El Período Clásico fue una era de la música clásica comprendida aproximadamente entre 1750 y 1820. [1]
El período clásico se sitúa entre el barroco y el romántico . [2] La música clásica tiene una textura más ligera y clara que la música barroca, pero un uso más variado de la forma musical , que es, en términos más simples, el ritmo y la organización de cualquier pieza musical. Es principalmente homofónica , utilizando una línea melódica clara sobre un acompañamiento de acordes subordinado , [3] pero el contrapunto no se olvidó de ninguna manera, especialmente en la música vocal litúrgica y, más tarde en el período, en la música instrumental secular. También hace uso del estilo galante que enfatiza la elegancia ligera en lugar de la seriedad digna y la grandiosidad impresionante del barroco. La variedad y el contraste dentro de una pieza se volvieron más pronunciados que antes, y la orquesta aumentó en tamaño, rango y poder.
El clavicémbalo fue reemplazado como el principal instrumento de teclado por el piano (o fortepiano ). A diferencia del clavicémbalo, que pulsa las cuerdas con púas, los pianos golpean las cuerdas con martillos cubiertos de cuero cuando se presionan las teclas, lo que permite al intérprete tocar más fuerte o más suave (de ahí el nombre original "fortepiano", literalmente "fuerte suave") y tocar con más expresión; en contraste, la fuerza con la que un intérprete toca las teclas del clavicémbalo no cambia el sonido. La música instrumental fue considerada importante por los compositores del período clásico. Los principales tipos de música instrumental fueron la sonata , el trío , el cuarteto de cuerdas , el quinteto , la sinfonía (interpretada por una orquesta) y el concierto solista , que presentaba a un intérprete solista virtuoso tocando una obra solista para violín, piano, flauta u otro instrumento, acompañado por una orquesta. La música vocal, como las canciones para cantante y piano (en particular la obra de Schubert), las obras corales y la ópera (una obra dramática puesta en escena para cantantes y orquesta), también fue importante durante este período.
Los compositores más conocidos de este período son Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven y Franz Schubert ; otros nombres de este período incluyen: Carl Philipp Emanuel Bach , Johann Christian Bach , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Joseph Martin Kraus , Muzio Clementi , Christoph Willibald Gluck , Carl Ditters von Dittersdorf , André Grétry , Pierre-Alexandre Monsigny , Leopold Mozart , Michael Haydn , Giovanni Paisiello , Johann Baptist Wanhal , François-André Danican Phil idor , Niccolò Piccinni , Antonio Salieri , Etienne Nicolas Mehul , Georg Christoph Wagenseil , Johann Simon Mayr , Georg Matthias Monn , Johann Gottlieb Graun , Carl Heinrich Graun , Franz Benda , Georg Anton Benda , Johann Georg Albrechtsberger , Mauro Giuliani , Christian Cannabich y el Caballero de Saint-Georges . Beethoven es considerado un compositor romántico o un compositor del período clásico que formó parte de la transición a la era romántica. Schubert también es una figura de transición, al igual que Johann Nepomuk Hummel , Luigi Cherubini , Gaspare Spontini , Gioachino Rossini , Carl Maria von Weber , Jan Ladislav Dussek y Niccolò Paganini . El período a veces se conoce como la era del clasicismo vienés (en alemán: Wiener Klassik ), ya que Gluck, Haydn, Salieri, Mozart, Beethoven y Schubert trabajaron en Viena .
A mediados del siglo XVIII, Europa comenzó a moverse hacia un nuevo estilo en la arquitectura , la literatura y las artes, generalmente conocido como neoclasicismo . [4] Este estilo buscaba emular los ideales de la Antigüedad clásica , especialmente los de la Grecia clásica . [5] La música clásica utilizó la formalidad y el énfasis en el orden y la jerarquía y un estilo "más claro", "más limpio" que usaba divisiones más claras entre las partes (notablemente una melodía clara y única acompañada de acordes), contrastes más brillantes y "colores de tono" (logrados mediante el uso de cambios dinámicos y modulaciones a más claves). En contraste con la música rica en capas de la era barroca, la música clásica se movió hacia la simplicidad en lugar de la complejidad. Además, el tamaño típico de las orquestas comenzó a aumentar, [5] dándoles a las orquestas un sonido más poderoso.
El notable desarrollo de las ideas en la " filosofía natural " ya se había establecido en la conciencia pública. En particular, la física de Newton fue tomada como paradigma: las estructuras deben estar bien fundadas en axiomas y ser a la vez bien articuladas y ordenadas. Este gusto por la claridad estructural comenzó a afectar a la música, que se alejó de la polifonía en capas del período barroco hacia un estilo conocido como homofonía , en el que la melodía se toca sobre una armonía subordinada . [5] Este movimiento significó que los acordes se convirtieron en una característica mucho más frecuente de la música, incluso si interrumpían la suavidad melódica de una sola parte. Como resultado, la estructura tonal de una pieza musical se volvió más audible .
