lento y otro movimiento rápido. A lo largo del siglo XVIII se hizo costumbre escribir sinfonías en cuatro movimientos, [11] siguiendo las líneas que se describen en el párrafo siguiente. La sinfonía de tres movimientos se apagó lentamente; aproximadamente la mitad de las primeras treinta sinfonías de Haydn están divididas en tres movimientos; [12] y para el joven Mozart , la sinfonía de tres movimientos era la norma, quizás bajo la influencia de su amigo Johann Christian Bach . [13] Un destacado ejemplo tardío de la sinfonía clásica de tres movimientos es la Sinfonía de Praga de Mozart , de 1786.
La forma de cuatro movimientos que surgió de esta evolución fue la siguiente: [14] [15]
Eran comunes las variaciones en este diseño, como cambiar el orden de los movimientos centrales o agregar una introducción lenta al primer movimiento. Haydn, Mozart y sus contemporáneos restringieron el uso de la forma de cuatro movimientos a la música de cámara orquestal o de múltiples instrumentos, como los cuartetos, aunque desde Beethoven las sonatas solistas se escriben con tanta frecuencia en cuatro como en tres movimientos. [dieciséis]
La composición de las primeras sinfonías se centró en Milán, Viena y Mannheim . La escuela milanesa se centró en Giovanni Battista Sammartini e incluía a Antonio Brioschi , Ferdinando Galimberti y Giovanni Battista Lampugnani . Los primeros exponentes de esta forma en Viena incluyeron a Georg Christoph Wagenseil , Wenzel Raimund Birck y Georg Matthias Monn , mientras que más tarde importantes compositores vieneses de sinfonías incluyeron a Johann Baptist Wanhal , Carl Ditters von Dittersdorf y Leopold Hofmann . La escuela de Mannheim incluía a Johann Stamitz . [17]
Los sinfonistas más importantes de la última parte del siglo XVIII son Haydn, que escribió al menos 106 sinfonías en el transcurso de 36 años , [18] y Mozart, con al menos 47 sinfonías en 24 años . [19]
A principios del siglo XIX, Beethoven elevó la sinfonía de un género cotidiano producido en grandes cantidades a una forma suprema en la que los compositores se esforzaban por alcanzar el máximo potencial de la música en tan solo unas pocas obras. [20] Beethoven comenzó con dos obras que emulaban directamente sus modelos Mozart y Haydn, luego siete sinfonías más, comenzando con la Tercera Sinfonía ("Eroica") que amplió el alcance y la ambición del género. Su Sinfonía nº 5 es quizás la sinfonía más famosa jamás escrita; su transición del movimiento inicial emocionalmente tormentoso en do menor a un triunfante final en tono mayor proporcionó un modelo adoptado por sinfonistas posteriores como Brahms [21] y Mahler . [ cita necesaria ] Su Sinfonía No. 6 es una obra programática que presenta imitaciones instrumentales de cantos de pájaros y una tormenta; y, de forma poco convencional, un quinto movimiento (las sinfonías solían tener como máximo cuatro movimientos). Su Sinfonía n.º 9 incluye partes para solistas vocales y coro en el último movimiento, convirtiéndola en una sinfonía coral . [22]
De las sinfonías de Schubert , dos son piezas centrales del repertorio y se interpretan con frecuencia. De la Octava Sinfonía (1822), Schubert completó sólo los dos primeros movimientos; Esta obra altamente romántica suele recibir el sobrenombre de "La inacabada". Su última sinfonía completa, la Novena (1826), es una obra enorme en el idioma clásico. [23]
De los primeros románticos, Felix Mendelssohn (cinco sinfonías, más trece sinfonías de cuerda ) y Robert Schumann (cuatro) continuaron escribiendo sinfonías en el molde clásico, aunque utilizando su propio lenguaje musical. Por el contrario, Berlioz favoreció las obras programáticas, incluida su "sinfonía dramática" Roméo et Juliette , la sinfonía para viola Harold en Italie y la muy original Symphonie fantastique . Esta última también es una obra de programa y tiene una marcha y un vals y cinco movimientos en lugar de los cuatro habituales. Su cuarta y última sinfonía, la Grande symphonie funèbre et triomphale (titulada originalmente Symphonie militaire ) fue compuesta en 1840 para una banda militar de 200 integrantes , para ser interpretada al aire libre, y es un ejemplo temprano de una banda sinfónica. Más tarde, Berlioz añadió partes de cuerda opcionales y un final coral. [24] En 1851, Richard Wagner declaró que todas estas sinfonías posteriores a Beethoven no eran más que un epílogo y no ofrecían nada sustancialmente nuevo. De hecho, después de la última sinfonía de Schumann, la "renana" compuesta en 1850, durante dos décadas el poema sinfónico lisztiano pareció haber desplazado a la sinfonía como forma principal de música instrumental a gran escala. Sin embargo, Liszt también compuso dos sinfonías corales programáticas durante este tiempo, Fausto y Dante . Si la sinfonía había sido eclipsada, no pasó mucho tiempo antes de que resurgiera en una "segunda edad" en las décadas de 1870 y 1880, con las sinfonías de Bruckner , Brahms , Tchaikovsky , Saint-Saëns , Borodin , Dvořák y Franck . obras que evitaron en gran medida los elementos programáticos de Berlioz y Liszt y dominaron el repertorio de conciertos durante al menos un siglo. [20]
