Keith Allen Haring (4 de mayo de 1958 - 16 de febrero de 1990) fue un artista estadounidense cuyo arte pop surgió de la subcultura del graffiti de la ciudad de Nueva York de la década de 1980. [1] Sus imágenes animadas se han "convertido en un lenguaje visual ampliamente reconocido". [2] Gran parte de su trabajo incluye alusiones sexuales que se convirtieron en activismo social al utilizar las imágenes para abogar por el sexo seguro y la concientización sobre el SIDA . [3] Además de las exposiciones individuales en galerías, participó en reconocidas muestras colectivas nacionales e internacionales como la documenta en Kassel, la Bienal del Whitney en Nueva York, la Bienal de São Paulo y la Bienal de Venecia . El Museo Whitney celebró una retrospectiva de su arte en 1997.
La popularidad de Haring creció a partir de sus dibujos espontáneos en el metro de la ciudad de Nueva York : contornos con tiza de figuras, perros y otras imágenes estilizadas en espacios publicitarios negros y en blanco. [4] Después de obtener reconocimiento público, creó coloridos murales a mayor escala, muchos de ellos por encargo. [4] Produjo más de 50 obras de arte públicas entre 1982 y 1989, muchas de ellas creadas voluntariamente para hospitales, guarderías y escuelas. En 1986 abrió el Pop Shop como una extensión de su trabajo. Su obra posterior a menudo transmitió temas políticos y sociales (anti- crack , anti- apartheid , sexo seguro, homosexualidad y SIDA) a través de su propia iconografía. [5]
Haring murió por complicaciones relacionadas con el SIDA el 16 de febrero de 1990. [6] En 2014, fue uno de los homenajeados inaugurales en el Rainbow Honor Walk en San Francisco, un paseo de la fama que destaca a las personas LGBTQ que han "hecho contribuciones significativas en su vida". campos". En 2019, fue uno de los 50 "pioneros, pioneros y héroes" estadounidenses inaugurales incluidos en el Muro de Honor Nacional LGBTQ dentro del Monumento Nacional Stonewall en el Stonewall Inn de la ciudad de Nueva York .
Haring nació en Reading, Pensilvania , el 4 de mayo de 1958. [7] Fue criado en Kutztown, Pensilvania , por su madre, Joan Haring, y su padre, Allen Haring, ingeniero y dibujante aficionado. Tenía tres hermanas menores, Kay, Karen y Kristen. [8] Se interesó por el arte a una edad muy temprana y pasó tiempo con su padre produciendo dibujos creativos. [9] Sus primeras influencias incluyeron los dibujos animados de Walt Disney , Dr. Seuss , Charles Schulz y los personajes de Looney Tunes en The Bugs Bunny Show . [9]
La familia de Haring asistía a la Iglesia Unida de Cristo . [10] En sus primeros años de adolescencia, estuvo involucrado con el movimiento de Jesús . [11] Más tarde hizo autostop por todo el país, vendiendo camisetas que hizo con los diseños de Grateful Dead y anti- Nixon . [12] Se graduó de la escuela secundaria del área de Kutztown en 1976. [13] Estudió arte comercial de 1976 a 1978 en la Ivy School of Professional Art de Pittsburgh , pero finalmente perdió el interés, [14] se inspiró para centrarse en su propio arte después de leer The Espíritu de arte (1923) de Robert Henri . [9]
Haring tenía un trabajo de mantenimiento en el Centro de Artes y Oficios de Pittsburgh y pudo explorar el arte de Jean Dubuffet , Jackson Pollock y Mark Tobey . Estuvo muy influenciado en esta época por una retrospectiva de 1977 de la obra de Pierre Alechinsky y por una conferencia que el escultor Christo dio en 1978. A partir de la obra de Alechinsky, se sintió alentado a crear imágenes de gran tamaño que presentaban escrituras y personajes. De Christo, Haring conoció formas de incorporar al público a su arte. Su primera exposición importante fue en el Centro de Artes y Oficios de Pittsburgh en 1978. [15] [16]
Haring se mudó al Lower East Side de Nueva York en 1978 para estudiar pintura en la Escuela de Artes Visuales . También trabajó como ayudante de camarero durante esta época en la discoteca Danceteria . [17] Mientras asistía a la escuela, estudió semiótica con Bill Beckley y experimentó con vídeo y artes escénicas. Haring también estuvo muy influenciado en su arte por el autor William Burroughs . [9]
En 1978, Haring escribió en su diario: "Me estoy volviendo mucho más consciente del movimiento. La importancia del movimiento se intensifica cuando una pintura se convierte en una actuación. La actuación (el acto de pintar) se vuelve tan importante como la pintura resultante". [18]
En diciembre de 2007, se descubrió que un área del American Textile Building en el vecindario TriBeCa de la ciudad de Nueva York tenía una pintura de Haring de 1979. [19]
Haring llamó la atención del público por primera vez con su arte de graffiti en el metro, donde creó dibujos con tiza blanca sobre tableros publicitarios negros sin usar en las estaciones. [20] Consideraba el metro como su "laboratorio", un lugar donde podía experimentar y crear su obra de arte y veía el papel publicitario negro como un espacio libre y "el lugar perfecto para dibujar". [21] El Bebé Radiante, un bebé que gatea y emite rayos de luz, se convirtió en su símbolo más reconocido. Lo usó como etiqueta para firmar su trabajo mientras era artista del metro. [11] Los símbolos e imágenes (como perros ladrando, platillos voladores y corazones grandes) se volvieron comunes en su trabajo e iconografía. Como resultado, las obras de Haring se difundieron rápidamente y se hizo cada vez más reconocible.