El nuevo estilo también se vio alentado por los cambios en el orden económico y la estructura social. A medida que avanzaba bien el siglo XVIII, la nobleza se convirtió en el principal mecenas de la música instrumental, mientras que el gusto del público prefería cada vez más óperas cómicas más ligeras y divertidas . Esto condujo a cambios en la forma de interpretar la música, el más crucial de los cuales fue el paso a grupos instrumentales estándar y la reducción de la importancia del continuo , la base rítmica y armónica de una pieza musical, típicamente tocada por un teclado ( clavecín u órgano ) y generalmente acompañada por un grupo variado de instrumentos bajos, incluido el violonchelo , el contrabajo , la viola baja y la tiorba . Una forma de rastrear el declive del continuo y sus acordes cifrados es examinar la desaparición del término obbligato , que significa una parte instrumental obligatoria en una obra de música de cámara . En las composiciones barrocas, se podían agregar instrumentos adicionales al grupo continuo según la preferencia del grupo o del líder; En las composiciones clásicas, todas las partes se anotaban específicamente, aunque no siempre se notaban , por lo que el término "obbligato" se volvió redundante. En 1800, el bajo continuo estaba prácticamente extinto, excepto por el uso ocasional de una parte de continuo de órgano de tubos en una misa religiosa a principios del siglo XIX.
Los cambios económicos también tuvieron el efecto de alterar el equilibrio entre la disponibilidad y la calidad de los músicos. Mientras que en el Barroco tardío, un compositor importante podía recurrir a todos los recursos musicales de una ciudad, las fuerzas musicales disponibles en un pabellón de caza aristocrático o en una pequeña corte eran más pequeñas y más fijas en su nivel de habilidad. Esto fue un estímulo para tener partes más simples para que las interpretaran los músicos de conjunto y, en el caso de un grupo virtuoso residente, un estímulo para escribir partes espectaculares e idiomáticas para ciertos instrumentos, como en el caso de la orquesta de Mannheim , o partes solistas virtuosas para violinistas o flautistas particularmente hábiles. Además, el apetito del público por un suministro continuo de música nueva se transmitió desde el Barroco. Esto significaba que las obras tenían que ser interpretables con, en el mejor de los casos, uno o dos ensayos. Incluso después de 1790, Mozart escribe sobre "el ensayo", con la implicación de que sus conciertos tendrían solo un ensayo.
Dado que se hacía mayor hincapié en una única línea melódica, se hacía mayor hincapié en la notación de esa línea para la dinámica y el fraseo. Esto contrasta con la era barroca, cuando las melodías se escribían típicamente sin dinámica, marcas de fraseo ni adornos, ya que se suponía que el intérprete improvisaría estos elementos en el momento. En la era clásica, se hizo más común que los compositores indicaran dónde querían que los intérpretes tocaran adornos como trinos o giros. La simplificación de la textura hizo que ese detalle instrumental fuera más importante, y también hizo que el uso de ritmos característicos, como las fanfarrias de apertura que llaman la atención, el ritmo de la marcha fúnebre o el género del minueto, fuera más importante para establecer y unificar el tono de un solo movimiento.
El período clásico también vio el desarrollo gradual de la forma sonata , un conjunto de principios estructurales para la música que reconciliaban la preferencia clásica por el material melódico con el desarrollo armónico, que podía aplicarse en todos los géneros musicales. [6] La sonata en sí misma continuó siendo la forma principal para la música solista y de cámara, mientras que más tarde en el período clásico, el cuarteto de cuerdas se convirtió en un género destacado. La forma sinfónica para orquesta se creó en este período (esto se atribuye popularmente a Joseph Haydn ). El concerto grosso (un concierto para más de un músico), una forma muy popular en la era barroca, comenzó a ser reemplazado por el concierto solista , con un solo solista. Los compositores comenzaron a dar más importancia a la capacidad particular del solista para mostrar habilidades virtuosas, con escalas y arpegios desafiantes y rápidos. No obstante, algunos concerti grossi permanecieron, el más famoso de los cuales fue la Sinfonía Concertante para violín y viola en mi bemol mayor de Mozart .
En el período clásico, el tema consiste en frases con figuras melódicas y ritmos contrastantes . Estas frases son relativamente breves, típicamente de cuatro compases de duración, y ocasionalmente pueden parecer escasas o concisas. La textura es principalmente homofónica , [3] con una melodía clara sobre un acompañamiento de acordes subordinado , por ejemplo un bajo Alberti . Esto contrasta con la práctica en la música barroca , donde una pieza o movimiento típicamente tendría solo un tema musical, que luego se trabajaría en varias voces de acuerdo con los principios del contrapunto , mientras se mantiene un ritmo o métrica consistente en todo momento. Como resultado, la música clásica tiende a tener una textura más ligera y clara que el barroco. El estilo clásico se basa en el estilo galante , un estilo musical que enfatizaba la elegancia ligera en lugar de la seriedad digna y la grandiosidad impresionante del barroco.
Estructuralmente, la música clásica generalmente tiene una forma musical clara , con un contraste bien definido entre tónica y dominante [ cita requerida ] , introducido por cadencias claras . La dinámica se utiliza para resaltar las características estructurales de la pieza. En particular, la forma sonata y sus variantes se desarrollaron durante el período clásico temprano y se usaron con frecuencia. El enfoque clásico de la estructura nuevamente contrasta con el barroco, donde una composición normalmente se movería entre tónica y dominante y viceversa [ cita requerida ] , pero a través de un progreso continuo de cambios de acordes y sin una sensación de "llegada" a la nueva tonalidad. Si bien el contrapunto se enfatizó menos en el período clásico, de ninguna manera se olvidó, especialmente más tarde en el período, y los compositores todavía lo usaban en obras "serias" como sinfonías y cuartetos de cuerda, así como piezas religiosas, como misas.
