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Voss es la decimoséptima colección del diseñador de moda británico Alexander McQueen , realizada para la temporada primavera/verano 2001 de su casa de moda homónima . La colección se basó en imágenes de la locura y el mundo natural para explorar ideas de perfección corporal, interrogando quién y qué era bello. Como muchas de las colecciones de McQueen, Voss también sirvió como una crítica de la industria de la moda, sobre la que McQueen a menudo se mostraba ambivalente. Voss presentó una gran cantidad de diseños de exhibición, incluidos vestidos hechos con conchas de navajas , un biombo japonés antiguo, halcones disecados y portaobjetos de microscopio . La paleta de la colección comprendía principalmente tonos apagados; los adornos de diseño comunes incluían adornos orientalistas , elementos surrealistas y volantes.
El desfile de la colección se realizó el 26 de septiembre de 2000 en el almacén de Gatliff Road en Londres, como parte de la Semana de la Moda de Londres . El espectáculo se realizó dentro de un cubo de vidrio con espejo del tamaño de una habitación, con el público sentado afuera. McQueen comenzó deliberadamente el espectáculo una hora tarde, lo que obligó a la audiencia, compuesta en gran parte por profesionales de la industria, a mirarse incómodamente en el espejo. Cuando comenzó el espectáculo, el cubo se volvió transparente para el público, revelando un espacio diseñado para parecer una habitación acolchada en un asilo mental estereotipado . Las modelos fueron estilizadas para parecer poco saludables, con el cabello cubierto por vendas. Se les indicó que actuaran como si estuvieran teniendo un " ataque nervioso " mientras caminaban. Se presentaron setenta y seis looks, seguidos de un final en el que un cubo de vidrio en el centro se rompió para revelar a Michelle Olley , gorda, desnuda y cubierta de polillas. [a]
La respuesta de la crítica fue positiva, especialmente hacia los conjuntos de exhibición y el aspecto artístico . El desfile se considera uno de los mejores de McQueen y ha atraído una gran cantidad de análisis académicos, en particular en lo que respecta a las imágenes de la colección de hibridación humano-animal y el cuestionamiento de los estándares de belleza. Varias modelos que desfilaron en el desfile han comentado que sus experiencias fueron desafiantes pero positivas. Los conjuntos de Voss se conservan en varios museos y han aparecido en exposiciones como la retrospectiva de McQueen Alexander McQueen: Savage Beauty .
El diseñador de moda británico Alexander McQueen era conocido por sus diseños imaginativos, a veces controvertidos, y sus dramáticos desfiles de moda . [3] [4] Durante sus casi veinte años de carrera, exploró una amplia gama de ideas y temas, incluidos el historicismo , el romanticismo , la feminidad, la sexualidad y la muerte. [3] [4] [5] McQueen comenzó su carrera en la moda como aprendiz con los sastres de Savile Row , lo que le valió una reputación de sastre experto. [6] [7] [8] De 1996 a octubre de 2001, McQueen fue, además de sus responsabilidades para su propia marca, diseñador jefe de la casa de moda francesa Givenchy . [9] [10] [11]
McQueen experimentó frecuentemente con materiales no convencionales y referencias a la naturaleza en sus colecciones. [12] [13] A menudo utilizó partes de animales, tanto naturales como de imitación, en sus diseños. [14] [15] McQueen era especialmente partidario del simbolismo asociado con las aves; las imágenes de aves fueron un tema recurrente a lo largo de su carrera. [15] [16] [17] Su quinta colección, The Birds (primavera/verano de 1995), se inspiró doblemente en la ornitología , el estudio de las aves, y la película de Alfred Hitchcock de 1963, Los pájaros , por la que recibió su nombre. [18] Las polillas y las mariposas fueron otro motivo repetido. [19]
McQueen tuvo una relación difícil con la industria de la moda y los medios de comunicación. Al principio de su carrera, los periodistas a menudo lo enmarcaron como un intruso de clase trabajadora en una industria de clase alta . [24] La prensa se aprovechó de sus inseguridades sobre el peso y la apariencia. [25] [26] [27] El estilo extremo en sus primeras colecciones resultó en acusaciones de misoginia; a pesar de sus objeciones, la marca persistió durante gran parte de su carrera. [27] [28] [29] Sus colecciones de Givenchy fueron mal recibidas, lo que lo angustió; recurrió al tabaco y al consumo de drogas para lidiar con la presión que sentía para satisfacer a la gerencia y la prensa. [30] [31] McQueen a menudo se mostró ambivalente sobre continuar su carrera en la moda, que a veces describió como tóxica y asfixiante. [32] [33] [34]
Varias de las colecciones de McQueen, incluida Voss , fueron pensadas como comentarios y críticas sobre la moda. [35] Con It's a Jungle Out There (otoño/invierno de 1997), McQueen utilizó la corta vida de la gacela de Thomson como metáfora de la "fragilidad del tiempo de un diseñador en la prensa. Estás allí, te vas; es una jungla ahí fuera". [36] [37] What a Merry-Go-Round (otoño/invierno de 2001), que siguió a Voss , "retrató la moda como un manicomio y un circo", en palabras de los teóricos de la moda Adam Geczy y Vicki Karaminas. [38] Al final de su carrera, McQueen arremetió de nuevo con The Horn of Plenty (otoño/invierno de 2009), que satirizó el concepto de un desfile de pasarela y el despilfarro de la industria. [39] [40]
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Voss (primavera/verano de 2001), estilizada en mayúsculas y a veces llamada informalmente el "show del asilo", es la decimoséptima colección que McQueen creó para su casa de moda homónima . [41] [42] La colección exploró ideas de perfección corporal, interrogando quién y qué era bello. [43] [44] Lleva el nombre de Voss , una ciudad noruega conocida por ser un hábitat de vida silvestre; en consecuencia, McQueen hizo un uso extensivo de materiales naturales no convencionales para la ropa. [45] Lo más destacado, Voss presenta prendas cubiertas con varias conchas marinas : navajas , mejillones y ostras . [45] [46] Las conchas se obtuvieron del mercado de pescado de Billingsgate y de las playas de la costa de Norfolk en Londres; unas cuatro mil solo de la playa. [13] [32] [47] El amor de McQueen por las aves estaba representado en faldas de plumas, bordados con temática aviar y un tocado hecho con halcones disecados que emulaban un ataque de aves de la película Los pájaros . [45] [48] [49]
De igual modo, la colección se inspiró en la estética de la locura, el encarcelamiento y la medicina. [45] McQueen era un cinéfilo y puede haber estado inspirándose en representaciones cinematográficas de manicomios y prisiones, como las de One Flew Over the Cuckoo's Nest (1975), ambientada en un asilo, o The Green Mile (1999), que mostraba a reclusos en el corredor de la muerte . [45] [50] [51] Los acentos bermellón evocaban sangre; un vestido, modelado por Erin O'Connor , tenía un corpiño hecho con portaobjetos de microscopio pintados de rojo. [43] [44] [45] Algunos artículos pueden haber estado haciendo referencia a uniformes de enfermera . [50]