La técnica del cut-up de los escritos de William S. Burroughs y Brion Gysin inspiró el trabajo de Haring con letras y palabras. [12] En 1980, creó titulares a partir de la yuxtaposición de palabras y colocó cientos en farolas alrededor de Manhattan. Estos incluían frases como "Reagan asesinado por un policía héroe" y "El Papa asesinado por un rehén liberado". [22] Ese mismo año, como parte de su participación en The Times Square Show con uno de sus primeros proyectos públicos, Haring modificó un cartel publicitario sobre la entrada del metro en Times Square que mostraba a una mujer abrazando las piernas de un hombre, oscureciendo el primera letra para que esencialmente se lea " hardón " en lugar de "Chardón", una marca de ropa francesa. [23] Posteriormente utilizó otras formas de material comercial para difundir su trabajo y sus mensajes. Esto incluyó la producción en masa de botones e imanes para repartir y trabajar sobre los anuncios del metro.
En 1980, Haring comenzó a organizar exposiciones en el Club 57 , que fueron filmadas por su amigo cercano y fotógrafo Tseng Kwong Chi . [24] En febrero de 1981, Haring tuvo su primera exposición individual en Westbeth Painters Space en West Village . [25] [26] En noviembre de 1981, realizó una exposición individual en la Galería Hal Bromm en Tribeca. [27]
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En enero de 1982, Haring fue el primero de los doce artistas organizados por Public Art Fund en exhibir su trabajo en la valla publicitaria animada por computadora Spectacolor en Times Square. [28] Ese verano, Haring creó su primer gran mural al aire libre en el Houston Bowery Wall en el Lower East Side. [29] En sus pinturas, a menudo usaba líneas para mostrar energía y movimiento. [30] Haring a menudo trabajaba rápidamente, tratando de crear la mayor cantidad de trabajo posible, a veces completando hasta 40 pinturas en un día. [18] Una de sus obras, Sin título (1982), representa dos figuras con un motivo de amor de corazón radiante, que los críticos han interpretado como un guiño audaz al amor homosexual y una declaración cultural significativa. [30]
En 1982, Haring participó en la documenta 7 en Kassel , donde se exhibieron sus obras junto a Joseph Beuys , Anselm Kiefer , Gerhard Richter , Cy Twombly , Jean-Michel Basquiat y Andy Warhol . [31] En octubre de 1982, realizó una exposición en la Galería Tony Shafrazi con su colaborador grafitero Ángel "LA II" Ortiz . [32] Ese año, estuvo en varias exposiciones colectivas, incluida Fast en la Galería Alexander Milliken de Nueva York. [33] Haring diseñó el cartel para el Festival de Jazz de Montreux de 1983 en Suiza. [34]
En febrero de 1983, Haring realizó una exposición individual en la Fun Gallery del East Village, Manhattan . [35] Ese año, Haring participó en la Bienal de São Paulo en Brasil y en la Bienal del Whitney en Nueva York. [36] [37] En abril de 1983, Haring recibió el encargo de pintar un mural, Construction Fence , en el sitio de construcción del Museo de Arte Haggerty en Milwaukee . [38] Más tarde ese año, Haring participó en la exposición Urban Pulses: the Artist and the City en Pittsburgh pintando con aerosol una habitación en el Centro para las Artes de Pittsburgh y creando un mural al aire libre en PPG Place . [39] En octubre de 1983, Elio Fiorucci invitó a Haring a Milán para pintar las paredes de su tienda Fiorucci . [40] Mientras Haring estaba en Londres para la inauguración de su exposición en la Galería Robert Fraser en octubre de 1983, conoció y comenzó a colaborar con el coreógrafo Bill T. Jones . Haring utilizó el cuerpo de Jones como lienzo para pintar de la cabeza a los pies. [41]
Haring y Angel "LA II" Ortiz produjeron un diseño de camiseta para la marca de ropa WilliWear Productions de los amigos Willi Smith y Laurie Mallet en 1984. [42] Después de que Haring apareciera en la revista Paper , la diseñadora de moda Vivienne Westwood contactó al editor en jefe. jefe Kim Hastreiter para facilitar una reunión con Haring. Haring le regaló a Westwood dos grandes hojas de dibujos y ella las convirtió en textiles para su colección Witches Otoño/Invierno 1983-84. [43] La amiga de Haring, Madonna, llevaba una falda de la colección, sobre todo en el vídeo musical de su sencillo de 1984 " Borderline ". [44]
A medida que Haring saltaba al estrellato, siguió dibujando en el metro, contrastando los disparados precios de su trabajo. [45] Haring disfrutaba regalando su trabajo, a menudo repartiendo botones y carteles gratuitos de su trabajo. [45] En 1984, publicó un libro titulado Art in Transit , que incluía fotografías de Tseng Kwong Chi y una introducción de Henry Geldzahler . [46] Los medios de comunicación cubrieron el rápido ascenso de Haring al estatus de celebridad internacional. Su arte cubrió la edición de febrero de 1984 de Vanity Fair y apareció en la edición de octubre de 1984 de Newsweek . [47] [48]
En 1984, el Departamento de Sanidad de la ciudad de Nueva York le pidió a Haring que diseñara un logotipo para su campaña contra la basura. [49] Haring participó en la Bienal de Venecia . [36] Fue invitado a crear murales temporales en la Galería Nacional de Victoria y la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur . [50] Durante su visita a Australia, pintó el mural permanente de Keith Haring en Collingwood Technical College en Melbourne. [51] Ese año, Haring también pintó murales en el Walker Art Center en Minneapolis y en Río de Janeiro. [52] Más tarde ese año, diseñó el escenario para la producción de Secret Pastures de Bill T. Jones y Arnie Zane en la Academia de Música de Brooklyn . [53]
