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Música de drones

La música drone , [2] [3] música basada en drones , [4] o simplemente drone , es un género musical minimalista [5] que enfatiza el uso de sonidos sostenidos , [6] notas o grupos de tonos llamados drones . Por lo general, se caracteriza por composiciones extensas que presentan variaciones armónicas relativamente leves. La Monte Young , uno de sus creadores en la década de 1960, lo definió en 2000 como "la rama de tono sostenido del minimalismo". [7] La ​​música que contiene drones se puede encontrar en muchas tradiciones regionales en Asia, Australia y Europa, pero la etiqueta de género generalmente se reserva para la música que se origina en la tradición clásica occidental. Los elementos de la música drone se han incorporado en diversos géneros como el rock , el ambient y la música electrónica . [8]

Descripción general

La música que contiene drones y es rítmicamente quieta o muy lenta, llamada "música drone", [2] se puede encontrar en muchas partes del mundo, incluidas las tradiciones de gaitas, entre ellas la gaita escocesa pibroch ; la música didgeridoo en Australia, la música clásica carnática del sur de la India y la música clásica indostánica (ambas acompañadas casi invariablemente por el Tanpura , un instrumento de cuatro cuerdas pulsadas que solo es capaz de tocar un drone); los tonos sostenidos que se encuentran en la tradición clásica japonesa gagaku [9] ; posiblemente (disputado) en la música vocal de organum prepolifónica de la Europa medieval tardía; [10] y el ison del canto bizantino (o canto drone , atestiguado después del siglo XV). [11] La repetición de tonos, que se supone que es una imitación de las gaitas, [12] [13] [14] [15] se encuentra en una amplia variedad de géneros y formas musicales.

Un ejemplo de pista de música de drones.
Crédito: algún día seré como noraus. por amoeba
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El género moderno, también llamado música drone [3] [16] (llamado "dronología" por algunos libros, sellos y tiendas, [17] para diferenciarlo de la música étnica basada en drones), se aplica a menudo a artistas que se han aliado estrechamente con la música underground y los géneros musicales post-rock o experimentales . [1] La música drone forma parte del movimiento conocido como música minimalista . [5]

El periodista de Pitchfork Media y Allmusic Mark Richardson lo definió así: [18]

La música de punto de fuga creada por los mayores del drone Phill Niblock y, especialmente, La Monte Young es lo que sucede cuando la fijación en los tonos sostenidos alcanza un punto de inflexión. El timbre se reduce a un solo instrumento claro o a una onda sinusoidal, el silencio desaparece por completo y la interacción de nivel básico entre pequeños grupos de tonos "puros" se convierte en el contenido de la música. Este tipo de trabajo toma lo que normalmente nos ayuda a distinguir la "música" del "sonido", lo descarta casi todo y luego comienza de nuevo desde cero.

Desarrollo

El compositor La Monte Young (nacido en 1935) es una figura importante en la música drone. Se describió a sí mismo como fascinado desde una edad temprana por los sonidos drone, como "el sonido del viento que sopla", el "dron de 60 ciclos por segundo [de] los transformadores reductores en los postes telefónicos", el dron tanpura y el alap de la música clásica india , "ciertos aspectos estáticos del serialismo , como en el movimiento lento de Webern de la Sinfonía Opus 21", y el gagaku japonés "que tiene tonos sostenidos en él en instrumentos como el Sho". [19] Young comenzó a escribir música incorporando tonos sostenidos en 1957 con la sección central de For Brass , [19] luego en 1958 lo que describe como "la primera obra en la historia de la música que está completamente compuesta de tonos y silencios sostenidos largos" [19] con Trio for Strings , antes de explorar esta música drone dentro del Theatre of Eternal Music que fundó en 1962.