El estilo musical clásico se vio respaldado por los avances técnicos en los instrumentos. La adopción generalizada del temperamento igual hizo posible la estructura musical clásica, al garantizar que las cadencias en todas las tonalidades sonaran similares. El fortepiano y luego el pianoforte reemplazaron al clavicémbalo , lo que permitió un contraste más dinámico y melodías más sostenidas. Durante el período clásico, los instrumentos de teclado se volvieron más ricos, más sonoros y más potentes.
La orquesta aumentó en tamaño y alcance, y se volvió más estandarizada. El papel del clavicémbalo u órgano de tubos en el bajo continuo en la orquesta cayó en desuso entre 1750 y 1775, dejando solo la sección de cuerdas. Los instrumentos de viento de madera se convirtieron en una sección autónoma, compuesta por clarinetes , oboes , flautas y fagotes .
Aunque la música vocal, como la ópera cómica , era popular, se le dio gran importancia a la música instrumental. Los principales tipos de música instrumental eran la sonata , el trío , el cuarteto de cuerdas , el quinteto , la sinfonía , el concierto (generalmente para un instrumento solista virtuoso acompañado por una orquesta) y piezas ligeras como serenatas y divertimentos . La forma sonata se desarrolló y se convirtió en la forma más importante. Se utilizó para construir el primer movimiento de la mayoría de las obras a gran escala en sinfonías y cuartetos de cuerdas . La forma sonata también se utilizó en otros movimientos y en piezas individuales e independientes como las oberturas .
En su libro El estilo clásico , el autor y pianista Charles Rosen afirma que entre 1755 y 1775, los compositores buscaron un nuevo estilo que fuera más efectivamente dramático. En el período del Alto Barroco, la expresión dramática se limitaba a la representación de afectos individuales (la "doctrina de los afectos", o lo que Rosen llama "sentimiento dramático"). Por ejemplo, en el oratorio Jephtha de Handel , el compositor representa cuatro emociones por separado, una para cada personaje, en el cuarteto "Oh, perdona a tu hija". Con el tiempo, esta representación de emociones individuales llegó a verse como simplista y poco realista; los compositores buscaron retratar múltiples emociones, simultánea o progresivamente, dentro de un solo personaje o movimiento ("acción dramática"). Así, en el final del acto 2 de El rapto en el serrallo de Mozart , los amantes pasan "de la alegría a través de la sospecha y la indignación hasta la reconciliación final". [7]
Musicalmente hablando, esta "acción dramática" requería más variedad musical. Mientras que la música barroca se caracterizaba por un flujo continuo dentro de los movimientos individuales y texturas en gran medida uniformes, los compositores posteriores al Alto Barroco buscaron interrumpir este flujo con cambios abruptos en la textura, la dinámica, la armonía o el tempo. Entre los desarrollos estilísticos que siguieron al Alto Barroco, el más dramático llegó a llamarse Empfindsamkeit (aproximadamente " estilo sensible "), y su practicante más conocido fue Carl Philipp Emanuel Bach . Los compositores de este estilo emplearon las interrupciones discutidas anteriormente de la manera más abrupta, y la música puede sonar ilógica a veces. El compositor italiano Domenico Scarlatti llevó estos desarrollos más allá. Sus más de quinientas sonatas para teclado de un solo movimiento también contienen cambios abruptos de textura, pero estos cambios están organizados en períodos, frases equilibradas que se convirtieron en un sello distintivo del estilo clásico. Sin embargo, los cambios de textura de Scarlatti todavía suenan repentinos y sin preparación. El logro sobresaliente de los grandes compositores clásicos (Haydn, Mozart y Beethoven) fue su capacidad de hacer que estas sorpresas dramáticas sonaran lógicamente motivadas, de modo que "lo expresivo y lo elegante pudieran darse la mano". [7]
Entre la muerte de J. S. Bach y la madurez de Haydn y Mozart (aproximadamente entre 1750 y 1770), los compositores experimentaron con estas nuevas ideas, que se pueden ver en la música de los hijos de Bach. Johann Christian desarrolló un estilo que ahora llamamos rococó , que comprendía texturas y armonías más simples y que era "encantador, nada dramático y un poco vacío". Como se mencionó anteriormente, Carl Philipp Emmanuel buscó aumentar el dramatismo y su música era "violenta, expresiva, brillante, continuamente sorprendente y a menudo incoherente". Y finalmente, Wilhelm Friedemann, el hijo mayor de J. S. Bach, extendió las tradiciones barrocas de una manera idiomática y poco convencional. [8]
En un principio, el nuevo estilo adoptó las formas barrocas (el aria da capo ternaria , la sinfonía y el concierto) , pero compuestas con partes más simples, más ornamentación notada, en lugar de los adornos improvisados que eran comunes en la era barroca, y una división más enfática de las piezas en secciones. Sin embargo, con el tiempo, la nueva estética provocó cambios radicales en la forma en que se armaban las piezas y los diseños formales básicos cambiaron. Los compositores de este período buscaron efectos dramáticos, melodías impactantes y texturas más claras. Uno de los grandes cambios de textura fue un alejamiento del estilo polifónico complejo y denso del Barroco, en el que se tocaban simultáneamente múltiples líneas melódicas entrelazadas, y un acercamiento a la homofonía , una textura más ligera que utiliza una sola línea melódica clara acompañada de acordes.