Las Naciones Unidas le encargaron a Haring la creación de una portada del primer día del sello de las Naciones Unidas y una litografía de edición limitada adjunta para conmemorar 1985 como Año Internacional de la Juventud. [54] Diseñó decoraciones de escenarios de MTV y pintó murales para varias instituciones de arte y clubes nocturnos, como el Palladium en Manhattan. [11] En marzo de 1985, Haring pintó las paredes de la Grande Halle de la Villette para la Bienal de París . [55] En julio de 1985, realizó una pintura para el concierto Live Aid en el estadio JFK de Filadelfia. [56] Además, pintó un automóvil propiedad del marchante de arte Max Protetch para ser subastado y las ganancias se donarían para aliviar el hambre en África. [57] Haring continuó siendo políticamente activo también diseñando carteles de Sudáfrica libre en 1985, [58] y creando un cartel para la Gran Marcha por la Paz de 1986 para el desarme nuclear global . [59]
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En la primavera de 1986, Haring realizó una exposición individual en el Museo Stedelijk de Ámsterdam y pintó un mural. [60] En 1986, Haring también creó murales públicos en el vestíbulo y el departamento de atención ambulatoria del Centro de Salud Médica y Mental Woodhull en Flushing Avenue en Brooklyn. [61]
En junio de 1986, Haring creó una pancarta de 90 pies, CityKids Speak on Liberty , junto con la Fundación CityKids para conmemorar el centenario de la llegada de la Estatua de la Libertad a los Estados Unidos. [62] Más tarde ese mes, creó su mural Crack Is Wack en East Harlem, visible desde FDR Drive de Nueva York . [14] Originalmente fue considerado vandalismo por el Departamento de Policía de Nueva York y Haring fue arrestado. Pero después de que los medios de comunicación locales se hicieran eco de la historia, Haring fue liberado por un cargo menor. Mientras estaba en prisión, la obra original de Haring fue destrozada. Este mural es un ejemplo del uso que hace Haring de la concienciación en lugar del consumismo, "El crack es una locura" en lugar de " La Coca-Cola es ". [63] Pintó una versión actualizada del mural en la misma pared en octubre de 1986. [64]
El 23 de octubre de 1986, Haring creó un mural en el Muro de Berlín para el Museo Checkpoint Charlie . [65] El mural tenía 300 metros (980 pies) de largo y representaba figuras humanas entrelazadas en rojo y negro sobre un fondo amarillo. Los colores eran una representación de la bandera alemana y simbolizaban la esperanza de unidad entre Alemania Oriental y Occidental . [66]
Haring comenzó a colaborar con Grace Jones , a quien había conocido a través de Andy Warhol, para una entrevista para una revista en 1984. [67] Haring pintó una falda para que Jones la usara en su video musical " I'm Not Perfect (But I'm Perfect). for You) " (1986) y fue asistente de dirección del vídeo. [68] [69] También pintó el cuerpo de Jones para presentaciones en vivo en Paradise Garage , [70] y por su papel de Katrina, la reina de los vampiros, en la película Vamp de 1986 . [71] Haring colaboró con David Spada , un diseñador de joyas, para diseñar los adornos escultóricos de Jones. [72]
Haring también ilustró portadas de vinilo para varios artistas como " Without You " de David Bowie (1983), Life Is Something Special de NYC Peech Boys (1983), "Duck For The Oyster" de Malcolm McLaren (1983) y Sylvester. " Alguien como tú " (1986). [73]
Haring colaboró con Warhol para diseñar el cartel del Festival de Jazz de Montreux de 1986 en Suiza. [74] El cartel también se utilizó para el Festival de Jazz de Montreux-Detroit de 1986 en Detroit . [74]
En abril de 1986, se abrió Pop Shop en Soho, vendiendo camisetas, carteles y otros artículos que mostraban el trabajo de Haring. [75] Esto hizo que el trabajo de Haring fuera fácilmente accesible para comprar a precios razonables. [6] Habiendo logrado lo que quería, que era "llevar el trabajo al público en general", Haring dejó por completo de dibujar en el metro. [76] También se detuvo porque la gente estaba tomando los dibujos del metro y vendiéndolos. [76]
Algunos criticaron a Haring por comercializar su trabajo. [77] [5] Cuando se le preguntó sobre esto, Haring dijo: "Podría ganar más dinero si pintara algunas cosas y aumentara el precio. Mi tienda es una extensión de lo que estaba haciendo en las estaciones de metro, rompiendo el barreras entre el arte alto y el bajo". [6] The Pop Shop permaneció abierto después de la muerte de Haring hasta 2005, y las ganancias beneficiaron a la Fundación Keith Haring. [75]
The Pop Shop no fue el único esfuerzo de Haring por hacer que su trabajo fuera ampliamente accesible. A lo largo de su carrera, Haring hizo arte en el metro y en vallas publicitarias. [6] Sus intentos de hacer que su trabajo sea identificable también se puede ver en la falta de edades, razas o identidades discernibles de sus figuras. [11] Con la llegada de Pop Shop, su trabajo había comenzado a reflejar temas más sociopolíticos , como la lucha contra el apartheid , la concienciación sobre el SIDA y la epidemia de crack . [5]
De 1982 a 1989, Haring participó en más de 100 exposiciones individuales y colectivas y produjo más de 50 obras de arte públicas en docenas de organizaciones benéficas, hospitales, guarderías y orfanatos. [78] Haring era abiertamente gay y utilizó su trabajo para abogar por el sexo seguro . [79] Le diagnosticaron VIH en 1987 y SIDA en el otoño de 1988. [80] [81] Usó sus imágenes durante los últimos años de su vida para hablar sobre su enfermedad y generar activismo y conciencia sobre el SIDA. [5]
En 1987, Haring realizó exposiciones en Helsinki, París y otros lugares. Durante su estancia en París para la exposición del décimo aniversario de artistas estadounidenses en el Centro Georges Pompidou , Haring y su socio Juan Rivera pintaron el mural de la Torre en una escalera exterior de 88 pies de altura (27 m) en el Hospital Necker-Enfants Malades . [82] [83] Mientras estaba en Bélgica para su exposición en la Galería 121, Haring pintó un mural en el Museo de Arte Contemporáneo de Amberes . [84]
Ese mismo año, Haring también fue invitado por el artista Roger Nellens a pintar un mural en su Casino Knokke . [85] Mientras trabajaba allí, Haring se quedó en Le Dragon , una casa de huéspedes con forma de monstruo propiedad de Nellens que había sido diseñada por la artista Niki de Saint Phalle . Con el consentimiento tanto del diseñador como del propietario, Haring pintó un mural al fresco a lo largo de un balcón interior y una escalera. [86] [87]
