Alexander Calder ( / ˈ k ɔː l d ər / ; 22 de julio de 1898 - 11 de noviembre de 1976) fue un escultor estadounidense conocido tanto por sus innovadores móviles (esculturas cinéticas impulsadas por motores o corrientes de aire) que abrazan el azar en su estética, su "establos" estáticos y sus monumentales esculturas públicas. [1] Calder prefirió no analizar su trabajo y dijo: "Las teorías pueden estar muy bien para el propio artista, pero no deberían transmitirse a otras personas". [2]
Alexander "Sandy" Calder nació en 1898 en Lawnton, Pensilvania . [3] Su fecha de nacimiento sigue siendo una fuente de confusión. Según la madre de Calder, Nanette (de soltera Lederer), Calder nació el 22 de agosto, pero su certificado de nacimiento en el Ayuntamiento de Filadelfia, basado en un libro de contabilidad escrito a mano, indicaba el 22 de julio. Cuando la familia de Calder se enteró del certificado de nacimiento, afirmó con certeza que los funcionarios de la ciudad habían cometido un error. Confirmando esto, el censo de 1900 informa que Alexander nació en agosto de 1898. Su madre era judía y de ascendencia alemana y su padre era calvinista y de ascendencia escocesa, pero el propio Calder nunca practicó ninguna religión y rechazó el nacionalismo. [4] [5]
El abuelo de Calder, el escultor Alexander Milne Calder , nació en Escocia, emigró a Filadelfia en 1868 y es mejor conocido por la colosal estatua de William Penn en la torre del Ayuntamiento de Filadelfia . Su padre, Alexander Stirling Calder , fue un conocido escultor que creó muchas instalaciones públicas, la mayoría de ellas en Filadelfia. La madre de Calder era una retratista profesional , que había estudiado en la Académie Julian y la Sorbona en París desde alrededor de 1888 hasta 1893. Se mudó a Filadelfia, donde conoció a Stirling Calder mientras estudiaba en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania . Los padres de Calder se casaron el 22 de febrero de 1895. La hermana de Alexander Calder, Margaret Calder Hayes, jugó un papel decisivo en el desarrollo del Museo de Arte de UC Berkeley . [6]
Calder, de cuatro años, posó desnudo para la escultura de su padre The Man Cub , cuyo molde se encuentra ahora en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York. En 1902 también completó su primera escultura, un elefante de arcilla. [7] En 1905 su padre contrajo tuberculosis , y los padres de Calder se mudaron a un rancho en Oracle, Arizona , dejando a los niños al cuidado de amigos de la familia durante un año. [8] Los niños se reunieron con sus padres en marzo de 1906 y se quedaron en el rancho de Arizona durante ese verano. [9]
La familia Calder se mudó de Arizona a Pasadena, California . El sótano con ventanas de la casa familiar se convirtió en el primer estudio de Calder y recibió su primer juego de herramientas. Usó trozos de alambre de cobre para hacer joyas para las muñecas de su hermana. [10] El 1 de enero de 1907, Nanette Calder llevó a su hijo al Desfile del Torneo de las Rosas en Pasadena, donde observó una carrera de carros de cuatro caballos. Este estilo de evento se convirtió más tarde en el final de las representaciones de circo en miniatura de Calder. [11]
A finales de 1909, la familia regresó a Filadelfia, donde Calder asistió brevemente a la Academia Germantown , luego se mudaron a Croton-on-Hudson, Nueva York . [12] Esa Navidad, esculpió un perro y un pato en chapa de latón como regalo para sus padres. Las esculturas son tridimensionales y el pato es cinético porque se balancea cuando se le golpea suavemente. [13] En Croton, durante sus años de escuela secundaria, Calder se hizo amigo del amigo pintor de su padre, Everett Shinn, con quien construyó un sistema de trenes mecánicos impulsado por gravedad. Calder lo describió: "Hicimos circular el tren sobre rieles de madera sostenidos por púas; un trozo de hierro que corría cuesta abajo aceleraba los vagones. Incluso iluminamos algunos vagones con velas". [14] Después de Croton, los Calder se mudaron a Spuyten Duyvil para estar más cerca de la ciudad de Nueva York, donde Stirling Calder alquiló un estudio. Mientras vivía en Spuyten Duyvil, Calder asistió a la escuela secundaria en la cercana Yonkers . En 1912, el padre de Calder fue nombrado jefe interino del Departamento de Escultura de la Exposición Internacional Panamá-Pacífico en San Francisco, California, [15] y comenzó a trabajar en esculturas para la exposición que se llevó a cabo en 1915.
