La " comedia de la Restauración " es una comedia inglesa escrita y representada en el período de la Restauración de 1660-1710. La comedia costumbrista se utiliza como sinónimo de esto. [1] Después de que el régimen puritano prohibiera las representaciones teatrales públicas durante 18 años , la reapertura de los teatros en 1660 marcó un renacimiento del drama inglés . [2] El lenguaje sexualmente explícito fue fomentado personalmente por el rey Carlos II (1660-1685) y por el estilo libertino de su corte. El historiador George Norman Clark sostiene:
El hecho más conocido sobre el drama de la Restauración es que es inmoral. Los dramaturgos no criticaron la moralidad aceptada sobre el juego, la bebida, el amor y el placer en general, ni intentaron, como los dramaturgos de nuestro tiempo, elaborar su propia visión del carácter y la conducta. Lo que hicieron fue, según sus respectivas inclinaciones, burlarse de todas las restricciones. Algunas eran groseras, otras delicadamente impropias... Los dramaturgos no sólo decían lo que querían: también pretendían gloriarse de ello y escandalizar a quienes no les gustaba. [3]
Las audiencias socialmente diversas incluían aristócratas, sus sirvientes y parásitos y un importante segmento de clase media. Se sintieron atraídos por las comedias por la escritura de actualidad, las tramas abarrotadas y bulliciosas, la introducción de las primeras actrices profesionales y el ascenso de los primeros actores famosos. En esa época apareció la primera dramaturga profesional, Aphra Behn .
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Carlos II fue un mecenas activo e interesado en el teatro. Poco después de su restauración en 1660, concedió derechos exclusivos de puesta en escena, las llamadas patentes reales , a la King's Company y a la Duke's Company , dirigidas por dos dramaturgos carolinos de mediana edad , Thomas Killigrew y William Davenant . Los titulares de las patentes lucharon por los derechos de interpretación de las obras jacobeas y carolinas de la generación anterior, como primera necesidad para la supervivencia económica antes de que existieran nuevas obras. Su siguiente prioridad fue construir espléndidos teatros patentados en Drury Lane y Dorset Gardens , respectivamente. Esforzándose por superarse mutuamente, Killigrew y Davenant terminaron con teatros bastante similares, ambos diseñados por Christopher Wren , ambos ofreciendo música y baile de manera óptima, y ambos equipados con escenarios móviles y elaboradas máquinas para truenos, relámpagos y olas. [4]
Los dramaturgos de la Restauración renunciaron a la tradición de la sátira encarnada recientemente por Ben Jonson , dedicándose a una comedia costumbrista que aceptaba acríticamente el código social de la clase alta. [5]
El público de principios de la Restauración no era exclusivamente cortesano , como a veces se ha supuesto, sino que era bastante reducido y apenas podía sustentar a dos compañías. No había ninguna reserva sin explotar de asistentes ocasionales al juego. Diez representaciones consecutivas constituyeron un éxito. Este sistema cerrado obligó a los dramaturgos a responder fuertemente al gusto popular. La moda en el teatro cambiaba casi semana tras semana, en lugar de temporada tras temporada, a medida que cada compañía respondía a las ofertas de la otra y se buscaban con urgencia nuevas obras. En este clima agitado nacieron y florecieron los nuevos géneros de drama heroico , drama patético y comedia de la Restauración. [6]
Tanto la cantidad como la calidad del drama sufrieron en 1682 cuando la más exitosa Duke's Company absorbió a la King's Company en apuros para formar la United Company . La producción de nuevas obras de teatro cayó drásticamente en la década de 1680, afectada por el monopolio y la situación política (ver Decadencia de la comedia más abajo). La influencia y los ingresos de los actores también disminuyeron. [7] A finales de la década de 1680, los inversores depredadores ("aventureros") convergieron en la United Company. La gestión fue asumida por el abogado Christopher Rich , que intentó financiar una maraña de acciones "cultivadas" y socios durmientes recortando salarios y aboliendo peligrosamente los beneficios tradicionales de los trabajadores de alto nivel, que eran estrellas con influencia para defenderse. [8]