Haring diseñó un carrusel para Luna Luna de André Heller , un parque de atracciones efímero en Hamburgo de junio a agosto de 1987 con atracciones diseñadas por reconocidos artistas contemporáneos. [88] [89] En agosto de 1987, Haring pintó un gran mural en la piscina al aire libre del Centro Recreativo Carmine Street en West Village. [90] [91] En septiembre de 1987, pintó un mural temporal, Detroit Notes , en el Museo de Arte Cranbrook en Bloomfield Hills, Michigan . La obra revela una fase más oscura en el estilo de Haring, que, según especula el director del Museo de Arte de Cranbrook, Andrew Blauvelt, presagió la confirmación de su diagnóstico de SIDA. [92]
Haring diseñó la portada del álbum benéfico de 1987 A Very Special Christmas y el sencillo de Run-DMC " Christmas In Hollis "; Las ganancias se destinaron a las Olimpiadas Especiales . [54] [73] La imagen del álbum recopilatorio A Very Special Christmas consiste en una figura típica de Haring sosteniendo a un bebé. Su "iconografía de Jesús" se considera inusual en los álbumes navideños del rock moderno. [93]
También en 1987, Haring pintó un mural en el barrio de Point Breeze en Filadelfia titulado 'Nosotros la juventud' para conmemorar el bicentenario de la Constitución de los Estados Unidos . Originalmente pensado como un marcador de posición, nunca se construyó una nueva casa adosada y el lote se convirtió en un parque. El mural se sometió a una importante restauración en 2013 y es el mural público más antiguo de Haring en su ubicación original. [94]
En 1988, Haring se unió a un selecto grupo de artistas cuyo trabajo apareció en la etiqueta del vino Chateau Mouton Rothschild . [95] En enero de 1988, viajó a Japón para abrir Pop Shop Tokyo; cerró en el verano de 1988. [96] En abril de 1988, Haring creó un mural en el jardín sur para la presentación anual de huevos de Pascua de la Casa Blanca , que donó al Hospital Nacional Infantil de Washington, DC . [97] A finales de verano, Haring viajó a Düsseldorf para una exposición de sus pinturas y esculturas en la Galería Hans Mayer. [98] En diciembre de 1988, se inauguró la exposición de Haring en la Galería Tony Shafrazi, que según él era su exposición más importante hasta la fecha. Sintió que tenía algo que demostrar debido a su estado de salud y a la muerte de sus amigos Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat. [99]
En febrero de 1989, Haring pintó el mural Todos Juntos Podemos Parar el SIDA en el Barrio Chino de Barcelona para crear conciencia sobre la epidemia del SIDA. [100] En mayo de 1989, por invitación de un maestro llamado Irving Zucker, Haring visitó Chicago para pintar un mural de 480 pies en Grant Park junto con casi 500 estudiantes. [101] Otros tres murales de Haring se materializaron en Chicago aproximadamente al mismo tiempo: dos en el Centro Médico de la Universidad Rush y el otro en la Escuela Secundaria Wells Community Academy . [102] Este último se completó días antes de la llegada de Haring a Chicago, como una especie de bienvenida. [103] Según Zucker, Haring envió a la escuela una plantilla de diseño para el mural, que fue ejecutado por un compañero maestro, Tony Abboreno, un artista abstracto , y estudiantes de arte de Wells High School, pero Haring le dio su aprobación final y lo firmó. sí mismo. [103]
Para The Center Show , una exposición que celebra el vigésimo aniversario de los disturbios de Stonewall , Haring fue invitado por el Centro de Servicios Comunitarios para Gays y Lesbianas de Nueva York a crear una obra específica para el sitio. [104] Eligió el baño de hombres del segundo piso para pintar su mural Érase una vez... en mayo de 1989. [105] En junio de 1989, Haring pintó su mural Tuttomondo en la pared trasera del convento de Sant'Antonio. Iglesia Abate en Pisa . [106] Haring criticó la evitación de cuestiones sociales como el SIDA a través de una pieza llamada Rebelde con muchas causas (1989) que gira en torno al tema de "no escuchar el mal, no ver el mal, no hablar el mal". [107] Durante la última semana de noviembre de 1989, Haring pintó un mural en el ArtCenter College of Design en Pasadena para "Un día sin arte". El mural se conmemoró el 1 de diciembre, el segundo Día anual de Concientización sobre el SIDA. Conmemoró el mural el 1 de diciembre, Día Mundial del SIDA , y dijo a Los Angeles Times : "Mi vida es mi arte, está entrelazado. Cuando el SIDA se convirtió en una realidad en términos de mi vida, comenzó a convertirse en un tema en mis pinturas. Cuanto más afectó mi vida, más afectó mi trabajo". [5] Desde Pasadena, Haring voló a Atlanta para la inauguración de su exposición dual con el fotógrafo Herb Ritts en la Fay Gold Gallery el 2 de diciembre. [108] En 1990, Haring pintó un BMW Z1 en la Galería Hans Mayer de Düsseldorf. [109] [110] Viajó a París para la que sería su última exposición, Keith Haring 1983 , en la Galerie 1900-2000/La Galerie de Poche en enero de 1990. [111] [112]
El 16 de febrero de 1990, Haring murió a causa de complicaciones relacionadas con el SIDA en su apartamento de LaGuardia Place en Greenwich Village . [113] [6] Fue incinerado y sus cenizas fueron esparcidas en un campo cerca de Bowers, Pensilvania , justo al sur de su ciudad natal de Kutztown. [114] Tres meses después de su muerte, Haring apareció póstumamente en el documental de Rosa von Praunheim Silence = Death (1990) sobre artistas homosexuales en la ciudad de Nueva York que luchan por los derechos de las personas con SIDA. Fue lanzado el 4 de mayo, cuando habría sido su cumpleaños número 32. [115]
Poco después de mudarse a Nueva York para estudiar en la Escuela de Artes Visuales, se hizo amigo de sus compañeros de clase Kenny Scharf (su antiguo compañero de cuarto), [116] Samantha McEwen y John Sex . [117] Con el tiempo, se hizo amigo de Jean-Michel Basquiat , quien escribiría sus graffitis SAMO en todo el campus. [118] Cuando Basquiat murió en 1988, Haring escribió su obituario para la revista Vogue y le rindió homenaje con el cuadro Un montón de coronas para Jean-Michel Basquiat (1988). [119] [120]
