Gaetana "Gae" Emilia Aulenti ( pronunciada [ˈɡaːe auˈlɛnti] ; 4 de diciembre de 1927 - 31 de octubre de 2012) fue una arquitecta y diseñadora italiana. Aulenti comenzó su carrera a principios de la década de 1950, estableciéndose como una de las pocas arquitectas destacadas en la Italia de la posguerra . [1] [2]
Aunque el modernismo fue el estilo arquitectónico internacional predominante durante gran parte del siglo XX , Aulenti se alejó de sus principios para adoptar la neo-libertad , una teoría arquitectónica y de diseño que defendía la relevancia de la tradición y la libertad artística dentro de la estética moderna. [3] [4] [5] [6] [7]
A lo largo de su carrera, Aulenti aplicó su experiencia en arquitectura y diseño a una amplia gama de campos, desde el diseño de muebles hasta proyectos arquitectónicos de gran escala. [8] [9] [10]
Aulenti es ampliamente reconocido por transformar la Gare d'Orsay en el Museo de Orsay . [11] Fue galardonada con el Chevalier de la Legion d'Honneur y la Ordine al Merito della Repubblica Italiana . [12] [13] [14]
Aulenti, nació en Palazzolo dello Stella en la región de Friuli en el noreste de Italia, hija de Aldo Aulenti, un contador y su esposa, Virginia Gioia, una maestra de escuela. [15] La familia Aulenti, con orígenes ancestrales en Calabria , Apulia y Campania , incluía a su abuelo paterno, que se desempeñó como magistrado, y a su abuelo materno, que era médico. [16] [17] [18]
Cuando Aulenti era niña, su familia se mudó a Biella , en la región del Piamonte , en el norte de Italia. Aulenti asistió a una escuela secundaria de artes visuales en Florencia ; sin embargo, durante la Segunda Guerra Mundial , se vio obligada a regresar a Biella, donde continuó sus estudios de forma privada. [18] Al reflexionar sobre su vida, Aulenti comentó que conocía a varios partisanos en el Piamonte, que depositaron su confianza en ella. Llevaba a cabo pequeñas misiones para los Aliados mientras fingía estar en una excursión tranquila al campo. [18]
Aunque Aulenti estudió inicialmente artes visuales , vio la oportunidad de contribuir a la reconstrucción de Italia y en 1948 se inscribió en el programa de arquitectura de la Universidad Politécnica de Milán . [19] [11] [18] Otros ex alumnos de la generación de Aulenti en el Politécnico incluyeron a Anna Castelli Ferrieri , Franca Stagi y Cini Boeri . [20] [21]
Milán era atractiva para los estudiantes, como Aulenti, porque había sido una ciudad abierta durante la Segunda Guerra Mundial y era rica en cultura y vida intelectual. [18] Entre las figuras culturales milanesas de esa época, Aulenti recordó al cineasta Luchino Visconti y al autor Elio Vittorini (a quien conoció), pero también figuras internacionales como Walter Gropius , Le Corbusier y Frank Lloyd Wright . [18]
Aulenti se casó con su compañero de la Politécnica Francesco Buzzi en 1959. [8] Tuvieron una hija, Giovanna Buzzi, pero se divorciaron tres años después. [22] Giovanna era cercana a su madre y la veía como una mentora. [22] La nieta de Aulenti también se convirtió en arquitecta. [23]
Aproximadamente un tercio de las estructuras construidas de Milán fueron destruidas en las hostilidades de la Segunda Guerra Mundial. [24] [25] La reconstrucción de Milán después de la guerra (parte del milagro económico italiano ) implicó grandes proyectos de diseño arquitectónico y urbano. [26] [18] Los arquitectos se enfrentaron al problema de reconstruir una ciudad de edificios históricos y culturales de renombre de una manera que reconociera los materiales, las técnicas y el estilo arquitectónicos modernos. [25] Fue en este contexto que Aulenti comenzó su carrera. [24]
Aulenti dijo:
Estoy convencido de que la arquitectura está ligada a la polis, es un arte de la ciudad, de la fundación, y como tal está necesariamente relacionada y condicionada por el contexto en el que nace. El lugar, el tiempo y la cultura crean esa arquitectura, en lugar de otra. [8]