Los propietarios de la empresa, escribió el joven empleado de United Company, Colley Cibber , "habían hecho el monopolio del escenario y, en consecuencia, supusieron que podrían imponer a su gente las condiciones que quisieran. [Ellos] no consideraron que estuvieran todo este tiempo tratando de esclavizar a un conjunto de actores a quienes el público estaba inclinado a apoyar". [9] Artistas como el legendario Thomas Betterton , la tragedia Elizabeth Barry y la joven comediante en ascenso Anne Bracegirdle tenían al público de su lado y, confiados en ello, se marcharon. [10]
Los actores obtuvieron una "licencia real para actuar", evitando así la propiedad de Rich de las patentes originales de Duke's y King's Company de 1660 y formando su propia empresa cooperativa. Esta empresa se creó con reglas detalladas para evitar la autoridad administrativa arbitraria, regulando las acciones de los diez actores, fijando las condiciones de los empleados asalariados y las prestaciones de enfermedad y jubilación de ambas categorías. La cooperativa tuvo la suerte de abrir sus puertas en 1695 con el estreno de la famosa Love For Love de William Congreve y la habilidad de convertirla en un gran éxito de taquilla. [11]
Londres volvió a tener dos empresas competidoras. Su afán por atraer al público revitalizó brevemente el drama de la Restauración, pero también lo puso en una pendiente fatal hacia el mínimo común denominador del gusto del público. La compañía de Rich ofrecía atracciones del tipo de la Feria de Bartolomé (pateadores altos, malabaristas, bailarines de cuerda, animales de espectáculo), mientras que los actores que cooperaron, aunque apelaban al esnobismo al erigirse como la única compañía de teatro legítima en Londres, no dudaban en tomar represalias con "prólogos recitados por niños de cinco años y epílogos declamados por damas a caballo". [12]
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La comedia de restauración estuvo fuertemente influenciada por las primeras actrices profesionales. Antes del cierre de los teatros , todos los papeles femeninos habían sido asumidos por actores masculinos y el público predominantemente masculino de las décadas de 1660 y 1670 sentía curiosidad, censura y deleite ante la novedad de ver a mujeres reales participar en réplicas atrevidas y participar en escenas de seducción física. . Samuel Pepys se refiere muchas veces en su diario a visitar el teatro para ver o volver a ver actuaciones de determinadas actrices y a disfrutar de ellas.
Las escenas de comedia atrevidamente sugerentes que involucraban a mujeres se volvieron especialmente comunes, aunque, por supuesto, se esperaba que las actrices de la Restauración, al igual que los actores masculinos, hicieran justicia a todo tipo y estado de ánimo de las obras. (Su papel en el desarrollo de la tragedia de la Restauración también es importante, compárese con She-tragedy ).
Una especialidad introducida casi tan pronto como las actrices fue el papel de calzones : una actriz aparecía con ropa masculina (pantalones ajustados hasta las rodillas, la prenda masculina estándar de la época), por ejemplo para interpretar a una heroína ingeniosa que se disfraza de un niño para esconderse o participar en escapadas prohibidas a las niñas. Una cuarta parte de las obras producidas en los escenarios londinenses entre 1660 y 1700 contenían papeles en calzones. Las mujeres que los interpretaban se comportaban con la libertad que la sociedad concedía a los hombres. Algunas críticas feministas, como Jacqueline Pearson, las vieron como una subversión de los roles de género convencionales y un empoderamiento femenino de la audiencia. Elizabeth Howe ha objetado que el disfraz masculino, cuando se estudia en relación con los textos, prólogos y epílogos de la obra de teatro, resulta "poco más que otro medio más de mostrar a la actriz como un objeto sexual" ante los clientes masculinos, mostrando su cuerpo. , normalmente oculta por una falda, perfilada por el traje masculino." [13]
Las actrices exitosas de la Restauración incluyeron a la amante de Carlos II , Nell Gwyn , la tragedia Elizabeth Barry , famosa por su capacidad de "mover las pasiones" y hacer llorar a audiencias enteras, la comediante de la década de 1690 Anne Bracegirdle y Susanna Mountfort ( Susanna Verbruggen ), que tenía muchos papeles escritos. especialmente para ella en las décadas de 1680 y 1690. Cartas y memorias de la época muestran a hombres y mujeres del público disfrutando de las fanfarronadas y bulliciosas personificaciones de Mountfort de mujeres jóvenes engalanadas para disfrutar de la libertad social y sexual de los libertinos masculinos de la Restauración .