El Theatre of Eternal Music es un grupo de performance multimedia que, en su apogeo de las décadas de 1960 y 1970, incluyó en varias ocasiones a La Monte Young , Marian Zazeela , Tony Conrad , Angus MacLise , Terry Jennings, John Cale , Billy Name , Jon Hassell , Alex Dea y otros, cada uno de ellos de diversos orígenes (composición y performance clásica, pintura, matemáticas, poesía, jazz, etc.). Operando desde el mundo de los lofts y galerías de Nueva York entre mediados de los sesenta y mediados de los setenta en particular, y ligado a la estética de Fluxus y al continuo post- John Cage , el grupo realizó actuaciones en la costa este de los Estados Unidos así como en Europa occidental. Estas actuaciones comprendían largos períodos de inundación sensorial con combinaciones de relaciones armónicas, que se movían lentamente de una a la siguiente por medio de "leyes" establecidas por Young con respecto a las secuencias y simultaneidades "permitidas", tal vez en imitación de la música clásica indostánica que él, Zazeela y los demás estudiaron o al menos admiraron. [20] El grupo no lanzó nada durante su vida (aunque Young y Zazeela lanzaron un LP colaborativo en 1969, [21] y en 1970 Young contribuyó con una cara de un disco flexible que acompañaba a un número de la revista Aspen [22] ). Los conciertos en sí mismos fueron influyentes por sí solos en el mundo del arte, incluido Karlheinz Stockhausen (cuyo Stimmung lleva su influencia de manera más sorprendente) [23] [24] y las obras minimalistas basadas en drones de docenas de otros compositores, muchos de los cuales hicieron innovaciones paralelas, incluida su joven compañera de clase Pauline Oliveros , o Eliane Radigue , Charlemagne Palestine , Yoshi Wada , Phill Niblock y muchos otros. [25]

En 2000, La Monte Young escribió: “[Sobre] el estilo de música que originé, creo que la rama de tono sostenido del minimalismo, también conocida como 'música drone', es un área fértil para la exploración”. [7]

Música rock

El miembro del Theatre of Eternal Music, John Cale, extendió y popularizó las técnicas de drones en la música rock de los años 60 con su siguiente banda, Velvet Underground (junto con el compositor Lou Reed ). El primer EP de Velvet Underground lanzado en 1966, titulado Loop , fue una pieza experimental de drones creada por el miembro John Cale . [26] [27] El primer álbum de la banda, The Velvet Underground & Nico (1967), sentó las bases de la música drone como género musical rock en estrecha proximidad al proyecto del mundo artístico del Theatre of Eternal Music. [1] Alrededor de este período, los Beatles también introdujeron elementos de la música drone con influencia india en pistas de rock psicodélico como " Tomorrow Never Knows " (1966). [28]

Tras su salida de Velvet Underground, John Cale pasó a producir el álbum debut de los Stooges en 1969 , con la mezcla final que incluía su viola drone en la canción "We Will Fall". Ese mismo año, Cale también tocó viola en The Marble Index (1969) de Nico , en la canción "Frozen Warnings". Más tarde, Lou Reed publicó en 1975 un LP doble de feedback de guitarra eléctrica multipista titulado Metal Machine Music que incluía (error de ortografía incluido) "Reconocimiento de drones y posibilidades armónicas vis a vis Dream Music de Lamont Young" [29] entre sus "Especificaciones".

A finales de los años 1960 y principios de los años 1970, músicos de rock alemanes como Can , Neu!, Kraftwerk , Cluster y Faust se inspiraron en grupos de rock de los años 1960 que experimentaron con la duración y la repetición (por ejemplo, Velvet Underground , Pink Floyd y Captain Beefheart en su versión más colágica [30] ) y en compositores como Karlheinz Stockhausen [30] y La Monte Young . [31] Estos grupos de krautrock influyeron en los contemporáneos del rock artístico de su época y en los músicos de punk rock y post-punk posteriormente. [32] [33] Tony Conrad , del Theatre of Eternal Music , hizo un LP colaborativo con Faust que no incluía nada más que dos lados de complejos drones de violín acompañados de una sola nota en el bajo y algo de percusión. Las líneas de bajo de una sola nota también aparecen en la canción "Mother Sky" de Can (álbum Soundtracks , 1970) y en la totalidad del primer álbum de Die Krupps (1979).

El drone metal fue establecido por primera vez por Earth , [34] un grupo de Olympia, Washington , formado en 1989 por el músico minimalista Dylan Carlson . [35] Earth se inspiró en el sludge metal de Melvins y la música minimalista de Young, Riley y Conrad. [35] El grupo de Stephen O'Malley Sunn O))) , [36] [37] formado inicialmente como un tributo a Earth, es el mayor responsable de la prominencia contemporánea del estilo drone metal. Boris , [36] [38] de Tokio, también desarrolló un estilo de drone metal, paralelo a los grupos de Seattle, al igual que Corrupted , de Osaka. [35]