En 1979, Haring conoció al fotógrafo Tseng Kwong Chi en el East Village. Se hicieron amigos y él documentó gran parte de la carrera de Haring. [121] En 1980, Haring conoció y comenzó a colaborar con el artista de graffiti Ángel "LA II" Ortiz . [29] Haring relató: "Inmediatamente nos llevamos bien. Es como si nos conociéramos de toda la vida. Es como mi hermano pequeño". [29] El arte de Ortiz formó una parte importante del trabajo de Haring que no había sido reconocido por el establishment del arte. [122] [123] Tras la muerte de Haring, Ortiz dejó de recibir crédito y pago por su participación en el trabajo de Haring. Según Montez, autor del libro Keith Haring's Line: Race and the Performance of Desire , desde entonces la Fundación Keith Haring y el mundo del arte han dado grandes pasos para rectificar la eliminación de Ortiz. [124]
A principios de la década de 1980, Haring había establecido amistades con otros artistas emergentes como Fab 5 Freddy y Futura 2000 , y con la cantante Madonna . [12] [125] En 1982, Haring se hizo amigo de Andy Warhol, quien se convirtió en su mentor y más tarde en el tema de su serie Andy Mouse de 1986 . [126] Warhol también creó un retrato de Haring y su socio Juan Dubose en 1983. [127] A través de Warhol, Haring se hizo amigo de Grace Jones , Francesco Clemente y Yoko Ono . [12] También formó amistades con George Condo , Jean-Charles de Castelbajac y Claude Picasso . [128]
Haring conoció al diseñador de accesorios Bobby Breslau a principios de los años 80. Haring buscó orientación en Breslau y lo llamó su "madre judía". [129] Breslau presentó a Haring a su amigo Larry Levan , DJ residente en Paradise Garage. [129] Breslau inspiró a Haring a trabajar con pieles de cuero y fue el gerente de Pop Shop hasta su muerte en 1987. [130]
El marchante de arte Yves Arman era amigo cercano de Haring y Haring era el padrino de su hija. Haring dijo que Arman era "probablemente el mejor apoyo que tuve en el mundo del arte". [12] En 1989, Arman murió en un accidente automovilístico cuando se dirigía a ver a Haring en España. [12]
En 1988, un amigo invitó a Gil Vázquez a visitar el estudio de Broadway de Haring . [131] Haring y Vázquez se hicieron amigos cercanos y pasaron mucho tiempo juntos. Antes de su muerte, Haring creó una fundación que lleva su nombre. Nombró a su asistente y directora de estudio, Julia Gruen, como directora ejecutiva; ella comenzó a trabajar para él en 1984. [132] Vázquez es el presidente de la junta directiva de la fundación, que tiene su sede en el estudio de Broadway de Haring. [133]
En 1989, Haring estableció la Fundación Keith Haring para proporcionar financiación e imágenes a organizaciones y programas infantiles contra el SIDA. El objetivo declarado de la fundación es cumplir sus deseos y ampliar su legado proporcionando subvenciones y financiación a organizaciones sin fines de lucro que educan a jóvenes desfavorecidos e informan al público sobre el VIH y el SIDA. También comparte su trabajo y contiene información sobre su vida. [134] La fundación también apoya a instituciones artísticas y educativas mediante la financiación de exposiciones, programas educativos y publicaciones. [134] En 2010, la fundación se asoció con el AIDS Service Center NYC para abrir el Keith Haring ASC Harlem Center para brindar educación entre pares sobre el VIH y acceso a servicios de atención en Harlem. [135]
Como celebración de su vida, Madonna declaró que la última fecha estadounidense de su gira mundial Blond Ambition de 1990 sería un concierto benéfico en memoria de Haring. Los más de 300.000 dólares que el espectáculo obtuvo con la venta de entradas fueron donados a la Fundación para la Investigación del SIDA . [136] El acto fue documentado en la película de 1991 Madonna: Verdad o Reto . [137]
El trabajo de Haring apareció en varios de los esfuerzos de Red Hot Organization para recaudar fondos para el SIDA y la concientización sobre el SIDA, específicamente en sus dos primeros álbumes, Red Hot + Blue (1990) y Red Hot + Dance (1992), el último de los cuales utilizó la trabajar en su portada. Su arte permanece en exhibición en todo el mundo. [6]
En 1991, Haring fue conmemorado en la colcha conmemorativa del SIDA con su famoso ícono de bebé en un panel de tela. El bebé fue bordado por la tía de Haring, Jeannette Ebling, y la madre de Haring, Joan Haring, hizo gran parte de la costura. [138]
Tim Finn escribió la canción "Hit The Ground Running", en su álbum Before & After (1993), en memoria de Haring. [139]
En 2006, Haring fue nombrado por Equality Forum como uno de sus 31 íconos del Mes de la Historia LGBT . [140]
En 2008, Haring tuvo un globo en homenaje a él en el Desfile del Día de Acción de Gracias de Macy's . [141] Según artnet.com, Haring siempre había soñado con crear un globo para el desfile. "Dieciocho años después de su muerte, este deseo se hizo realidad en lo que habría sido su 50 cumpleaños. Más tarde, se encontraba frente a la entrada principal de la Caminata contra el SIDA de Central Park en 2014. El globo también es recordado por estrellarse contra la cabina de NBC y tomar su transmisión. temporalmente fuera del aire." [142] El 4 de mayo de 2012, en lo que habría sido el cumpleaños número 54 de Haring, Google lo honró con un Google Doodle . [143]
En 2014, Haring fue uno de los homenajeados inaugurales en la Rainbow Honor Walk . El Rainbow Honor Walk es un paseo de la fama en el barrio Castro de San Francisco que destaca a las personas LGBTQ que han "hecho contribuciones significativas en sus campos". [144] [145] [146]
