El arte religioso es una representación visual de las ideologías religiosas y su relación con los seres humanos. El arte sacro se relaciona directamente con el arte religioso en el sentido de que su finalidad es el culto y las prácticas religiosas. Según un conjunto de definiciones, las obras de arte que se inspiran en la religión pero que no se consideran tradicionalmente sagradas permanecen bajo el término general de arte religioso, pero no de arte sacro. [1]
Otros términos que se utilizan a menudo para el arte de varias religiones son imagen de culto , generalmente para la imagen principal de un lugar de culto , icono en su sentido más general (no restringido a las imágenes ortodoxas orientales ) e "imagen devocional", que generalmente significa una imagen más pequeña para la oración o el culto privado. Las imágenes a menudo se pueden dividir en "imágenes icónicas", que solo muestran una o más figuras, e "imágenes narrativas" que muestran momentos de un episodio o historia que involucran figuras sagradas.
El uso de imágenes ha sido objeto de controversia en muchas religiones. El término que designa esta oposición es aniconismo , y la iconoclasia es la destrucción deliberada de imágenes por parte de personas de la misma religión.
El arte budista se originó en el subcontinente indio después de la vida histórica de Siddhartha Gautama , entre el siglo VI y V a. C., y luego evolucionó por el contacto con otras culturas a medida que se extendía por Asia y el mundo.
El arte budista siguió a los creyentes a medida que el dharma se difundía, se adaptaba y evolucionaba en cada nuevo país de acogida. Se desarrolló hacia el norte a través de Asia central y hacia Asia oriental para formar la rama septentrional del arte budista.
El arte budista se extendió hacia el este hasta el sudeste asiático para formar la rama meridional del arte budista.
En la India, el arte budista floreció e incluso influyó en el desarrollo del arte hindú , hasta que el budismo casi desapareció en la India alrededor del siglo X debido en parte a la vigorosa expansión del Islam junto con el hinduismo .
La mayoría de las formas de arte budista tibetano están relacionadas con la práctica del Vajrayana o el tantra budista. El arte tibetano incluye thangkas y mandalas , que a menudo incluyen representaciones de budas y bodhisattvas . La creación de arte budista generalmente se realiza como una meditación , así como la creación de un objeto como ayuda para la meditación. Un ejemplo de esto es la creación de un mandala de arena por parte de monjes; antes y después de la construcción se recitan oraciones, y la forma del mandala representa el entorno puro (palacio) de un buda en el que se medita para entrenar la mente. La obra rara vez, o nunca, está firmada por el artista. Otro arte budista tibetano incluye objetos rituales de metal, como el vajra y el phurba .
Dos lugares sugieren más vívidamente que cualquier otro la vitalidad de la pintura rupestre budista del siglo V d. C. aproximadamente. Uno es Ajanta, un sitio en la India olvidado durante mucho tiempo hasta que fue descubierto en 1817. El otro es Dunhuang, uno de los grandes oasis de la Ruta de la Seda... Las pinturas varían desde imágenes devocionales tranquilas de Buda hasta escenas animadas y concurridas, que a menudo presentan a las seductoras mujeres de pechos grandes y cintura estrecha más familiares en la escultura india que en la pintura. [2]
El arte sacro cristiano se produce en un intento de ilustrar, complementar y representar de forma tangible los principios del cristianismo , aunque son posibles otras definiciones. Se trata de crear imágenes de las diferentes creencias del mundo y de cómo se ven. La mayoría de los grupos cristianos utilizan o han utilizado el arte en cierta medida, aunque algunos han tenido fuertes objeciones a algunas formas de imagen religiosa, y ha habido importantes períodos de iconoclasia dentro del cristianismo.
La mayor parte del arte cristiano es alusivo o se basa en temas que resultan familiares para el observador al que va dirigido. Las imágenes de Jesús y las escenas narrativas de la vida de Cristo son los temas más comunes, especialmente las imágenes de Cristo en la cruz .
Las escenas del Antiguo Testamento ocupan un lugar destacado en el arte de la mayoría de las denominaciones cristianas. Las imágenes de la Virgen María con el niño Jesús en brazos y las imágenes de santos son mucho más escasas en el arte protestante que en el del catolicismo romano y la ortodoxia oriental .
Para beneficio de los analfabetos, se desarrolló un elaborado sistema iconográfico para identificar escenas de manera concluyente. Por ejemplo, Santa Inés representada con un cordero, San Pedro con llaves, San Patricio con un trébol. Cada santo posee o está asociado con atributos y símbolos en el arte sacro.
El arte cristiano primitivo sobrevive de fechas cercanas a los orígenes del cristianismo. Las pinturas cristianas más antiguas que sobreviven son del sitio de Megiddo , datadas alrededor del año 70, y las esculturas cristianas más antiguas son de sarcófagos , que datan de principios del siglo II. Hasta la adopción del cristianismo por Constantino, el arte cristiano derivaba su estilo y gran parte de su iconografía del arte popular romano , pero a partir de este punto, los grandes edificios cristianos construidos bajo el patrocinio imperial trajeron la necesidad de versiones cristianas del arte oficial y de élite romano, de los cuales los mosaicos en las iglesias de Roma son los ejemplos sobrevivientes más destacados. El arte cristiano pronto se convertiría en la base de las iglesias en toda Europa. Las vidrieras a menudo representan escenas bíblicas que se reflejan en el funcionamiento interno del edificio. Los murales y el arte del retablo también llenan las iglesias con imágenes cristianas intrincadas y expresivas.
Durante el desarrollo del arte cristiano primitivo en el imperio bizantino (ver Arte bizantino ), una estética más abstracta reemplazó al naturalismo previamente establecido en el arte helenístico . Este nuevo estilo era hierático, lo que significa que su propósito principal era transmitir un significado religioso en lugar de representar con precisión objetos y personas. La perspectiva realista, las proporciones, la luz y el color fueron ignorados en favor de la simplificación geométrica de las formas, la perspectiva inversa y las convenciones estandarizadas para retratar individuos y eventos. La controversia sobre el uso de imágenes esculpidas , la interpretación del Segundo Mandamiento y la crisis de la iconoclasia bizantina llevaron a una estandarización de la imaginería religiosa dentro de la ortodoxia oriental .
El Renacimiento vio un aumento en las obras seculares monumentales, pero hasta la Reforma protestante, el arte cristiano continuó produciéndose en grandes cantidades, tanto para iglesias y clérigos como para los laicos. Durante este tiempo, Miguel Ángel Buonarroti pintó la Capilla Sixtina y talló la famosa Piedad , Gianlorenzo Bernini creó las enormes columnas de la Basílica de San Pedro y Leonardo da Vinci pintó La Última Cena . La Reforma tuvo un enorme efecto en el arte cristiano , provocando rápidamente una paralización virtual de la producción de arte cristiano público en los países protestantes y causando la destrucción de la mayor parte del arte que ya existía.
A medida que surgió una noción secular, no sectaria y universal del arte en la Europa occidental del siglo XIX, los artistas seculares trataron ocasionalmente temas cristianos ( Bouguereau , Manet ). Solo en raras ocasiones se incluyó a un artista cristiano en el canon histórico (como Rouault o Stanley Spencer ). Sin embargo, muchos artistas modernos como Eric Gill , Marc Chagall , Henri Matisse , Jacob Epstein , Elisabeth Frink y Graham Sutherland han producido obras de arte conocidas para iglesias. [3] A través de una interpretación social del cristianismo, Fritz von Uhde también revivió el interés por el arte sacro, a través de la representación de Jesús en lugares cotidianos de la vida.
Desde la llegada de la imprenta, la venta de reproducciones de obras piadosas ha sido un elemento importante de la cultura cristiana popular. En el siglo XIX, esto incluía a pintores de género como Mihály Munkácsy . La invención de la litografía en color condujo a una amplia circulación de estampas sagradas . En la era moderna, las empresas especializadas en artistas cristianos comerciales modernos como Thomas Blackshear y Thomas Kinkade , aunque ampliamente considerados en el mundo de las bellas artes como kitsch , [4] han tenido mucho éxito.
La última parte del siglo XX y la primera parte del siglo XXI han visto un esfuerzo concentrado por parte de los artistas que afirman tener fe en Cristo para restablecer el arte con temas que giran en torno a la fe, Cristo, Dios, la Iglesia, la Biblia y otros temas cristianos clásicos como dignos de respeto por parte del mundo del arte secular. El arte podría entonces usarse para cultivar la participación de la iglesia en el cristianismo una vez más. Artistas como Makoto Fujimura han tenido una influencia significativa tanto en las artes sagradas como en las seculares. Otros artistas notables incluyen a Larry D. Alexander , Gary P. Bergel, Carlos Cazares, Bruce Herman, Deborah Sokolove y John August Swanson . [5]
El arte confuciano se inspira en el confucianismo , nombre acuñado en honor al filósofo y político chino Confucio . El arte confuciano se originó en China , luego se extendió hacia el oeste por la Ruta de la Seda , hacia el sur hasta el sur de China y luego al sudeste asiático , y hacia el este a través del norte de China hasta Japón y Corea . Si bien todavía mantiene una fuerte influencia en Indonesia, la influencia confuciana en el arte occidental ha sido limitada. Si bien los temas confucianos gozaron de representación en los centros de arte chinos, son menos en comparación con la cantidad de obras de arte que tratan sobre el taoísmo y el budismo o están influenciadas por ellos . [6]
Antes de la dinastía Han , la jerarquía artística china consideraba la música como la forma más alta de arte y descartaba la caligrafía , la poesía y la pintura como formas de arte y artesanía practicadas por la clase baja. Sin embargo, la poesía también era popular durante la época de Confucio, y la poesía era elogiada y clasificada en un alto estatus junto con la música. Según Confucio y sus discípulos, la música se esfuerza por crear y reflejar la armonía en el mundo; por lo tanto, la educación debe comenzar con los fundamentos de la poesía y el comportamiento moral, y concluir con la música. [7] [8] Con el tiempo, el desarrollo del sistema de escritura chino promovió el crecimiento de la caligrafía y las artes visuales en términos de estatus social. La estética y los valores confucianos contribuyeron aún más al desarrollo de estas formas de arte visual, con pinturas de paisajes y obras de caligrafía centralizadas en las obras escritas y las enseñanzas del confucianismo. [7]
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El hinduismo , con sus mil millones de seguidores , representa aproximadamente el 15% de la población mundial y, como tal, la cultura que lo genera está llena de diferentes aspectos de la vida que se ven afectados por el arte. Hay 64 artes tradicionales que se siguen, comenzando con los clásicos de la música y llegando hasta la aplicación y el adorno de las joyas. Dado que la religión y la cultura son inseparables del hinduismo, los símbolos recurrentes, como los dioses y sus reencarnaciones, la flor de loto , las extremidades adicionales e incluso las artes tradicionales, hacen su aparición en muchas esculturas, pinturas, música y danza.
La prohibición de representar imágenes figurativas en el arte religioso, así como la naturaleza naturalmente decorativa de la escritura árabe, llevaron al uso de decoraciones caligráficas, que generalmente implicaban la repetición de patrones geométricos y formas vegetales ( arabescos ) que expresaban ideales de orden y naturaleza. Estos se usaban en arquitectura religiosa, alfombras y documentos escritos a mano. [9] El arte islámico ha reflejado esta visión equilibrada y armoniosa del mundo. Se centra en la esencia espiritual más que en la forma física.
Si bien a lo largo de la historia islámica ha existido una aversión a la posible adoración de ídolos, se trata de una visión netamente sunita moderna. Las miniaturas persas , junto con las representaciones medievales de Mahoma y los ángeles en el Islam , son ejemplos destacados que se oponen a la tradición sunita moderna. Además, los musulmanes chiítas son mucho menos reacios a la representación de figuras, incluida la del Profeta, siempre que la representación sea respetuosa.
La resistencia islámica a la representación de seres vivos se debe, en última instancia, a la creencia de que la creación de formas vivas es exclusiva de Dios. Por este motivo, el papel de las imágenes y de sus creadores ha sido objeto de controversia.
Las afirmaciones más fuertes sobre el tema de la representación figurativa se encuentran en el Hadith (Tradiciones del Profeta), donde se desafía a los pintores a "dar vida" a sus creaciones y se los amenaza con castigo en el Día del Juicio.