En 1990, la banda británica Spacemen 3 grabó un álbum de drones en vivo de 45 minutos titulado Dreamweapon: An Evening of Contemporary Sitar Music , con notas de La Monte Young. [39]

Música electrónica y ambiental

En toda América del Norte y Europa, algunos músicos buscaron reconciliar el clasicismo asiático, el minimalismo austero y los aspectos consonantes de la música folclórica al servicio de la espiritualidad. Entre ellos se encontraba el ex alumno del Theatre of Eternal Music , Terry Riley , con su In C de 1964. [40] [41] Junto con La Monte Young y Zazeela , Riley se había convertido en discípulo del cantante clásico indostánico Pandit Pran Nath . Paralelamente, la entonces banda de krautrock Tangerine Dream y su miembro recientemente fallecido Klaus Schulze se movieron hacia una música armónica más contemplativa y consonante, y cada uno lanzó su propio álbum de música drone en el sello Ohr en agosto de 1972 ( Zeit e Irrlicht , respectivamente). A lo largo de la década de 1970, Irv Teibel lanzó su serie psicoacústica Environments , que consistía en sonido ambiental ininterrumpido de 30 minutos y paisajes sonoros sintetizados ("Om Chant" y "Tintinnabulation"). [42]

Mientras tanto, a medida que nacía una tecnología de estudio cada vez más elaborada durante la década de 1970, Brian Eno , un ex alumno de la banda de glam/art-rock Roxy Music , postuló (basándose en parte en el concepto de música de muebles de John Cage y su antecesor Erik Satie de la década de 1910 y en parte en minimalistas como La Monte Young ) [43] que la música ambiental era "capaz de adaptarse a muchos niveles de atención auditiva sin imponer uno en particular; debe ser tan ignorable como interesante". [44] Si bien las grabaciones de música ambiental en cinta de Eno de finales de la década de 1970 no son música drone, su reconocimiento de Young ("el padre de todos nosotros") [45] y su propia influencia en la música drone posterior lo convirtieron en un eslabón innegable en la cadena.

Klaus Wiese fue un maestro de los cuencos tibetanos ; creó una extensa serie de lanzamientos de álbumes utilizándolos, produciendo impresionantes drones acústicos.