De 1955 a 1965, Aulenti fue diseñador gráfico en Casabella-continuità , una revista milanesa centrada en la arquitectura y el diseño de vanguardia . [27] Trabajando bajo la dirección del editor en jefe Ernesto Nathan Rogers , Aulenti examinó la neo-liberty, una novedosa teoría arquitectónica italiana. [8] [5] [28] La neo-liberty postulaba que existe una continuidad entre los estilos arquitectónicos históricos y modernos en lugar de un final de uno y el comienzo de otro y que los elementos del pasado se pueden utilizar para mejorar el diseño contemporáneo. [29] Esto es contrario al modernismo que evita la ornamentación y coloca la función antes que la forma. [3] Aulenti explicó:
La arquitectura en la que quisiera reconocerme deriva de tres capacidades fundamentales de orden estético y no moral. La primera es la analítica, en el sentido de que debemos ser capaces de reconocer la continuidad de las huellas tanto conceptuales como físicas, urbanas y geográficas, como esencias específicas de la arquitectura. La segunda es la sintética, es decir, saber operar la síntesis necesaria para hacer prioritarios y evidentes los principios de la arquitectura. La tercera es la profética, propia de los artistas, poetas e inventores. [30] [31]
La interpretación de Aulenti de la neoliberalidad se ejemplifica en su primer mueble, la silla Sgarsul (1962), elaborada con madera de haya curvada y un asiento de cuero colgante con un suave acolchado de poliuretano. El diseño de la silla Sgarsul se inspira en la Mecedora n.º 1 (1862) de Michael Thonet . [32] [33] [34] En su vida posterior, Aulenti dijo sobre su obra:
Siempre he intentado que mi trabajo sea inclasificable, no aceptar reglas abstractas, no limitarme a especializaciones, sino abordar distintas disciplinas. El teatro, por ejemplo, para poder analizar textos literarios y musicales. El diseño de objetos como mundo complementario a los espacios arquitectónicos. La arquitectura como pasión básica donde la teoría y la práctica deben entrelazarse. Creo que la arquitectura es un trabajo intelectual interdisciplinario, un trabajo en el que la ciencia de la construcción y el arte están extremadamente integrados. [34]
Aulenti tuvo una prolífica carrera en diseño industrial. [35] [36]
Su colección de muebles Locus Solus, presentada en 1964, se inspiró en la finca que aparece en la novela homónima de Raymond Roussel de 1912. La colección incluía sillas, una mesa, una lámpara regulable, un sofá, una tumbona y un banco, todos ellos fabricados con acero tubular conformado en frío por la empresa de muebles Poltronova. La colección Locus Solus se utilizó como decoración de escenario en la película La Piscine (1969). En 2023, se produjo una réplica de la colección en blanco roto y amarillo para su venta comercial. [37] [38] [39]
Las lámparas diseñadas por Aulenti se destacaron por su estilo, innovación y función. [35] Por ejemplo, la lámpara Giova (1964) diseñada para Fontana Arte, un fabricante de iluminación y muebles, era un objeto centrípeto que funcionaba como lámpara, macetero, difusor de aroma y objeto de arte . [34] La lámpara Pipistrello (1965) fue otro de los primeros pero duraderos diseños de Aulenti. [40] [41] La lámpara presentaba un cuello que podía extenderse 20 cm, lo que permitía colocarla sobre una mesa o en el suelo. [41] [1] Fue fabricada por Elio Martinelli, el fundador de la empresa de iluminación Martinelli Luce, utilizando molduras de poli(metilacrilato) . [42] La lámpara de mesa Ruspa (1967) era un grupo modular de cuatro luces. La luz directa e indirecta de los reflectores incrustados se controlaba inclinando el cabezal de la lámpara. El Ruspa era poco convencional, ya que estaba fabricado en aluminio lacado en lugar de plástico . [43]
Olivetti , el fabricante de máquinas de oficina de precisión, contrató a Aulenti para diseñar sus salas de exposición en París (1967) y Buenos Aires (1968). [44] [33] Las máquinas de oficina, como las máquinas de escribir , se exhibieron en estructuras de escalones laminados blancos acentuados por radios radiantes de madera pulida oscura. Este diseño se inspiró en los escalones de una plaza y los patrones triangulares repetidos que se encuentran en las artes y artesanías africanas tradicionales . [45] [44] En el centro de la exhibición, una estructura alta y roja, parecida a una cápsula espacial , representaba el futuro. [44] La iluminación estuvo a cargo de la lámpara de pie Girasole de Aulenti en la que se colocaron nueve semicírculos de plástico transparente alrededor de una columna central y una bombilla oculta . [46] Aulenti describe su trabajo para Olivetti como el punto de partida fundamental de su carrera internacional. [18]