La paleta se componía principalmente de tonos apagados: blanco, gris, beige, verde claro y rosa suave, así como negro y toques de rojo. [1] [52] McQueen dijo que buscaba hacer una colección que fuera ampliamente aceptable, por lo que incluyó trajes elegantes y " vestidos negros sencillos ". [32] Muchos artículos tenían pinzas y volantes. [53] Otro motivo repetido fue la moda " oriental " falsa, que apareció en forma de redondeles estilizados como flores de crisantemo , un conjunto gris con bordados de inspiración asiática y el uso de un biombo de seda japonés antiguo . [45] Estos artículos también ejemplificaron el amor de McQueen por las artesanías tradicionales como el bordado . [54] Un rompecabezas a medio terminar de un castillo usado como top y un modelo de castillo de arena usado como hombrera proporcionaron un toque de surrealismo . [55] [56]
Se hizo mucho hincapié en los artículos a medida con elementos de ropa masculina reinventados, como el Look 13, un mono modelado sobre una chaqueta de traje , o el Look 20, un vestido con los hombros descubiertos cuyo corpiño superior estaba diseñado para parecerse a una camisa de vestir y un cuello de hombre. [57] Varios artículos tenían tops halter estructurados como corbatas adjuntas ; a veces, toda la prenda estaba hecha del tipo de tela de seda que se usa típicamente para las corbatas. [1] [58] Las curadoras textiles Clarissa M. Esguerra y Michaela Hansen identificaron este estilo como un ejemplo de la inteligente " deconstrucción de forma y función" de McQueen. [58]
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Voss incluyó una gran cantidad de conjuntos de exhibición: diseños elaborados destinados a transmitir la idea de una colección y nunca pensados para la producción en masa. [59]
El vestido con forma de navaja que se usó en el look 33 se creó a partir de aproximadamente 1200 conchas de navaja. Se les quitó el maquillaje y se volvió a barnizar, luego se perforaron y se cosieron a la base de lona con monofilamento . [60] McQueen se inspiró para crear el vestido después de ver miles de conchas en la costa de Norfolk mientras caminaba con un amigo. [32]
El look 63 es un minivestido con plumas y silueta cónica que se proyecta hacia adelante en la parte delantera. El teórico de la moda Harold Koda identifica este estilo, que oculta por completo la cintura, como una forma muy inusual para la moda occidental. Lo comparó con una combinación de camiseta y chaleco de Martin Margiela de 2000 que tenía una silueta similar. El diseño de McQueen, escribió, es un "pastiche quimérico: es definitivamente aviar, ligeramente reptil y posiblemente mamífero". [61] Fue diseñado en la pasarela con un par de mules rosa claro con tornillos industriales en lugar de tacones de Benoit Méléard. [62] Koda los describe como una encarnación explícita de la "crítica del sistema de la moda" de McQueen, ya que tienen un aire de erotismo pero están construidos para ser muy incómodos de usar. [62]
Voss tenía la sensación de ser una mente que colecciona cosas. Lee no tenía miedo de que una idea surgiera de cualquier parte. Un día llegó con un puñado de conchas de mejillón y dijo: "Vamos a hacer un vestido con esto". Otro día, dijo: "Consigue que un estudiante compre un rompecabezas". Luego, una semana después, fue a su casa en Fairlight, en la costa de East Sussex, y regresó con conchas de navajas y dijo: "Vamos a hacer un vestido con esto".
Sarah Burton , citada en el catálogo de la exposición Alexander McQueen: Savage Beauty [63]
El look 65 es un vestido hecho a partir de la pantalla japonesa, bordada con flores y pájaros, que se usa sobre una prenda interior de conchas de ostras. [45] [64] [65] McQueen compró la pantalla en el mercado de pulgas de Saint-Ouen en París. Después de enviarla de regreso a Londres, la cortó de su marco y fusionó la tela desmenuzada con algodón y seda para estabilizar su forma. Él mismo cosió a mano la mayor parte del vestido, con un mínimo de pliegues o remodelaciones para mostrar adecuadamente la mano de obra del artículo original. [65] [66] Su forma puede haber sido modelada en el kimono o el hanbok ; prendas tradicionales japonesas y coreanas, respectivamente. [65] [67] Los motivos y colores del bordado en esta pantalla inspiraron un bordado similar para el vestido y el sombrero del look 10. [65] El look 65 se usó en la pasarela con un collar de plata y perla negra de Tahití de Shaun Leane . [45] [64] El collar tenía ramas puntiagudas de plata que se enroscaban sobre el cuello y el rostro de la modelo, obligándola a sostener la cabeza con cuidado para no pincharse. [68]
El look 74 incluía un corsé pintado a mano en cristal veneciano rojo ; el look 75 tenía un tocado en el mismo cristal. [1] [49] [69] El corsé probablemente se basaba en un molde corporal de Laura Morgan, la modelo de la casa McQueen, que lo lució en la pasarela. [69] La producción del cristal estuvo a cargo de Columbia Glassworks de Londres. [69] La teórica Caroline Evans señaló que usar el corsé requería un cierto grado de coraje, escribiendo que "una modelo con un corsé de cristal sabe que no puede permitirse el lujo de caerse". [69]
El vestido de diapositivas médicas de Look 76 tomó seis semanas de trabajo para completarse. [70] Dos mil diapositivas de microscopio, pintadas a mano de rojo, fueron cosidas en el corpiño del vestido. [71] En una entrevista, McQueen dijo que el vidrio estaba destinado a evocar un cuerpo siendo estudiado bajo un microscopio. Las diapositivas eran rojas porque, en sus palabras, "hay sangre debajo de cada capa de piel". [72] La cantante islandesa Björk , usó el vestido una vez, en un concierto. [59] [72]
El desfile de Voss se celebró el 26 de septiembre de 2000 en el almacén de Gatliff Road en Londres, como parte de la Semana de la Moda de Londres . [45] Los numerosos diseños de las piezas de exhibición y el complejo decorado, que llevó una semana entera construir, hicieron que el desfile fuera caro. La producción fue apoyada por el patrocinador de larga data American Express y, según se informa, costó £ 70.000 ( US$ 110.000). [73] [74] [75]
McQueen solía trabajar con un equipo creativo consistente para sus desfiles, que planificaba con Katy England, su asistente y estilista principal. [73] Voss fue producido por Sam Gainsbury y Anna Whiting, con dirección de arte de Joseph Bennett, iluminación de Dan Landing y música de DJ John Gosling . [73] Algunos zapatos fueron creados por Benoit Méléard. [61] El peinado fue diseñado por Guido Palau , el maquillaje por Val Garland . [75] Las polillas para el final fueron proporcionadas por un equipo de entomólogos formado por marido y mujer . [76]
Los padres de McQueen asistieron al espectáculo. [76] [77] Otros asistentes conocidos incluyeron a la mentora de McQueen , Isabella Blow , la actriz Gwyneth Paltrow , la música Grace Jones , el fotógrafo Nick Knight , el galerista Jay Jopling , la joyera Jade Jagger , los artistas Tracey Emin , Sam Taylor-Johnson y Jake y Dinos Chapman , y la pareja de celebridades Ronnie Wood y Jo Wood . [52] [57] [76] A Victoria Beckham , entonces todavía conocida como "Posh Spice" del grupo femenino Spice Girls , se le negó la entrada. McQueen explicó que prefería permitir solo invitados famosos con los que tenía una relación de trabajo. [75]
[En Voss ] la idea era hacer que la gente se volviera hacia sí misma. Quería darle la vuelta y hacerles pensar: ¿soy realmente tan bueno como lo que veo?