A lo largo del siglo XIX, los compositores continuaron aumentando el tamaño de la orquesta sinfónica. Hacia principios de siglo, una orquesta a gran escala estaría formada por la sección de cuerdas más pares de flautas, oboes, clarinetes, fagotes, trompas, trompetas y, por último, un juego de timbales. [25] Esta es, por ejemplo, la partitura utilizada en las sinfonías de Beethoven numeradas 1 , 2 , 4 , 7 y 8 . Los trombones, que anteriormente se habían limitado a la música de iglesia y teatro, se incorporaron a la orquesta sinfónica, especialmente en las sinfonías quinta , sexta y novena de Beethoven . La combinación de bombo, triángulo y platillos (a veces también: piccolo), que los compositores del siglo XVIII emplearon como efecto colorista en la llamada " música turca ", llegó a ser cada vez más utilizada durante la segunda mitad del siglo XIX sin cualquier connotación de género. [25] En la época de Mahler (ver más abajo), un compositor podía escribir una sinfonía compuesta para "un verdadero compendio de instrumentos orquestales". [25] Además de aumentar la variedad de instrumentos, las sinfonías del siglo XIX se fueron ampliando gradualmente con más músicos de cuerda y más partes de viento, de modo que la orquesta creció sustancialmente en número, al igual que las salas de conciertos también crecieron. [25]
Hacia finales del siglo XIX, Gustav Mahler comenzó a escribir sinfonías largas y de gran escala que continuó componiendo hasta principios del siglo XX. Su Tercera Sinfonía , completada en 1896, es una de las sinfonías más largas interpretadas regularmente, con una duración de alrededor de 100 minutos en la mayoría de las representaciones. La Octava Sinfonía fue compuesta en 1906 y recibe el sobrenombre de "Sinfonía de los Mil" debido al gran número de voces necesarias para interpretar la obra.
El siglo XX vio una mayor diversificación en el estilo y contenido de las obras que los compositores denominaron sinfonías . [26] Algunos compositores, incluidos Dmitri Shostakovich , Sergei Rachmaninoff y Carl Nielsen , continuaron escribiendo en la forma tradicional de cuatro movimientos, mientras que otros compositores adoptaron enfoques diferentes: la Sinfonía n.° 7 de Jean Sibelius , su última, está en un solo movimiento. , la Sinfonía alpina de Richard Strauss , en un solo movimiento, dividida en veintidós partes, que detalla una caminata de once horas a través de las montañas y la Sinfonía n.° 9 de Alan Hovhaness , Saint Vartan , originalmente op. 80, cambiado a Op. 180, compuesto en 1949-1950, está en veinticuatro. [27]
A finales del siglo XIX surgió la preocupación por la unificación de la sinfonía tradicional de cuatro movimientos en una concepción formal única y envolvente. Esto ha sido llamado una "forma sinfónica bidimensional" y encuentra su punto de inflexión clave en la Sinfonía de cámara n.° 1 de Arnold Schoenberg , op. 9 (1909), a la que siguieron en la década de 1920 otras notables sinfonías alemanas de un solo movimiento, incluida la Primera sinfonía de Kurt Weill (1921), la Sinfonía de cámara de Max Butting , op. 25 (1923) y la Sinfonía de 1926 de Paul Dessau . [28]
Paralelamente a esta experimentación, otras sinfonías del siglo XX intentaron deliberadamente evocar los orígenes del género en el siglo XVIII, en términos de forma e incluso estilo musical, siendo ejemplos destacados la Sinfonía n.º 1 "clásica" de Sergei Prokofiev de 1916-17. y la Sinfonía en do de Igor Stravinsky de 1938-1940. [29]
Sin embargo, subsistían ciertas tendencias. Designar una obra como "sinfonía" todavía implicaba cierto grado de sofisticación y seriedad de propósito. La palabra sinfonietta empezó a utilizarse para designar una obra más corta, de objetivos más modestos o "más ligera" que una sinfonía, como la Sinfonietta para orquesta de Sergei Prokofiev . [30] [31]
