Agnes Bernice Martin RCA (22 de marzo de 1912 - 16 de diciembre de 2004) fue una pintora abstracta estadounidense conocida por su estilo minimalista y expresionismo abstracto . [1] [2] Nació en Canadá, se mudó a los Estados Unidos en 1931, donde realizó estudios superiores y se convirtió en ciudadana estadounidense en 1950. El viaje artístico de Martin comenzó en la ciudad de Nueva York , donde se sumergió en el arte moderno y desarrolló un profundo interés por la abstracción. A pesar de que a menudo se la etiquetaba de minimalista, se identificaba más con el expresionismo abstracto. Su obra ha sido definida como un "ensayo de discreción, interioridad y silencio". [3]
Martin creció en la zona rural de Canadá y recibió la influencia del desierto de Nuevo México . Su arte se caracterizaba por composiciones serenas con cuadrículas y líneas. Sus obras eran predominantemente monocromáticas y empleaban colores sutiles como el negro, el blanco y el marrón. El enfoque minimalista de Martin transmitía tranquilidad y espiritualidad , y sus pinturas solían llevar nombres positivos que reflejaban su filosofía.
Su carrera incluyó numerosas exposiciones, con un total de más de 85 muestras individuales, y la participación en eventos importantes como la Bienal de Venecia y la Documenta . El trabajo de Martin ganó reconocimiento por su contribución única al arte contemporáneo, y recibió premios como la Medalla Nacional de las Artes del Fondo Nacional para las Artes en 1998. [4] Fue elegida miembro de la Real Academia Canadiense de las Artes en 2004. [5]
A pesar de sus luchas personales con la esquizofrenia , la dedicación de Martin a su arte persistió y su legado continúa inspirando a los artistas contemporáneos. Documentales y películas han explorado su vida y su obra, arrojando luz sobre su proceso artístico y su impacto. Más allá del mundo del arte, su influencia se extiende a la cultura popular, como se ve en un doodle de Google y una canción dedicada a ella. La visión artística de Martin, que combina el minimalismo y la espiritualidad, sigue siendo una fuerza perdurable e influyente en el ámbito del arte abstracto .
Agnes Bernice Martin nació en 1912 en Macklin, Saskatchewan , hija de granjeros presbiterianos escoceses , una de cuatro hijos. [2] [3] [6] A partir de 1919, creció en Vancouver . [7] : 237 Se mudó a los Estados Unidos en 1931 para ayudar a su hermana embarazada, Maribel, en Bellingham, Washington. [8] :29 Prefirió la educación superior estadounidense y se convirtió en ciudadana estadounidense en 1950. [9] Martin estudió en la Facultad de Educación de la Western Washington University , Bellingham, Washington , antes de recibir su licenciatura (1942) del Teachers College, Universidad de Columbia . [10] Fue mientras vivía en Nueva York que Martin se interesó en el arte moderno y estuvo expuesta a artistas como Arshile Gorky (1904-1948), Adolph Gottlieb (1903-1974) y Joan Miró (1893-1983). [5] Tomó una multitud de clases de estudio en el Teachers College y comenzó a considerar seriamente una carrera como artista.