Los actores masculinos y femeninos de los escenarios londinenses del período de la Restauración se convirtieron por primera vez en celebridades públicas . Los documentos de la época muestran que el público se sentía atraído por las representaciones tanto por el talento de actores específicos como por obras de teatro específicas, y más que por los autores (que parecen haber sido el atractivo menos importante, ya que ningún autor anunció ninguna actuación hasta 1699). Aunque los teatros se construyeron para grandes audiencias (el segundo teatro de Drury Lane de 1674 tenía capacidad para 2000 espectadores), tenían un diseño compacto y el carisma de un actor podía proyectarse íntimamente desde el escenario .
Con dos compañías compitiendo por sus servicios desde 1660 hasta 1682, los actores estrella podían negociar acuerdos estrella, que incluían acciones de la compañía y noches de beneficios , así como salarios. Esta ventaja cambió cuando las dos compañías se fusionaron en 1682, pero la forma en que los actores se rebelaron y tomaron el mando de una nueva compañía en 1695 es en sí misma una ilustración de hasta qué punto se había desarrollado su estatus y poder desde 1660.
Las mayores estrellas fijas entre los actores de la Restauración fueron Elizabeth Barry ("La famosa señora Barry" que "forzó las lágrimas de los ojos de su auditorio") y Thomas Betterton , ambos activos en la dirección de la revuelta de los actores en 1695 y ambos titulares de patentes originales. en la cooperativa de actores resultante.
Betterton interpretó todos los grandes papeles masculinos que hubo desde 1660 hasta el siglo XVIII. Después de ver Hamlet en 1661, Pepys informa en su diario que el joven principiante Betterton "hizo el papel del príncipe más allá de la imaginación". Estas representaciones expresivas parecen haber atraído a los espectadores de manera tan magnética como lo hizo la novedad de ver mujeres en el escenario. Pronto se estableció como el protagonista de la Compañía del Duque e interpretó a Dorimant, el irresistible libertino de la Restauración , en el estreno de Man of Mode (1676) de George Etherege . La posición de Betterton permaneció inalterada durante la década de 1680, como protagonista de la United Company y como director de escena y líder cotidiano de facto . Permaneció leal a Rich durante más tiempo que muchos de sus compañeros de trabajo, pero finalmente fue él quien encabezó una huelga de actores en 1695 y se convirtió en el director interino de la nueva compañía.
La variedad y los vertiginosos cambios de moda son propios de la comedia de la Restauración. Aunque es probable que la unidad de "Drama de la Restauración" impartida a estudiantes universitarios se reduzca de manera que todas las obras suenen contemporáneas, los académicos ahora tienen una fuerte idea de la rápida evolución del teatro inglés a lo largo de estos 40 años y sus causas sociales y políticas. . También se reconoce la influencia de la competencia entre compañías de teatro y la economía de las salas de teatro.
La comedia de restauración alcanzó su punto máximo dos veces. El género alcanzó una marcada madurez a mediados de la década de 1670 con una extravagancia de comedias aristocráticas . Veinte años de escasez siguieron a esta breve edad de oro, aunque cabe destacar el logro de Aphra Behn en la década de 1680. A mediados de la década de 1690 surgió un breve segundo renacimiento de la comedia de la Restauración, dirigido a un público más amplio. Las comedias de las épocas doradas de las décadas de 1670 y 1690 son extremadamente diferentes entre sí. A continuación se intenta ilustrar el cambio de gusto generacional describiendo con cierto detalle La esposa de campo (1675) y La esposa provocada (1697). Las dos obras difieren en algunos aspectos típicos, del mismo modo que una película de Hollywood de los años cincuenta difiere de una de los setenta. Las obras, sin embargo, no se presentan como "típicas" de sus décadas. De hecho, no existen comedias típicas de las décadas de 1670 y 1690; Incluso dentro de estos dos breves momentos pico, los tipos de comedia siguieron mutando y multiplicándose.