En 1968, Aulenti diseñó salas de exposición en Turín, Zúrich y Bruselas para el fabricante de automóviles Fiat . [47] Los coches se exhibían en fila india, cada uno sobre una plataforma metálica inclinada colocada contra paredes con espejos. [48] El cliente exploraba un punto de observación central, mientras los coches se organizaban, como si estuvieran conduciendo en una pista de carreras , a su alrededor. Los muebles para la sala de exposición fueron producidos a partir de los diseños de Aulenti por la empresa de muebles Kartell. En ese momento, Kartell estaba experimentando con el moldeo por inyección . [48] [14]
Aulenti colaboró con la casa de moda francesa Louis Vuitton para diseñar un reloj acompañado de un bolígrafo y un pañuelo de seda a juego. El diseño, conocido como "Monterey" (1988), se lanzó en dos versiones. El Monterey I presentaba elementos que recordaban a un reloj de bolsillo profusamente decorado , mientras que el Monterey II destacaba por su elegante caja de cerámica pulida negra. [49]
Aulenti también diseñó una línea de sanitarios de porcelana , a la que llamó colección "Orsay" (1996). [1]
La Gare d'Orsay (estación de tren de Orsay) fue construida en la orilla izquierda del Sena en 1900 según un plan de Victor Laloux . [50] [51] La estación terminal de estilo Beaux-Arts y el hotel conectado servían a los pasajeros que viajaban desde el suroeste de Francia a la capital. [52]
En 1975, el presidente francés, François Mitterrand , pidió al estudio de arquitectura francés ACT que iniciara un proyecto de reutilización adaptativa para convertir la Gare d'Orsay en un nuevo museo, el Musée d'Orsay . [53]
Inicialmente, Aulenti fue asignada únicamente al diseño interior del nuevo museo. Sin embargo, debido a desacuerdos entre ACT y los curadores, su rol se expandió para abarcar la planificación arquitectónica general del proyecto. [50] [54] Aulenti abogó con éxito por cambios en el diseño de ACT, que los curadores creían que estaba demasiado ligado a la estética neoclásica y era excesivamente ornamentado. [50] En el plan final, sin embargo, se conservaron algunas características de la Gare d'Orsay, incluido el techo abuhardillado , un reloj art nouveau ornamentado , grandes bustos de Mercurio y los azulejos con dibujos de rosas que cubren el techo. [53]
Aulenti dividió la estación en tres niveles. En la planta baja, el corredor principal fue realineado con el eje longitudinal del edificio y se colocó en una suave pendiente para formar un jardín de esculturas . [55] Se colocaron baldosas de piedra caliza , en varios tonos de blanco, en las superficies de la rampa, las plataformas de la rampa y, en un extremo del corredor, dos nuevas torres. [1] El antiguo reloj art nouveau está equilibrado por la escultura de Jean-Baptiste Carpeaux , Las cuatro partes del mundo que sostienen la esfera celeste. [55]
Se añadieron balcones que daban al corredor principal (normalmente llamado la " nave ") al entrepiso y al nivel superior ( ático ). [56] [57] La luz natural entra en el edificio desde el gran techo original de bóveda de cañón de cristal , las ventanas que dan a la Rue de Lille y desde los nuevos óculos . Al añadir iluminación artificial, Aulenti pudo conseguir una calidad de iluminación uniforme en todo el museo. [53]
Mitterrand inauguró el Museo de Orsay el 1 de diciembre de 1986. [55] Desde entonces, el diseño interior del museo se ha actualizado para incluir iluminación halógena, pisos de madera oscura y paredes grises. [58]
Charles Jencks , teórico cultural e historiador de la arquitectura, describió el Museo de Orsay como un ejemplo de un " museo posmoderno ", donde hay tensión debido a la necesidad de que el pasado exista en el presente y lo artístico en lo académico. [59] Jencks dijo: "El cobertizo del tren, un símbolo del poder y el materialismo del siglo XIX, se encuentra con un diseño de catedral del siglo XIII en un templo del siglo XX a las contradicciones del arte del siglo XIX". [60]