En la primera mitad del siglo, compositores como Edward Elgar , Gustav Mahler, Jean Sibelius, Carl Nielsen, Igor Stravinsky , Bohuslav Martinů , Roger Sessions , Sergei Prokofiev, Rued Langgaard y Dmitri Shostakovich compusieron sinfonías "extraordinarias en alcance, riqueza, originalidad, y urgencia de expresión". [32] Una medida de la importancia de una sinfonía es el grado en que refleja concepciones de forma temporal particulares de la época en la que fue creada. Cinco compositores a lo largo del siglo XX que cumplen esta medida son Jean Sibelius, Igor Stravinsky, Luciano Berio (en su Sinfonia , 1968-69), Elliott Carter (en su Sinfonía de tres orquestas , 1976) y Pelle Gudmundsen- Holmgreen (en Sinfonía/Antifonía , 1980). [33]
Desde mediados del siglo XX hasta el XXI ha habido un resurgimiento del interés por la sinfonía y muchos compositores posmodernistas contribuyeron sustancialmente al canon, sobre todo en el Reino Unido: Peter Maxwell Davies (10), [34] Robin Holloway (1 ), [35] David Matthews (9), [36] James MacMillan (5), [37] Peter Seabourne (5), [38] y Philip Sawyers (3). [39] . El compositor británico Derek Bourgeois ha superado el número de sinfonías escritas por Haydn, con 116 sinfonías. [40] El mayor número de sinfonías hasta la fecha ha sido compuesto por el finlandés Leif Segerstam , cuya lista de obras incluye 352 sinfonías. [41]
Hector Berlioz escribió originalmente la Grande symphonie funèbre et triomphale para banda militar en 1840. Anton Reicha había compuesto su Sinfonía 'Conmemoración' de cuatro movimientos (también conocida como Musique pour célébrer le Mémorie des Grands Hommes qui se sont Illustrés au Service de la Nation Française ) para un gran conjunto de viento incluso antes, en 1815, para ceremonias asociadas con el nuevo entierro de Luis XVI y María Antonieta [42] [ se necesita mejor fuente ]
Después de esos primeros esfuerzos, se escribieron pocas sinfonías para bandas de viento hasta el siglo XX, cuando se escribieron más sinfonías para bandas de concierto que en siglos anteriores. Aunque existen ejemplos desde 1932, la primera sinfonía de importancia es la Sinfonía n.º 19, op. 46, compuesta en 1939. [43] Algunos ejemplos adicionales son la Sinfonía en si bemol para banda de Paul Hindemith , compuesta en 1951; La Sinfonía nº 4 de Morton Gould, "West Point", compuesta en 1952; Sinfonía n.° 6 de Vincent Persichetti , op. 69, compuesta en 1956; la Sinfonía nº 3 de Vittorio Giannini , compuesta en 1958; Sinfonías n.° 4 de Alan Hovhaness , op. 165, núm. 7, "Nanga Parvat", op. 175, núm. 14, "Ararat", op. 194, y núm. 23, "Ani", op. 249, compuestos en 1958, 1959, 1961 y 1972 respectivamente; [44] Sinfonía nº 2 de John Barnes Chance , compuesta en 1972; las sinfonías segunda, tercera, cuarta y quinta de Alfred Reed , compuestas en 1979, 1988, 1992 y 1994 respectivamente; ocho de las diez sinfonías numeradas de David Maslanka ; [45] cinco sinfonías hasta la fecha de Julie Giroux (aunque actualmente está trabajando en una sexta [46] ); La Sinfonía n.º 1 "El Señor de los Anillos" , de Johan de Meij , compuesta en 1988, y su Sinfonía n.º 2 "La Gran Manzana", compuesta en 1993; la Sinfonía en tres escenas 'La Vita' de Yasuhide Ito, compuesta en 1998, que es su tercera sinfonía para banda de viento; la Sinfonía nº 3 de John Corigliano 'Circus Maximus' , compuesta en 2004; La Sinfonía PachaMama de Denis Levaillant , compuesta en 2014 y 2015, [47] y la Sinfonía n.° 2 de James M. Stephenson, que fue estrenada por la United States Marine Band ("The President's Own") y recibió el premio William D. Revelli (2017) [48] y los premios Sousa/Ostwald (2018) [49] de la American Bandmasters Association .
En algunas formas de inglés, la palabra "symphony" también se utiliza para referirse a la orquesta , el gran conjunto que suele interpretar estas obras. La palabra "sinfonía" aparece en el nombre de muchas orquestas, por ejemplo, la Orquesta Sinfónica de Londres , la Orquesta Sinfónica de Boston , la Sinfónica de St. Louis , la Sinfónica de Houston o la Sinfónica del Nuevo Mundo de Miami . Para algunas orquestas, "(nombre de la ciudad) Sinfónica" proporciona una versión más corta del nombre completo; por ejemplo, el OED menciona "Vancouver Symphony" como una posible forma abreviada de Vancouver Symphony Orchestra . [50] [51] Además, en el uso común, una persona puede decir que va a escuchar una interpretación sinfónica, una referencia a la orquesta y no a las obras del programa. Estos usos no son comunes en el inglés británico .
El compositor desconocido tiene que pagar para que sus composiciones sean interpretadas por una buena sinfonía.
