El arte religioso es una representación visual de las ideologías religiosas y su relación con los humanos. El arte sacro se relaciona directamente con el arte religioso en el sentido de que su propósito es el culto y las prácticas religiosas. Según un conjunto de definiciones, las obras de arte que están inspiradas en la religión pero que no se consideran tradicionalmente sagradas permanecen bajo el término general de arte religioso, pero no de arte sagrado. [1]
Otros términos utilizados frecuentemente para el arte de diversas religiones son imagen de culto , generalmente para la imagen principal de un lugar de culto , ícono en su sentido más general (no restringido a imágenes ortodoxas orientales ) e "imagen devocional", que generalmente significa una imagen más pequeña para oración o adoración privada. Las imágenes a menudo se pueden dividir en "imágenes icónicas", que simplemente muestran una o más figuras, e "imágenes narrativas", que muestran momentos de un episodio o historia que involucra figuras sagradas.
El uso de imágenes ha sido controvertido en muchas religiones. El término para tal oposición es aniconismo , siendo iconoclasia la destrucción deliberada de imágenes por personas de la misma religión.
El arte budista se originó en el subcontinente indio siguiendo la vida histórica de Siddhartha Gautama , siglos VI al V a.C., y posteriormente evolucionó mediante el contacto con otras culturas a medida que se extendía por Asia y el mundo.
El arte budista siguió a los creyentes a medida que el dharma se difundía, adaptaba y evolucionaba en cada nuevo país anfitrión. Se desarrolló hacia el norte a través de Asia central y hacia Asia oriental para formar la rama norteña del arte budista.
El arte budista siguió hacia el este hasta el sudeste asiático para formar la rama sureña del arte budista.
En la India, el arte budista floreció e incluso influyó en el desarrollo del arte hindú , hasta que el budismo casi desapareció en la India alrededor del siglo X debido en parte a la vigorosa expansión del Islam junto con el hinduismo .
La mayoría de las formas de arte budista tibetano están relacionadas con la práctica del Vajrayana o tantra budista.El arte tibetano incluye thangkas y mandalas , y a menudo incluye representaciones de budas y bodhisattvas . La creación de arte budista generalmente se realiza como meditación , además de crear un objeto como ayuda para la meditación. Un ejemplo de esto es la creación de un mandala de arena por parte de los monjes; antes y después de la construcción se recitan oraciones, y la forma del mandala representa el entorno puro (palacio) de un Buda en el que se medita para entrenar la mente. La obra rara vez, o nunca, está firmada por el artista. Otro arte budista tibetano incluye objetos rituales de metal, como el vajra y el phurba .
Dos lugares sugieren más vívidamente que ningún otro la vitalidad de la pintura rupestre budista de aproximadamente el siglo V d.C. Uno es Ajanta, un sitio en la India olvidado durante mucho tiempo hasta que fue descubierto en 1817. El otro es Dunhuang, uno de los grandes oasis en la Ruta de la Seda... Las pinturas varían desde tranquilas imágenes devocionales del Buda hasta escenas animadas y abarrotadas. a menudo presenta a mujeres seductoras, de pechos amplios y cintura estrecha, más familiares en la escultura india que en la pintura. [2]
El arte sacro cristiano se produce en un intento de ilustrar, complementar y retratar de forma tangible los principios del cristianismo , aunque son posibles otras definiciones. Se trata de crear imágenes de las diferentes creencias del mundo y de cómo se ven. La mayoría de los grupos cristianos utilizan o han utilizado el arte hasta cierto punto, aunque algunos han tenido fuertes objeciones a algunas formas de imágenes religiosas y ha habido importantes períodos de iconoclasia dentro del cristianismo.
La mayor parte del arte cristiano es alusivo o se construye en torno a temas familiares para el observador previsto. Imágenes de Jesús y escenas narrativas de la Vida de Cristo son los temas más comunes, especialmente las imágenes de Cristo en la Cruz .
Las escenas del Antiguo Testamento forman parte del arte de la mayoría de las denominaciones cristianas. Las imágenes de la Virgen María sosteniendo al niño Jesús y las imágenes de santos son mucho más raras en el arte protestante que en el catolicismo romano y la ortodoxia oriental .