En junio de 2019, Haring fue uno de los cincuenta "pioneros, pioneros y héroes" estadounidenses inaugurales incluidos en el Muro de Honor Nacional LGBTQ dentro del Monumento Nacional Stonewall (SNM) en el Stonewall Inn de la ciudad de Nueva York . [147] [148] El SNM es el primer monumento nacional de EE. UU. dedicado a los derechos y la historia LGBTQ , [149] y la inauguración del muro se programó para que tuviera lugar durante el 50 aniversario de los disturbios de Stonewall. [150]
En 2021, Polaroid honró a Haring con una cámara Polaroid Now y una película instantánea Polaroid i-Type decorada con sus motivos característicos. [151] [152]
El estilo característico de Haring se ve con frecuencia en varias colecciones de moda. Su patrimonio ha colaborado con marcas como Adidas , Lacoste , UNIQLO , Supreme , Reebok y Coach . [153] [154]
Haring es el tema de una composición, Haring at the Exhibition , escrita e interpretada por el compositor italiano Lorenzo Ferrero en colaboración con el DJ Nicola Guiducci. La obra combina extractos de las listas musicales populares de la década de 1980 con muestras de composiciones de música clásica de Lorenzo Ferrero y sonidos sintetizados. Se presentó en "The Keith Haring Show", exposición que tuvo lugar en 2005 en la Trienal de Milán . [155]
En 2008, la cineasta Christina Clausen estrenó el documental El universo de Keith Haring . En la película, el legado de Haring "resucita a través de coloridas imágenes de archivo y es recordado por amigos y admiradores como los artistas Kenny Scharf y Yoko Ono, los galeristas Jeffrey Deitch y Tony Shafrazi, y el coreógrafo Bill T. Jones ". [156]
Madonna utilizó el arte de Haring como telón de fondo animado para su Sticky and Sweet Tour 2008/2009 . La animación presentaba sus características figuras en bloques bailando al ritmo de un remix actualizado de " Into the Groove ". [157]
Keith Haring: Double Retrospect es un rompecabezas del tamaño de un monstruo de Ravensburger que mide 17 por 6 pies (5,2 por 1,8 m) con 32.256 piezas, rompiendo el Libro Guinness de los Récords Mundiales por ser el rompecabezas más grande jamás creado en 2011. El rompecabezas utiliza 32 piezas de su obra y pesa 42 libras (19 kg). [158]
En 2017, su hermana Kay Haring escribió un libro para niños, Keith Haring: The Boy Who Just Kept Drawing, que se ubicó entre los diez más vendidos cada semana durante más de un año en la categoría de Amazon de Historia del arte infantil. [159]
En julio de 2020, BBC Two transmitió el documental Keith Haring: Street Art Boy , que se construye a partir de una serie de entrevistas entre Haring y el crítico de arte John Gruen en 1989. [160] [161] El documental, que fue dirigido por Ben Anthony, Se emitió en diciembre de 2020 en PBS como parte de la serie American Masters . [162] [163]
El trabajo de Haring demuestra influencias políticas y personales. Las referencias a su orientación sexual son evidentes a lo largo de su trabajo y sus diarios confirman su impacto en su trabajo. [164] Hay alusiones simbólicas a la epidemia de SIDA en algunas de sus piezas posteriores, como Sin título (cat. n.º 27) , Silencio=Muerte y su boceto Mujer que llora . En algunas de sus obras, incluida cat. No. 27: el simbolismo es sutil, pero también produjo algunas obras descaradamente activistas. Silence=Death , que refleja el cartel de ACT UP y utiliza su lema, es considerado casi universalmente como una obra de activismo contra el VIH/SIDA . [165]
Haring fue influenciado por el trabajo de William Burroughs con Brion Gysin y su libro The Third Mind . [12] También fue influenciado por otros artistas, incluidos Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, George Condo y Angel "LA II" Ortiz. [29] [12] En algunas de sus obras trazó conexiones entre el fin del mundo y el virus del SIDA. En una pieza que hizo con William Burroughs , representa el virus como criaturas parecidas a demonios, el número 666 y una nube en forma de hongo. [11]
La proximidad de Haring a la fusión nuclear en Three Mile Island tuvo un gran impacto en él. Su miedo al desastre nuclear comenzó a aparecer en su arte. Un ejemplo de esto es una bandera con rayas blancas y negras que, según él, simbolizaba el peligro de un apocalipsis nuclear. [11]
Haring estuvo profundamente influenciado por el Movimiento de Jesús cuando era joven, y continuó desempeñando un papel en su arte durante toda su carrera. El movimiento era un grupo de cristianos extremadamente evangélico , poco organizado y diverso . Eran conocidos por sus creencias antimaterialismo y antisistema, su enfoque en el Juicio Final y su trato compasivo hacia los pobres. Cuando era un joven adolescente, Haring se involucró mucho en el movimiento. Alrededor de esa época comenzaron a incorporarse a sus dibujos símbolos religiosos y sentimientos del Movimiento de Jesús. Esto incluye opiniones contrarias al establishment de la iglesia que se pueden ver en algunos de sus trabajos posteriores. [11] Aunque su tiempo como "Persona de Jesús" no duró más allá de su adolescencia, imágenes, símbolos y referencias religiosas continuaron apareciendo en su arte. En una entrevista cerca del final de su vida, comentó: "[Todas] esas cosas se me quedaron grabadas en la cabeza e incluso ahora hay muchas imágenes religiosas en mi trabajo. Algunas personas incluso piensan que mi trabajo es de un fanático o maníaco religioso". [11]
Cuando Haring dibujaba graffitis en el metro, usaba una etiqueta para firmar su trabajo. Su etiqueta, Radiant Baby, representa a un bebé con líneas que irradian de él, en alusión al Niño Jesús . Continuó realizando imágenes que representan al Niño Jesús, incluidos belenes en su estilo característico durante su época como artista del metro. [11] Sus últimas piezas fueron dos trípticos religiosos; ambos fueron a catedrales episcopales . En ellos ilustra el Juicio Final, aunque resulta ambiguo quién se salva en los pedazos. [11]
Durante su vida, Haring realizó más de 50 exposiciones individuales y estuvo representado por galerías de renombre como la Galería Tony Shafrazi y la Galería Leo Castelli . [166] Desde su muerte, ha aparecido en más de 150 exposiciones en todo el mundo. [167] También ha sido objeto de varias retrospectivas internacionales .