En la música barroca se utilizan generalmente muchas fantasías armónicas y secciones polifónicas que se centran menos en la estructura de la pieza musical y se hace menos hincapié en las frases musicales claras. En el período clásico, las armonías se volvieron más sencillas, pero la estructura de la pieza, las frases y los pequeños motivos melódicos o rítmicos cobraron mucha más importancia que en el período barroco.
Otra ruptura importante con el pasado fue la revisión radical de la ópera por parte de Christoph Willibald Gluck , quien eliminó gran parte de las capas y los adornos improvisados y se centró en los puntos de modulación y transición. Al hacer que estos momentos en los que la armonía cambia sean más importantes, permitió poderosos cambios dramáticos en el color emocional de la música. Para resaltar estas transiciones, utilizó cambios en la instrumentación ( orquestación ), la melodía y el modo . Entre los compositores más exitosos de su tiempo, Gluck generó muchos emuladores, incluido Antonio Salieri . Su énfasis en la accesibilidad trajo consigo enormes éxitos en la ópera y en otra música vocal como canciones, oratorios y coros. Estos se consideraban los tipos de música más importantes para la interpretación y, por lo tanto, disfrutaron del mayor éxito de público.
La fase entre el Barroco y el auge del Clasicismo (alrededor de 1730), fue el hogar de varios estilos musicales en competencia. La diversidad de caminos artísticos está representada en los hijos de Johann Sebastian Bach : Wilhelm Friedemann Bach , que continuó la tradición barroca de una manera personal; Johann Christian Bach , que simplificó las texturas del Barroco e influyó más claramente en Mozart; y Carl Philipp Emanuel Bach , que compuso música apasionada y a veces violentamente excéntrica del movimiento Empfindsamkeit . La cultura musical estaba atrapada en una encrucijada: los maestros del estilo antiguo tenían la técnica, pero el público tenía hambre de lo nuevo. Esta es una de las razones por las que CPE Bach era tenido en tan alta estima: entendía bastante bien las formas antiguas y sabía cómo presentarlas con un nuevo atuendo, con una variedad de formas mejorada.
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A finales de la década de 1750, había centros florecientes del nuevo estilo en Italia, Viena, Mannheim y París; se compusieron docenas de sinfonías y había bandas de intérpretes asociadas a los teatros musicales. La ópera u otra música vocal acompañada por orquesta era la característica de la mayoría de los eventos musicales, y los conciertos y las sinfonías (que surgían de la obertura ) servían como interludios instrumentales e introducciones para óperas y servicios religiosos. A lo largo del período clásico, las sinfonías y los conciertos se desarrollaron y se presentaron independientemente de la música vocal.
A finales de la década de 1750, en Viena se establecieron el conjunto orquestal "normal" (un cuerpo de cuerdas complementado por instrumentos de viento) y los movimientos de un carácter rítmico particular. Sin embargo, la duración y el peso de las piezas seguían teniendo algunas características barrocas: los movimientos individuales todavía se centraban en un "afecto" (estado de ánimo musical) o tenían solo una sección central marcadamente contrastante, y su duración no era significativamente mayor que la de los movimientos barrocos. Todavía no existía una teoría claramente enunciada sobre cómo componer en el nuevo estilo. Era un momento propicio para un gran avance.
El primer gran maestro del estilo fue el compositor Joseph Haydn . A finales de la década de 1750 comenzó a componer sinfonías y en 1761 había compuesto un tríptico ( Mañana , Mediodía y Tarde ) sólidamente en el estilo contemporáneo. Como vicemaestro de capilla y más tarde maestro de capilla, su producción se amplió: compuso más de cuarenta sinfonías solo en la década de 1760. Y aunque su fama creció, a medida que su orquesta se ampliaba y sus composiciones se copiaban y difundían, su voz era solo una entre muchas.
Aunque algunos estudiosos sugieren que Haydn fue eclipsado posteriormente por Mozart y Beethoven, sería difícil exagerar la importancia de Haydn para el nuevo estilo y, por lo tanto, para el futuro de la música occidental en su conjunto. En esa época, antes de la preeminencia de Mozart o Beethoven, y con Johann Sebastian Bach conocido principalmente por los conocedores de la música para teclado, Haydn alcanzó un lugar en la música que lo colocó por encima de todos los demás compositores, excepto quizás George Frideric Handel de la era barroca . Haydn tomó ideas existentes y alteró radicalmente su funcionamiento, lo que le valió los títulos de "padre de la sinfonía " y "padre del cuarteto de cuerdas ".