Para beneficio de los analfabetos, se desarrolló un elaborado sistema iconográfico para identificar escenas de manera concluyente. Por ejemplo, Santa Inés representada con un cordero, San Pedro con llaves, San Patricio con un trébol. Cada santo posee o está asociado con atributos y símbolos en el arte sacro.
El arte paleocristiano sobrevive de fechas cercanas a los orígenes del cristianismo. Las pinturas cristianas más antiguas que se conservan son del sitio de Meguido , que datan de alrededor del año 70, y las esculturas cristianas más antiguas son de sarcófagos , que datan de principios del siglo II. Hasta la adopción del cristianismo por Constantino, el arte cristiano derivaba su estilo y gran parte de su iconografía del arte popular romano , pero a partir de ese momento los grandes edificios cristianos construidos bajo el patrocinio imperial trajeron la necesidad de versiones cristianas del arte oficial y de élite romano, de los cuales los mosaicos en Las iglesias de Roma son los ejemplos supervivientes más destacados. El arte cristiano pronto se convertiría en la base de las iglesias de toda Europa. Las vidrieras a menudo representan escenas bíblicas que se reflejan en el funcionamiento interno del edificio. Los murales y retablos también llenan las iglesias con imágenes cristianas intrincadas y expresivas.
Durante el desarrollo del arte paleocristiano en el imperio bizantino (ver Arte bizantino ), una estética más abstracta reemplazó al naturalismo previamente establecido en el arte helenístico . Este nuevo estilo era hierático, lo que significa que su propósito principal era transmitir un significado religioso en lugar de representar con precisión objetos y personas. Se ignoraron la perspectiva realista, las proporciones, la luz y el color en favor de la simplificación geométrica de las formas, la perspectiva inversa y las convenciones estandarizadas para representar individuos y eventos. La controversia sobre el uso de imágenes talladas , la interpretación del Segundo Mandamiento y la crisis de la iconoclasia bizantina llevaron a una estandarización de la imaginería religiosa dentro de la ortodoxia oriental .
El Renacimiento vio un aumento en las obras monumentales seculares, pero hasta la Reforma Protestante el arte cristiano continuó produciéndose en grandes cantidades, tanto para las iglesias y el clero como para los laicos. Durante este tiempo, Miguel Ángel Buonarroti pintó la Capilla Sixtina y esculpió la famosa Piedad , Gianlorenzo Bernini creó las enormes columnas de la Basílica de San Pedro y Leonardo da Vinci pintó la Última Cena . La Reforma tuvo un efecto enorme en el arte cristiano , deteniendo rápidamente la producción de arte cristiano público en los países protestantes y provocando la destrucción de la mayor parte del arte que ya existía.
A medida que surgió una noción universal, secular y no sectaria del arte en la Europa occidental del siglo XIX, los artistas seculares trataron ocasionalmente temas cristianos ( Bouguereau , Manet ). Sólo en raras ocasiones se incluyó a un artista cristiano en el canon histórico (como Rouault o Stanley Spencer ). Sin embargo, muchos artistas modernos como Eric Gill , Marc Chagall , Henri Matisse , Jacob Epstein , Elisabeth Frink y Graham Sutherland han producido obras de arte conocidas para iglesias. [3] A través de una interpretación social del cristianismo, Fritz von Uhde también revivió el interés por el arte sacro, a través de la representación de Jesús en lugares comunes de la vida.
Desde la llegada de la imprenta, la venta de reproducciones de obras piadosas ha sido un elemento importante de la cultura popular cristiana. En el siglo XIX, esto incluía a pintores de género como Mihály Munkácsy . La invención de la litografía en color condujo a una amplia circulación de estampas sagradas . En la era moderna, las empresas especializadas en artistas cristianos comerciales modernos como Thomas Blackshear y Thomas Kinkade , aunque ampliamente consideradas kitsch en el mundo de las bellas artes , [4] han tenido mucho éxito.