Durante los años de escuela secundaria de Calder (1912-1915), la familia se mudó de ida y vuelta entre Nueva York y California. En cada nueva ubicación, los padres de Calder reservaban un espacio en el sótano como estudio para su hijo. Cerca del final de este período, Calder se quedó con amigos en California mientras sus padres regresaban a Nueva York, para que él pudiera graduarse de Lowell High School en San Francisco . [16] Calder se graduó con la promoción de 1915. [ cita necesaria ]
Los padres de Alexander Calder no querían que fuera artista, por lo que decidió estudiar ingeniería mecánica. Calder, ingeniero intuitivo desde pequeño, ni siquiera sabía qué era la ingeniería mecánica. "No estaba muy seguro de lo que significaba este término, pero pensé que sería mejor adoptarlo", escribió más tarde. Se matriculó en el Instituto de Tecnología Stevens en Hoboken, Nueva Jersey , en 1915. [17] Cuando se le preguntó por qué decidió estudiar ingeniería mecánica en lugar de arte, Calder dijo: "Quería ser ingeniero porque un chico que me gustaba era un ingeniero mecánico, eso es todo". [18] En Stevens, Calder era miembro de la fraternidad Delta Tau Delta y se destacó en matemáticas. [19] Era muy querido y el anuario de la clase contenía la siguiente descripción: "Evidentemente, Sandy siempre está feliz, o tal vez tramando alguna broma, porque su rostro siempre está envuelto en esa misma sonrisa traviesa y juvenil. Esta es sin duda la índice del carácter del hombre en este caso, porque es uno de los tipos más bondadosos que existen". [18]
En el verano de 1916, Calder pasó cinco semanas entrenando en el campo de entrenamiento militar civil de Plattsburgh . En 1918, se unió al Cuerpo de Entrenamiento del Ejército de Estudiantes, Sección Naval, en Stevens y fue nombrado guía del batallón. [20]
Calder se licenció en Stevens en 1919. [17] Ocupó diversos puestos de trabajo, incluido el de ingeniero hidráulico y dibujante para la New York Edison Company . En junio de 1922, Calder asumió un puesto de mecánico en el barco de pasajeros HF Alexander . Mientras navegaba de San Francisco a la ciudad de Nueva York, Calder durmió en cubierta y se despertó temprano en la mañana frente a la costa de Guatemala y fue testigo de la salida del sol y la puesta de la luna llena en horizontes opuestos. Lo describió en su autobiografía: "Era una mañana temprano en un mar en calma, frente a Guatemala, cuando sobre mi sofá, un rollo de cuerda, vi el comienzo de un amanecer rojo ardiente en un lado y la luna que parecía una moneda de plata. en el otro." [21]
El HF Alexander atracó en San Francisco y Calder viajó a Aberdeen, Washington , donde residían su hermana y su marido, Kenneth Hayes. Calder aceptó un trabajo como cronometrador en un campamento maderero. El paisaje montañoso lo inspiró a escribir a casa para pedir pinturas y pinceles. Poco después, Calder decidió regresar a Nueva York para seguir una carrera como artista.
En la ciudad de Nueva York, Calder se matriculó en la Art Students League y estudió brevemente con George Luks , Boardman Robinson y John Sloan . [22] Mientras era estudiante, trabajó para la Gaceta de la Policía Nacional donde, en 1925, una de sus asignaciones fue dibujar el circo Ringling Bros. and Barnum & Bailey . Calder quedó fascinado con la acción circense, tema que reaparecería en su obra posterior.
En 1926, Calder se mudó a París, se matriculó en la Académie de la Grande Chaumière y estableció un estudio en el número 22 de la rue Daguerre en el barrio de Montparnasse . En junio de 1929, mientras viajaba en barco de París a Nueva York, Calder conoció a su futura esposa, Louisa James (1905-1996), hija de Edward Holton James y sobrina nieta del autor Henry James y del filósofo William James . Se casaron en 1931. Mientras estaba en París, Calder se hizo amigo de varios artistas de vanguardia , entre ellos Fernand Léger , Jean Arp , [23] y Marcel Duchamp . Leger escribió un prefacio para el catálogo de la primera exposición de construcciones abstractas de Calder celebrada en la Galerie Percier en 1931. [24] Calder y Louisa regresaron a Estados Unidos en 1933 a una granja que compraron en Roxbury, Connecticut , donde formaron una familia (Sandra nacida en 1935, María nacida en 1939). Durante la Segunda Guerra Mundial , Calder intentó unirse a la Infantería de Marina como camuflador (ver Lista de camoufleurs ), pero fue rechazado. En 1955, él y Louisa viajaron por la India durante tres meses, donde Calder realizó nueve esculturas y algunas joyas. [25]
En 1963, Calder se instaló en un nuevo taller, con vistas al valle del Bajo Chevrière hasta Saché, en Indre-et-Loire (Francia). Donó a la localidad una escultura , que desde 1974 está situada en la plaza del pueblo. A lo largo de su carrera artística, Calder nombró muchas de sus obras en francés, independientemente de dónde estuvieran destinadas a su eventual exhibición.