El drama de las décadas de 1660 y 1670 se vio revitalizado por la competencia entre las dos compañías de patentes creadas durante la Restauración y por el interés personal de Carlos II, mientras que los dramaturgos cómicos surgieron ante la demanda de nuevas obras. Robaron libremente de los escenarios franceses y españoles contemporáneos, de las obras jacobeas y carolinas inglesas , e incluso de las comedias clásicas griegas y romanas , combinando las tramas saqueadas de maneras aventureras. Las diferencias de tono resultantes en una sola obra fueron apreciadas en lugar de desaprobadas: el público valoraba la "variedad" tanto dentro como entre las obras. El público de los primeros años de la Restauración tenía poco entusiasmo por las comedias estructuralmente simples y bien formadas como las de Molière . Exigían acción bulliciosa, llena de tramas múltiples y un ritmo rápido. Incluso se podría añadir un toque de drama heroico para enriquecer la mezcla de comedia, como en Love in a Tub (1664) de George Etherege , que tiene una trama de verso heroico "conflicto entre amor y amistad", una trama de comedia de ingenio urbano. y una trama de pantalones burlescos. ( Ver ilustración, arriba a la derecha .) Tales incongruencias contribuyeron a la baja estima que se tenía por la comedia de la Restauración en los siglos XVIII, XIX y principios del XX, mientras que hoy en día esa experiencia teatral total vuelve a ser valorada en el escenario y por los críticos académicos posmodernos .
Las comedias poco sentimentales o "duras" de John Dryden , William Wycherley y George Etherege reflejaban la atmósfera de la corte. Celebraban con franqueza un estilo de vida aristocrático y machista de incesantes intrigas y conquistas sexuales. El conde de Rochester , un libertino, cortesano y poeta de la Restauración de la vida real, es retratado halagadoramente en The Man of Mode (1676) de Etherege como un aristócrata desenfrenado, ingenioso, intelectual y sexualmente irresistible, un modelo para la idea de la posteridad del glamoroso libertino de la Restauración. (En realidad, nunca es un personaje muy común en la comedia de la Restauración). The Plain Dealer (1676) de Wycherley , una variación del tema de Le Misanthrope de Molière , fue muy apreciada por su sátira intransigente y le valió a Wycherley el apelativo de "Plain Dealer" Wycherley o "Manly" Wycherley, en honor al personaje principal de la obra, Manly. La obra que más apoya la acusación de obscenidad formulada entonces y ahora contra la comedia de la Restauración es probablemente The Country Wife (1675), de Wycherley .
The Country Wife tiene tres tramas interconectadas pero distintas, cada una de las cuales proyecta estados de ánimo marcadamente diferentes:
1. El truco de la impotencia de Horner proporciona la trama principal y el principio organizador. Horner, un libertino de clase alta, organiza una campaña para seducir a tantas damas respetables como sea posible, difundiendo primero un falso rumor sobre su propia impotencia, para poder acceder a lugares donde ningún otro hombre podría ir. El truco es un gran éxito y Horner tiene relaciones sexuales con muchas mujeres casadas de reputación virtuosa, cuyos maridos están felices de dejarlas a solas con él. En la famosa y escandalosa "escena china", se supone que las relaciones sexuales tienen lugar repetidamente justo fuera del escenario, donde Horner y sus amantes mantienen un diálogo sostenido de doble sentido supuestamente sobre la colección de porcelana de Horner. The Country Wife está impulsada por una sucesión de casi descubrimientos de la verdad sobre las proezas sexuales de Horner (y, por tanto, la verdad sobre las damas respetables), de los que se libera mediante el pensamiento rápido y la suerte. Horner nunca se reforma, pero guarda su secreto hasta el final y se ve que continúa cosechando alegremente los frutos de su desinformación plantada más allá del último acto y más allá.