La última parte del siglo XX y la primera parte del XXI han visto un esfuerzo concentrado por parte de artistas que afirman tener fe en Cristo para restablecer el arte con temas que giran en torno a la fe, Cristo, Dios, la Iglesia, la Biblia y otros clásicos. Temas cristianos dignos de respeto por el mundo del arte secular. Entonces el arte podría usarse para cultivar la iglesia para que participe en el cristianismo una vez más. Artistas como Makoto Fujimura han tenido una influencia significativa tanto en las artes sagradas como en las seculares. Otros artistas notables incluyen a Larry D. Alexander , Gary P. Bergel, Carlos Cazares, Bruce Herman, Deborah Sokolove y John August Swanson . [5]
El arte confuciano está inspirado en el confucianismo , acuñado en honor al filósofo y político chino Confucio . El arte confuciano se originó en China , luego se extendió hacia el oeste a lo largo de la Ruta de la Seda , hacia el sur hasta el sur de China y luego hacia el Sudeste Asiático , y hacia el este a través del norte de China hasta llegar a Japón y Corea . Si bien todavía mantiene una fuerte influencia dentro de Indonesia, la influencia confuciana en el arte occidental ha sido limitada. Si bien los temas confucianos gozaron de representación en los centros de arte chinos, son menos en comparación con la cantidad de obras de arte que tratan sobre el taoísmo y el budismo o están influenciadas por ellos . [6]
Antes de la dinastía Han , la jerarquía artística china consideraba la música como la forma más elevada de arte y descartaba la caligrafía , la poesía y la pintura como formas de arte y oficios practicados por la clase baja. Sin embargo, la poesía también era popular durante la época de Confucio, y la poesía era elogiada y ocupaba un lugar destacado junto con la música. Según Confucio y sus discípulos, la música se esfuerza por crear y reflejar la armonía en el mundo; por tanto, la educación debe comenzar con los fundamentos de la poesía y la conducta moral y concluir con la música. [7] [8] Con el tiempo, el desarrollo del sistema de escritura chino promovió el crecimiento de la caligrafía y las artes visuales en términos de estatus social. La estética y los valores confucianos contribuyeron aún más al desarrollo de estas formas de arte visual, con pinturas de paisajes y obras de caligrafía centradas en las obras escritas y las enseñanzas del confucianismo. [7]
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El hinduismo , con sus mil millones de seguidores , constituye alrededor del 15% de la población mundial y, como tal, la cultura que surge está llena de diferentes aspectos de la vida que se ven afectados por el arte. Se siguen 64 artes tradicionales que comienzan con los clásicos de la música y van hasta la aplicación y adorno de joyas. Dado que la religión y la cultura son inseparables del hinduismo, símbolos recurrentes como los dioses y sus reencarnaciones, la flor de loto , extremidades adicionales e incluso las artes tradicionales aparecen en muchas esculturas, pinturas, música y danza.
La prohibición de representar imágenes representativas en el arte religioso, así como la naturaleza naturalmente decorativa de la escritura árabe, llevaron al uso de decoraciones caligráficas, que generalmente implicaban la repetición de patrones geométricos y formas vegetales ( arabescos ) que expresaban ideales de orden y naturaleza. Se utilizaron en arquitectura religiosa, alfombras y documentos escritos a mano. [9] El arte islámico ha reflejado esta visión del mundo equilibrada y armoniosa. Se centra en la esencia espiritual más que en la forma física.
Si bien ha habido aversión a la posible adoración de ídolos a lo largo de la historia islámica, esta es una visión sunita claramente moderna . Las miniaturas persas , junto con las representaciones medievales de Mahoma y los ángeles en el Islam , son ejemplos destacados contrarios a la tradición sunita moderna. Además, los musulmanes chiítas son mucho menos reacios a la representación de figuras, incluida la del Profeta, siempre que la representación sea respetuosa.
La resistencia islámica a la representación de seres vivos surge en última instancia de la creencia de que la creación de formas vivas es exclusiva de Dios. Es por esta razón que el papel de las imágenes y de los creadores de imágenes ha sido controvertido.
Las declaraciones más fuertes sobre el tema de la representación figurativa se hacen en los Hadith (Tradiciones del Profeta), donde se desafía a los pintores a "infundir vida" a sus creaciones y se les amenaza con un castigo en el Día del Juicio.