En 1966, Calder publicó su Autobiografía con imágenes con la ayuda de su yerno, Jean Davidson.
Calder murió inesperadamente en noviembre de 1976 de un ataque al corazón , [26] poco después de la inauguración de una importante exposición retrospectiva en el Museo Whitney de Nueva York.
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En París, en 1926, Calder comenzó a crear su Cirque Calder , un circo en miniatura hecho de alambre, tela, cuerdas, caucho, corcho y otros objetos encontrados. Diseñado para ser transportable (llegó a llenar cinco maletas grandes), el circo se presentó a ambos lados del Atlántico. Pronto, su Cirque Calder [27] (actualmente expuesto en el Museo Whitney de Arte Americano) se hizo popular entre la vanguardia parisina. También inventó la escultura con alambre , o "dibujo en el espacio", y en 1929 realizó su primera exposición individual de estas esculturas en París, en la Galerie Billiet. ¡Hola! , en la colección del Museo de Arte de Honolulu , es un ejemplo temprano de la escultura con alambre del artista. El pintor Jules Pascin , amigo de los cafés de Montparnasse , escribió el prefacio del catálogo.
Una visita al estudio de Piet Mondrian en 1930, donde quedó impresionado por el entorno como instalación, lo "impulsó" a abrazar plenamente el arte abstracto , hacia el que ya se había inclinado. [28]
Fue la combinación de sus experimentos para desarrollar una escultura puramente abstracta después de su visita a Mondrian lo que lo llevó a sus primeras esculturas verdaderamente cinéticas, accionadas por motores, que se convertirían en sus obras de arte distintivas. Las esculturas cinéticas de Calder se consideran una de las primeras manifestaciones de un arte que se apartó conscientemente de la noción tradicional de la obra de arte como un objeto estático e integró las ideas de gesto e inmaterialidad como factores estéticos. [29]
Las esculturas abstractas de Calder, que datan de 1931, de piezas móviles discretas impulsadas por motores, fueron bautizadas "móviles" por Marcel Duchamp , un juego de palabras francés que significa "movimiento" y "motivo". [30] Sin embargo, Calder descubrió que las obras motorizadas a veces se volvían monótonas en sus movimientos prescritos. Su solución, a la que llegó en 1932, fue colgar esculturas cuyo movimiento derivaba del tacto o de las corrientes de aire. Los primeros estaban hechos de alambre, objetos encontrados y madera, material que Calder utiliza desde la década de 1920. A los móviles colgantes les siguieron en 1934 los móviles de pie para exteriores fabricados con materiales industriales, que se ponía en movimiento al aire libre. [31] Los móviles de viento presentaban formas abstractas delicadamente equilibradas sobre varillas pivotantes que se movían con la más mínima corriente de aire, permitiendo un juego cambiante natural de formas y relaciones espaciales. [32] Calder también estaba experimentando con esculturas abstractas , estáticas y autoportantes , denominadas "stabiles" por Jean Arp en 1932 para diferenciarlas de los móviles. [33] En la Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne (1937), el pabellón español incluyó la escultura de Calder Fuente de Mercurio .
Durante la Segunda Guerra Mundial , Calder continuó esculpiendo, adaptándose a la escasez de aluminio durante la guerra volviendo a la madera tallada en una nueva forma abierta de escultura llamada "constelaciones". [34] Después de la guerra, Calder comenzó a cortar formas de chapa de metal en formas evocadoras y a pintarlas a mano en sus característicos tonos atrevidos. [35] Calder creó un pequeño grupo de obras de este período con una placa base colgante, por ejemplo Lily of Force (1945), Baby Flat Top (1946) y Red is Dominant (1947). También realizó obras como Seven Horizontal Discs (1946), que, al igual que Lily of Force (1945) y Baby Flat Top (1946), pudo desmontar y enviar por correo para su próxima exposición en la Galerie Louis Carré de París. a pesar de las estrictas restricciones de tamaño impuestas por el servicio postal en ese momento. [36] Su exposición de 1946 en Carré, organizada por Duchamp, estuvo compuesta principalmente por móviles colgantes y de pie, y tuvo un gran impacto, al igual que el ensayo para el catálogo del filósofo francés Jean-Paul Sartre . [37] En 1951, Calder ideó un nuevo tipo de escultura, relacionada estructuralmente con sus constelaciones. Estas "torres", fijadas a la pared con un clavo, están formadas por puntales de alambre y vigas que sobresalen de la pared, con objetos en movimiento suspendidos de sus armaduras. [38]
Sin negar el poder de Calder como escultor, una visión alternativa de la historia del arte del siglo XX [39] cita el alejamiento de Calder a principios de la década de 1930 de sus obras impulsadas por motor en favor del móvil impulsado por el viento como un momento decisivo. en el abandono por parte del modernismo de su compromiso anterior con la máquina como un nuevo elemento crítico y potencialmente expresivo en los asuntos humanos. Según este punto de vista, el móvil también marcó un abandono del objetivo más amplio del Modernismo de un acercamiento con la ciencia y la ingeniería, y con desafortunadas implicaciones a largo plazo para el arte contemporáneo.
En 1934, Calder realizó sus primeras obras al aire libre en su estudio de Roxbury, Connecticut , utilizando las mismas técnicas y materiales que sus obras más pequeñas. Expuestos afuera, los móviles iniciales de Calder se movían elegantemente con la brisa, balanceándose y girando en ritmos naturales y espontáneos. Las primeras obras al aire libre fueron demasiado delicadas para los fuertes vientos, lo que obligó a Calder a repensar su proceso de fabricación. En 1936 cambió sus métodos de trabajo y comenzó a crear maquetas a menor escala que luego amplió hasta alcanzar un tamaño monumental. La pequeña maqueta, el primer paso en la producción de una escultura monumental, fue considerada por Calder una escultura en sí misma. Las obras más grandes utilizaron las técnicas clásicas de ampliación de los escultores tradicionales, incluidos su padre y su abuelo. Dibujando sus diseños en papel artesanal, los amplió usando una cuadrícula. Sus obras a gran escala fueron creadas de acuerdo con sus especificaciones exactas, al mismo tiempo que le permitían la libertad de ajustar o corregir una forma o línea si fuera necesario. [40]
En la década de 1950, Calder se concentró más en la producción de esculturas monumentales (su período de agrandissements ), y en la década de 1960 le llegaron cada vez más encargos públicos. [41] Ejemplos notables son .125 (1957) para el aeropuerto JFK de Nueva York, Spirale (1958) para la UNESCO en París y Trois disques , encargado para la Expo 67 en Montreal, Quebec, Canadá. La escultura más grande de Calder, de 25,7 metros (84 pies) de altura, fue El Sol Rojo , construida fuera del Estadio Azteca para los eventos de la "Olimpiada Cultural" de los Juegos Olímpicos de Verano de 1968 en la Ciudad de México . Muchas de sus obras de arte público fueron encargadas por arquitectos de renombre; por ejemplo, IM Pei encargó La Grande Voile , una escultura estable de 25 toneladas y 40 pies de altura para el Instituto Tecnológico de Massachusetts en 1966.
La mayoría de las esculturas monumentales fijas y móviles de Calder se realizaron después de 1962 en Etablissements Biémont en Tours , Francia. Él crearía un modelo de su trabajo, el departamento de ingeniería lo ampliaría bajo la dirección de Calder y los técnicos completarían el trabajo en metal real, todo bajo la atenta mirada de Calder. Los establos se fabricaron en chapa de acero y luego se pintaron. Una excepción fue Trois disques , en acero inoxidable de 24 metros (79 pies) de altura, encargado por la International Nickel Company de Canadá .
En 1958, Calder encargó a Jean Prouvé que construyera la base de acero de Spirale en Francia, un móvil monumental para el sitio de la UNESCO en París, mientras que la parte superior se fabricaba en Connecticut.
En junio de 1969, Calder asistió a la inauguración de su monumental escultura "estable" La Grande Vitesse en Grand Rapids, Michigan . Esta escultura se destaca por ser la primera escultura cívica en los Estados Unidos en recibir financiación del Fondo Nacional de las Artes . [42]
En 1971, Calder creó su Bent Propeller que se instaló en la entrada de la Torre Norte del World Trade Center en la ciudad de Nueva York. Cuando se inauguró Battery Park City , la escultura se trasladó a las calles Vesey y Church. [43] La escultura permaneció frente al 7 World Trade Center hasta que fue destruida el 11 de septiembre de 2001 . [44] En 1973, la escultura de arte público de color bermellón de 63 pies de altura, Four Arches, se instaló en Bunker Hill, Los Ángeles, para servir como "un hito distintivo". [45] El sitio de la plaza fue diseñado en niveles para maximizar los efectos visuales de la escultura. [46]
En 1974, Calder inauguró dos esculturas, Flamingo en Federal Plaza y Universe en Sears Tower , [47] en Chicago, Illinois, acompañadas de la exposición Alexander Calder: A Retrospective Exhibition, en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, que se inauguró simultáneamente con la inauguración de las esculturas. [48]
Originalmente destinado a ser construido en 1977 para el edificio de oficinas del Senado Hart, Mountains and Clouds no se construyó hasta 1985 debido a recortes presupuestarios del gobierno. El enorme proyecto de chapa metálica, que pesa 35 toneladas, abarca los nueve pisos del atrio del edificio en Washington, DC Calder diseñó la maqueta para el Senado de los Estados Unidos en el último año de su vida. [49]
Calder creó escenografías para más de una docena de producciones teatrales, incluidas Nucléa , Horizon y, más notablemente, Panorama (1935) de Martha Graham , una producción del drama sinfónico de Erik Satie Socrate (1936) y, posteriormente, Works in Progress ( 1968). Works in Progress fue un "ballet" concebido por el propio Calder y producido en la Ópera de Roma , que presentaba una variedad de móviles, estabilizadores y grandes fondos pintados. Calder describiría algunas de sus escenografías como bailarines realizando una coreografía debido a su movimiento rítmico. [50]
Además de las esculturas, Calder pintó a lo largo de su carrera, comenzando a principios de la década de 1920. Reanudó sus estudios de grabado en 1925 y continuó produciendo ilustraciones para libros y revistas. [51] Sus proyectos de este período incluyen dibujos lineales de animales con pluma y tinta para una publicación de 1931 de las fábulas de Esopo . A medida que la escultura de Calder pasó al ámbito de la abstracción pura a principios de la década de 1930, también lo hicieron sus grabados. Las finas líneas utilizadas para definir las figuras en los grabados y dibujos anteriores comenzaron a delinear grupos de formas geométricas, a menudo en movimiento. Calder también utilizó grabados para la promoción, como en los carteles de 1967 y 1969 de protesta contra la guerra de Vietnam . [52]
A medida que la reputación profesional de Calder se expandió a finales de los años 1940 y 1950, también lo hizo su producción de grabados. Se comercializaron grandes cantidades de litografías basadas en sus pinturas gouache y estuvieron disponibles ediciones de lujo de obras de teatro, poemas y cuentos ilustrados con impresiones artísticas de Calder. [51]
Una de las empresas más inusuales de Calder fue un encargo de Braniff International Airways , con sede en Dallas, para pintar un avión de cuatro motores Douglas DC-8-62 de tamaño completo como un "lienzo volador". George Stanley Gordon , fundador de la agencia de publicidad de la ciudad de Nueva York Gordon and Shortt, se acercó a Calder con la idea de pintar un avión en 1972, pero Calder respondió que no pintaba juguetes. Cuando Gordon le dijo que lo que le proponía era un avión de pasajeros real y de tamaño real, el artista inmediatamente dio su aprobación. Gordon consideró que Braniff, conocida por fusionar los mundos de la moda y el diseño con el mundo de la aviación, sería la empresa perfecta para llevar a cabo la idea. El presidente de Braniff, Harding Lawrence, se mostró muy receptivo y en 1973 se redactó un contrato que pedía la pintura de un avión de línea Douglas DC-8-62, denominado Flying Colors , y 50 gouaches por un precio total de 100.000 dólares. [53] Dos años más tarde, Braniff le pidió a Calder que diseñara un buque insignia para su flota que celebraba el Bicentenario de Estados Unidos. Esa pieza, un avión Boeing 727-291 N408BN llamado Flying Colors of the United States y apodado 'Sneaky Snake' por sus pilotos (basado en sus extravagantes tendencias de vuelo), presentaba una imagen ondulada de rojo, blanco y azul que hacía eco de una onda. Bandera estadounidense. [17] Se encargó un tercer diseño, que se denominaría Saludo a México , pero quedó incompleto tras su muerte. [54]
En 1975, Calder recibió el encargo de pintar un automóvil BMW 3.0 CSL , que sería el primer vehículo del BMW Art Car Project. [55]
Calder creó más de 2000 piezas de joyería a lo largo de su carrera, muchas de ellas como regalo para amigos. Varias piezas reflejan su fascinación por el arte de África y otros continentes. [56] Estaban hechos en su mayoría de latón y acero, con trozos de cerámica, madera y vidrio. Calder rara vez usaba soldadura; cuando necesitaba unir tiras de metal, las unía con bucles, las unía con trozos de alambre o remaches moldeados. [57] Calder creó sus primeras piezas en 1906 a la edad de ocho años para las muñecas de su hermana utilizando alambre de cobre que encontró en la calle. [56]
Para su amigo de toda la vida Joan Miró , Calder colocó un fragmento de vasija de porcelana rota en un anillo de latón. Peggy Guggenheim recibió unos enormes pendientes móviles de plata y más tarde encargó una cabecera de plata martillada que brillaba con peces colgantes. [58] En 1942, Guggenheim usó un pendiente de Calder y otro de Yves Tanguy en la inauguración de su galería de Nueva York, The Art of This Century , para demostrar su igual lealtad al arte surrealista y abstracto, ejemplos del cual exhibió en galerías separadas. . [59] Otros a quienes se les presentaron las piezas de Calder fueron la amiga cercana del artista, Georgia O'Keeffe ; Teeny Duchamp , esposa de Marcel Duchamp ; Jeanne Rucar, esposa del cineasta Luis Buñuel ; y Bella Rosenfeld , esposa de Marc Chagall . [60]
La primera exposición individual de Calder fue en 1927 en la Galería Jacques Seligmann de París. [61] Su primera exposición individual en una galería comercial de Estados Unidos fue en 1928 en la Galería Weyhe de la ciudad de Nueva York. Expuso con el grupo Abstraction-Création en París en 1933.
En 1935, realizó su primera exposición individual en un museo de los Estados Unidos en la Renaissance Society de la Universidad de Chicago . En Nueva York, fue defendido desde principios de la década de 1930 por el Museo de Arte Moderno y fue uno de los tres estadounidenses incluidos en la exposición Cubismo y arte abstracto de Alfred H. Barr Jr. de 1936 . [62]
La primera retrospectiva de Calder se llevó a cabo en 1938 en la Galería George Walter Vincent Smith en Springfield, Massachusetts . En 1943, el Museo de Arte Moderno acogió una retrospectiva de Calder, comisariada por James Johnson Sweeney y Marcel Duchamp ; La feria tuvo que ampliarse debido al número de visitantes. [36] Calder fue uno de los 250 escultores que expusieron en la Tercera Internacional de Escultura celebrada en el Museo de Arte de Filadelfia en el verano de 1949. Su móvil, International Mobile, fue la pieza central de la exposición. Calder también participó en las documentas I (1955), II (1959), III (1964). Se llevaron a cabo importantes retrospectivas de su obra en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York (1964), la Fundación Maeght en Saint-Paul-de-Vence, Francia (1969) y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (1974). Además, los dos distribuidores de Calder, la Galerie Maeght de París y las Galerías Perls de Nueva York, promediaban aproximadamente una exposición de Calder al año.
El trabajo de Calder se encuentra en muchas colecciones permanentes de todo el mundo. El Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York tiene la mayor obra de Alexander Calder. [63] Otras colecciones de museos incluyen el Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York; el Museo de Arte Moderno de Nueva York; el Centro Georges Pompidou, París; el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid; y la Galería Nacional de Arte, Washington, DC [64] Hay dos piezas en exhibición en la Colección de Arte Empire State Plaza del Gobernador Nelson A. Rockefeller en Albany, Nueva York. [sesenta y cinco]
El Museo de Arte de Filadelfia ofrece una visión de las obras de tres generaciones de Alexander Calders. Desde la ventana del segundo piso en el lado este de la Gran Escalera (en el lado opuesto de la colección de armaduras), detrás del espectador se encuentra el propio móvil Ghost de Calder, [66] más adelante en la calle está la Fuente Swann Memorial de su padre. A. Stirling Calder , y más allá, la estatua de William Penn en lo alto del Ayuntamiento realizada por el abuelo de Calder, Alexander Milne Calder .
Calder Gardens , un centro interior y exterior de 1,8 acres dedicado al trabajo de Calder, se inaugurará en Benjamin Franklin Parkway de Filadelfia a finales de 2024. [69]
A finales de la década de 1930 y principios de la de 1940, las obras de Calder no eran muy buscadas y, cuando se vendían, a menudo era por relativamente poco dinero. Una copia de un libro de ventas de Pierre Matisse en los archivos de la fundación muestra que solo unas pocas piezas de la exposición de 1941 encontraron compradores, uno de los cuales, Solomon R. Guggenheim , pagó sólo 233,34 dólares (equivalente a 4.834 dólares en 2023) por una obra. El Museo de Arte Moderno había comprado su primer Calder en 1934 por 60 dólares, después de haber rebajado el precio de 100 dólares. [34] Y, sin embargo, en 1948 Calder casi agotó las entradas para una exposición individual completa en Río de Janeiro, convirtiéndose en el primer escultor de renombre internacional. [70] La Galerie Maeght de París se convirtió en el distribuidor parisino exclusivo de Calder en 1950 y durante el resto de la vida de Calder. Después de que su marchante de Nueva York, Curt Valentin, muriera inesperadamente en 1954, Calder seleccionó las Galerías Perls de Nueva York como su nuevo marchante estadounidense, y esta alianza duró hasta la muerte de Calder. [71]
En 2010, su móvil de metal Sin título (Hojas de otoño) , se vendió en Sotheby's de Nueva York por 3,7 millones de dólares. Otro móvil recaudó 6,35 millones de dólares en Christie's ese mismo año. [72] También en Christie's, un móvil de pie llamado Lily of Force (1945), que se esperaba que se vendiera entre 8 y 12 millones de dólares, se compró por 18,5 millones de dólares en 2012. [73] El móvil colgante Poisson volant de Calder, de 7,5 pies de largo (Flying Fish) (1957) se vendió por 25,9 millones de dólares, estableciendo un récord de subasta para el escultor en Christie's Nueva York en 2014. [74] [75]
A partir de 1966, los ganadores de los premios National Magazine Awards reciben un "Ellie", un establo de color cobre que se asemeja a un elefante, diseñado por Calder. Dos meses después de su muerte, el artista recibió póstumamente la Medalla Presidencial de la Libertad , el máximo honor civil de Estados Unidos, de manos del presidente Gerald Ford . Sin embargo, los representantes de la familia Calder boicotearon la ceremonia del 10 de enero de 1977 "para hacer una declaración a favor de la amnistía para los resistentes al reclutamiento de la guerra de Vietnam ".
En 1987, la familia de Calder estableció la Fundación Calder, "dedicada a coleccionar, exhibir, preservar e interpretar el arte y los archivos de Alexander Calder y [está] encargada de una colección inigualable de sus obras". [76] La fundación tiene grandes propiedades, algunas obras son propiedad de miembros de la familia y otras de partidarios de la fundación. El arte incluye más de 600 esculturas, entre ellas móviles, estables, móviles de pie y esculturas de alambre, y 22 obras monumentales al aire libre, así como miles de pinturas al óleo, obras sobre papel, juguetes, piezas de joyería y objetos domésticos. [77] Después de haber trabajado principalmente en la catalogación de las obras de Calder, la Fundación Calder se centra ahora en organizar exposiciones globales para el artista. [78] Uno de los nietos de Calder, Alexander SC "Sandy" Rower, es el presidente de la fundación y otros miembros de la familia están en el consejo de administración. [79]
La Fundación Calder no autentica obras de arte; más bien, los propietarios pueden enviar sus obras para su registro en el archivo de la Fundación y para su examen. [80] El comité que realiza los exámenes incluye expertos, académicos, curadores de museos y miembros de la familia Calder. [81] El sitio web de la Fundación Calder proporciona detalles sobre las políticas y directrices actuales que rigen los procedimientos de examen. [82]
En 1993, los propietarios de Rio Nero (1959), un móvil de chapa y alambre de acero aparentemente de Calder, acudieron al Tribunal de Distrito de los Estados Unidos para el Distrito de Columbia alegando que no era de Alexander Calder, como afirmaba su vendedor. [83] Ese mismo año, un juez federal dictaminó que para Rio Nero no se había cumplido la carga de la prueba. [ Se necesita más explicación ] A pesar de la decisión, los propietarios del móvil no pudieron venderlo porque el reconocido experto, Klaus Perls , lo había declarado una copia. El juez reconoció el problema en ese momento y señaló que el pronunciamiento de Perls haría que Rio Nero no se pudiera vender. En 1994, la Fundación Calder declinó incluir el móvil en el catálogo razonado del artista. [84]
Refiriéndose al caso Rio Nero , la División de Apelaciones de la Corte Suprema de Nueva York rechazó en 2009 el recurso de un coleccionista de arte que deseaba vender un par de escenografías que Calder había diseñado pero que no vivió para ver terminadas, que habían sido infructuosamente presentado a la Fundación Calder para su autenticación. [85] El tribunal consideró que no tenía la facultad de declarar auténtica la supuesta obra de Calder, ni de ordenar a la Fundación Calder que la incluyera en el catálogo razonado.