2. La vida matrimonial de Pinchwife y Margery se inspira en la Escuela para esposas de Molière . Pinchwife, de mediana edad, se ha casado con una joven campesina ignorante con la esperanza de que ella no sepa ponerle los cuernos. Horner le enseña y Margery recorre las sofisticaciones del matrimonio londinense sin siquiera darse cuenta. Está entusiasmada con la belleza viril de los galanes de la ciudad, los libertinos y, especialmente, los actores de teatro (tales chistes escénicos autorreferenciales se alimentaron del nuevo estatus superior de los actores), y mantiene a Pinchwife en un estado de continuo horror con su franqueza y Interés por el sexo. Una broma corriente es la forma en que los celos patológicos de Pinchwife siempre lo llevan a proporcionarle a Margery la información que él desea que ella no tenga.
3. El noviazgo de Harcourt y Alithea es una historia de amor comparativamente edificante, en la que el ingenioso Harcourt gana la mano de Alithea, la hermana de Pinchwife, de manos del snob de clase alta de la ciudad, Sparkish, con quien estaba comprometida hasta descubrir que él solo la amaba. por su dinero.
Cuando las dos compañías se fusionaron en 1682 y los escenarios de Londres se convirtieron en un monopolio, tanto el número como la variedad de nuevas obras disminuyeron drásticamente. Hubo un alejamiento de la comedia hacia el drama político serio, lo que refleja preocupaciones y divisiones después del complot papista (1678) y la crisis de exclusión (1682). Las pocas comedias producidas tendían a tener un enfoque político: el dramaturgo Whig Thomas Shadwell se enfrentaba a los conservadores John Dryden y Aphra Behn . Los logros de Behn como una de las primeras escritoras profesionales han sido objeto de muchos estudios recientes.
Durante una segunda ola de comedia de la Restauración en la década de 1690, las comedias "más suaves" de William Congreve y John Vanbrugh reflejaron percepciones culturales mutantes y grandes cambios sociales. Los dramaturgos de la década de 1690 se propusieron atraer a audiencias socialmente más mixtas con un fuerte elemento de clase media, y a espectadoras, por ejemplo trasladando la guerra entre sexos del ámbito de la intriga al del matrimonio. La comedia se centra menos en los jóvenes amantes que burlan a la generación mayor, más en las relaciones matrimoniales después de las campanas de boda. La oscura La excusa de las esposas (1691) de Thomas Southerne todavía no es "suave": muestra a una mujer miserablemente casada con el petimetre Friendall, amigo de todos, cuyas locuras e indiscreciones socavan su valor social, ya que su honor está ligado a su . La señora Friendall es perseguida por un posible amante, un libertino desprovisto de todas las cualidades que hicieron encantador al Dorimant de Etherege. La falta de atractivo de todas sus opciones le impide actuar y elegir. El humor de esta "comedia" está en las tramas subsidiarias de persecución amorosa y fornicación, ninguna en la trama principal.
En Love for Love (1695) y The Way of the World (1700), de Congreve, se subestiman los "duelos de ingenio" entre amantes típicos de la comedia de la década de 1670. Los toma y daca de parejas que aún ponen a prueba su atracción mutua se han transformado en ingeniosos debates prenupciales en vísperas del matrimonio, como en la famosa escena de la "Proviso" en El camino del mundo (1700). La esposa provocada (1697) de Vanbrugh sigue los pasos de La excusa de las esposas de Southerne , con un toque más ligero y personajes más humanamente reconocibles.
La esposa provocada es una especie de obra problemática de la Restauración en su atención a la posición legal subordinada de las mujeres casadas y las complejidades del "divorcio" y la separación, cuestiones que habían sido destacadas a mediados de la década de 1690 por algunos casos notorios ante la Cámara de los Lores. (ver Piedra).
Sir John Brute en La esposa provocada está cansado del matrimonio. Llega a casa borracho todas las noches y continuamente es grosero e insultante con su esposa. Mientras tanto, se ve tentada a embarcarse en una aventura con el ingenioso y fiel Constant. El divorcio no es una opción para ninguno de los Brutes en este momento, pero recientemente han surgido formas de separación legal que implicarían una manutención por separado para la esposa. Un acuerdo así impediría volver a casarse. Aún así, reflexiona Lady Brute, en una de las muchas conversaciones con su sobrina Bellinda, "Estos son buenos tiempos. Una mujer puede tener un galán y también una manutención separada".