El Corán es menos específico, pero condena la idolatría y utiliza el término árabe musawwir ("creador de formas", o artista) como epíteto para referirse a Dios. En parte como resultado de este sentimiento religioso, las figuras en la pintura solían estilizarse y, en algunos casos, se produjo la destrucción de obras de arte figurativas. La iconoclasia ya se conocía en el período bizantino y el aniconicismo era una característica del mundo judío, lo que coloca la objeción islámica a las representaciones figurativas dentro de un contexto más amplio. Sin embargo, como ornamento, las figuras carecían en gran medida de un significado mayor y tal vez por eso planteaban menos desafíos. [10] Al igual que con otras formas de ornamentación islámica, los artistas adaptaron y estilizaron libremente formas humanas y animales básicas, dando lugar a una gran variedad de diseños basados en figuras.
El arabesco es un estilo de arte decorativo que se caracteriza por patrones repetitivos e intrincados de plantas entrelazadas y motivos curvilíneos abstractos. [11] Se cree que se originó en el mundo islámico y su uso se extendió por Oriente Medio, Europa y el norte de África. Ha desempeñado un papel importante en el arte islámico, y a menudo sirve como una forma de expresión religiosa. El término "arabesque" es un término francés derivado de la palabra italiana arabesco, que significa "al estilo árabe" [12]. Los patrones arabescos se pueden encontrar en varios medios, incluida la cerámica, la arquitectura, la caligrafía y los textiles. Desde el siglo XIX, el arte arabesco ha sido muy influyente en el arte y el diseño occidentales, y muchos diseñadores y artistas incorporan patrones en su trabajo.
La caligrafía es un elemento muy valorado del arte islámico. El Corán se transmitió en árabe, y la escritura árabe tiene la capacidad de incorporar formas ornamentales. El uso de la caligrafía como adorno tenía un atractivo estético definido, pero a menudo también incluía un componente talismánico subyacente . Si bien la mayoría de las obras de arte tenían inscripciones legibles, no todos los musulmanes habrían podido leerlas. Sin embargo, siempre se debe tener en cuenta que la caligrafía es principalmente un medio para transmitir un texto, aunque sea de forma decorativa. [13] A partir de sus primeros ejemplos simples y primitivos de los siglos V y VI d. C., el alfabeto árabe se desarrolló rápidamente después del surgimiento del Islam en el siglo VII hasta convertirse en una hermosa forma de arte. Las dos familias principales de estilos caligráficos fueron los estilos secos, generalmente llamados cúficos , y los estilos cursivos suaves, que incluyen el nasji , el thuluth , el nastaliq y muchos otros . [14]
Los patrones geométricos constituyen uno de los tres tipos de decoración no figurativa del arte islámico. [15] Ya sea que se utilicen de forma aislada o en combinación con ornamentación no figurativa o representación figurativa, los patrones geométricos se asocian popularmente con el arte islámico, en gran medida debido a su calidad anicónica. [15] Estos diseños abstractos no solo adornan las superficies de la arquitectura islámica monumental, sino que también funcionan como el principal elemento decorativo en una amplia gama de objetos de todo tipo. [16]
Tipos de estilos geométricos
Los patrones geométricos se asocian frecuentemente con el arte islámico, en parte debido a su atractivo icónico, ya sea que se utilicen solos o junto con representaciones figurativas o adornos no configurables. [17] Estos patrones abstractos se utilizan como característica ornamental principal en diversos elementos de todo tipo, además de adornar las superficies de enormes edificios islámicos. [17] Aunque la ornamentación geométrica puede haber alcanzado su apogeo en el mundo islámico, los griegos, romanos y sasánidas en Irán fueron las fuentes de formas geométricas y patrones elaborados. [18] Los artistas islámicos incorporaron componentes significativos del pasado clásico para inventar una nueva forma de decoración que resaltara la vitalidad del orden y la unidad. Los astrónomos, matemáticos y científicos islámicos contribuyeron con estas formas, que fueron cruciales para su tipo de estilo artístico. [18]
Historia y diseño
Las formas geométricas se asemejan al diseño arabesco que se encuentra en muchos diseños vegetales en términos de su abstracción, motivos repetidos y simetría. Los diseños geométricos frecuentemente coexisten con la decoración caligráfica . [19] Los círculos y los círculos entrelazados, los cuadrados o los polígonos de cuatro lados son el patrón estrella típico resultante de cuadrados y triángulos inscritos en un círculo. [19] Los polígonos de varios lados son las cuatro formas fundamentales o "unidades repetidas" a partir de las cuales se construyen los patrones más complejos. [19] Es evidente, sin embargo, que los diseños intrincados que se encuentran en varias cosas vienen en varios tamaños y configuraciones, lo que los hace adecuados para la inclusión más que para la categoría.