Una de las fuerzas que le impulsaron a seguir adelante fue el primer movimiento de lo que más tarde se llamaría Romanticismo : la fase de Sturm und Drang o "tormenta y estrés" en las artes, un breve período en el que el emocionalismo obvio y dramático era una preferencia estilística. En consecuencia, Haydn quería un contraste más dramático y melodías más atractivas desde el punto de vista emocional, con un carácter y una individualidad más acentuados en sus piezas. Este período se desvaneció en la música y la literatura; sin embargo, influyó en lo que vino después y, con el tiempo, sería un componente del gusto estético en décadas posteriores.
La Sinfonía de despedida n.º 45 en fa bemol menor ejemplifica la integración de Haydn de las diferentes exigencias del nuevo estilo, con sorprendentes giros bruscos y un largo y lento adagio para finalizar la obra. En 1772, Haydn completó su conjunto Opus 20 de seis cuartetos de cuerda, en los que empleó las técnicas polifónicas que había reunido de la era barroca anterior para proporcionar una coherencia estructural capaz de mantener unidas sus ideas melódicas. Para algunos, esto marca el comienzo del estilo clásico "maduro", un período de transición en el que la reacción contra la complejidad del barroco tardío dio paso a la integración de elementos barrocos y clásicos.
Haydn, que había trabajado durante más de una década como director musical de un príncipe, tenía muchos más recursos y posibilidades de componer que la mayoría de los demás compositores. Su posición también le dio la capacidad de dar forma a las fuerzas que interpretarían su música, ya que podía seleccionar músicos expertos. Esta oportunidad no se desaprovechó, ya que Haydn, desde muy temprano en su carrera, trató de impulsar la técnica de construir y desarrollar ideas en su música. Su siguiente gran avance fue en los cuartetos de cuerda Opus 33 (1781), en los que los papeles melódicos y armónicos se alternan entre los instrumentos: a menudo no queda claro por un momento qué es melodía y qué es armonía. Esto cambia la forma en que el conjunto se abre camino entre los momentos dramáticos de transición y las secciones culminantes: la música fluye suavemente y sin interrupciones obvias. Luego tomó este estilo integrado y comenzó a aplicarlo a la música orquestal y vocal.
El don de Haydn para la música era una manera de componer, una manera de estructurar obras, que al mismo tiempo estaba en consonancia con la estética dominante del nuevo estilo. Sin embargo, un contemporáneo más joven, Wolfgang Amadeus Mozart , aportó su genio a las ideas de Haydn y las aplicó a dos de los principales géneros de la época: la ópera y el concierto virtuoso. Mientras que Haydn pasó gran parte de su vida laboral como compositor de la corte, Mozart quería triunfar en la vida concertística de las ciudades, tocando para el público en general. Esto significaba que necesitaba escribir óperas y escribir e interpretar piezas virtuosas. Haydn no era un virtuoso a nivel de giras internacionales; ni buscaba crear obras operísticas que pudieran interpretarse durante muchas noches frente a un gran público. Mozart quería lograr ambas cosas. Además, Mozart también tenía un gusto por los acordes más cromáticos (y mayores contrastes en el lenguaje armónico en general), un mayor amor por crear un mar de melodías en una sola obra y una sensibilidad más italianizante en la música en su conjunto. Encontró, en la música de Haydn y más tarde en su estudio de la polifonía de JS Bach , los medios para disciplinar y enriquecer sus dotes artísticas.
Mozart llamó rápidamente la atención de Haydn, quien aclamó al nuevo compositor, estudió sus obras y consideró al joven como su único verdadero igual en música. Haydn encontró en Mozart una mayor variedad de instrumentación, efecto dramático y recursos melódicos. La relación de aprendizaje se desarrolló en ambas direcciones. Mozart también sentía un gran respeto por el compositor mayor y más experimentado, y trató de aprender de él.
La llegada de Mozart a Viena en 1780 aceleró el desarrollo del estilo clásico. Allí, Mozart absorbió la fusión de brillantez italianizante y cohesión germánica que se había estado gestando durante los 20 años anteriores. Su propio gusto por las brillantes melodías y figuras rítmicamente complejas, las largas melodías en cantilena y los floreos virtuosos se fusionó con una apreciación por la coherencia formal y la conexión interna. Fue en ese momento cuando la guerra y la inflación económica detuvieron la tendencia hacia las orquestas más grandes y obligaron a la disolución o reducción de muchas orquestas de teatro. Esto empujó el estilo clásico hacia adentro: hacia la búsqueda de mayores desafíos técnicos y de conjunto, por ejemplo, dispersando la melodía en instrumentos de viento de madera o utilizando una melodía armonizada en terceras. Este proceso le dio un valor especial a la música de pequeños conjuntos, llamada música de cámara. También condujo a una tendencia hacia una mayor interpretación en público, lo que dio un nuevo impulso al cuarteto de cuerda y otras agrupaciones de conjuntos pequeños.
Fue durante esta década cuando el gusto del público comenzó a reconocer, cada vez más, que Haydn y Mozart habían alcanzado un alto nivel de composición. Cuando Mozart llegó a los 25 años, en 1781, los estilos dominantes de Viena estaban claramente conectados con el surgimiento en la década de 1750 del estilo clásico temprano. A fines de la década de 1780, los cambios en la práctica interpretativa , la posición relativa de la música instrumental y vocal, las demandas técnicas de los músicos y la unidad estilística se habían establecido en los compositores que imitaron a Mozart y Haydn. Durante esta década, Mozart compuso sus óperas más famosas, sus seis sinfonías tardías que ayudaron a redefinir el género y una serie de conciertos para piano que aún se encuentran en la cima de estas formas.