El Corán es menos específico pero condena la idolatría y utiliza el término árabe musawwir ("creador de formas", o artista) como epíteto de Dios. En parte como resultado de este sentimiento religioso, las figuras en la pintura a menudo fueron estilizadas y, en algunos casos, se produjo la destrucción de obras de arte figurativas. La iconoclasia ya era conocida en el período bizantino y el aniconicismo era una característica del mundo judaico, colocando así la objeción islámica a las representaciones figurativas dentro de un contexto más amplio. Sin embargo, como adorno, las figuras carecían en gran medida de cualquier significado mayor y tal vez por lo tanto planteaban menos desafío. [10] Al igual que con otras formas de ornamentación islámica, los artistas adaptaron y estilizaron libremente formas humanas y animales básicas, dando lugar a una gran variedad de diseños basados en figuras.
El arabesco es un estilo de arte decorativo caracterizado por patrones intrincados y repetitivos de plantas entrelazadas y motivos curvilíneos abstractos. [11] Se cree que se originó en el mundo islámico y su uso se extendió por todo el Medio Oriente, Europa y el norte de África. Ha desempeñado un papel importante en el arte islámico, sirviendo a menudo como forma de expresión religiosa. El término "arabesque" es un término francés derivado de la palabra italiana arabesco, que significa "al estilo árabe" [12] Los patrones arabescos se pueden encontrar en diversos medios, incluidos cerámica, arquitectura, caligrafía y textiles. Desde el siglo XIX, el arte arabesco ha tenido una gran influencia en el arte y el diseño occidentales, y muchos diseñadores y artistas incorporaron patrones en su trabajo.
La caligrafía es un elemento muy apreciado del arte islámico. El Corán se transmitió en árabe, y la escritura árabe tiene inherente el potencial de formas ornamentales. El empleo de la caligrafía como adorno tenía un atractivo estético definido, pero a menudo también incluía un componente talismánico subyacente . Si bien la mayoría de las obras de arte tenían inscripciones legibles, no todos los musulmanes habrían podido leerlas. Sin embargo, siempre hay que tener en cuenta que la caligrafía es principalmente un medio para transmitir un texto, aunque sea de forma decorativa. [13] Desde sus primeros ejemplos simples y primitivos de los siglos V y VI d.C., el alfabeto árabe se desarrolló rápidamente después del surgimiento del Islam en el siglo VII hasta convertirse en una hermosa forma de arte. Las dos familias principales de estilos caligráficos eran los estilos secos, llamados generalmente cúficos , y los estilos cursivos suaves, que incluyen Naskhi , Thuluth , Nastaliq y muchos otros . [14]
Los patrones geométricos constituyen uno de los tres tipos de decoración no figurativa del arte islámico. [15] Ya sea aislados o utilizados en combinación con ornamentación no figurativa o representación figurativa, los patrones geométricos se asocian popularmente con el arte islámico, en gran parte debido a su cualidad anicónica. [15] Estos diseños abstractos no sólo adornan las superficies de la arquitectura islámica monumental, sino que también funcionan como el elemento decorativo principal en una amplia gama de objetos de todo tipo. [dieciséis]
Tipos de estilos geométricos
Los patrones geométricos se asocian frecuentemente con el arte islámico, en parte debido a su atractivo icónico, ya sea que se usen solos o junto con representaciones figurativas o adornos no configurables. [17] Estos patrones abstractos se utilizan como elemento ornamental principal en varios elementos de todo tipo, además de adornar las superficies de enormes edificios islámicos. [17] Aunque la ornamentación geométrica puede haber alcanzado su punto máximo en el mundo islámico, los griegos, romanos y sasánidas en Irán fueron las fuentes de formas geométricas y patrones elaborados. [18] Los artistas islámicos incorporaron componentes importantes del pasado clásico para inventar una nueva forma de decoración que resaltaba la vitalidad del orden y la unidad. Los astrónomos, matemáticos y científicos islámicos contribuyeron con estas formas, que fueron cruciales para su tipo de estilo artístico. [18]
Historia y diseño
Las formas geométricas se asemejan al diseño arabesco que se encuentra en muchos diseños vegetales en términos de abstracción, motivos repetidos y simetría. Los diseños geométricos conviven frecuentemente con la decoración caligráfica . [19] Círculos y círculos entrelazados, cuadrados o polígonos de cuatro lados son el típico patrón de estrella resultante de cuadrados y triángulos inscritos en un círculo. [19] Los polígonos de varios lados son las cuatro formas fundamentales o “unidades repetidas” a partir de las cuales se construyen los patrones más complejos. [19] Es evidente, sin embargo, que los diseños intrincados que se encuentran en varias cosas vienen en varios tamaños y configuraciones, lo que las hace adecuadas para su inclusión más que para una categoría.