La forma geométrica del círculo se utiliza en el arte islámico para significar el símbolo fundamental de la unidad y el curso último de toda la diversidad en la creación. [20] Como muestra la ilustración a continuación, muchos patrones islámicos clásicos tienen comienzos rituales en la partición cruda del círculo en secciones regulares.
Cuatro divisiones circulares dieron como resultado el patrón anterior, creado en Yazd, Irán , en el siglo XV. [21] A partir de allí, se crea una cuadrícula regular de triángulos y luego se agrega el diseño sobre ella. Vea cómo el patrón intrincado se entrelaza con el diseño fundamental, que se muestra en las imágenes de arriba como un contorno blanco. [21]
Geometría del Palacio de la Alhambra
Los patrones geométricos, el diseño biomórfico (arabescos) y la caligrafía se combinan de manera experta en la Alhambra de España del siglo XIV. [21] El arte islámico se compone de estos tres campos separados pero complementarios. Están dispuestos en una jerarquía de tres niveles, con la geometría en el centro. [21] Esto se indica con frecuencia por su uso en las partes inferiores de las paredes o pisos, como en el ejemplo anterior.
Los elementos decorativos utilizados utilizan una variedad de simetrías que ahora se reconocen como pertenecientes a grupos matemáticos separados, sin embargo, la delicadeza y elegancia de los patrones no tienen igual en el pensamiento matemático contemporáneo. [22] Aunque alguna vez fue costumbre en el Islam utilizar formas geométricas, estos diseños son obras de arquitectura. [22] Desde el siglo VIII, los calígrafos musulmanes y los diseñadores de patrones geométricos han decorado mezquitas, castillos y manuscritos. [22] La mayoría de las veces, los diseños geométricos islámicos se emplean en lugares de culto como una forma de exaltar a Dios. Las grandes estructuras hechas con geometría divina incluyen edificios, jardines y pisos. [23] La geometría de la Mezquita Azul
Existen patrones observables que abarcan mil años de historia islámica y en todo el mundo islámico, ya que estos patrones geométricos también están conectados con la cultura islámica. [22] En algunas piezas de arquitectura, los arquitectos islámicos siguen las mismas pautas, como en la Mezquita Azul y la Alhambra de Granada, que se muestran en la imagen de arriba. El palacio de la Alhambra en España y la mezquita de Samarcanda en Uzbekistán son solo dos ejemplos del arte de los diseños geométricos repetidos que se pueden ver en todo el mundo. [24]
El arte jainista se refiere a las obras de arte religiosas asociadas con el jainismo . Aunque el jainismo se extendió solo en algunas partes de la India, ha hecho una contribución significativa al arte y la arquitectura indios . [25]
El arte mandeo se puede encontrar en pergaminos manuscritos ilustrados llamados diwan . Las ilustraciones de los pergaminos mandeos, generalmente etiquetados con largas explicaciones escritas, suelen contener dibujos geométricos abstractos de utras que recuerdan al cubismo o al arte rupestre prehistórico . [26]
El arte, la cultura, la identidad y las sociedades de los sijs se han fusionado con las diferentes localidades y etnias de los diferentes sijs en categorías como " sijs agrahari ", "sijs dakhni" y "sijs asamés"; sin embargo, ha surgido un fenómeno cultural de nicho que puede describirse como "sij político". El arte de los sijs de la diáspora , como Amarjeet Kaur Nandhra [27] y Amrit y Rabindra Kaur Singh ( Los gemelos Singh ) [28] , está parcialmente influenciado por su espiritualidad e influencia sij.