En 1947, asistió a la Escuela de Campo de Verano de la Universidad de Nuevo México en Taos, Nuevo México . [7] : 237 Después de escuchar conferencias del erudito budista zen DT Suzuki en Columbia, se interesó en el pensamiento asiático, no como una disciplina religiosa, sino como un código de ética, un cómo práctico para salir adelante en la vida. [10] Unos años después de la graduación, Martin se matriculó en la Universidad de Nuevo México , Albuquerque, donde también impartió cursos de arte antes de regresar a la Universidad de Columbia para obtener su maestría (1952) en arte moderno. [11] Se mudó a la ciudad de Nueva York en 1957 y vivió en un loft en Coenties Slip en el bajo Manhattan. [7] : 238 Coenties Slip también fue el hogar de varios otros artistas y sus estudios. [5] Había un fuerte sentido de comunidad, aunque cada uno tenía sus propias prácticas y temperamentos artísticos. Coenties Slip también fue un refugio para la comunidad queer en la década de 1960. Se especula que Martin estuvo involucrada románticamente con la artista Lenore Tawney (1907-2007) durante este tiempo. [5] [12] Una pionera de su tiempo, Martin nunca expresó públicamente su sexualidad, pero ha sido descrita como una "homosexual encubierta". [13] La biografía de 2018 Agnes Martin: Pioneer, Painter, Icon describe varias relaciones románticas entre Martin y otras mujeres, incluida la comerciante Betty Parsons . [14] A menudo empleaba una lente feminista cuando criticaba el trabajo de sus colegas artistas. Jaleh Mansoor , una historiadora del arte, afirmó que Martin estaba "demasiado involucrada en una relación feminista para practicar, tal vez, como para objetivarla y etiquetarla como tal". [15] Vale la pena señalar que la propia Martin no se identificó como feminista e incluso una vez le dijo a un periodista del New Yorker en una entrevista que pensaba que "el movimiento de mujeres había fracasado". [5] [16]
Se sabía públicamente que Martin tenía esquizofrenia , [17] aunque no se documentó hasta 1962. [5] Incluso una vez optó por la terapia de electroshock para el tratamiento en el Hospital Bellevue de Nueva York. [3] Martin contó con el apoyo de sus amigos de Coenties Slip, quienes se reunieron después de uno de sus episodios para solicitar la ayuda de un respetado psiquiatra, que como coleccionista de arte era amigo de la comunidad. Sin embargo, su lucha fue en gran medida privada e individual, y se desconoce el efecto total de la enfermedad mental en su vida. [5]
Martin abandonó la ciudad de Nueva York abruptamente en 1967, desapareciendo del mundo del arte para vivir sola. [17] Después de dieciocho meses de acampada en la carretera por Canadá y el oeste de los Estados Unidos, Martin se instaló en Mesa Portales, cerca de Cuba, Nuevo México (1968-1977). [5] Alquiló una propiedad de 50 acres y vivió una vida sencilla en una casa de adobe que construyó para sí misma, añadiendo otros cuatro edificios a lo largo de los años. [5] Durante estos años no pintó, hasta 1971, cuando el comisario Douglas Crimp se puso en contacto con ella , interesado en organizar su primera exposición individual no comercial. Posteriormente, Martin empezó a escribir y a dar conferencias en varias universidades sobre su obra. [ 5] Poco a poco, el interés de Martin por la pintura también se renovó. Se acercó a la galería Pace para hablar de su obra y el fundador de la galería, Arne Glimcher (nacido en 1938), se convirtió en su marchante de por vida. [5] Finalmente, cuando pudo poseer su propia propiedad, se mudó a Galisteo, Nuevo México , donde vivió hasta 1993. [7] : 240 Allí también construyó una casa de adobe, pero siguió eligiendo un estilo de vida austero. Aunque todavía prefería la soledad y vivía sola, Martin era más activa en el mundo del arte, viajando mucho y exponiendo en Canadá, Estados Unidos e internacionalmente. [4] En 1993 se mudó a una residencia de retiro en Taos, Nuevo México , donde vivió hasta su muerte en 2004. [7] : 242
Muchos de sus cuadros llevan nombres positivos, como Felices vacaciones (1999) y Amo al mundo entero (2000). [3] En una entrevista de 1989, hablando de su vida y su pintura, Martin dijo: "La belleza y la perfección son lo mismo. Nunca ocurren sin la felicidad". [2]
Su obra está más estrechamente asociada con Taos, [18] con algunos de sus primeros trabajos visiblemente inspirados por el ambiente desértico de Nuevo México. [3] Sin embargo, también hay una fuerte influencia de su temprana crianza en la Canadá rural, particularmente las vastas y tranquilas praderas de Saskatchewan. [5] Aunque se describió a sí misma como una pintora estadounidense, nunca olvidó sus raíces canadienses, regresando allí después de dejar Nueva York en 1967, así como durante sus extensos viajes en la década de 1970. [5] Algunas de las primeras obras de Martin han sido descritas como campos de granjeros simplificados, y la propia Martin dejó su trabajo abierto a la interpretación alentando comparaciones de sus lienzos monocromáticos sin adornos con paisajes. [5]
Se mudó a la ciudad de Nueva York por invitación de la artista y dueña de la galería Betty Parsons en 1957 (las mujeres se habían conocido antes de 1954). Ese año, se instaló en Coenties Slip en el bajo Manhattan, donde sus amigos y vecinos, varios de los cuales también estaban afiliados a Parsons, incluían a Robert Indiana , Ellsworth Kelly , Jack Youngerman y Lenore Tawney . Barnett Newman promovió activamente el trabajo de Martin y ayudó a instalar las exposiciones de Martin en Betty Parsons Gallery a partir de fines de la década de 1950. [18] Otro amigo cercano y mentor fue Ad Reinhardt . [19] En 1961, Martin contribuyó con una breve introducción a un folleto para la primera exposición individual de su amiga Lenore Tawney , la única ocasión en la que escribió sobre el trabajo de un compañero artista. [20] En 1967, Martin abandonó su vida en Nueva York. Las razones citadas incluyen la muerte de su amigo Ad Reinhardt, la demolición de muchos edificios en Coenties Slip y una ruptura con la artista Chryssa con quien Martin había salido intermitentemente durante la década de 1960. [14] En sus diez años viviendo en Nueva York, Martin fue hospitalizada con frecuencia para controlar los síntomas de esquizofrenia que se manifestaban en la artista de varias maneras, incluidas alucinaciones auditivas y estados de catatonia: en varias ocasiones recibió terapia electroconvulsiva en el Hospital Bellevue de Manhattan . [14] Después de que Martin dejó Nueva York, condujo por el oeste de los EE. UU. y Canadá, estableciéndose en Cuba, Nuevo México durante unos años (1968-1977), y luego en Galisteo, Nuevo México (1977-1993). [7] : 240–242 En ambas casas de Nuevo México, ella misma construyó estructuras de ladrillos de adobe. [2] No volvió al arte hasta 1973 y se distanció conscientemente de la vida social y de los acontecimientos sociales que llevaban a otros artistas a la luz pública. [14] Colaboró con el arquitecto Bill Katz en 1974 en una cabaña de troncos que utilizaría como estudio. [21] Ese mismo año, completó un grupo de nuevas pinturas y a partir de 1975 se exhibieron regularmente.
En 1976 hizo su primera película, Gabriel , una película de paisajes de 78 minutos en la que aparece un niño pequeño dando un paseo. [22] Una segunda película, Captivity , nunca se completó después de que el artista arrojara el corte preliminar al vertedero de la ciudad. [14]
Según una entrevista filmada con ella que se publicó en 2003, se había mudado de la ciudad de Nueva York solo cuando le dijeron que su loft/espacio de trabajo/estudio alquilado ya no estaría disponible debido a la inminente demolición del edificio. Continuó afirmando que no podía concebir trabajar en ningún otro espacio en Nueva York. Cuando murió a los 92 años, se dijo que no había leído un periódico en los últimos 50 años. Los ensayos en el libro dedicado a la exhibición de su trabajo en Nueva York en The Drawing Center (que también viajó a otros museos) en 2005 -3x abstraction- analizaron la dimensión espiritual en el trabajo de Martin. [23] La biografía de 2018 Agnes Martin: Pioneer, Painter, Icon fue el primer libro que exploró su relación con las mujeres y su vida temprana con gran detalle, y fue escrita en colaboración con la familia y amigos de Martin.
Además de un par de autorretratos y algunos paisajes en acuarela, las primeras obras de Martin incluyeron pinturas biomórficas en colores tenues realizadas cuando la artista tuvo una beca para trabajar en Taos entre 1955 y 1957. Sin embargo, hizo todo lo posible por buscar y destruir pinturas de los años en que estaba dando sus primeros pasos en la abstracción. [19] [24]
Martin elogió a Mark Rothko por haber "llegado a cero para que nada pudiera interponerse en el camino de la verdad". Siguiendo su ejemplo, Martin también redujo a los elementos más reductivos para fomentar una percepción de perfección y enfatizar la realidad trascendente. [25] Su estilo característico se definió por un énfasis en la línea, las cuadrículas y los campos de color extremadamente sutiles. Particularmente en sus años de avance de principios de la década de 1960, creó lienzos cuadrados de 6 × 6 pies que estaban cubiertos de cuadrículas de grafito densas, diminutas y suavemente delineadas. [26] En la exposición Systemic Painting de 1966 en el Museo Solomon R. Guggenheim , las cuadrículas de Martin fueron celebradas como ejemplos de arte minimalista y se colgaron entre obras de artistas como Sol LeWitt , Robert Ryman y Donald Judd . [27] Sin embargo, aunque minimalistas en forma, estas pinturas eran bastante diferentes en espíritu de las de sus otras contrapartes minimalistas, conservando pequeños defectos y rastros inconfundibles de la mano del artista; Se apartó del intelectualismo y prefirió lo personal y lo espiritual. Sus pinturas, declaraciones y escritos influyentes a menudo reflejaban un interés por la filosofía oriental, especialmente la taoísta . Debido a la dimensión espiritual añadida a su obra, que se volvió cada vez más dominante después de 1967, prefirió ser clasificada como expresionista abstracta . [1] [2]
Martin trabajó solo en negro, blanco y marrón antes de mudarse a Nuevo México. La última pintura antes de que abandonara su carrera y se fuera de Nueva York en 1967, Trumpet , marcó un cambio en el sentido de que el único rectángulo evolucionó hacia una cuadrícula general de rectángulos. En esta pintura, los rectángulos se dibujaron a lápiz sobre lavados desiguales de pintura translúcida gris. [28] En 1973, regresó a la creación artística y produjo una carpeta de 30 serigrafías, On a Clear Day . [29] Durante su tiempo en Taos, introdujo lavados de pastel claros en sus cuadrículas, colores que brillaban con la luz cambiante. [30] Más tarde, Martin redujo la escala de sus pinturas cuadradas de 72 × 72 a 60 × 60 pulgadas, [31] y cambió su trabajo para usar bandas de color etéreo. [32] Otro cambio fue una modificación, si no un refinamiento, de la estructura de la cuadrícula, que Martin ha utilizado desde fines de la década de 1950. En Untitled No. 4 (1994), por ejemplo, se podían apreciar las suaves estrías de las líneas de lápiz y las capas de colores primarios de pintura acrílica diluida mezclada con yeso. Las líneas que rodeaban esta pintura no estaban medidas con una regla, sino que estaban marcadas intuitivamente por el artista. [31] En la década de 1990, la simetría solía dar paso a bandas horizontales de anchos variables.
Lawrence Alloway señaló que Martin pertenece a la primera generación del estilo expresionista abstracto, lo cual es significativo y "muestra su compromiso con la temática exaltada" y su capacidad para "transformarla en el lenguaje de la pintura que da a las obras su aura de dignidad silenciosa". [ Esta cita necesita una cita ]
Desde su primera exposición individual en 1958, la obra de Martin ha sido objeto de más de 85 exposiciones individuales y dos retrospectivas, incluida la muestra Agnes Martin , organizada por el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York, que luego viajó a Jamaica (1992-1994) y Agnes Martin: Paintings and Drawings 1974-1990 organizada por el Museo Stedelijk de Ámsterdam, con sedes posteriores en Francia y Alemania (1991-1992). En 1998, el Museo de Bellas Artes de Santa Fe, Nuevo México, montó Agnes Martin Works on Paper. En 2002, la Colección Menil , Houston, montó Agnes Martin: The Nineties and Beyond . Ese mismo año, el Museo de Arte Harwood de la Universidad de Nuevo México , Pandora, organizó Agnes Martin: Paintings from 2001 , así como un simposio en honor a Martin con motivo de su 90 cumpleaños.
Además de participar en una serie internacional de exposiciones colectivas como la Bienal de Venecia (1997, 1980, 1976), la Bienal de Whitney (1995, 1977) y Documenta , Kassel, Alemania (1972), Martin ha recibido múltiples honores, entre ellos el Premio a la trayectoria en nombre del Women's Caucus for Art de la College Art Association (2005); Miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias (1992); [33] el Premio del Gobernador a la Excelencia y los Logros en las Artes otorgado por el Gobernador Gary Johnson , Santa Fe, Nuevo México (1998); la Medalla Nacional de las Artes [34] otorgada por el Presidente Bill Clinton y el National Endowment for the Arts (1998); el Premio al Artista Distinguido por los Logros de toda una Vida de la College Art Association (1998); el León de Oro por la Contribución al Arte Contemporáneo en la Bienal de Venecia (1997); el Premio Oskar Kokoschka otorgado por el gobierno austríaco (1992); el Premio Alexej von Jawlensky otorgado por la ciudad de Wiesbaden, Alemania (1991); y la elección a la Academia Americana y el Instituto de Artes y Letras , Nueva York (1989). [35]
Desde su muerte en 2004 se siguen realizando exposiciones, entre ellas Agnes Martin: Closing the Circle, Early and Late, del 10 de febrero de 2006 al 4 de marzo de 2006 en la galería Pace. [24] Se han celebrado otras exposiciones en Nueva York, Zúrich, Londres, Dublín, Edimburgo, Cambridge (Inglaterra), Aspen, Albuquerque y Columbia Británica en Canadá. [36] En 2012, el Museo de Arte Harwood de Taos (Nuevo México) y la Universidad de Nuevo México inauguraron una exposición en todo el museo titulada Agnes Martin Before the Grid en honor a su centenario. Esta exposición fue la primera en centrarse en el trabajo y la vida de Martin antes de 1960. La exposición se centró en muchas obras nunca antes vistas que Martin creó en Columbia, Coentis Slip y en sus primeros años en Nuevo México. También fue la primera en considerar la lucha de Martin con la salud mental, la sexualidad y la importante relación de Martin con Ad Reinhardt. En 2015, la Tate Modern realizó una retrospectiva de su vida y carrera desde la década de 1950 hasta su último trabajo en 2004, que viajará a otros museos después de la muestra en Londres. [3] [37] En el Museo de Arte de la Universidad de Michigan , Martin apareció en la exposición Reductive Minimalism: Women Artists in Dialogue, 1960-2014 , que examinó las dos generaciones de arte minimalista una al lado de la otra, desde octubre de 2014 hasta enero de 2015. [38] [39] La exposición incluyó a Anne Truitt , Mary Corse y las artistas contemporáneas Shirazeh Houshiary y Tomma Abts . [38]
También apareció en White on the White: Color, Scene, and Space en el Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de Hiroshima . Desde octubre de 2015 hasta abril de 2016, Martin estuvo expuesta en Opening the Box: Unpacking Minimalism en The George Economou Collection en Atenas, Grecia junto a Dan Flavin y Donald Judd . De 2015 a 2017 tuvo numerosas exposiciones individuales, algunas en el Museo de Arte de Aspen en Aspen Colorado, Tate Modern en Londres, K20 , Kunstsammlung Nordhein-Westfalen en Düsseldorf, Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) en Los Ángeles, Museo Solomon R. Guggenheim en el Upper East Side, en el Palacio de los Gobernadores , el Museo de Historia de Nuevo México en Santa Fe. Ha aparecido en la exposición en curso Intuitive Progression en el Centro de Arte Fisher Landau en Long Island City, Nueva York, desde febrero de 2017 hasta agosto de 2017. [40]
En 2016, se presentó una exposición retrospectiva de sus obras desde la década de 1950 hasta 2004 en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York. [41] En 2016, también apareció en la Exposición Dansaekhwa y Minimalismo en Blum & Poe, Los Ángeles [42] y a principios de año en la muestra titulada Aspectos del minimalismo: Selecciones de las colecciones del East End en el Museo Guild Hall en East Hampton, Nueva York. [43]
También apareció en Making Space: Women Artists and Postwar Abstraction en el Museo de Arte Moderno de Midtown, Nueva York, que arrojó luz sobre las mujeres artistas que trabajaron después de la Segunda Guerra Mundial y antes del inicio del movimiento feminista . La exposición se realizó de abril de 2017 a agosto de 2017 y contó con Lee Krasner , Helen Frankenthaler y Joan Mitchell , Lygia Clark , Gego , Magdalena Abakanowicz , Louise Bourgeois y Eva Hesse . [40]
El trabajo de Martin se puede encontrar en importantes colecciones públicas en los Estados Unidos, incluyendo el Museo de Arte de Nuevo México , Santa Fe, NM; Galería de Arte Albright-Knox , Buffalo, NY; La Fundación Chinati , Marfa, TX; Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas , Institución Smithsonian, Washington, DC; Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles ; La Colección Menil , Houston, TX; Museo Metropolitano de Arte , Nueva York; El Museo de Arte Moderno , Nueva York; Galería Nacional de Arte , Washington, DC; Museo de Arte Nelson-Atkins , Kansas City; Museo de Arte Moderno de San Francisco ; Museo Solomon R. Guggenheim , Nueva York; Museo de Arte Wadsworth Atheneum , Hartford; Centro de Arte Walker , Minneapolis; Museo Whitney de Arte Estadounidense , Nueva York; y Centro de Arte de Des Moines , Des Moines, IA, entre otros. Su trabajo está en "visión a largo plazo" y forma parte de los fondos permanentes de la Fundación de Arte Dia , Beacon, Nueva York. [24]
Las obras internacionales de Martin se encuentran en la Tate , Londres y en el Magasin 3 Stockholm Konsthall, Estocolmo, Suecia. [1] [37]
En 2007, Loving Love (2000) de Martin se vendió por 2,95 millones de dólares en Christie's , Nueva York. [26] En 2015, Untitled #7 (1984), una pintura acrílica blanca con líneas geométricas a lápiz, se vendió por 4,2 millones de dólares en Phillips en Nueva York. [44] En 2016, su Orange Grove se vendió en una subasta por 13,7 millones de dólares, el mismo año en que el Guggenheim realizó una retrospectiva de su obra. [45]
Martin se convirtió en una inspiración para artistas más jóvenes, desde Eva Hesse hasta Ellen Gallagher . [46]
Su imagen está incluida en el icónico cartel de 1972 Algunas mujeres artistas estadounidenses vivas de Mary Beth Edelson . [47]
En 1994, el Museo de Arte Harwood en Taos, parte de la Universidad de Nuevo México , anunció que renovaría su edificio de estilo renacentista Pueblo y dedicaría un ala al trabajo de Martin. [48] La galería fue diseñada de acuerdo con los deseos del artista para acomodar el regalo de Martin de siete grandes pinturas sin título realizadas entre 1993 y 1994. [49] Una firma de arquitectura de Albuquerque, Kells & Craig, diseñó la galería octogonal con un óculo instalado en lo alto y cuatro bancos amarillos de Donald Judd colocados directamente debajo del óculo. [50] [51] La donación de las pinturas y el diseño y la construcción de la galería fueron negociados y supervisados por Robert M. Ellis , director del Harwood en ese momento y amigo cercano de Martin. En la actualidad, la Galería Agnes Martin atrae a visitantes de todo el mundo y los estudiosos la han comparado con la Chapelle du Rosaire de Vence (Capilla Matisse), la Capilla Notre Dame du Haut de Le Corbusier en Ronchamp y la Capilla Rothko en Houston. [ cita requerida ]
Redbird (1995), del compositor John Zorn, se inspiró en Martin y le dedicó. [55]
Wendy Beckett , en su libro American Masterpieces, dijo sobre Martin: "Agnes Martin habla a menudo de alegría; la ve como la condición deseada de toda vida. ¿Quién estaría en desacuerdo con ella?... Nadie que haya pasado tiempo seriamente frente a una Agnes Martin, dejando que su paz se comunique por sí misma, recibiendo su inexplicable e inefable felicidad, ha quedado jamás decepcionado. La obra sobrecoge, no sólo por su delicadeza, sino por su vigor, y este poder e interés visual es algo que hay que experimentar". [56]
El poema del poeta Hugh Behm-Steinberg "Gridding, after some sentence by Agnes Martin" analiza patrones en el mundo natural, hace un paralelo entre la escritura y la pintura y termina con un verso sobre la admiración del poeta por la obra de Martin. [57]
Su trabajo inspiró un doodle de Google en el 102 aniversario de su nacimiento el 22 de marzo de 2014. El doodle toma señales de color del trabajo tardío de Martin, que se caracteriza por bordes suaves, colores apagados y bandas claramente horizontales, convertidas en seis barras verticales, una para cada letra del logotipo de Google. [58]
La canción "Agnes Martin" de la banda de rock estadounidense Screaming Females , de su álbum All at Once , es una oda a la artista. [59]
La obra de la poeta Victoria Chang , With My Back to the World (Farrar, Straus and Giroux, 2024), dialoga tanto con las obras de arte como con los escritos de Martin. [60]
{{cite book}}: CS1 maint: falta la ubicación del editor ( enlace ) CS1 maint: varios nombres: lista de autores ( enlace ) CS1 maint: nombres numéricos: lista de autores ( enlace )Publicado con motivo de la exposición 3 x abstracción: nuevos métodos de dibujo de Hilma af Klint, Emma Kunz y Agnes Martin; organizada por el Drawing Center; The Drawing Center, Nueva York, NY, 19 de marzo-21 de mayo de 2005, Santa Monica Museum of Art, Santa Monica, CA, 10 de junio-13 de agosto de 2005, Irish Museum of Modern Art, Dublín, 24 de enero-26 de marzo de 2006.
Proyección: Partes de un borrador de la película se proyectan hasta el 6 de marzo de 2016 en la Kunstsammlung NRW Duesseldorf (Alemania) como parte del programa que acompaña a la exposición.
