El minimalismo describe movimientos en varias formas de arte y diseño, especialmente artes visuales y música , donde la obra se propone exponer la esencia, lo esencial o la identidad de un tema mediante la eliminación de todas las formas, características o conceptos no esenciales. Como movimiento específico en las artes, se identifica con los desarrollos en el arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, más fuertemente con las artes visuales estadounidenses en la década de 1960 y principios de la de 1970. El minimalismo a menudo se interpreta como una reacción al expresionismo abstracto y un puente hacia las prácticas artísticas posminimalistas . Entre los artistas destacados asociados con este movimiento se incluyen Ad Reinhardt , Nassos Daphnis , Tony Smith , Donald Judd , John McCracken , Agnes Martin , Dan Flavin , Robert Morris , Larry Bell , Anne Truitt , Yves Klein y Frank Stella . Los propios artistas a veces han reaccionado contra la etiqueta debido a la implicación negativa de que la obra sea simplista. [1]
El minimalismo en las artes visuales, generalmente denominado "arte minimalista", arte literalista [2] y ABC Art [3], surgió en Nueva York a principios de los años 1960. [4] Inicialmente, el arte minimalista apareció en Nueva York en los años 60 cuando artistas nuevos y antiguos se movieron hacia la abstracción geométrica ; explorando a través de la pintura en los casos de Frank Stella, Kenneth Noland , Al Held , Ellsworth Kelly , Robert Ryman y otros; y la escultura en las obras de varios artistas, incluidos David Smith , Anthony Caro , Tony Smith, Sol LeWitt , Carl Andre , Dan Flavin, Donald Judd y otros. La escultura de Judd se exhibió en 1964 en la Green Gallery de Manhattan, al igual que las primeras obras de luz fluorescente de Flavin, mientras que otras galerías líderes de Manhattan como la Leo Castelli Gallery y la Pace Gallery también comenzaron a exhibir artistas centrados en la abstracción geométrica. Además, hubo dos exposiciones seminales e influyentes en museos: Primary Structures : Younger American and British Sculpture, que se mostró del 27 de abril al 12 de junio de 1966 en el Museo Judío de Nueva York , organizada por el curador de pintura y escultura del museo, Kynaston McShine [5] [6] y Systemic Painting , en el Solomon R. Guggenheim Museum, curada por Lawrence Alloway también en 1966, que mostró la abstracción geométrica en el mundo del arte estadounidense a través de lienzos con formas , campos de color y pinturas de bordes duros . [7] [8] [9] A raíz de esas exposiciones y algunas otras, surgió el movimiento artístico llamado arte minimalista .
Las raíces europeas del minimalismo se encuentran en las abstracciones geométricas de pintores asociados con la Bauhaus , en las obras de Kazimir Malevich , Piet Mondrian y otros artistas asociados con el movimiento De Stijl , y el movimiento constructivista ruso , y en la obra del escultor rumano Constantin Brâncuși . [10] [11] El arte minimalista también se inspira en parte en las pinturas de Barnett Newman , Ad Reinhardt , Josef Albers y las obras de artistas tan diversos como Pablo Picasso , Marcel Duchamp , Giorgio Morandi y otros. El minimalismo también fue una reacción contra la subjetividad pictórica del expresionismo abstracto que había sido dominante en la Escuela de Nueva York durante las décadas de 1940 y 1950. [12]
A diferencia de los expresionistas abstractos más subjetivos de la década anterior, algunos minimalistas declararon explícitamente que su arte no se trataba de autoexpresión, sino que era "objetivo". En general, las características del minimalismo incluían formas geométricas , a menudo cúbicas , depuradas de mucha metáfora , igualdad de partes, repetición, superficies neutrales y materiales industriales.
Uno de los primeros artistas asociados específicamente con el minimalismo fue el pintor Frank Stella, cuyas primeras pinturas de rayas (el primer grupo de las cuales también se conoce como Pinturas negras ) se incluyeron en la muestra de 1959, 16 Americans , organizada por Dorothy Miller en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. El ancho de las rayas en las pinturas de rayas de Stella estaba determinado por las dimensiones de la madera utilizada para los bastidores, visible como la profundidad de la pintura cuando se ve de lado, utilizada para construir el chasis de soporte sobre el que se tensaba el lienzo. Las decisiones sobre las estructuras en la superficie frontal del lienzo no eran, por lo tanto, completamente subjetivas, sino condicionadas previamente por una característica "dada" de la construcción física del soporte. En el catálogo de la muestra, Carl Andre señaló: "El arte excluye lo innecesario. Frank Stella ha considerado necesario pintar rayas. No hay nada más en su pintura". Estas obras reduccionistas contrastaban marcadamente con las pinturas llenas de energía y aparentemente muy subjetivas y cargadas de emoción de Willem de Kooning o Franz Kline y, en términos de precedentes entre la generación anterior de expresionistas abstractos, se inclinaban más hacia las pinturas de campos de color menos gestuales, a menudo sombrías, de Barnett Newman y Mark Rothko . Aunque Stella recibió atención inmediata de la muestra del MoMA, artistas como Kenneth Noland y Gene Davis también habían comenzado a explorar rayas, monocromías y formatos de bordes duros desde fines de los años 50 hasta los años 60. [13]
La pintura monocroma se había iniciado en la primera exposición de las Artes Incoherentes de 1882 en París, con un cuadro negro del poeta Paul Bilhaud titulado Combat de Nègres dans un tunnel ( Los negros luchan en un túnel ). En las exposiciones posteriores de las Artes Incoherentes (también en la década de 1880), el escritor Alphonse Allais propuso otras siete pinturas monocromas, como Première communion de jeunes filles chlorotiques par un temps de neige ( Primera comunión de jóvenes anémicas en la nieve , blanco) o Récolte de la tomate par des cardinaux apoplectiques au bord de la Mer Rouge ( Recolección de tomates por cardenales apopléjicos en la orilla del Mar Rojo , rojo). Sin embargo, este tipo de actividad guarda más similitud con el dadaísmo del siglo XX , o neodadaísmo , y particularmente con las obras del grupo Fluxus de la década de 1960, que con la pintura monocroma del siglo XX desde Malevich.