Un compositor que influyó en la difusión del estilo más serio que habían formado Mozart y Haydn fue Muzio Clementi , un pianista virtuoso y dotado que empató con Mozart en un "duelo" musical ante el emperador en el que cada uno improvisaba al piano e interpretaba sus composiciones. Las sonatas para piano de Clementi circularon ampliamente y se convirtió en el compositor de mayor éxito de Londres durante la década de 1780. También en Londres en esta época estaba Jan Ladislav Dussek , quien, como Clementi, alentó a los fabricantes de pianos a ampliar el rango y otras características de sus instrumentos, y luego explotó al máximo las nuevas posibilidades abiertas. La importancia de Londres en el período clásico a menudo se pasa por alto, pero sirvió como sede de la fábrica Broadwood para la fabricación de pianos y como base para compositores que, aunque menos notables que la "Escuela de Viena", tuvieron una influencia decisiva en lo que vino después. Fueron compositores de muchas obras excelentes, notables por derecho propio. El gusto de Londres por el virtuosismo bien puede haber fomentado el trabajo de pasajes complejos y las declaraciones extendidas sobre la tónica y la dominante.
Cuando Haydn y Mozart comenzaron a componer, las sinfonías se tocaban como movimientos individuales (antes, entre o como interludios dentro de otras obras) y muchas de ellas duraban sólo diez o doce minutos; los grupos instrumentales tenían distintos estándares de ejecución y el continuo era una parte central de la creación musical.
En los años intermedios, el mundo social de la música había experimentado cambios espectaculares. Las publicaciones y giras internacionales habían crecido de forma explosiva y se formaron sociedades de conciertos. La notación se había vuelto más específica, más descriptiva, y los esquemas de las obras se habían simplificado (aunque se habían vuelto más variados en su interpretación exacta). En 1790, justo antes de la muerte de Mozart, cuando su reputación se estaba extendiendo rápidamente, Haydn estaba a punto de lograr una serie de éxitos, en particular sus últimos oratorios y las sinfonías de Londres . Compositores de París, Roma y toda Alemania recurrieron a Haydn y Mozart en busca de sus ideas sobre la forma.
En la década de 1790, surgió una nueva generación de compositores, nacidos alrededor de 1770. Si bien habían crecido con los estilos anteriores, escucharon en las obras recientes de Haydn y Mozart un vehículo para una mayor expresión. En 1788 Luigi Cherubini se instaló en París y en 1791 compuso Lodoiska , una ópera que lo elevó a la fama. Su estilo es claramente un reflejo del Haydn y Mozart maduros, y su instrumentación le dio un peso que aún no se había sentido en la gran ópera . Su contemporáneo Étienne Méhul amplió los efectos instrumentales con su ópera de 1790 Euphrosine et Coradin , de la que siguió una serie de éxitos. El empujón final hacia el cambio vino de Gaspare Spontini , quien fue profundamente admirado por los futuros compositores románticos como Weber, Berlioz y Wagner. El innovador lenguaje armónico de sus óperas, su refinada instrumentación y sus números cerrados "encadenados" (un patrón estructural que luego fue adoptado por Weber en Euryanthe y de él transmitido, a través de Marschner, a Wagner), formaron la base a partir de la cual la ópera romántica francesa y alemana tuvo sus inicios.
El más fatídico de la nueva generación fue Ludwig van Beethoven , que lanzó sus obras numeradas en 1794 con un conjunto de tres tríos para piano, que permanecen en el repertorio. Algo más joven que los demás, aunque igualmente consumado debido a su estudio juvenil con Mozart y su virtuosismo innato, fue Johann Nepomuk Hummel . Hummel también estudió con Haydn; fue amigo de Beethoven y Franz Schubert . Se concentró más en el piano que en cualquier otro instrumento, y su tiempo en Londres en 1791 y 1792 generó la composición y publicación en 1793 de tres sonatas para piano, opus 2, que utilizó idiomáticamente las técnicas de Mozart de evitar la cadencia esperada, y la figuración virtuosa a veces modalmente incierta de Clementi. Tomados en conjunto, estos compositores pueden verse como la vanguardia de un amplio cambio en el estilo y el centro de la música. Estudiaban las obras de los demás, copiaban sus gestos musicales y en ocasiones se comportaban como rivales pendencieros.
Las diferencias cruciales con la ola anterior se pueden ver en el cambio descendente de las melodías, el aumento de la duración de los movimientos, la aceptación de Mozart y Haydn como paradigmáticos, el mayor uso de los recursos del teclado, el cambio de la escritura "vocal" a la escritura "pianística", la creciente atracción de la menor y de la ambigüedad modal, y la creciente importancia de variar las figuras de acompañamiento para dar a conocer la "textura" como un elemento en la música. En resumen, el clasicismo tardío buscaba una música que fuera internamente más compleja. El crecimiento de las sociedades de conciertos y las orquestas amateurs, que marcaron la importancia de la música como parte de la vida de la clase media, contribuyó a un mercado en auge para los pianos, la música para piano y los virtuosos como ejemplos. Hummel, Beethoven y Clementi eran todos famosos por su improvisación.