Ejemplos

Véase también

Notas

  1. ^ abc Cox & Warner 2004, p. 359 (en "Post-Rock" de Simon Reynolds ): "Los Velvet fusionaron la composición folklórica con una estética de muro de ruido que era mitad Phil Spector, mitad La Monte Young, y de ese modo inventaron la dronología, un término que describe vagamente el 50 por ciento de la actividad post-rock actual". (sobre la Velvet Underground y el post-rock )
  2. ^ ab Para obtener información sobre los primeros y otros usos de los drones en la música en todo el mundo, véase, por ejemplo, ( American Musicological Society , JAMS ( Journal of the American Musicological Society ), 1959, pág. 255: "Observaciones como las de los efectos de drones producidos por tubos dobles con un número desigual de agujeros provocan pensamientos sobre el misterio de la música de drones en la antigüedad y sobre la polifonía primitiva"). o ( Barry S. Brook & al., Perspectives in Musicology , WW Norton, 1972, ISBN  0-393-02142-4 , pág. 85: "Mi tercer ejemplo de la fuerza de la tradición se refiere a otro gran problema, la persistencia de la música de drones desde la Edad Media hasta nuestros días").
  3. ^ ab Se pueden encontrar usos tempranos de la "música drone" como un género no étnico, nuevo o experimental, como en 1974 ( Michael Nyman , Experimental Music: Cage and Beyond , Studio Vista, 1974, ISBN 0-02-871200-5 , p. 20: "[...] La música drone de LaMonte Young [...]") o nuevamente en 1974 (cf. "música drone" en la cita de Hitchcock de 1974 sobre Riley). 
  4. ^ "Música basada en drones" se utiliza, por ejemplo, en 1995 (Paul Griffiths, Modern music and after: Directions Since 1945 , Oxford University Press, 1995, ISBN 0-19-816511-0 , p. 209: "Young fundó su propio grupo de interpretación, el Theatre of Eternal Music, para ofrecer interpretaciones de música altamente repetitiva basada en drones"), o en Cow & Warner 2004 (cf. cita citada de la p. 301). 
  5. ^ ab Cox & Warner 2004, p. 301 (en "Thankless Attempts at a Definition of Minimalism" de Kyle Gann ): "Ciertamente, muchas de las piezas minimalistas más famosas se basaban en un ritmo motorizado de corcheas, aunque también hubo varios compositores como Young y Niblock interesados ​​en drones sin ritmo en absoluto. [...] Quizás el "minimalismo de ritmo constante" sea un criterio que podría dividir el repertorio minimalista en dos cuerpos de música mutuamente excluyentes, música basada en pulsos versus música basada en drones".
  6. ^ "Drone". britannica.com .
  7. ^ ab Young 2000, pág. 27
  8. ^ Echo, Altstadt. "Introducción a la tecnología de drones". www.dubmonitor.com . Dub Monitor. Archivado desde el original el 18 de febrero de 2015 . Consultado el 18 de febrero de 2015 .
  9. ^ Un precedente citado directamente por La Monte Young, ver su cita a continuación (Zuckerman 2002).
  10. ^ Especulado en 1988 por el musicólogo francés Marcel Pérès del Ensemble Organum (como se resume aquí Archivado el 22 de julio de 2012 en Wayback Machine ) pero disputado en una tesis de maestría (Robert Howe, "La interpretación de la música medieval en la cultura contemporánea", archivo PDF, pág. 6-8)
  11. ^ "no hay un testimonio claro del uso del isón hasta después del siglo XV" (en St. Anthony's Monastery, "Introducción al canto bizantino", p. 1 Archivado el 25 de diciembre de 2008 en Wayback Machine ). En otra parte se especifica: "La primera notificación de la costumbre parece haber sido hecha en 1584 por el viajero alemán, Martin Crusius". (en Dimitri E. Conomos (Oxford University), "A Brief Survey of the History of Byzantine and Post-Byzantine Chant" Archivado el 22 de diciembre de 2008 en Wayback Machine , sección "7. Post-Byzantine Era")
  12. ^ Rosamond EM Harding, Origins of Musical Time and Expression , Oxford University Press, 1938, Parte 2 "Estudios sobre la imitación de instrumentos musicales por otros instrumentos y por voces", pág. 42–43: "IMITACIÓN DE GAITAS: Las gaitas pueden considerarse un instrumento universal, ya que se encuentran en la mayor parte del mundo. También son de una antigüedad considerable, ya que las conocían los antiguos egipcios. [...] Hay tres características de las imitaciones de gaitas, las tres pueden estar presentes al mismo tiempo y cualquiera de ellas es suficiente para caracterizar la influencia de la gaita, si no es una imitación directa. La primera es el bordón, generalmente colocado en el bajo, y que consiste en una sola nota o en dos o tres notas tocadas juntas. Un bordón que consiste en dos notas adyacentes que suenan alternativamente también es típico. El Dr. Naylor, en su obra An Elizabethan Virginal Book , ha llamado la atención sobre el hecho de que muchas melodías inglesas tempranas se basan en un bordón que consiste en dos notas alternadas, y que la gaita de Northumbria tenía bordones alternativos y un arreglo para cambiar la nota de los bordones".