Yves Klein había pintado monocromos desde 1949, y realizó la primera exposición privada de esta obra en 1950, su primera muestra pública fue la publicación del libro de artista Yves: Peintures en noviembre de 1954. [14] [15]
Ad Reinhardt , cuyas pinturas reduccionistas casi totalmente negras parecían anticipar el minimalismo, escribió sobre el valor de un enfoque reduccionista del arte: "Cuanto más material hay en una obra de arte, cuanto más recargada está, peor es. Más es menos. Menos es más. El ojo es una amenaza para la visión clara. Desnudarse a uno mismo es obsceno. El arte comienza con la eliminación de la naturaleza". [16]
La observación de Reinhardt contradice directamente la consideración de Hans Hofmann de la naturaleza como fuente de sus propias pinturas expresionistas abstractas. Un famoso intercambio de opiniones entre Hofmann y Jackson Pollock en 1942 fue registrado por Lee Krasner en una entrevista con Dorothy Strickler (el 2 de noviembre de 1964) para los Archivos de Arte Americano del Instituto Smithsoniano . [17] En palabras de Krasner:
Cuando llevé a Hofmann a conocer a Pollock y a ver su obra, que databa de antes de que nos mudáramos aquí, la reacción de Hofmann fue... una de las preguntas que le hizo a Jackson fue: "¿Trabajas con la naturaleza?" No había naturalezas muertas ni modelos y la respuesta de Jackson fue: "Soy la naturaleza". Y la respuesta de Hofmann fue: "Ah, pero si trabajas de memoria, te repetirás". A lo que Jackson no respondió en absoluto.
La tendencia en el arte minimalista a excluir lo pictórico, lo ilusionista y lo ficticio en favor de lo literal condujo a un movimiento que se alejaba de lo pictórico y se dirigía hacia las preocupaciones escultóricas. Donald Judd había comenzado como pintor y terminó como creador de objetos. Su ensayo seminal, "Objetos específicos" (publicado en Arts Yearbook 8 , 1965), fue una piedra de toque de la teoría para la formación de la estética minimalista. En este ensayo, Judd encontró un punto de partida para un nuevo territorio para el arte estadounidense y un rechazo simultáneo de los valores artísticos europeos heredados residuales. Señaló evidencia de este desarrollo en las obras de una serie de artistas activos en Nueva York en ese momento, incluidos Jasper Johns , Dan Flavin y Lee Bontecou . De importancia "preliminar" para Judd fue el trabajo de George Earl Ortman , [18] que había concretado y destilado las formas de la pintura en geometrías contundentes, duras y filosóficamente cargadas. Estos objetos específicos habitaban un espacio que no se puede clasificar cómodamente ni como pintura ni como escultura. El hecho de que la identidad categórica de tales objetos estuviera en cuestión y que evitaran una fácil asociación con convenciones trilladas y demasiado familiares era parte de su valor para Judd. [ cita requerida ]
Este movimiento fue duramente criticado por los críticos de arte y los historiadores del formalismo modernista. Algunos críticos pensaban que el arte minimalista representaba una incomprensión de la dialéctica moderna de la pintura y la escultura, tal como la definió el crítico Clement Greenberg , posiblemente el crítico de pintura estadounidense dominante en el período previo a la década de 1960.
La crítica más notable del minimalismo fue realizada por Michael Fried , un crítico formalista que objetó la obra sobre la base de su "teatralidad". En "Art and Objecthood", publicado en Artforum en junio de 1967, declaró que la obra de arte minimalista, en particular la escultura minimalista, se basaba en un compromiso con la fisicalidad del espectador. Sostuvo que obras como la de Robert Morris transformaban el acto de contemplar en un tipo de espectáculo , en el que se revelaba el artificio del acto de observación y la participación del espectador en la obra. Fried vio este desplazamiento de la experiencia del espectador desde un compromiso estético dentro a un evento fuera de la obra de arte como un fracaso del arte minimalista.
El ensayo de Fried fue inmediatamente cuestionado por el artista posminimalista y terrenal Robert Smithson en una carta al editor publicada en la edición de octubre de Artforum . Smithson afirmó: "lo que más teme Fried es la conciencia de lo que está haciendo, es decir, ser él mismo teatral".
Otra crítica al arte minimalista se refiere al hecho de que muchos artistas sólo eran diseñadores de los proyectos, mientras que las obras de arte reales eran ejecutadas por artesanos desconocidos. [19]