La influencia directa del Barroco siguió desapareciendo: el bajo cifrado perdió protagonismo como medio para mantener unida la interpretación y las prácticas interpretativas de mediados del siglo XVIII siguieron desapareciendo. Sin embargo, al mismo tiempo, comenzaron a estar disponibles ediciones completas de los maestros barrocos y la influencia del estilo barroco siguió creciendo, en particular en el uso cada vez más expansivo de los instrumentos de viento metal. Otra característica de la época es el creciente número de interpretaciones en las que el compositor no estaba presente. Esto llevó a un mayor detalle y especificidad en la notación; por ejemplo, hubo menos partes "opcionales" que se mantuvieran separadas de la partitura principal.
La fuerza de estos cambios se hizo evidente con la Tercera Sinfonía de Beethoven, a la que el compositor dio el nombre de Heroica , que en italiano significa "heroica". Al igual que con La consagración de la primavera de Stravinsky , puede que no haya sido la primera de todas sus innovaciones, pero su uso agresivo de cada parte del estilo clásico la diferenció de sus obras contemporáneas: en extensión, ambición y recursos armónicos, además de convertirla en la primera sinfonía de la era romántica .
La Primera Escuela Vienesa es un nombre que se utiliza principalmente para referirse a tres compositores del período clásico de finales del siglo XVIII en Viena : Haydn, Mozart y Beethoven. Franz Schubert se añade ocasionalmente a la lista.
En los países de habla alemana se utiliza el término Wiener Klassik (lit. época/arte clásico vienés ). Ese término suele aplicarse de forma más amplia a la época clásica de la música en su conjunto, como un medio para distinguirla de otros períodos a los que se hace referencia coloquialmente como clásicos , a saber, la música barroca y romántica .
El término "Escuela de Viena" fue utilizado por primera vez por el musicólogo austríaco Raphael Georg Kiesewetter en 1834, aunque solo contaba a Haydn y Mozart como miembros de la escuela. Otros escritores siguieron su ejemplo y, finalmente, Beethoven fue añadido a la lista. [9] La designación "primera" se añade hoy para evitar confusiones con la Segunda Escuela de Viena .
Si bien, aparte de Schubert, estos compositores ciertamente se conocían entre sí (Haydn y Mozart incluso fueron compañeros ocasionales de música de cámara), no hay ningún sentido en el que estuvieran involucrados en un esfuerzo colaborativo en el sentido que uno asociaría con escuelas del siglo XX como la Segunda Escuela Vienesa o Les Six . Tampoco hay ningún sentido significativo en el que un compositor fuera "enseñado" por otro (en la forma en que Berg y Webern fueron enseñados por Schoenberg), aunque es cierto que Beethoven recibió lecciones de Haydn durante un tiempo.
Los intentos de ampliar la Primera Escuela Vienesa para incluir figuras posteriores como Anton Bruckner , Johannes Brahms y Gustav Mahler son meramente periodísticos y nunca se han encontrado en la musicología académica. Según el erudito James F. Daugherty, el período clásico en sí, que va aproximadamente de 1775 a 1825, a veces se denomina "el período clásico vienés". [10]
Las eras musicales y sus estilos, formas e instrumentos predominantes rara vez desaparecen de golpe; en cambio, las características se reemplazan con el tiempo, hasta que el enfoque antiguo simplemente se siente como "pasado de moda". El estilo clásico no "murió" de repente; más bien, fue desapareciendo gradualmente bajo el peso de los cambios. Por dar solo un ejemplo, si bien se afirma generalmente que la era clásica dejó de usar el clave en las orquestas, esto no sucedió de repente al comienzo de la era clásica en 1750. Más bien, las orquestas dejaron de usar el clave para tocar bajo continuo hasta que la práctica se discontinuó a fines del siglo XVIII.
Un cambio crucial fue el giro hacia armonías centradas en tonalidades "planas": cambios en la dirección de la subdominante [ aclaración necesaria ] . En el estilo clásico, la tonalidad mayor era mucho más común que la menor, y el cromatismo se moderaba mediante el uso de modulación "aguda" (por ejemplo, una pieza en do mayor modulando a sol mayor, re mayor o la mayor, todas las cuales son tonalidades con más sostenidos). Además, las secciones en modo menor se usaban a menudo para el contraste. A partir de Mozart y Clementi, comenzó una colonización progresiva de la región subdominante (el acorde ii o IV, que en la tonalidad de do mayor serían las tonalidades de re menor o fa mayor). Con Schubert, las modulaciones subdominantes florecieron después de ser introducidas en contextos en los que los compositores anteriores se habrían limitado a los cambios dominantes (modulaciones al acorde dominante , por ejemplo, en la tonalidad de do mayor, modulando a sol mayor). Esto introdujo colores más oscuros a la música, fortaleció el modo menor y dificultó el mantenimiento de la estructura. Beethoven contribuyó a ello con su creciente uso de la cuarta como consonancia y la ambigüedad modal (por ejemplo, en la apertura de la Sinfonía n.º 9 en re menor) .