Alexander McQueen , La Moda , Primavera/Verano 2001 [44]
Al igual que en The Overlook (otoño/invierno de 1999) tres temporadas antes, Voss se representó dentro de un cubo de cristal del tamaño de una habitación, con el público sentado fuera de él en las gradas. [78] [79] Al principio, las luces eran bajas y el cubo funcionaba como un espejo. [45] McQueen comenzó deliberadamente el espectáculo una hora tarde, lo que obligó a la audiencia a mirarse incómodamente en el espejo mientras se reproducían los sonidos de un latido del corazón y una respiración pesada. [b] [79] [80] Algunos en la primera fila hicieron agujeros en sus invitaciones para convertirlas en protectores faciales improvisados. [57] McQueen observó la incomodidad de la multitud desde un monitor de CCTV, declarando más tarde que volver la mirada hacia sí mismos era "algo genial para hacer en la industria de la moda". [53] [80] La periodista Maureen Callahan describió el truco del espejo como un acto de venganza de McQueen contra la prensa de moda, que a menudo lo había criticado por su apariencia. [80]
Cuando comenzó el show, se encendieron luces brillantes dentro del cubo, revelando un espacio diseñado para parecerse a una sala de observación en un asilo mental estereotipado , con pisos de baldosas blancas, paredes acolchadas y espejos unidireccionales en las paredes que impedían que las modelos vieran a la audiencia. [45] [81] En el centro de la habitación había una caja hecha de vidrio oscurecido. [82] A pesar del parecido visual con una celda acolchada, McQueen dijo que pretendía que fuera "como si las modelos estuvieran en la privacidad de sus propias habitaciones y pudieran hacer lo que quisieran". [32]
El estilo hizo que las modelos parecieran enfermas, como pacientes de hospital recuperándose de operaciones. [43] [83] La ropa restaba importancia a los pechos y la feminidad de las modelos. [43] [83] El cabello estaba cubierto con vendajes apretados, como si las modelos acabaran de tener una cirugía cerebral. [83] [84] Algunos looks fueron estilizados con vendajes envueltos alrededor de las extremidades. [47] El maquillaje se utilizó para hacer que la piel pareciera pálida y poco saludable. [83] La falta de cabello visible también significaba que el enfoque estaba principalmente en las apariencias en lugar de en las modelos. [25] La historiadora de la moda Judith Watt sintió que los pañuelos para la cabeza recordaban a las gorras medievales ajustadas llamadas cofias . Ella escribió que el maquillaje producía "un aspecto de pureza restregada" que le recordaba a la clásica pintura de Johannes Vermeer La joven de la perla (c. 1665). [53] El sociólogo Henrique Grimaldi Figueredo sintió que la estética desexualizaba y deshumanizaba a las modelos. [83] La curadora Susanna Brown pensó que los vendajes eran una referencia a un anuncio de Elizabeth Arden de 1927 fotografiado por Adolf de Meyer , que presenta a una modelo con vendajes blancos similares en la cabeza. [85]
A las modelos se les indicó que actuaran como si estuvieran teniendo un " ataque nervioso " mientras caminaban. [75] Erin O'Connor , que llevaba el vestido de navaja, recordó que McQueen dio instrucciones detalladas a las modelos: "Entonces, estás en un manicomio, necesito que te vuelvas loca, tengas un ataque de nervios, mueras y luego vuelvas a la vida. Y si puedes, hazlo en tres minutos y simplemente sigue el crescendo de la música". [86] McQueen les dijo a algunas de las mujeres que llevaban prendas de concha que las destruyeran a propósito en la pasarela. [49] [87]
El desfile duró quince minutos. [88] Treinta y dos modelos presentaron setenta y seis looks, incluyendo un gran número de conjuntos de exhibición . [a] [73] [80] [49] Siguiendo las instrucciones de McQueen, las modelos imitaron la locura tambaleándose por el espacio, deteniéndose al azar en sus pistas y presionándose contra los espejos. [53] [89] Kate Moss abrió el desfile con un vestido hasta la rodilla de color crema con volantes. [1] [84] Siguieron una serie de vestidos asimétricos con volantes negros, luego trajes a medida en colores pálidos y negro. [90] El primer artículo de exhibición fue el Look 10, una chaqueta gris bordada con sombrero rectangular a juego y amaranto verde real adjunto. [64] [66] Las mangas estaban cosidas a la chaqueta a la manera de una camisa de fuerza . [47] [91]
Trajes, vaqueros y tops halter con lazos incorporados siguieron. [47] Jade Parfitt salió con el Look 24, la siguiente pieza destacada: un vestido con una falda de plumas de avestruz y pájaros disecados adheridos a los hombros, que parecían lanzarse en picado sobre su rostro. [47] [64] El look estaba inspirado en The Birds . [48] El Look 28, una chaqueta con una imagen térmica del rostro de McQueen usada con un vestido verde de plumas de avestruz, estaba enmarcado a ambos lados por trajes y otros conjuntos a medida. [47] [66]
Las conchas ya no eran útiles en la playa, así que les dimos otro uso en un vestido. Luego Erin [O'Connor] salió y destruyó el vestido, por lo que su utilidad había terminado una vez más. Un poco como la moda, en realidad.