En 1995, surgieron preguntas sobre otro supuesto Calder, Two White Dots (que no debe confundirse con la pieza de nombre similar, Two White Dots in the Air , que Calder creó en 1958). En 1973, Calder había creado una maqueta de chapa de 1 pie (0,30 m) de altura para un establo no realizado al que llamó Two White Dots . Le regaló esta maqueta a Carmen Segretario, fundadora y propietaria de Segré Foundry de Waterbury, Connecticut . Durante décadas, Calder había utilizado los servicios de Segré Foundry para fabricar sus móviles y establos. Calder rubricaba personalmente cada pieza (sin importar cuántas copias se hicieran) con tiza blanca, después de lo cual un soldador seguía las marcas de tiza para grabar las iniciales en el trabajo. Calder murió en 1976, sin que se hubiera realizado una versión de tamaño completo de Two White Dots . En 1982, Segretario construyó una versión de tamaño completo de Two White Dots y la vendió en 1983 a la marchante de arte Shirley Teplitz por 70.000 dólares. La documentación de Segetario afirmaba que la obra había sido fabricada hacia 1974 "bajo la supervisión y dirección del Artista". [86] Two White Dots se vendió en una subasta en mayo de 1984 por 187.000 dólares. [87] Durante la siguiente década, la pieza se vendió repetidamente. En 1995, Jon Shirley (ex presidente de Microsoft y coleccionista de Calder) compró Two White Dots por 1 millón de dólares. Cuando Shirley presentó la obra a la Fundación Calder para su inclusión en su catálogo razonado, la Fundación cuestionó la autenticidad de la obra. La Galería André Emmerich devolvió el dinero a Shirley y demandó a la Fundición Segré, que solicitó protección por quiebra. La demanda se resolvió extrajudicialmente a finales de los años 1990. Two White Dots ahora reside al aire libre en una granja cerca de un río en las afueras de la pequeña ciudad de Washington, Connecticut . [86]
En 2013, Calder Estate presentó una demanda contra el patrimonio de su antiguo marchante, Klaus Perls , alegando que Perls había vendido Calders falsos y había ocultado la propiedad de 679 obras del artista. [88] Después de una batalla de alto perfil con mucha cobertura de prensa, la demanda fue desestimada por la jueza Shirley Werner Kornreich en la Corte Suprema del Estado de Nueva York . [89]
Calder y su esposa, Louisa, eran padres de dos hijas, Sandra (1935-2022) [90] y Mary (1939-2011). [91] El marido de Mary, Howard Rower (1939-2000), había sido presidente de la junta directiva de la Fundación Alexander y Louisa Calder. [92] Los dos hijos de Mary y Howard son Alexander SC "Sandy" Rower (1963), presidente de la Fundación Calder, [93] y Holton Rower (1962), vicepresidente de la Fundación. [79] Alexander Rower estableció la Fundación en 1987 con el apoyo de la familia Calder. Tiene cuatro hijos, entre ellos Gryphon Rower-Upjohn, experimentador sonoro, compositor, intérprete y curador en el campo de la cultura audiovisual, también conocido como Gryphon Rue. [94] [95]
Sandra Calder Davidson y su difunto marido, Jean Davidson, tuvieron un hijo, Shawn (1956), y una hija, Andréa (1961). [96] Shawn y Andréa son vicepresidentes de la Fundación Calder. [79] Jean Davidson era hijo del artista Jo Davidson . Sandra era ilustradora de libros infantiles. Caricaturizó a su familia y amigos como animales en el libro de 2013 The Calder Family and Other Critters: Portraits and Reflections. [97]
La familia Calder tiene una conexión de larga data con Putney School , un internado mixto progresista en Vermont. Las hijas de Calder asistieron a la escuela al igual que varios de sus nietos y bisnietos. [98] [99] Alrededor de 2007, la familia Rower donó un móvil de pie (un móvil que se sostiene sobre su propia base fija) a Putney. Un móvil de 13 pies cuelga en Calder Hall en el Centro Michael S. Currier del campus. [95]
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