Haring tuvo su primera exposición individual en Westbeth Painters Space en febrero de 1981. [25] [26] Ese mes también participó en la exposición Nueva York/New Wave en el MoMA PS1 . [168] Más tarde ese año tuvo una exposición individual en la Galería Hal Bromm, [169] seguida de su destacada exposición en la Galería Tony Shafrazi en 1982. [117] Ese mismo año, también participó en la documenta 7 en Kassel. como la serie Messages to the Public de Public Art Fund en la que creó trabajos para una valla publicitaria de Spectacolor en Times Square. [11] En 1983, Haring contribuyó con trabajos a la Bienal del Whitney y a la Bienal de São Paulo . También realizó exposiciones individuales en la Fun Gallery , Galerie Watari en Tokio, y su segunda exposición en la Tony Shafarzi Gallery. [170] [171] [35]
En 1984, Haring participó en la exposición colectiva Arte di Frontiera: New York Graffiti en Italia. [172] Participó en la Bienal de Venecia en 1984 y 1986. [173] [36] En 1985, Haring participó en la Bienal de París y tuvo su primera exposición individual en un museo en el CAPC de Burdeos . [174] [3] En 1986, tres de las esculturas de Haring se colocaron en la plaza Dag Hammarskjöld, frente a la sede de las Naciones Unidas . [175] [90] Dos de las obras se exhibieron en Riverside Park desde mayo de 1988 hasta mayo de 1989. [90] En 1991-92, Figura equilibrio sobre un perro de Haring se exhibió en Dante Park en Manhattan. [90]
En 1996, una retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Australia fue la primera gran exposición de su obra en Australia. Su arte fue objeto de una retrospectiva en 1997 en el Whitney Museum of American Art de Nueva York, comisariada por Elisabeth Sussman. [176] El Fondo de Arte Público, en colaboración con el Patrimonio de Keith Haring, organizó una instalación en múltiples sitios de sus esculturas al aire libre en Doris C. Freedman Plaza de Central Park y a lo largo de los centros comerciales de Park Avenue . [177] Esta exposición pública se produjo simultáneamente con la retrospectiva en el Whitney. [178] Las esculturas viajaron posteriormente a la costa oeste en 1998. La Comisión de Artes de San Francisco exhibió 10 esculturas alrededor de San Francisco para coincidir con la retrospectiva de Haring en el Museo de Arte Moderno de San Francisco. [179] La ciudad de West Hollywood y la propiedad de Haring también presentaron sus esculturas en Santa Monica Boulevard . [180]
En 2007, la escultura de aluminio pintado de Haring, Autorretrato (1989), se exhibió en el vestíbulo del Arsenal en Central Park, como parte de la exposición retrospectiva The Outdoor Gallery: 40 años de arte público en los parques de la ciudad de Nueva York . [90]
En 2008, hubo una exposición retrospectiva en el MAC de Lyon, Francia. En febrero de 2010, con motivo del vigésimo aniversario de la muerte de Haring, la Galería Tony Shafrazi mostró una exposición que contenía decenas de obras de todas las etapas de la carrera de Haring. [181] En marzo de 2012, se inauguró una exposición retrospectiva de su obra, Keith Haring: 1978–1982 , en el Museo de Brooklyn en Nueva York. [182] En abril de 2013, Keith Haring: The Political Line se inauguró en el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris y Le Cent Quatre . En noviembre de 2014, luego en el Museo De Young de San Francisco. [183]
Desde diciembre de 2016 hasta junio de 2017, el Petersen Automotive Museum de Los Ángeles expuso The Unconventional Canvases of Keith Haring , que presentaba cinco vehículos que Haring pintó. [184] En 2019, el trabajo de Haring se exhibió en la Galería Gladstone en Bélgica. [185] La primera gran exposición del trabajo de Haring en el Reino Unido, con más de 85 obras de arte, fue en la Tate Liverpool de junio a noviembre de 2019. [186] De diciembre de 2019 a marzo de 2020, la Galería Nacional de Victoria en Melbourne expuso a Keith Haring y Jean -Michel Basquiat: Cruzando Líneas . [187]
En febrero de 2021, el Museo de Arte Contemporáneo de Denver inauguró la exposición Keith Haring: Grace House Mural , que muestra 13 paneles de un mural que Haring pintó en un centro juvenil católico en el Upper West Side de Manhattan en marzo de 1983 o 1984. [188 ] El mural, que presentaba figuras del bebé radiante de Haring, un perro ladrando y un hombre bailando, ocupaba tres pisos y 85 pies. Cuando se vendió Grace House, su operador, la Iglesia de la Ascensión , fue en contra de los deseos de la Fundación Keith Haring de conseguir un comprador que mantuviera la obra. En cambio, la iglesia hizo cortar secciones del mural y venderlas en una subasta en 2019 a un coleccionista privado anónimo por 3,86 millones de dólares. Los paneles están prestados al museo y estarán en exhibición hasta el 22 de agosto de 2021.