Alexander McQueen , "Las crónicas de McQueen", Women's Wear Daily , 28 de septiembre de 2000 [32]
Las luces se apagaron temporalmente en azul para O'Connor en el Look 33, el vestido de navaja; hizo una pausa para arrancar las conchas y tirarlas al suelo. [47] [91] Sus manos estaban gravemente cortadas, pero estaba tan profundamente en el personaje que no se dio cuenta hasta que dejó la pasarela. [92] Cuando fue al backstage después, McQueen se disculpó, alarmado, luego tomó las manos de O'Connor y untó la sangre por todas las vendas de su cabeza para combinar con su siguiente look, un vestido cubierto de portaobjetos de microscopio pintados de rojo. [87] [92] O'Connor lo recordó como "un momento artístico [...] Ese fue un momento real. Ese es un vistazo del hombre". [92]
A continuación, aparecieron los trajes y los vestidos, que eran principalmente de tipo comercial, aunque en uno de ellos se veía un rompecabezas a medio armar como parte superior, mientras que en otro había un modelo de castillo de arena adherido al hombro. [1] [47] A continuación, aparecieron piezas cubiertas de mejillones. [1] [47] A continuación, aparecieron artículos más a medida, que incorporaban bordados de estilo oriental y motivos de crisantemos. [47]
Esto culminó en el Look 65, un vestido hecho a partir de una pantalla japonesa antigua con una capa interior de conchas de ostras, combinado con un collar de plata y perla negra de Tahití del joyero habitual de McQueen, Shaun Leane . [45] [64] La modelo, Karen Elson , se detuvo junto al cristal para mordisquear sus púas de metal. [93] Elson tropezó al salir de la pasarela, se cortó el cuello y evitó por poco una lesión más grave. [73] [94] A pesar de esto, insistió en dejarlo puesto para la caminata final. Los escombros en el suelo hicieron que fuera demasiado peligroso para Elson quitarse los zapatos, por lo que McQueen le sujetó la mano para evitar que tropezara de nuevo. [95]
A continuación, se presentaron una serie de prendas confeccionadas a medida, en su mayoría en negro con accesorios plateados. El look 74 incluía un corsé pintado a mano en cristal veneciano rojo que lucía Laura Morgan; el look 75 tenía un tocado en el mismo cristal. [1] [69] [49] Morgan lo recordó como "la pieza más aterradora que se podía llevar" porque la tirantez de su falda le dificultaba mover las piernas. [69] El último look del desfile fue el look 76, el vestido médico con falda de plumas de avestruz roja, que también lució O'Connor. [45]
Después de que las modelos abandonaran el escenario, las luces se apagaron y el latido del corazón que había apuntalado la banda sonora se desvaneció en el sonido de un monitor cardíaco que se apagaba . Las paredes de la caja de cristal en el centro de la sala se desprendieron de la estructura de metal y se rompieron, revelando a Michelle Olley acostada desnuda en una tumbona hecha de cuernos de vaca y cubierta con encaje. [45] [49] [68] Su cabeza estaba cubierta con una máscara gris que cubría toda la cara conectada a un tubo de respiración. La máscara tenía salpicaduras de pintura blanca destinadas a parecer excrementos de pájaros, de modo que la máscara pareciera una estatua de piedra. [43] [96] Varios cientos de polillas revoloteaban a su alrededor, y una gran cantidad de polillas muertas estaban pegadas a su piel. [45] [43] [96]
Las luces se encendieron y las modelos salieron para su turno final, con McQueen uniéndose con jeans y una camiseta para su moño. [97]
McQueen estaba interesado en desafiar las normas sociales de belleza con Voss. Quería demostrar que las cosas consideradas convencionalmente feas, como las polillas o una mujer obesa, podían "ser hermosas dependiendo de la percepción". [32] Le dijo a Women's Wear Daily que "se trataba de intentar atrapar algo que no fuera convencionalmente bello para demostrar que la belleza viene de adentro". [32] Los medios de comunicación lo habían criticado por su peso y era muy consciente de lo que significaría presentar a una mujer gorda y desnuda en el escenario de un desfile de moda, donde el cuerpo ideal es alto y delgado. [76] [98] La imagen final fue una recreación de "Sanitarium", una fotografía de 1983 de Joel-Peter Witkin . [43] [99]
La periodista underground Michelle Olley conocía a McQueen a través de amigos en común, y fue reclutada para la final por su asociada Sidonie Barton. [100] [76] Dada la inclinación de McQueen por lo macabro, y consciente de la forma en que su cuerpo se alejaba del ideal de moda (Olley se describió a sí misma como "de un metro sesenta y cinco y el revés de un vestido talla 16"), anticipó que le pidieran interpretar un "papel de bestia visceral". [76] Aunque había aparecido en fotografías desnuda antes, Olley estaba aprensiva por estar desnuda en un escenario en vivo mientras usaba una capucha que le cubría todo el rostro. Después de pensarlo un poco, aceptó aparecer y le dijo a McQueen "Lo haré, pero quiero que sepas que lo hago por arte". [76] Más tarde recordó que él dijo "Pensé que todos lo éramos, ¿no?" antes de salir torpemente de la habitación. [96] Su diario describe sentimientos ambivalentes de emoción y nerviosismo en los días previos al espectáculo. [76] El novio de Olley sintió que ella estaba siendo explotada, pero Olley sintió "un pequeño y descarado entusiasmo" ante la idea de horrorizar a la audiencia de la moda con su gordura, y finalmente concluyó que quería "ser parte de un ritual, por elegantemente disfrazado que estuviera". [76]
Durante el espectáculo, Olley esperaba dentro de la caja, que estaba equipada con un micrófono oculto para poder comunicarse en caso de una emergencia. La máscara tenía auriculares para permitir que el equipo de producción le diera actualizaciones. Las polillas vivas se guardaban en una bolsa de red, que Olley abría con un bisturí en el momento justo para liberarlas. La caja se mantenía fría para mantener a las polillas inactivas hasta el final. [76] Olley recordó que respirar a través de los agujeros de la nariz de la máscara no era difícil, aunque los pequeños agujeros para los ojos restringían severamente su visión. [101] [76] Una bata y zapatos estaban escondidos debajo de la tumbona para que Olley los usara después del espectáculo. [76]
La respuesta crítica contemporánea a Voss fue universalmente positiva, según los resúmenes retrospectivos. [56] [74] [80] Varios críticos lo llamaron su mejor trabajo hasta el momento. [105] Muchos periodistas consideraron a McQueen y al diseñador Hussein Chalayan como los dos destacados de una decepcionante Semana de la Moda de Londres. [110] Cathy Horyn de The New York Times llegó a decir que fueron las únicas dos colecciones que importaron esa temporada. [107] La crítica de The Globe and Mail, Alexia Economou, sintió que ambos hombres habían logrado estar a la moda para la temporada mientras mantenían sus propios estilos "inmutables". [111]
Los críticos elogiaron la combinación de espectáculo artístico con ropa comercialmente viable y usable. [113] Christian McCulloch, escribiendo para The Sydney Morning Herald , destacó los diseños de exhibición, diciendo que McQueen "no puede ser superado en ideas o ejecución". [114] Los trajes ajustados a medida y los vestidos de jersey drapeados fueron los favoritos de la crítica destacados en varias reseñas, al igual que la paleta de colores suaves. [116] Francesca Fearon en The Irish Times pensó que los diseños a medida representaban "la locura de los negocios modernos". [104] Suzy Menkes del International Herald Tribune sospechó que la sensación de "calma lujosa" de la colección era el resultado de que McQueen ahora tenía varios años de capacitación en técnicas de alta costura francesa en Givenchy. [103] Para ella, el uso de materiales naturales "sugirió la catástrofe ecológica de una primavera silenciosa ". [103] John Davidson, del Herald of Glasgow, consideró que la ropa, como gran parte del trabajo de McQueen, "transmitía una sensación de erotismo confrontativo". [106]