  13. ^ George Grove , Stanley Sadie , The New Grove Dictionary of Music and Musicians , Macmillan Publishers, 1.ª ed., 1980 ( ISBN 0-333-23111-2 ), vol. 7 (Fuchs a Gyuzelev), "André-Ernest-Modeste Grétry", pág. 708: "en L'épreuve villageoise , donde los diversos elementos folclóricos (forma de pareado, sencillez de estilo, ritmo directo, bajo zumbido a imitación de gaitas) se combinan para expresar a la vez una coquetería ingenua y sinceridad". 
  14. ^ Leroy Ostransky, Perspectives on Music , Prentice-Hall, 1963, p. 141: "GAVOTA. Danza que consta de dos acordes animados en compás de 4/4, normalmente con un compás de dos negras. A veces se alterna con una musette, que es una gavota sobre un bajo zumbido, una imitación de las gaitas".
  15. ↑ David Wyn Jones, Music in Eighteenth-Century Austria , Cambridge University Press, 2006, ISBN 0-521-02859-0 , p. 117: «Tabla 5.1 – Rasgos pastorales en las misas del siglo XVIII [...] II – Armonía: A) Drones en imitación de gaitas» 
  16. ^ "música drone" también se utiliza en The Cambridge History of Twentieth-century Music (cf. Cook & Pople 2004, p. 551, sobre el Teatro de la Música Eterna: "su música drone [...] Young continuó desarrollando esta música drone temprana en composiciones intrincadas y extensas") o en Pitchfork Media ("Durante ese tiempo quería que mi música drone tuviera un borde lo más espinoso posible" "Projekt: Darkwave - 'Avec Laudenum'". Archivado desde el original el 20 de febrero de 2009. Consultado el 8 de enero de 2009 .).
  17. ^ "Dronology" se utiliza, por ejemplo, como etiqueta de género en Aquarius Records (quienes afirman haberlo acuñado [1]), Epitonic.com "Dronology". Archivado desde el original el 19 de noviembre de 2008. Consultado el 9 de diciembre de 2008 ., y Last.fm [2].
  18. ^ Mark Richardson, "Stars of the Lid: And Their Refinement of the Decline" Archivado el 11 de diciembre de 2008 en la reseña de Wayback Machine del 3 de abril de 2007, www.pitchforkmedia.com
  19. ^abcZuckerman 2002.
  20. ^ Young, Zazeela y la música clásica indostánica: Mela Foundation, "Pandit Pran Nath Memorial Tributes", www.melafoundation.org (citando a The Eye , la revista trimestral de la SPIC MACAY (Sociedad para la Promoción de la Música y Cultura Clásicas de la India entre los Jóvenes)): "Él [Young] es un maestro de la música clásica indostánica. La Monte Young y Marian Zazeela, fundadores de la MELA Foundation Dream House en Nueva York, son responsables de haber introducido sin ayuda de nadie la música clásica vocal indostánica en Estados Unidos. En 1970, cuando trajeron al reconocido maestro vocal Pandit Pran Nath de Kirana Gharana a Estados Unidos y se convirtieron en sus primeros discípulos occidentales, estudiando con él durante veintiséis años en la manera tradicional gurukula de vivir con el gurú, [...]"
  21. ^ La Monte Young & Marian Zazeela, LP de vinilo (limitado a 2800 copias) denominado The Black Record (1969), Munich: Edición X, que incluye dos composiciones de larga duración.[3][4]
  22. ^ Flexi-disc "Jackson MacLow / La Monte Young", Lado B: acreditado "Drift Study 31 1 69 by La Monte Young" (el título completo es "Extracto de Drift Study 31 I 69 12:17:33 – 12:49:58 PM",[5] de su fecha y hora de grabación), que acompaña al artículo de Young "Notes on Continuous Periodic Composite Sound Waveform Environment Realizations", en Aspen no. 8 "The Fluxus Issue", Nueva York: Aspen Communications Inc., NYC., Otoño-Invierno, 1970-1971.
  23. ^ Potter 2002, p. 89: "La influencia [de Young] sobre compositores ya consagrados que fueron sus mentores estudiantiles no se limita, sin embargo, a Cage. La exploración de la serie armónica por parte de Karlheinz Stockhausen, en particular en Stimmung (1968), se ha vinculado a menudo con el ejemplo de Young. [...] El compositor alemán parece haber visitado a Young y Zazeela cuando estaban en Nueva York, en 1964 o 1965, y escuchado un ensayo de The Theatre of Eternal Music. Pidió cintas de las actuaciones del grupo que, tal vez sorprendentemente, Young le dio. Los propios músicos de Stockhausen visitaron la instalación Dream House de Young y Zazeela en Amberes en 1969".