Escribió sobre el museo:
Los trenes lineales y adecuados también se adaptan a la secuencia histórica con resultados sorprendentes. Proporcionan un inicio, un medio y un final claros al suave paseo por la historia. En lo alto, la amplia bóveda de cañón de la antigua estación difunde una luz generosa que nos lleva suavemente hacia arriba en la progresión del arte francés. El suelo y el visitante también suben lentamente... Gae Aulenti ha articulado los muros a ambos lados de este espacio de la nave en tonos egipcios intensos, pero también con líneas de corriente horizontales que empujan hacia adelante... así, la estación de tren se convierte en una catedral con el pasillo izquierdo que alberga la vanguardia y el pasillo derecho que alberga la academia . En el medio, la nave mezcla a los dos competidores, pero no indiscriminadamente. [59]
El nuevo museo abrió sus puertas al público el 9 de diciembre de 1986 y recibió críticas mixtas. [61] [51] [62] [63] Paul Goldberger , crítico de arquitectura, escribió en The New York Times :
Lamentablemente, los resultados de este ambicioso proyecto no son, arquitectónicamente hablando, naturales en absoluto. Son artificiales, torpes e incómodos. El recién creado Museo de Orsay puede ser la conversión más ambiciosa de un edificio antiguo en un museo en la historia moderna de París, pero también es una obra de arquitectura profundamente insensible tanto a la Gare d'Orsay original como a las obras de arte que se supone que debe proteger y exhibir. No contribuirá a hacer avanzar el arte del diseño de museos y bien puede hacer retroceder una generación el negocio del "reciclaje" arquitectónico. [64]
Aulenti recibió el título de Caballero de la Legión de Honor en 1987. [8]
El Centro Pompidou , sede del Museo Nacional de Arte Moderno , se construyó entre 1972 y 1977 según un plan de Renzo Piano y Richard Rogers . El edificio de diez niveles, construido en vidrio y metal, fue diseñado con amplios espacios interiores para brindar flexibilidad en su uso. [65] [66]
Aulenti fue contratada para rediseñar la parte del Museo que ocupa el cuarto piso del centro, para crear espacios modulares más adecuados para exposiciones más pequeñas y para reducir la cantidad de luz natural que impacta las obras de arte. [67] [68] Aulenti creó galerías de diferentes tamaños a lo largo de un corredor-galería sin obstrucciones a lo largo del edificio, ubicado junto a las ventanas del oeste. [69] Instaló estantes, hornacinas y pedestales dentro de las galerías y creó pequeños corredores que conectaban las galerías para los artículos frágiles que requerían poca luz. [70] [65]
El propio museo posee varias piezas de la carrera de diseño de Aulenti, desde su silla plegable de acero inoxidable y cuero marrón de abril de 1964 hasta su rediseño de 2008 en toile vela (tela para exteriores) de color amarillo brillante. [71]
El Palazzo Grassi es una mansión del siglo XVIII situada en el Gran Canal de Venecia , Italia. En 1983, cuando el Palazzo era propiedad del grupo Fiat , se encargó a Aulenti que reformara el edificio como espacio para exposiciones de arte. [72] El Palazzo fue vaciado y reformado durante un período de trece meses, y reabrió sus puertas el 15 de abril de 1985. [73]
El edificio de tres niveles existente era oscuro y laberíntico, lo que hacía que sus características originales fueran difíciles de distinguir. [74] Aulenti examinó los edificios venecianos contemporáneos en busca de elementos asociados con el arquitecto original del Palazzo, Giorgio Massari . Después de reparar la mampostería original con ladrillos recuperados del siglo XIX , Aulenti arregló los nuevos servicios de una manera que dejara la mampostería restaurada intacta, incluso en futuras renovaciones. [72] La pintura se aplicó en una paleta de aguamarina sobre estuco con estampado de mármol rosa ( marmorino ). [72]
Aulenti y Piero Castiglioni, diseñador de iluminación italiano, crearon el sistema de iluminación Castello para el Palazzo. El sistema Castello, diseñado para ser flexible, se fabricó en aluminio con bombillas halógenas de bajo voltaje . Ganó el premio de diseño Compasso d'Oro en 1995. [75]