Algunos sintieron que los diseños, aunque atractivos, no representaban un avance creativo para McQueen, aunque esto no fue visto necesariamente como un detrimento. [108] [117] Escribiendo para The Independent , Rebecca Lowthorpe sintió que los diseños eran una repetición del mejor trabajo de McQueen, pero pensó que era un "placer" de todos modos. [117] Colin McDowell en The Sunday Times fue más crítico, diciendo que tanto McQueen como Chalayan habían producido prendas que eran "preocupantemente estáticas". Sugirió que necesitaban "mantenerse alerta" para no ser superados por diseñadores más nuevos y más jóvenes. [108]
La decisión de tematizar el desfile en torno a la locura polarizó a los críticos. Jess Cartner-Morley escribió que en "imaginación y ejecución, McQueen está simplemente millas por delante del resto". [118] Lowthorpe señaló que el concepto estaba entretejido en toda la colección, con cada look "jugando con la tensión entre la violencia y la delicadeza". [117] Para el National Post , Serena French sintió que el aspecto del arte escénico "era uno de los más complejos hasta la fecha" y sugirió que McQueen debería vender entradas para futuros desfiles al público. [57] El crítico del personal de Women's Wear Daily escribió que el tema inusual "podría haber sido un desastre inconexo" en manos de alguien menos hábil, pero sintió que la excelencia de los diseños lo convirtió en un éxito. [78] Por el contrario, Catherine Westwood de The Sun se quejó de que McQueen había "perdido el hilo" con el tema y el final. [119] McDowell también criticó el enfoque de McQueen en la presentación en la pasarela, diciendo que el "histrionismo del drama de alto nivel" fue menos impactante de lo que el diseñador imaginó. [108] Mind , una organización benéfica británica dedicada a la salud mental, criticó el tema y la puesta en escena. [57] [120]
El final fue visto en general como un espectáculo clásico de McQueen. [57] [115] [121] Después del espectáculo, Paltrow dijo que pensaba que era "puro teatro". [112] Lisa Armstrong de The Times lo llamó "sublimemente siniestro". [52] El crítico de la revista Vogue lo comparó con el trabajo de varios artistas de vanguardia , diciendo que era " Francis Bacon a través de Leigh Bowery y Lucian Freud ". [1] Davidson lo describió como un "buen ejemplo de una imaginación creativa que se tambalea entre lo convincente y lo repulsivo, entre lo meramente amenazante y lo absolutamente mágico". [106]
En retrospectiva, Voss es considerado como uno de los momentos más destacados de la carrera de McQueen. La historiadora de moda Judith Watt escribió que había "combinado hábilmente piezas destacadas y creado un ambiente de impacto". [79] La autora Chloe Fox sintió que los diseños de las piezas destacadas elevaron la colección de macabra a artística, atribuyendo la elegancia al tiempo de McQueen en Givenchy. [74] Callahan lo describió como "inigualable" y llamó a McQueen "el diseñador a vencer" a partir de ese momento. [80] En su libro Blood Beneath the Skin (2015), Andrew Wilson lo describió como un punto culminante para McQueen, "no tanto un desfile de moda como una instalación de arte completamente formada que interrogaba las actitudes hacia la belleza y la fealdad, el sexo y la muerte, la cordura y la locura". [82] Dana Thomas , en su libro Gods and Kings (2015), escribió que los diseños del desfile comprendían "ropa notablemente hermosa y ponible". [49] La autora Karen Homer lo describe como uno de los "logros teatrales más celebrados" de McQueen. [122]
En una retrospectiva de 2015, la revista Dazed calificó a Voss como uno de los desfiles más oscuros de McQueen, mientras que los directores del documental McQueen de 2018 y un artículo de L'Officiel USA de 2023 lo describieron como uno de los más icónicos. [123] [124] [125] Cuando Vogue preguntó a varios diseñadores sobre sus desfiles favoritos de otros, Simone Rocha y Catherine Holstein eligieron a Voss . Rocha dijo que deseaba haberlo visto en persona, mientras que Holstein lo describió como "profundamente valiente" y pensó que sería imposible hacerlo en la industria de la moda moderna. [126]
En una descripción general de la colección de 2021, Cathy Horyn recordó que no hubo notas del desfile, por lo que se esperaba que el público interpretara los temas y las ideas por sí mismo. [127] Sintió que el desfile se destacó por las habilidades de McQueen en sastrería: "la mano de obra y la expresión de la sexualidad y la feminidad y todos estos juegos de texturas con la sastrería que son realmente increíbles". [128] Para ella, Voss era una prueba de la moda como arte, tanto en la puesta en escena como en la calidad de la ropa presentada. [129] Horyn sugirió que para muchas personas que estaban involucradas en la moda en ese momento y que habían visto el desfile, "estaría entre sus cinco o diez mejores desfiles". [130]
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Muchos análisis comentaron sobre el vestido de portaobjetos de microscopio. En su libro de 2003 Fashion at the Edge , Caroline Evans escribió que los artículos de exhibición como el vestido de portaobjetos de microscopio funcionaban como un marketing elaborado para las ideas de un diseñador y, por lo tanto, eran ejemplos de cómo la moda usaba conceptos artísticos para fines capitalistas. [59] La historiadora de moda Ingrid Loschek discutió el vestido de portaobjetos de microscopio como un ejemplo de cómo McQueen exploró dicotomías como el placer y el dolor o la sexualidad y la muerte. En su análisis, la suavidad de las plumas de avestruz en la falda proporciona "encanto erótico táctil", mientras que las diapositivas de microscopio evocan la ciencia médica y su conexión con el dolor y la muerte. [71] Tanto ella como Evans notaron que cuando Björk usó el vestido en concierto, su baile hizo que las diapositivas traquetearan audiblemente entre sí, transformándolo de una prenda en un instrumento de percusión . [59] [71] Johannes Birringer y Michèle Danjoux sintieron que el vestido se había convertido en "una forma de instrumento para llevar en el cuerpo que se anima a través de un acto dinámico de uso". [132] Faiers también comentó sobre el vestido cubierto con portaobjetos de microscopio como parte de su análisis, sugiriendo que representaba "un escrutinio forense del arte de la [ alta ] costura ", que generalmente no se ve ni se reconoce por parte del público en general. [133] La curadora Eleanor Townsend lo llamó un ejemplo de cómo la fascinación de McQueen por la muerte y la fragilidad corporal estaba siempre presente en su trabajo. [134] Grimaldi Figueredo argumentó que el vestido cubierto con portaobjetos de microscopio de color rojo sangre "sugería la fragilidad de la vida" y, por lo tanto, era un ejemplo de la estética de lo " abyecto ", aquello que "desata el asco". [135]