En 2022, la exposición Keith Haring: Grace House Mural se exhibió en el Museo Schunck de Heerlen . [189] En 2023, The Broad presentó la primera exposición de Haring en un museo en Los Ángeles, Keith Haring: Art is for Everyone . [190]
Un informe de CBS Evening News de octubre de 1982 muestra escenas de la exposición individual de Haring en la Galería Tony Shafrazi en SoHo. Se informó que se vendieron pinturas por valor de más de un cuarto de millón de dólares en los primeros días de la inauguración de la exposición. [191] Aunque era un artista establecido en 1983, Shafrazi declaró que Haring quería mantener sus precios bajos. [192] Sus precios oscilaban entre 3.000 dólares por un dibujo y 15.000 dólares por una pintura grande. [192] En 1984, sus obras se vendían por hasta 20.000 dólares y tenía unos ingresos anuales de 250.000 dólares. [45] [193]
Haring creó Pop Shop en 1986 en el distrito SoHo de Manhattan, vendiendo camisetas, juguetes, carteles y otros objetos que muestran sus obras, lo que permite que sus obras sean accesibles a un mayor número de personas. [77] Hablando sobre Pop Shop en 1989, Haring dijo: "Durante los últimos cinco o seis años, las recompensas que he recibido son muy desproporcionadas con respecto a lo que merezco... Gano mucho más dinero del que debería ganar. , entonces es un poco de culpa, de querer devolverlo". [5]
Haring estuvo representado hasta su muerte por el marchante de arte Tony Shafrazi. [194] Desde su muerte en 1990, su patrimonio ha sido administrado por la Fundación Keith Haring, representada por Gladstone Gallery . [195] En mayo de 2017, la pintura de Haring Sin título (1982), que presenta sus símbolos característicos (el bebé radiante, perros ladrando, ángeles y X rojas), se vendió por 6,5 millones de dólares en Sotheby's en Nueva York, convirtiéndose en la obra de arte de Haring más cara vendida en subasta. [196] Sin embargo, el postor ganador, Anatole Shagalov, no pagó y Sotheby's lo revendió por 4,4 millones de dólares en agosto de 2017. [197]
En octubre de 2020, la Fundación Keith Haring contrató a Sotheby's para realizar una subasta en línea de más de 140 obras de la colección de Haring. [198] Dear Keith superó su estimación de 1,4 millones de dólares para alcanzar 4,6 millones de dólares con una tasa de venta por lote del 100 por ciento. Todos los ingresos de la venta se destinaron al Centro Comunitario de Lesbianas, Gays, Bisexuales y Transgénero de Nueva York. [198] En diciembre de 2021, la pintura de Haring de 1982 Sin título (Acrobats) de la colección de Peter M. Brant y Stephanie Seymour , se vendió por 5,5 millones de dólares en Sotheby's en Nueva York. [199]
En 2022, sus propietarios retiraron el dibujo de ''Radiant Baby'' que había hecho en la pared de la casa de su infancia a principios de la década de 1980 (junto con parte de los paneles de la pared) y lo pusieron a la venta. [200]
El trabajo de Haring se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas, incluido el Museo de Arte Moderno , la Biblioteca y Museo Morgan y el Museo Whitney de Arte Americano en la ciudad de Nueva York; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles ; el Instituto de Arte de Chicago ; el Museo del Bajo en Miami; Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París ; el Centro de Estudios de Arte de la Fundación Brant en Greenwich, Connecticut; el Museo de Arte Carnegie y el Museo Andy Warhol en Pittsburgh; el Museo Ludwig de Colonia; y el Museo Stedelijk de Ámsterdam. [201] También creó una amplia variedad de obras públicas, incluida la enfermería en Children's Village en Dobbs Ferry, Nueva York , [202] y el baño de hombres del segundo piso en el Centro Comunitario de Lesbianas, Gays, Bisexuales y Transgénero en Manhattan, que Más tarde se transformó en una oficina y se conoce como Keith Haring Room. [203] [204] En enero de 2019, se inauguró la exposición "Keith Haring's New York" en la Facultad de Derecho de Nueva York en el edificio principal de su campus de Tribeca . [205]
La Colección Nakamura Keith Haring , establecida en 2007 en Hokuto, Yamanashi , Japón, es un museo de arte que exhibe exclusivamente obras de arte de Haring. [206] [207]
No existe un catálogo razonado de Haring, pero hay abundante información sobre él en el sitio web de la propiedad y en otros lugares, lo que permite a los posibles compradores o vendedores investigar la historia de la exposición. [208] Si bien no existe un catálogo razonado formal para las obras de Haring, "Keith Haring 1982-1990: Editions on Paper - the Complete Printed Works" de Klaus Littmann es ampliamente considerado como la guía más autorizada sobre el tema de sus ediciones impresas. [209]
En 2012, la Fundación Keith Haring disolvió su junta de autenticación para centrarse en sus actividades caritativas. [210] Ese mismo año, donó 1 millón de dólares para apoyar exposiciones en el Museo Whitney de Arte Americano . [194] En 2014, un grupo de nueve coleccionistas de arte demandó a la fundación, alegando que les había costado al menos 40 millones de dólares al negarse a autenticar 80 supuestas obras de Haring. [211] En 2015, un juez falló a favor de la fundación. [212]
En 1980, Haring tenía 22 años y era un artista prometedor que pintaba en el patio de una escuela en el Lower East Side cuando el Sr. Ortiz, que entonces tenía 13 años, se le acercó por primera vez. El Sr. Ortiz había oído que Haring estaba impresionado por su graffiti y que lo estaba buscando... El Sr. Ortiz sostiene que se le ha negado crédito y ganancias por la venta y concesión de licencias de obras de arte que ayudó a crear.
Había pintado un cuadro en el concierto Live Aid en el estadio JFK de Filadelfia el verano pasado, para ser subastado para aliviar la hambruna.
La lucha y la historia de LA2 lo hacen importante para mí. Era un joven puertorriqueño que vino a mí en busca de ayuda. Se había unido al circo Keith Haring a los 15 años. Keith tenía el perro que ladraba y el bebé radiante. Pero son gráficos, no bellas artes. LA2 creó los complementos. Esos pequeños símbolos en el trabajo de Keith son las firmas de LA2. Keith y LA2 fueron una colaboración y la gente no habla de su trabajo de esa manera. LA2 no fue sólo la ayuda. El establishment del arte lo ha criticado.
En 2008, Ortiz le dijo a The New York Times que le pagaron por el trabajo que ayudó a crear durante la vida de Haring, pero que no había visto ninguna de las ganancias del patrimonio de Haring desde su muerte. Según Montez, desde entonces la Fundación Haring y el mundo del arte han dado grandes pasos para rectificar el borrado de LA2.