  24. ^ Steve Reich , Writings on Music, 1965–2000 (ed. por Paul Hillier), Oxford University Press US, 2002, ISBN 0-19-511171-0 , p. 202: "No escuché ninguna pieza de Feldman hasta 1962, cuando escuché una pieza de Stockhausen llamada Refrain . Solo más tarde me di cuenta de que esta era la 'pieza de Feldman' de Stockhausen, así como Stimmung era su 'pieza de LaMonte Young'". 
  25. ^ Cox & Warner 2004, p. 401 ("Cronología" de fechas clave): "1964 [...] Young, Marian Zazeela, John Cale, Angus MacLise y Tony Conrad forman el Theatre of Eternal Music, la base del minimalismo basado en drones";
  26. ^ Sievers, Florian (5 de diciembre de 2018). «La voz del universo: una breve historia de los drones». Red Bull Music Academy . Consultado el 18 de abril de 2024 .
  27. ^ Burton, Poppy (11 de enero de 2024). "¿Phil Niblock inspiró a The Velvet Underground?". Far Out . Consultado el 18 de abril de 2024 .
  28. ^ Luhrssen, David; Larson, Michael (2017). Enciclopedia del rock clásico. Santa Bárbara, CA: Greenwood. ISBN 978-1-4408-3513-1.
  29. ^ Lou Reed , Metal Machine Music (1975), LP de vinilo doble, RCA Records (CPL2-1101), "Especificaciones": copia de texto, copia de imagen (reedición).
  30. ^ ab Stubbs, David (2009). "Introducción". Krautrock: Cosmic Rock and Its Legacy . Londres: Black Dog. págs. 7-8. ISBN 9781906155667.
  31. ^ Young, Rob; Schmidt, Irmin (2018). Todas las puertas abiertas: la historia de Can . Londres: Faber & Faber. págs. 24-26. ISBN . 9780571311491.
  32. ^ Cook & Pople 2004, p. 547: "Por otro lado, el legado de La Monte Young estaba floreciendo en el punk rock de finales de los años 1970".
  33. ^ Cox & Warner 2004, p. 320 (en "Disciplina digital: minimalismo en el house y el techno" de Philip Sherburne ): "A finales de los años 1970, la música rock produjo su propia reacción minimalista al rock mainstream inflado y sobreproducido. Los resultados, el No Wave y el punk rock, a menudo establecían vínculos explícitos con la tradición del minimalismo drone de los años 60, como en el caso de las bandas de Glenn Branca, Theoretical Girls y The Static, sus orquestas de guitarras y los muchos grupos a los que influyó".
  34. ^ Jason Jackowiak, Splendid , 14 de septiembre de 2005. «La revista Splendid reseña Earth: Hex: Or Printing in the Infernal Method». Archivado desde el original el 27 de septiembre de 2008. Consultado el 15 de septiembre de 2008 .Fecha de acceso: 23 de agosto de 2008.
  35. ^ abc Pattison, Louis (17 de febrero de 2015). "Heavy, Heavier, Heaviest: A Beginner's Guide to Doom-Drone". Boiler Room . Consultado el 26 de septiembre de 2023 .
  36. ^ de John Wray, "Heady Metal", New York Times , 28 de mayo de 2006. [6] Fecha de acceso: 18 de agosto de 2008.
  37. ^ Jan Tumlir, "Primal dirge", Artforum , abril de 2006. [7] Fecha de acceso: 22 de agosto de 2008.
  38. ^ Spall, Oliver (10 de diciembre de 2007). «Sunn O))) y Boris presentan Altar». Archivado desde el original el 8 de diciembre de 2008. Consultado el 22 de agosto de 2008 .
  39. ^ Spacemen 3 , Dreamweapon: An Evening of Contemporary Sitar Music , Sympathy for the Record Industry SFTRI 211, reedición en CD de 1993, notas del álbum
  40. ^ Hugh Wiley Hitchcock, Music in the United States: A Historical Introduction , Prentice-Hall, 1974, ISBN 0-13-608380-3 , pág. 269: "Algunos otros además de Young han seguido caminos similares de música drone minimalista, en particular Terry Riley (nacido en 1935) en obras como In C para orquesta [...]" 
  41. ^ Cook & Pople 2004, p. 659 (minibiografías de "Personalia"): "Riley, Terry (n. 1935) [...] Un encuentro con La Monte Young afectó profundamente su perspectiva [...]"
  42. ^ Cummings, Jim. "Irv Teibel murió esta semana: creador de los LP "Environments" de los años 70". Earth Ear . Consultado el 18 de noviembre de 2015 .
  43. ^ Cook & Pople 2004, p. 502: "La música semiaudible había sido constantemente prefigurada en la música de compositores de izquierda desde Erik Satie en adelante. La 'música ambiental' surgió como categoría cuando en la década de 1980, influenciado por el minimalismo de La Monte Young, Terry Riley, Philip Glass y Steve Reich, Brian Eno comenzó a hacer música para una presentación deliberadamente subaudible, [...]"
  44. ^ Brian Eno, 1978, fuente: Ambient Music .
  45. ^ Potter 2002, p. 91: Brian Eno dice "La Monte Young es el papá de todos nosotros" (con nota final 113 p. 349 que hace referencia a "Citado en Palmer, A Father Figure for the Avant-Garde , p. 49").

Referencias

Lectura adicional

Enlaces externos