Anna Jackson consideró que la incorporación de estilos y motivos de la ropa japonesa por parte de McQueen fue más "transformadora" que los esfuerzos similares de otros diseñadores, que trataron esta estética como una novedad. La alteración mínima de McQueen de la serigrafía antigua "preservó y, al mismo tiempo, metamorfoseó" la obra original "en una pieza de yuxtaposiciones visuales y táctiles inesperadas". La otra pieza destacada de inspiración japonesa, la camisa de fuerza bordada, tomó prestados varios elementos de la ropa japonesa: "rechazo de la forma natural del cuerpo, extensiones planas, mangas elaboradas, estilo envolvente que aprieta y tocado abrumador". Jackson consideró que el diseño mostraba la comprensión de McQueen de las prendas japonesas, así como la forma en que las "transfiguró en algo exclusivamente suyo". [65] McQueen continuó haciendo referencia a la estética japonesa en colecciones futuras como Scanners (otoño/invierno de 2003) y It's Only a Game (primavera/verano de 2005). [136]
La investigadora Lisa Skogh señaló que McQueen a menudo incorporaba conceptos y objetos que podrían haber aparecido en un gabinete de curiosidades : colecciones de objetos naturales e históricos que fueron los precursores de los museos modernos . [137] Identificó las prendas de conchas de Voss como parte de esta tradición, y escribió que "evocan la estética de la gruta [de conchas] de los jardines principescos" y otros objetos de arte históricos hechos de conchas. [138]
La teórica de moda Alma Hernández Briseño analizó Voss junto con La Poupée de Bellmer (primavera/verano de 1997), argumentando que en estos desfiles, McQueen creó espacios que difuminaban la línea entre fantasía y realidad. En Voss , el cubo de cristal que separa a las modelos de la audiencia es un espacio ficticio en el que McQueen pudo explorar nociones transgresoras de lo que significaban la belleza y la moda. [84] El periodista de moda Alex Fury argumentó que McQueen a menudo organizaba espectáculos que separaban a la audiencia de las modelos de una manera que evocaba el cine y la televisión, ofreciendo The Overlook y Voss como ejemplos; de esta manera, McQueen se expresaba como un producto del mundo moderno basado en la pantalla. [139] En contraste, la autora Claire Wilcox planteó Voss como un ejemplo de McQueen haciendo que la audiencia fuera parte de la actuación. Ella comparó la caja de espejos, que "subvertía el papel de observación del público", con la puesta en escena de la Atlántida de Platón , en la que cámaras controladas por movimiento en el escenario proyectaban el espectáculo y su público sobre el telón de fondo de la pasarela, haciendo que el público fuera parte del espectáculo que estaban viendo. [140]
Evans argumentó que el impacto del truco del espejo se debió a que se dirigió a una audiencia de profesionales de la industria de la moda, cuyo trabajo generalmente implicaba "un escrutinio agudo de las modelos". [141] La inversión los obligó a pensar en su cosificación de la modelo y la ropa. [141] McQueen luego llevó el punto más allá al ocultar la audiencia de las modelos, convirtiendo el desfile en una "simulación de placer solitario [...] como un espectáculo sexual", visto por una audiencia de voyeurs . [141] Por el contrario, el " narcisismo cotidiano" de las modelos , un aspecto básico de su vocación, se hizo parecer "psicótico y disfuncional". [55] Escribiendo por separado, la autora Vanessa Guerrera argumentó un punto similar, diciendo que era "revolucionario" que McQueen convirtiera a la audiencia en los sujetos. Ella sintió que Voss representaba a McQueen haciendo referencia más explícita a elementos de ficción de terror en su trabajo: "el voyeurismo incómodo, los feos reflejos de las peores partes de nosotros y el talento para lo dramático". [51]
Los teóricos del diseño A. Rabàdan e I. Bentz también comentaron sobre la inversión del espejo, escribiendo que McQueen había creado un " no lugar " al poner en escena el desfile en el cubo de espejos, separándolo de la realidad para crear "un conflicto en el espectador de la pasarela performativa". [142] Compararon a los espectadores y modelos con Narciso del mito griego: un joven que se enamoró de su propio reflejo. Tanto los espectadores como los modelos se vieron obligados a hacerlo en el contexto de Voss . [142]
Algunos académicos vieron a Voss a través de la lente del "devenir", desarrollada por los académicos franceses Gilles Deleuze y Félix Guattari , que sugiere que la identidad es un proceso constante de cambio y no está ligada a ideas fijas. Para estos analistas, la forma en que la colección presentó una aparente hibridación de la humanidad con el mundo natural fue una expresión de "devenir" en algo distinto a lo humano. [143] [144] [145] Callahan describió la colección como una colección que presenta "mujeres mitad cyborg que ahora se cruzan con el reino animal". [80] La teórica Catherine Spooner, aunque no hace referencia a Deleuze y Guattari, señaló que McQueen usó con frecuencia imágenes de híbridos humanos-animales, "lo que le permitió comentar de manera lúdica sobre la noción de la moda como un medio de transformación". [146]
El teórico de género Stephen D. Seely exploró esta noción en un ensayo sobre la moda que permite "el devenir no humano del cuerpo del portador" y desafía las categorías binarias estándar como "humano/animal". [147] Para Seely, los diseños de McQueen logran esto "a través de la incorporación de características animales y otras características naturales", con el vestido de ataque de aves como un ejemplo específico. Mientras que la mitad superior de la modelo parece estar siendo destrozada o llevada por los halcones disecados, su mitad inferior, cubierta de plumas de avestruz, parece transformarse en un pájaro. Seely escribe que "la modelo y los pájaros se están volviendo indiscernibles", ni uno ni el otro. [148]
El teórico de la moda Jonathan Faiers consideró que "el trabajo de McQueen está en un estado constante de 'convertirse' en algo más", citando varios ejemplos de Voss . [149] Describió el Look 28, la chaqueta con imagen térmica con vestido de plumas verdes, como un "experimento de asimilación y desplazamiento" a través de todas las etapas de vida de una mariposa o polilla. [133] Sintió que las plumas verdes de aspecto peludo y el abdomen inusualmente adelantado del vestido se parecían a una oruga camuflada . El abrigo de seda gris era su capullo , que representaba además "el punto de transición". Finalmente, la vista trasera de la chaqueta, con la impresión térmica de la cara de McQueen, se asemeja a los patrones de manchas oculares que se encuentran en las mariposas maduras. Faiers describió esto como un "acto de aposematismo humano , advirtiendo a los depredadores potenciales (¿otros diseñadores?) que se mantengan alejados". [133] También habló del vestido de halcón, comparándolo con los diseños de It's a Jungle Out There que incorporaban partes de animales grandes. Aunque Faiers reconoce la inspiración de la película Los pájaros , afirma que el diseño no es "un simple homenaje", sino una transmisión de las diversas cualidades de un halcón a la moda como un intento de "destilar 'pájaro ' ". [150] Finalmente, examinó el uso de conchas, llamándolas piezas de "algo dejado atrás que ha cumplido su propósito ahora que la vida que contenía ha seguido adelante". [149] En su análisis, estos elementos son más significativos después de que fueron destruidos por los modelos que los usaban; una destrucción que para él representaba a los modelos avanzando a lo largo de un camino evolutivo. [149] Tanto Faiers como Spooner comentaron sobre la línea principal desde las prendas de conchas de Voss hasta las mujeres adaptadas bajo el agua de su colección completa final, Plato's Atlantis (Primavera/Verano 2010). [146] [149]
La teórica posthumanista Justyna Stępień se basó en Seely y Faiers, escribiendo que Voss era un ejemplo de moda posthumana, con su "asimilación y transformación del mundo humano y natural". [151] Estaba particularmente interesada en la forma en que McQueen incorporó imágenes de aves en la colección, escribiendo que la "mutación de diferentes elementos puede verse como el intento del diseñador de comprender este proceso de variación de las aves". [152] Para Stępień, el uso de materiales naturales y experimentales por parte de McQueen hibrida el cuerpo humano con plantas y animales, "redefiniendo la relación entre la tela y la carne". [153]
La historiadora de moda Gertrud Lehnert, que tampoco hace referencia a Deleuze y Guattari, consideró conceptos similares. Sugirió que el uso de conchas marinas y partes de animales por parte de McQueen representaba la dualidad natural de la mortalidad y el renacimiento en su obra. [154] Ella también se centró en la ambigüedad presentada por las mujeres mitad animales de McQueen, preguntándose si estaban en transición hacia o desde animales. Aunque guardaban cierta semejanza con mujeres-pájaro míticas como las sirenas y las arpías , Lehnert sintió que las mujeres en Voss parecían atrapadas dentro del cristal, poniéndose en peligro a sí mismas en lugar de presentar un peligro para los demás. [155]
La colección, como gran parte del trabajo de McQueen, exploraba ideas de perfección corporal, interrogando quién y qué era bello. [43] [44] [156] Los comentarios contemporáneos y los análisis retrospectivos posteriores han tocado este aspecto. Hablando en 2000, Barbara Atkin, directora de moda de Holt Renfrew , sintió que la exploración de McQueen de la belleza a través de la fealdad era parte de un rechazo subversivo de los estándares de belleza clásicos por parte de muchos diseñadores. [157] La reseña de Horyn consideró a Voss en conjunto con Apocalipsis: belleza y horror en el arte contemporáneo , una exhibición que se realizaba en ese momento en la Royal Academy of Arts de Londres. [107] [158] Ella sintió que ver Apocalipsis , con su temática similar, le dejó más claro que McQueen no solo estaba haciendo moda, sino que "respondía, como un artista, al horror y la locura en la cultura contemporánea". [107]
Hernández Briseño sugiere que para McQueen, la belleza era "incómoda y transgresora, pero también transparente y orgánica". [84] La teórica Mélissa Diaby Savané argumentó que McQueen usó la fealdad para elevar su moda del mero uso comercial a la expresión artística genuina. [159] En Voss , logró esto al usar imágenes de enfermedades mentales, malestar y obesidad para contrarrestar las imágenes normativas de salud y belleza representadas en la industria. De esta manera, el programa sirve como un recordatorio de la mortalidad humana. [98] El historiador de arte Rex Butler argumentó que McQueen, después de haber convertido con éxito la transgresión en moda con su controvertida Highland Rape (otoño/invierno de 1995), "se quedó sin nada que hacer", ya que no había nada más que transgredir. Durante el resto de su carrera, argumentó Butler, McQueen intentó revelar y criticar el funcionamiento interno de la industria de la moda. Butler denominó los elementos principales de Voss (objetos de exhibición hechos con materiales eclécticos, el truco del espejo y el final subversivo) como una "metáfora obvia del intento de 'reflexionar' sobre el sistema de la moda". [160] Henrique Grimaldi Figueredo sostuvo que los desfiles de McQueen eran "espectáculos", un tipo de desfile de moda que utilizaba "el tema, las modelos, el escenario y el acto de cierre" para crear una actuación comercial que rayaba en el arte. [161] [162] Identificó cuatro elementos del desfile que se alineaban con este marco: el tema de la hospitalización y la locura; el estilo de las modelos para que parecieran desexualizadas y poco saludables; la caja de espejos que jugaba con la autorreflexión poco saludable; y el final que combinaba "belleza y horror". [163]
Creo que la idea de que estamos atrapados por nuestras identidades "civilizadas" y socialmente aprobadas es muy importante. Provoca mucho sufrimiento a las mujeres: miedo a envejecer, miedo a no estar lo suficientemente delgadas, miedo a no tener la ropa adecuada.
Michelle Olley , entradas del diario, 2001 [76]
La curadora Kate Bethune sugirió que el final "dejó a la audiencia reflexionando sobre el significado de la belleza". [45] Wilson escribió que el final fue un recuerdo parcial del look final de Bellmer La Poupée , que presentaba a una modelo con una gran estructura poliédrica sobre su cabeza y cuerpo y docenas de polillas dando vueltas alrededor del recinto transparente. [164] La autora Chloe Fox sintió que el final obligó al espectador a "confrontar visualmente el horror que el cuerpo más grande puede infundir en su observador". [74] Los teóricos Adam Geczy y Vicki Karaminas argumentaron que el aspecto más significativo del final fue la ausencia total de moda real, en el sentido habitual de ropa elegante. McQueen, sentían, había "destilado la moda en sus elementos más básicos, siendo todos los intangibles de la percepción y el deseo". [165]
Evans sostuvo que los desfiles de moda cada vez más teatrales de finales de los años 1990 y principios de los años 2000 sirvieron como "fantasmagoría", que ella definió como exhibiciones dramáticas que existían para ocultar los "mecanismos de trabajo subyacentes de la producción capitalista". [166] Ella sintió que las variadas yuxtaposiciones de belleza y horror en Voss "ejemplificaban la ambivalencia" necesaria para una fantasmagoría: modelos delgadas con ropa atractiva en contraste con el cuerpo gordo y desnudo de Olley; las modelos actuando psicóticas mientras presentan ropa de moda; la caja de vidrio que refleja a la audiencia y la caja de vidrio que contiene a Olley. [167]
El teólogo cultural Robert Covolo se basó en las ideas de Evans y citó a Voss como evidencia de la ambivalencia que McQueen mantuvo durante toda su carrera hacia los estándares convencionales de belleza. Consideró que la yuxtaposición entre Olley y las modelos convencionales era una declaración sobre cómo "el poder atractivo de la ropa para acentuar la estética del cuerpo" contrastaba con "el horror, la opresión y la locura que puede conllevar la búsqueda de un cuerpo bello". [168] Continuó su análisis desde una perspectiva de filosofía cristiana , argumentando que Voss sirvió como metáfora de los intentos seculares de obtener satisfacción espiritual. En su opinión, las modelos del desfile buscan obtener satisfacción a través de la belleza y la moda, solo para quedar desanimadas por una experiencia que no puede nutrirlas espiritualmente. [169] Covolo consideró que, por lo tanto, el desfile contenía "rastros de la visión cristiana de la resurrección que sigue rondando tanto la memoria colectiva como la cultura común". [170]
En un artículo que explora los insectos en la moda, el entomólogo Tierney Brosius argumentó que la escena culminante de la película Cruella (2021) tenía similitudes visuales y temáticas con el final de Voss . En Cruella , las polillas emergen de un vestido hecho en secreto a partir de crisálidas, consumiendo la indumentaria de moda de los asistentes al desfile, así como el resto de la colección. Brosius señala que en ambos casos, se liberan enjambres de polillas, lo que provoca "la transformación de algo hermoso y maravilloso en una pesadilla aterradora". [171]