En los años siguientes, Aulenti regresó varias veces al Palazzo Grassi para diseñar exposiciones populares. I Fenici (1988) , I Celti (1991) e I Greci en Occidente (1996) fueron exposiciones arqueológicas de varios meses de duración diseñadas para los no académicos. [76] Al crear I Fenici (Los fenicios) con Sabatino Moscati , arqueólogo y curador de la exposición, Aulenti creó un camino para los visitantes con dos hilos conductores educativos distintos; primero, una exhibición tradicional de objetos arqueológicos categorizados por tipología y geografía y segundo, una exploración de la cultura fenicia . [76] La exhibición encarnaba la aptitud de Aulenti para el diseño de escenarios, presentando una duna de arena de color rosa salmón como escenario para ocho sarcófagos y una gran piscina para modelos de barcos. Además, Aulenti presentó información en grafitis y murales . [77]
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El Museu Nacional d'Art de Catalunya en el Palau Nacional , Barcelona , sede de la colección de artes visuales catalanas , fue construido en Montjuïc para la Exposición Universal de 1929. [78] Como parte de un equipo de diseño que incluía a Enric Steegman y Josep Benedito, entre 1985 y 1992, Aulenti reformó el Saló Oval (la sala principal) y consolidó dos salas de exposiciones temporales para los Juegos Olímpicos de Verano de 1992. [79] [80] [81] Se añadió vidrio a las paredes exteriores del Saló Oval para una mejor iluminación y, una vez más, Castiglioni creó el plan de iluminación artificial. [79] [82]
Aulenti diseñó la cancillería de la Embajada de Italia (2004) y el Instituto Cultural Italiano (2005) en Tokio . [34] [83] En el Instituto Cultural Italiano, Aulenti utilizó un revestimiento de color RAL 3011 , un tono marrón rojizo que fue controvertido debido a la intensidad percibida del color. [34] [84] En el décimo aniversario de la muerte de Aulenti, el Instituto Cultural Italiano en Tokio presentó una exposición de sus dibujos, fotografías, modelos y materiales llamada Uno sguardo sul Giappone e sul mondo (Una mirada a Japón y al mundo). [83]
Otros proyectos de Aulenti incluyen la conversión de Scuderie del Quirinale, el Palacio del Quirinal , Roma en un espacio de exposición para el Gran Jubileo de 2000 , el rediseño del Museo de Arte Asiático de San Francisco (2003), la restauración del Palazzo Branciforte en Palermo , Sicilia (2007) y la expansión del Perugia San Francesco d'Assisi (Aeropuerto Internacional de Umbría) para el 150 aniversario de la unificación de Italia (2011). [85] [86] En 1991, Aulenti convirtió un granero del siglo XVII en la finca Torrecchia Vecchia en Lazio en una villa para Carlo Caracciolo . [87] Aulenti diseñó el Pabellón Italiano en la Expo de Sevilla '92 y la remodelación de Piazzale Cadorna (2000) en Milán. [30] El Colegio Città degli Studi (1994), en Briella, fue uno de los pocos proyectos arquitectónicos independientes de Aulenti. [2]
Aulenti y Luca Ronconi , director y productor de teatro, fundaron el Laboratorio di Progettazione Teatrale (el taller de diseño del Teatro de Prato ) a finales de los años 1970. [88] Juntos, montaron 16 producciones, entre ellas Calderón de Pier Paolo Pasolini , Le Baccanti de Eurípide y La Torre de Hugo von Hofmannsthall . [89] [90]
En su diseño escénico, Aulenti se inspiró en la obra de Filippo Tommaso Marinetti , Un manifiesto del teatro de variedades (1913) . Marinetti rechazó la imitación de lo histórico y la reproducción obsesiva de la vida cotidiana. En cambio, eligió la libertad en el diseño, el uso de un fondo cinematográfico y conceptos imaginativos, satíricos y futuristas. [91] Aulenti no se basó en lienzos y planos para proporcionar perspectiva. En cambio, dividió el escenario con estructuras, como plataformas y escalones, para dar contexto a la acción. [9] [8] [91] [92]
En La Scala en 1977, Aulenti creó el diseño escénico para Wozzeck , la ópera atonal de Alban Berg . Claudio Abbado fue el director con Gloria Lane y Guglielmo Sarabia como actores principales. [93] La hija de Aulenti, Giovanna Buzzi, diseñó el vestuario. [8]