El sijismo fue fundado en el siglo XVI por Gurú Nanak , que fue pintado por primera vez más de 200 años después de su muerte. Los retratos ampliamente populares de los diez gurús sijs solo aparecieron en la primera mitad del siglo XVIII. [29] Una de las primeras series de pinturas de los gurús fue encargada por Baba Ram Rai , el hijo mayor del séptimo gurú sij, Gurú Har Rai . [30]
La mayoría de los primeros retratos de los gurús sijs fueron pintados en estilo cortesano mogol. Bajo el imperio mogol , los artistas punjabíes de la época se formaron en el estilo de pintura mogol, lo que dio como resultado que su trabajo estuviera muy influenciado por el estilo de arte mogol. [30] Los primeros retratos de los gurús sijs y los elementos en ellos, como sus atuendos, turbantes y poses, parecían similares a los de los nobles y príncipes mogoles. Los gurús se identifican en escrituras devanagari , gurmukhi y persa , también compuestas en estilo mogol. [30] En una pintura de alrededor de 1750, el sexto gurú sij está representado con vestimenta y entorno cortesanos mogoles. [31]
Una de las primeras imágenes de Guru Nanak lo representa como un hombre piadoso y religioso con ropas sencillas y un rosario en la mano, lo que retrata su naturaleza contemplativa. Los primeros diez gurús tienen sus imágenes inspiradas en la piedad y la sencillez de Guru Nanak. Se puede notar una transformación con el sexto gurú cuando se agregan elementos de resistencia política y poder, mostrando las luchas políticas sikh de la época. Además, con Guru Gobind Singh , se agregaron elementos de grandeza, como atuendo real, joyas preciosas, zapatos elegantes, un gran turbante y una espada de guerrero.
Los gurús también están representados extensamente en los Janamsakhis ( hagiografías del gurú). Hay muchas pinturas y representaciones de la vida de Guru Nanak, específicamente en el B-40 Janamsakhi. Se lo muestra creciendo desde un niño pequeño a un adolescente, a un joven, y luego a un hombre de mediana edad y finalmente a un anciano sabio. [32] Las imágenes también representan muchos valores sikh fundamentales junto con las fuerzas políticas y culturales que influyeron en su vida y religión.
El reinado del maharajá Ranjit Singh (1801-1839) tiene una importancia primordial en la historia sij. Fue un gran mecenas del arte y la arquitectura y patrocinó la construcción de muchos fuertes magníficos, palacios, templos, gurdwaras , joyas preciosas, ropa, pinturas coloridas, acuñación de monedas y tiendas y doseles de lujo. [33] Los más significativos de estos fueron el trono dorado construido por Hafez Muhammad Multani y el dosel adornado con joyas para el Gurú Granth Sahib . [33] [34]
La contribución más notable de Ranjit Singh fue la remodelación del Harmandir Sahib . Invitó a arquitectos expertos, artistas, talladores de madera y otros artesanos a Amritsar para la renovación. También contrató a un experto técnico para el baño de oro del Harmandir Sahib. [33] El Harmandir Sahib ahora está adornado con piedras semipreciosas como lapislázuli y ónix junto con sus paredes de mármol en el exterior. Las paredes también cuentan con diseños arabescos y caleidoscópicos . El interior está revestido de espejos y vidrio de colores y su parte superior está cubierta con placas de cobre dorado. [33] Además del Harmandir Sahib , Ranjit Singh también contribuyó a los adornos de muchos otros gurdwaras, extrayendo imágenes espectaculares del Guru Granth Sahib , las vidas de los gurús y los Janamsakhis . [33] También contribuyó a la construcción de templos y mezquitas, siendo una de las más significativas las costosas puertas de plata de un templo hindú de la diosa Kali . Bajo el gobierno del maharajá Ranjit Singh, ciudades como Lahore , Amritsar , Multan , Sialkot , Srinagar y Patiala prosperaron como centros de las artes. [33]
El arte taoísta (también escrito como arte taoísta) se relaciona con la filosofía taoísta y las narrativas de Lao-tzu (también escrito como Laozi) que promueven "vivir de manera sencilla y honesta y en armonía con la naturaleza". [35]
En muchas religiones se utilizan símbolos o iconos para representar creencias específicas. Estas pequeñas obras de arte son resúmenes de la religión que muchas personas han utilizado para dar a entender cuáles son sus creencias. Por ejemplo, el cristianismo se simboliza con el icono de la cruz y el islam, con la imagen de la estrella y la media luna. Véase también: Símbolos religiosos