Olley detalló su experiencia en su diario. Describió la visión de las polillas volando a su alrededor como "sobrenatural y emocionante", y el encierro como "un tipo de realidad realmente extraña, una pequeña burbuja de tiempo realmente extraña". [76] [96] Después del espectáculo, lloró brevemente por lo que llamó "la liberación física" de estar libre del encierro: cuatro horas con la máscara y tres en la caja de cristal antes de que terminara el espectáculo. [76] McQueen estaba encantado con el resultado y llamó a Olley "la estrella del espectáculo". [76] Blow también la felicitó después del espectáculo, al igual que un representante francés de Elle , a quien Olley escribió que la llamó "¡Ze mozzer of all Fashionne!" [76] En una entrevista de 2015 con la revista Dazed , Olley dijo que estaba contenta de haberlo hecho, diciendo que le enseñó "que soy más valiente de lo que pensaba". [96] Hablando con SHOWstudio ese mismo año, dijo: "No puedo evitar pensar que fui parte de un acto de magia". [172]
En una entrevista de 2014 con el fotógrafo Nick Knight , O'Connor describió su experiencia caminando en Voss como "probablemente el show más emocionante que he hecho", y uno que definió por qué amaba ser modelo. [173] Recordó que McQueen le dio la instrucción espontánea de destruir el vestido justo antes de que saliera. Aunque brevemente insegura, se encontró cayendo en la actuación: "Hice exactamente lo que me dijeron y me preocupaba que pareciera que de alguna manera estaba siendo victimizada o una víctima de estar, ya sabes, en ese tipo de mentalidad, y en realidad fue todo lo contrario. Estaba despojándome del dolor y la armadura, y diciendo 'aquí estoy'". [174] En la adrenalina de la actuación, no se dio cuenta de que se había cortado las manos, y estaba "realmente sorprendida" de descubrir sus heridas cuando fue detrás del escenario. [175] O'Connor estaba contenta de que McQueen la hubiera "empujado" a actuar a este nivel, y calificó la experiencia como "muy especial". [176]
O'Connor expresó sentimientos similares mientras hablaba con Evans, diciendo que McQueen era único en darles a sus modelos "libertad de expresión" para desarrollar un personaje para sus desfiles. [177] Para Voss , desarrolló una personalidad separada para cada uno de sus atuendos. En el vestido de concha, describió a su personaje como "a cargo de mi enfermedad [...] me estaba liberando". [177] Para el vestido de portaobjetos de microscopio, sintió que encarnaba "la fragilidad de un ser humano y una mujer poseída", lo que cambió la forma en que se movía. [177]
Knight entrevistó a Karen Elson, quien usó el collar de espinas, en 2015. Ella lo recordó como "terriblemente peligroso", diciéndole a Knight que se había cortado el cuello bastante gravemente durante su caída y que estaba sorprendida de no haber perdido un ojo. [94] Los zapatos de Elson tenían tacones altos muy delgados y ella "no era la mejor en zapatos altos" en general, lo que la llevó a perder el equilibrio. [178] Hubo un silencio atónito, roto por Val Garland diciendo "oh, Dios mío, pensé que estabas muerta". Debido a que era un espectáculo de McQueen, dijo Elson, "nos reímos en dos minutos". Ella describió a McQueen sosteniéndola durante la caminata final "con tanta ternura" para asegurarse de que no volviera a caer. [179]
La revista Vogue entrevistó a varias modelos de McQueen para su edición de febrero de 2020, dos de las cuales hablaron específicamente de Voss . Jade Parfitt , que lució el atuendo de ataque de pájaro, recordó Voss como una experiencia inusual para las modelos. En comparación con los desfiles normales, en los que las modelos podían "alimentarse de la música y la audiencia", Voss fue un ejercicio de privación sensorial , donde "todo lo que tenías era tu imagen reflejada y el silencio y el conocimiento de que había cientos de miembros de la audiencia más allá del cristal". [48] Laura Morgan, modelo de la casa McQueen, describió cómo McQueen subvirtió las nociones de belleza: "Te presentó personajes que eran salvajes, misteriosos, raros, feos, locos". [48] Citó el final de Voss como un ejemplo de McQueen atacando a la industria de la moda por sus presentaciones monótonas: "Aquí no hay chicas bonitas caminando por una pasarela blanca". [48]
El Museo Victoria and Albert (V&A) de Londres posee una chaqueta gris con fajín bordado con crisantemos, de la colección minorista. [180] El Museo Metropolitano de Arte (Met) de la ciudad de Nueva York posee dos conjuntos de Voss : un conjunto no especificado hecho de plumas, algodón, seda, vidrio y metal, y el vestido de navaja. [183] El daño causado al vestido de navaja durante el desfile fue notable. Para fines de exhibición, se insertaron conchas de reproducción hechas de papel para cubrir los lugares donde se habían caído las conchas originales. Estas se hicieron imprimiendo fotografías de conchas originales, luego cortándolas y rizándolas hasta obtener la forma deseada antes de unirlas a la base del vestido. [60]
Para Radical Fashion , una exposición de 2001 en el Victoria and Albert Museum , McQueen recreó la celda acolchada de Voss , aunque a menor escala. Entre los artículos presentados se encontraban el vestido con portaobjetos de microscopio, la chaqueta con el rostro de McQueen y varios de los vestidos con crisantemos. [184]
Una gran cantidad de artículos de Voss aparecieron en la exposición Alexander McQueen: Savage Beauty , tanto en la puesta en escena original en el Met en 2011 como en la puesta en escena de 2015 en el V&A. Las prendas de Voss se colocaron principalmente en la sección de exotismo romántico de la muestra. Incluían lo siguiente: Look 10, la "camisa de fuerza" gris bordada con sombrero a juego; Look 24, el vestido con pájaros disecados; Look 28, la chaqueta de imagen térmica con vestido verde; Look 33, el vestido de navaja; un abrigo y un vestido con medallones de crisantemo de los Looks 56 y 60, respectivamente; Look 65, el vestido de pantalla japonesa con collar de perla plateada y negra; y Look 76, el vestido de portaobjetos de microscopio, que se colocó por separado en la sección Gótico romántico. [64] El Gabinete de Curiosidades, que contenía accesorios como zapatos y joyas, tenía varios de Voss : un corpiño de conchas de mejillón del Look 42; un par de zapatos de cuero color canela y metal del Look 63, prestados por la socialité Daphne Guinness ; y la placa posterior del corsé y el tocado en vidrio grabado y pintado de rojo, de los Looks 74 y 75, respectivamente. [64]
Para la puesta en escena de Savage Beauty en 2015 , los artículos de Voss se colocaron al final de la exposición, en una sala con espejos que recordaba el decorado del desfile original. [185] [186] Se proyectó una película del final en lugar del cuadro viviente. [186] El vestido de navaja tuvo que ser transportado desde la ciudad de Nueva York a Londres colocado previamente en un maniquí de fibra de vidrio debido a su peso, fragilidad y la dificultad que implicaba montarlo. El proceso de diez pasos para preparar el vestido para el viaje implicó acolcharlo en los posibles puntos de contacto, rellenar con papel de seda cada capa de la carcasa, colocar más relleno y asegurar el maniquí dentro de la caja. El vestido llegó a Londres y regresó sin problemas. [60]
Un artículo de Voss apareció en la exposición Lee Alexander McQueen: Mythos, Mind, Muse , una variante comercial de varios looks de top con cuello halter del desfile. [1] [187] El vestido de navaja apareció en Sleeping Beauties: Reawakening Fashion , acompañado de una grabación del sonido que hacía el vestido cuando se usaba. La crítica Cathy Horyn calificó el sonido como "fuera de serie", pero cuestionó su utilidad educativa. [188]