El crítico musical francés Jacques Lonchampt reseñó la producción en Le Monde . Describió el escenario como un recinto cerrado por un gran muro "aplastante" y una puerta de prisión, y el escenario en sí, una "cinta transportadora", que arrancaba y se detenía pero que llevaba inexorablemente a los personajes hacia la prisión. [94]
Lonchampt escribió:
Este recurso tiene el gran inconveniente de elevar bastante el escenario y de distanciar a los cantantes de la sala. El sonido se pierde en las crujías y en las primeras filas, al menos, las voces parecen delgadas, sin fuerza ni resonancia… irreales… lo cual es grave en una obra con cuadros tan breves, donde el oyente debe sentir la presencia física de los personajes desde el primer momento. [94]
El musicólogo italiano Massimo Mila reseñó esta producción en La Stampa . Describió una construcción de tableros móviles que cambiaban de color con diferentes luces. [95] El mecanismo móvil trajo elementos de utilería como una silla y una mesa o mantas y colchones dispuestos de manera irregular a la escena. Mila pensó que el diseño del escenario era efectivo hasta que el ruido de algunos movimientos no deseados del dispositivo interrumpió la actuación. [95]
Nicholas Vitaliano, biógrafo de Ronconi, escribió que Aulenti y Ronconi querían diseñar una "máquina escénica", una superficie móvil que atravesara todo el escenario, que de otro modo quedaría en una oscuridad casi total. [96]
El diseño escénico de Aulenti para la producción de Ronconi de la ópera de Rossini , Il viaggio a Reims ( Viaje a Reims) en el Festival de Ópera Rossini en Pesaro (1984) involucró monitores de televisión en el escenario. [97] Desde su posición en el escenario, los operadores de video filmaron la actuación y, en tiempo real, transmitieron las grabaciones, como primeros planos de los cantantes, a los monitores. [98] Además, los actores (interpretando al rey y su séquito) fueron filmados procesando en las calles fuera del teatro. [97] [98] Los monitores de televisión alrededor de la ciudad transmitieron la acción dentro del teatro mientras que los monitores del teatro reprodujeron la acción en las calles. [97] Los críticos italianos elogiaron esta puesta en escena, pero los críticos del Reino Unido y los Estados Unidos no lo hicieron. [97]
El estreno de Samstag aus Licht de Karlheinz Stockhausen fue producido por Ronconi para La Scala (1984). [99] La Scala era demasiado pequeña para el público esperado y por eso la producción se trasladó al Palazzo dello Sport (el centro deportivo de Milán). [100] En el espacio del estadio, Aulenti y Ronconi crearon un espectáculo . En el acto, "La danza de Lucifer", el "espíritu de la negación" apareció en zancos frente a un rostro humano muy grande. El personaje en zancos controlaba el rostro a través de la música de una banda de viento que estaba sentada en un marco vertical en el escenario. [101]
Aulenti también creó los diseños escénicos para Elektra de Richard Strauss en Milán (1984) y El pato salvaje de Henrik Ibsen en Génova . [8]
Aulenti diseñó espacios expositivos tanto en Italia como en el extranjero. [102] [30]
En el Museo Solomon R. Guggenheim de la ciudad de Nueva York , Aulenti diseñó el espacio de exposición para The Italian Metamorphosis 1943–1968 (1994), una exposición de arte y diseño de posguerra comisariada por Germano Celant . Aulenti creó una gran escultura de triángulos de alambre que se proyectaba hacia el atrio del museo . La perspectiva de los visitantes sobre la escultura cambiaba gradualmente a medida que subían por la rampa. [103] [104] Benjamin Buchloh comentó que los diseñadores, como Aulenti, pueden resaltar su propia estética arquitectónica "marca registrada" incorporándola al diseño de su exposición. Fue crítico, sugiriendo que esto va en detrimento de la obra artística o el objeto que se muestra. Buchloch describió el diseño en "zig-zag" de Aulenti, cuando se coloca en el espacio curvo del Guggenheim, como una " vagina dentata ". [105]
Aulenti estuvo asociada a la Trienal de Milán durante muchos años. [8] Presentó su propia obra, "Apartamento ideal para un lugar urbano" en la exposición La casa e la scuola de la 12ª Trienal en 1960.