La forma geométrica del círculo se utiliza en el arte islámico para representar el símbolo fundamental de la unidad y el curso último de toda la diversidad en la creación. [20] Como muestra la siguiente ilustración, muchos patrones islámicos clásicos tienen comienzos rituales en la división cruda del círculo en secciones regulares.
Cuatro divisiones circulares dieron como resultado el patrón anterior, creado en Yazd, Irán , en el siglo XV. [21] A partir de ahí, se crea una cuadrícula regular de triángulos y luego se agrega el diseño encima de ella. Vea cómo el intrincado patrón se entrelaza con el diseño fundamental, que se muestra en las imágenes de arriba como un contorno blanco. [21]
Geometría del Palacio de la Alhambra
Patrones geométricos, diseños biomórficos (arabescos) y caligrafía se combinan de manera experta en la Alhambra de España del siglo XIV. [21] El arte islámico se compone de estos tres campos separados pero complementarios. Están organizados en una jerarquía de tres niveles, con geometría en el botón. [21] Esto se indica frecuentemente por su uso en las partes inferiores de paredes o pisos, como en el ejemplo anterior.
Los elementos decorativos utilizados utilizan una variedad de simetrías que ahora se reconocen como pertenecientes a grupos matemáticos separados; sin embargo, la delicadeza y elegancia de los patrones no tienen comparación en el pensamiento matemático contemporáneo. [22] Aunque alguna vez fue costumbre en el Islam usar formas geométricas, estos diseños son obras de arquitectura. [22] Desde el siglo VIII, los calígrafos musulmanes y los diseñadores de patrones geométricos han decorado mezquitas, castillos y manuscritos. [22] Muy a menudo, los diseños geométricos islámicos se emplean en lugares de culto como una forma de exaltar a Dios. Grandes estructuras hechas por geometría divina incluyen edificios, jardines y pisos. [23] La geometría de la Mezquita Azul
Hay patrones observables que abarcan mil años de historia islámica y en todo el mundo islámico, ya que estos patrones geométricos también están conectados con la cultura islámica. [22] En algunas obras de arquitectura, los arquitectos islámicos siguen las mismas pautas, como en la Mezquita Azul y la Alhambra de Granada que se muestran arriba. La Alhambra en España y la mezquita de Samarcanda en Uzbekistán son sólo dos ejemplos del arte de los diseños geométricos repetidos que se pueden ver en todo el mundo. [24]
El arte jainista se refiere a obras de arte religiosas asociadas con el jainismo . Aunque el jainismo se extendió sólo en algunas partes de la India, ha hecho una contribución significativa al arte y la arquitectura indios . [25]
El arte mandeo se puede encontrar en rollos manuscritos ilustrados llamados diwan . Las ilustraciones en pergaminos mandeos, normalmente etiquetadas con largas explicaciones escritas, suelen contener dibujos geométricos abstractos de uthras que recuerdan al cubismo o al arte rupestre prehistórico . [26]
El arte, la cultura, la identidad y las sociedades de los sikhs se han fusionado con diferentes localidades y etnias de diferentes sikhs en categorías como ' Agrahari Sikhs ', 'Dakhni Sikhs' y 'Assamese Sikhs'; sin embargo, ha surgido un fenómeno cultural de nicho que puede describirse como "sij político". El arte de los sikhs de la diáspora como Amarjeet Kaur Nandhra, [27] y Amrit y Rabindra Kaur Singh ( The Singh Twins ), [28] está parcialmente informado por su espiritualidad e influencia sikh.
El sijismo fue fundado en el siglo XVI por Guru Nanak , quien fue pintado por primera vez más de 200 años después de su vida. Los retratos muy populares de los diez gurús sijs no aparecieron hasta la primera mitad del siglo XVIII. [29] Uno de los primeros conjuntos de pinturas de los Gurús fue encargado por Baba Ram Rai , el hijo mayor del séptimo gurú sij, Guru Har Rai . [30]
La mayoría de los primeros retratos de los gurús sikh fueron pintados en estilo cortesano mogol. Bajo el imperio mogol , los artistas punjabíes de la época se formaron en el estilo de pintura mogol, lo que hizo que su trabajo estuviera muy influenciado por el estilo artístico mogol. [30] Los primeros retratos de los gurús sij y los elementos que contenían, como sus atuendos, turbantes y poses, se parecían a los nobles y príncipes mogoles. Los Gurús se identifican en escrituras devanagari , gurrmukhi y persa , compuestas también en estilo mogol. [30] En una pintura de alrededor de 1750, el sexto gurú sij está representado con vestimenta y ambiente cortesanos mogoles. [31]
Una de las primeras imágenes de Guru Nanak lo representa como un hombre piadoso y religioso con ropa sencilla y un rosario en la mano, retratando su naturaleza contemplativa. El primero de los diez Gurús tiene sus imágenes inspiradas en la piedad y sencillez de Guru Nanak. Se puede notar una transformación con el sexto Gurú cuando se agregan elementos de resistencia política y poder, mostrando las luchas políticas sikh en ese momento. Además, con Guru Gobind Singh , se agregaron elementos de grandeza, como vestimenta real, joyas preciosas, zapatos elegantes, un gran turbante y una espada de guerrero.
Los Gurús también están ampliamente representados en los Janamsakhis ( hagiografías del Gurú). Hay muchas pinturas y representaciones de la vida de Guru Nanak, específicamente en el B-40 Janamsakhi. Se le muestra creciendo desde un niño pequeño hasta un adolescente y un joven, y luego hasta convertirse en un hombre de mediana edad y, finalmente, en un anciano y sabio. [32] Las imágenes también representan muchos valores fundamentales sikh junto con las fuerzas políticas y culturales que influyeron en su vida y religión.
El reinado de Maharaja Ranjit Singh (1801-1839) tiene una importancia primordial en la historia sij. Fue un gran mecenas del arte y la arquitectura y patrocinó la construcción de muchos fuertes, palacios, templos, gurdwaras , joyas preciosas, ropa, pinturas coloridas, acuñación de monedas y tiendas de campaña y marquesinas de lujo. [33] Los más significativos fueron el trono dorado construido por Hafez Muhammad Multani y el dosel enjoyado para el Guru Granth Sahib . [33] [34]
La contribución más notable de Ranjit Singh fue la remodelación del Harmandir Sahib . Invitó a arquitectos, artistas, talladores de madera y otros artesanos expertos a Amritsar para la renovación. También contrató a un experto técnico para el baño de oro del Harmandir Sahib. [33] El Harmandir Sahib ahora está adornado con piedras semipreciosas como lapislázuli y ónix junto con sus paredes de mármol en el exterior. Las paredes también cuentan con diseños arabescos y caleidoscópicos . El interior está revestido de espejos y cristales de colores y su parte superior está cubierta con placas de cobre dorado. [33] Además del Harmandir Sahib , Ranjit Singh también contribuyó a los adornos de muchos otros gurdwaras, extrayendo imágenes espectaculares del Guru Granth Sahib , las vidas de los Gurus y los Janamsakhis . [33] También contribuyó a los templos y mezquitas, siendo uno de los más importantes las costosas puertas plateadas de un templo hindú de la diosa Kali . Bajo el maharajá Ranjit Singh, ciudades como Lahore , Amritsar , Multan , Sialkot , Srinagar y Patiala prosperaron como centros de las artes. [33]
El arte taoísta (también escrito como arte taoísta) se relaciona con la filosofía taoísta y las narrativas de Lao-tse (también escrito como Laozi) que promueven "vivir de manera simple y honesta y en armonía con la naturaleza". [35]
En muchas religiones, se utilizan símbolos o íconos para representar creencias específicas. Estas pequeñas obras de arte son resúmenes de religión que muchos pueden y han utilizado para dar a entender cuáles son sus creencias. Por ejemplo, el cristianismo está simbolizado por el icono de la cruz y el Islam está simbolizado por la imagen de la estrella y la media luna. Ver también: Símbolos religiosos