Entre los más destacados de esta generación de "proto-románticos" se encuentran Ludwig van Beethoven , Franz Schubert , Carl Maria von Weber , Johann Nepomuk Hummel y John Field , junto con el joven Felix Mendelssohn . Su sentido de la forma estaba fuertemente influenciado por el estilo clásico. Si bien aún no eran compositores "eruditos" (imitando reglas codificadas por otros), respondieron directamente a las obras de Haydn, Mozart, Clementi y otros, a medida que las encontraban. Las fuerzas instrumentales a su disposición en las orquestas también eran bastante "clásicas" en número y variedad, lo que permitía similitudes con las obras clásicas.
Sin embargo, las fuerzas destinadas a acabar con el dominio del estilo clásico cobraron fuerza en las obras de muchos de los compositores antes mencionados, en particular Beethoven. La más citada es la innovación armónica. También es importante el creciente interés por tener una figuración de acompañamiento continua y rítmicamente uniforme: la Sonata Claro de Luna de Beethoven fue el modelo para cientos de piezas posteriores, donde el movimiento cambiante de una figura rítmica proporciona gran parte del dramatismo y el interés de la obra, mientras una melodía se desplaza por encima de ella. Un mayor conocimiento de las obras, una mayor pericia instrumental, una variedad cada vez mayor de instrumentos, el crecimiento de las sociedades de conciertos y el dominio imparable del piano cada vez más potente (al que se le dio un tono más audaz y fuerte gracias a los avances tecnológicos como el uso de cuerdas de acero, marcos pesados de hierro fundido y cuerdas que vibraban por simpatía) crearon una enorme audiencia para la música sofisticada. Todas estas tendencias contribuyeron al cambio hacia el estilo "romántico" .
Trazar la línea divisoria entre estos dos estilos es muy difícil: algunas secciones de las últimas obras de Mozart, tomadas por sí solas, son indistinguibles en armonía y orquestación de la música escrita 80 años después, y algunos compositores continuaron escribiendo en estilos clásicos normativos hasta principios del siglo XX. Incluso antes de la muerte de Beethoven, compositores como Louis Spohr se autodenominaban románticos, incorporando, por ejemplo, un cromatismo más extravagante en sus obras (por ejemplo, utilizando armonías cromáticas en la progresión de acordes de una pieza ). Por el contrario, obras como la Sinfonía n.º 5 de Schubert , escrita durante el final cronológico de la era clásica y el amanecer de la era romántica , exhiben un paradigma artístico deliberadamente anacrónico, que se remonta al estilo compositivo de varias décadas antes.
Sin embargo, la caída de Viena como el centro musical más importante para la composición orquestal a finales de la década de 1820, precipitada por las muertes de Beethoven y Schubert , marcó el eclipse final del estilo clásico y el final de su desarrollo orgánico continuo de un compositor que aprendía en estrecha proximidad con otros. Franz Liszt y Frédéric Chopin visitaron Viena cuando eran jóvenes, pero luego se mudaron a otras ciudades. Compositores como Carl Czerny , aunque profundamente influenciados por Beethoven, también buscaron nuevas ideas y nuevas formas para contener el mundo más amplio de la expresión y la interpretación musical en el que vivían.
El renovado interés en el equilibrio formal y la moderación de la música clásica del siglo XVIII condujo a principios del siglo XX al desarrollo del llamado estilo neoclásico , que contó con Stravinsky y Prokofiev entre sus defensores, al menos en ciertos momentos de sus carreras.
La guitarra barroca, con cuatro o cinco juegos de cuerdas dobles o "cursos" y una boca elaboradamente decorada, era un instrumento muy diferente de la guitarra clásica primitiva , que se asemeja más al instrumento moderno con las seis cuerdas estándar. A juzgar por la cantidad de manuales de instrucciones publicados para el instrumento (más de trescientos textos publicados por más de doscientos autores entre 1760 y 1860), el período clásico marcó una época dorada para la guitarra. [11]
En la época barroca, había más variedad en los instrumentos de cuerda frotada utilizados en los conjuntos, con instrumentos como la viola d'amore y una gama de violas con trastes que iban desde violas pequeñas hasta violas graves grandes. En el período clásico, la sección de cuerdas de la orquesta estaba estandarizada a solo cuatro instrumentos:
En la era barroca, los contrabajistas no solían tener una parte separada; en cambio, normalmente tocaban la misma línea de bajo continuo que los violonchelos y otros instrumentos de tono bajo (por ejemplo, tiorba , instrumento de viento serpenteante , violas ), aunque una octava por debajo de los violonchelos, porque el contrabajo es un instrumento transpositor que suena una octava más bajo de lo que está escrito. En la era clásica, algunos compositores continuaron escribiendo solo una parte de bajo para su sinfonía, etiquetada como "bassi"; esta parte de bajo era interpretada por violonchelistas y contrabajistas. Durante la era clásica, algunos compositores comenzaron a darle a los contrabajos su propia parte.
Era común que todas las orquestas tuvieran al menos 2 instrumentos de viento, generalmente oboes, flautas, clarinetes o, a veces, trompas inglesas (ver Sinfonía n.º 22 (Haydn) . Los patrocinadores también solían emplear un conjunto de instrumentos de viento, llamado harmonie , que se empleaba para ciertos eventos. La harmonie a veces se unía a la orquesta de cuerdas más grande para servir como sección de viento.