En 1964, ganó el Gran Premio Internacional por Arrivo al Mare (Llegada a la orilla del mar). En esta obra, Aulenti instaló una gran sala de espejos con múltiples recortes de tamaño natural, dibujados a color, de mujeres con túnicas sencillas, de pie bajo un techo de tiras de tela colgantes. La obra estaba inspirada en Pablo Picasso . [12] [106]
Aulenti fue miembro del comité ejecutivo de la Trienal entre 1977 y 1980. Diseñó espacios para instalaciones en exposiciones como Made in Italy? (1951-2001, 2001). [107]
De 1955 a 1965, Aulenti fue miembro del equipo editorial de la revista de diseño Casabella-Continuità . Aulenti escribió dos artículos para Casabella: Arquitectura soviética (1962) y Marin County (1964). [12] De 1954 a 1962, Aulenti fue miembro del equipo editorial de Lotus International , la revista trimestral de arquitectura milanesa. [6]
Como docente, Aulenti fue profesora adjunta de composición arquitectónica (1960-1962) en la Universidad Ca' Foscari de Venecia , profesora adjunta de elementos de composición arquitectónica (1964) en el Politécnico de Milán y profesora visitante en la Facultad de Arquitectura de Barcelona y en el Centro Cultural de Estocolmo (1969-1975). [6] También enseñó en la Escuela de Arquitectura de Milán (1964-1967). [12]
Aulenti fue miembro del Movimento Studi per I'Architettura de Milán (1955-1961) y de la Asociación de Diseño Industrial de Milán (1960 y vicepresidente en 1966). [12]
El 31 de octubre de 2012, Aulenti murió en su casa en el distrito de Brera de Milán como resultado de una enfermedad crónica. [108] Esto ocurrió quince días después de su última aparición pública, cuando recibió la Medalla de Oro por los Logros de Toda una Vida en la Trienal de Milán. [14] Al mediodía del 4 de noviembre de 2012, se celebró un servicio conmemorativo en la sala Ridotto dei Palchi en La Scala. [23]
Diez días después de su muerte, se inauguró la importante obra de Aulenti, la ampliación del Aeropuerto Internacional de Perugia San Francesco d'Assisi – Umbria , proyectada con ocasión del 150º aniversario de la unificación de Italia . [30] [23]
En diciembre de 2012, la Piazza Gae Aulenti fue dedicada a la memoria de Aulenti. Es un espacio público contemporáneo rodeado de empresas privadas en el barrio de Isola, cerca de la estación de tren Porta Garibaldi . La plaza tiene 100 metros de diámetro y está construida a 6 metros sobre el nivel del suelo. Hay tres grandes fuentes con un paseo marítimo que se extiende hasta el centro de la plaza. [109]
Tras la muerte de Aulenti, la Trienal de Milán y el Archivio Gae Aulenti crearon una exposición que recuerda su vida y su obra. Se trata de una secuencia de salas que recrean, a escala real, varios de sus proyectos de diseño de interiores, incluida la sala Arrivo al Mar e. En el centro de la exposición se exhiben las obras de diseño industrial de Aulenti y, alrededor del perímetro, una exposición de los documentos de Aulenti. [107] [110]
De 2020 a 2021, el Vitra Design Museum , un museo privado en Alemania, presentó la exposición Gae Aulenti: Un universo creativo . [33]
Para el décimo aniversario de la muerte de Aulenti, Open House – Milán y el patrimonio de Aulenti crearon una exposición que destaca la contribución de Aulenti a la arquitectura, eligiendo un proyecto de cada una de las ciudades de la red Open House Italia: Milán (Piazza Cadorna), Nápoles (Piazza Dante), Roma (Scuderie del Quirinale) y Turín (Palavela). [30]
Una selección de los documentos, dibujos y diseños de Aulenti, incluidos los dibujos de diseño para el Museo de Arte Asiático de San Francisco, California, se conservan en el Archivo Internacional de Mujeres en la Arquitectura en la Biblioteca Newman, en Virginia Tech . [111] Los dibujos, el material fotográfico y los modelos de diseño bajo plexiglás de Aulenti se conservan en el Sistema Informativo Unificato per le Soprintendenze Archivistiche (SIUSA). [112] La nieta de Aulenti, Nina Artioli, es la curadora del archivo de Aulenti en Milán. [34]
Los arquitectos Marco Bifoni, Francesca Fenaroli y Vittoria Massa continúan bajo el nombre de Aulenti como GA Architetti Associati. [113]
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