Mientras tanto, Bellinda es cortejada de mal humor por el amigo de Constant, Heartfree, quien está sorprendido y consternado al descubrir que está enamorado de ella. El mal ejemplo de los Brutes es una advertencia constante a Heartfree para que no se case.
The Provoked Wife es una obra de teatro, que se centra menos en escenas de amor y más en discusiones entre amigos, mujeres (Lady Brute y Bellinda) y hombres (Constant y Heartfree). Están llenos de chistes, pero también reflexivos, con una dimensión de melancolía y frustración.
Después de una complicación por una carta falsificada, la obra termina con el matrimonio entre Heartfree y Bellinda y un punto muerto entre los Brutes. Constant continúa cortejando a Lady Brute, y ella continúa tímidamente.
La tolerancia hacia la comedia de la Restauración, incluso en su forma modificada, se estaba agotando a finales del siglo XVII, cuando la opinión pública se volvió hacia la respetabilidad y la seriedad más rápidamente que los dramaturgos. Las causas interconectadas de este cambio de gusto fueron el cambio demográfico , la Revolución Gloriosa de 1688, la aversión de William y Mary por el teatro y las demandas entabladas contra los dramaturgos por la Sociedad para la Reforma de las Costumbres (fundada en 1692). Cuando Jeremy Collier atacó a Congreve y Vanbrugh en su Breve visión de la inmoralidad y la profanidad del escenario inglés en 1698, estaba confirmando un cambio en el gusto del público que se había producido. En el tan esperado estreno estelar en 1700 de The Way of the World , la primera comedia de Congreve en cinco años, el público mostró sólo un entusiasmo moderado por esa obra sutil y casi melancólica. La comedia de sexo y de ingenio estaba a punto de ser sustituida por el drama del sentimiento evidente y la moralidad ejemplar.
Durante los siglos XVIII y XIX, la franqueza sexual de la comedia de la Restauración hizo que los productores de teatro la canibalizaran o la adaptaran con mano dura, en lugar de representarla. Hoy la comedia de la Restauración vuelve a apreciarse en el escenario. Los clásicos – The Country Wife y The Plain-Dealer de Wycherley, The Man of Mode de Etherege y Love For Love y The Way of the World de Congreve – tienen competencia no sólo con The Relapse y The Provoked Wife de Vanbrugh , sino también con obras tan oscuras y poco divertidas. comedias como The Wives Excuse de Thomas Southerne . Aphra Behn, alguna vez considerada imposible de escenificar, ha tenido un renacimiento, con The Rover ahora como un favorito del repertorio.
El disgusto por la conducta sexual inapropiada mantuvo durante mucho tiempo a la comedia de la Restauración fuera del escenario, encerrada en un armario de venenos críticos. Los críticos victorianos como William Hazlitt , aunque valoraban la energía lingüística y la "fuerza" de los escritores canónicos Etherege, Wycherley y Congreve, consideraron necesario moderar los elogios estéticos con una fuerte condena moral. Aphra Behn recibió la condena sin elogios, ya que la comedia sexual franca se consideró particularmente ofensiva por parte de una autora. A principios del siglo XX, comenzó a aparecer una minoría asediada de entusiastas académicos de la comedia de la Restauración, como el editor Montague Summers , cuyo trabajo aseguró que las obras de los autores de comedias de la Restauración permanecieran impresas.
"Los críticos siguen sorprendentemente a la defensiva respecto de las obras maestras de este período", escribió Robert D. Hume en 1976. Sólo en las últimas décadas la afirmación se ha vuelto falsa, y la comedia de la Restauración se ha reconocido como un tema gratificante para el análisis de la alta teoría. y The Country Wife de Wycherley , considerada durante mucho tiempo la obra más obscena en lengua inglesa y convirtiéndose en una especie de favorita académica. Los escritores de cómics "menores" están recibiendo bastante atención, especialmente la generación de dramaturgas post-Aphra Behn de principios del siglo XVIII: Delarivier Manley , Mary Pix , Catharine Trotter y Susanna Centlivre . Un estudio amplio de la mayoría de las comedias de la Restauración nunca reimpresas ha sido posible gracias al acceso por Internet (solo mediante suscripción) a las primeras ediciones de la Biblioteca Británica .
Estudios críticos fundamentales seleccionados:
