Alexander Calder ( / ˈk ɔː l d ər / ; 22 de julio de 1898 - 11 de noviembre de 1976) fue un escultor estadounidense conocido tanto por sus innovadores móviles (esculturas cinéticas impulsadas por motores o corrientes de aire) que adoptan el azar en su estética, sus "stabiles" estáticos, y sus monumentales esculturas públicas. [1] Calder prefirió no analizar su trabajo, diciendo: "Las teorías pueden estar muy bien para el propio artista, pero no deberían transmitirse a otras personas". [2]
Alexander "Sandy" Calder nació en 1898 en Lawnton, Pensilvania . [3] Su fecha de nacimiento sigue siendo una fuente de confusión. Según la madre de Calder, Nanette (née Lederer), Calder nació el 22 de agosto, pero su certificado de nacimiento en el Ayuntamiento de Filadelfia, basado en un libro de contabilidad escrito a mano, indicaba el 22 de julio. Cuando la familia de Calder se enteró del certificado de nacimiento, afirmó con certeza que los funcionarios de la ciudad habían cometido un error. Confirmando esto, el censo de 1900 informa que Alexander nació en agosto de 1898. Su madre era judía y de ascendencia alemana y su padre era calvinista y de ascendencia escocesa, pero el propio Calder nunca practicó ninguna religión y rechazó el nacionalismo. [4] [5]
El abuelo de Calder, el escultor Alexander Milne Calder , nació en Escocia, emigró a Filadelfia en 1868 y es más conocido por la colosal estatua de William Penn en la torre del Ayuntamiento de Filadelfia . Su padre, Alexander Stirling Calder , fue un conocido escultor que creó muchas instalaciones públicas, la mayoría de ellas en Filadelfia. La madre de Calder era una retratista profesional , que había estudiado en la Académie Julian y la Sorbonne en París desde alrededor de 1888 hasta 1893. Se mudó a Filadelfia, donde conoció a Stirling Calder mientras estudiaba en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania . Los padres de Calder se casaron el 22 de febrero de 1895. La hermana de Alexander Calder, Margaret Calder Hayes, fue fundamental en el desarrollo del Museo de Arte de la Universidad de California en Berkeley . [6]
Calder, de cuatro años, posó desnudo para la escultura de su padre The Man Cub , un molde de la cual se encuentra actualmente en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York. En 1902 también completó su primera escultura, un elefante de arcilla. [7] En 1905, su padre contrajo tuberculosis y los padres de Calder se mudaron a un rancho en Oracle, Arizona , dejando a los niños al cuidado de amigos de la familia durante un año. [8] Los niños se reunieron con sus padres en marzo de 1906 y se quedaron en el rancho de Arizona durante ese verano. [9]
La familia Calder se mudó de Arizona a Pasadena, California . El sótano con ventanas de la casa familiar se convirtió en el primer estudio de Calder y recibió su primer conjunto de herramientas. Utilizó trozos de alambre de cobre para hacer joyas para las muñecas de su hermana. [10] El 1 de enero de 1907, Nanette Calder llevó a su hijo al Desfile del Torneo de las Rosas en Pasadena, donde observó una carrera de carros de cuatro caballos. Este estilo de evento se convirtió más tarde en el final de las actuaciones de circo en miniatura de Calder. [11]
A finales de 1909, la familia regresó a Filadelfia, donde Calder asistió brevemente a la Academia Germantown , luego se mudaron a Croton-on-Hudson, Nueva York . [12] Esa Navidad, esculpió un perro y un pato en láminas de latón como regalos para sus padres. Las esculturas son tridimensionales y el pato es cinético porque se balancea cuando se lo golpea suavemente. [13] En Croton, durante sus años de escuela secundaria, Calder se hizo amigo del amigo pintor de su padre, Everett Shinn, con quien construyó un sistema de trenes mecánicos impulsados por gravedad. Calder lo describió: "Hicimos funcionar el tren sobre rieles de madera sostenidos por púas; un trozo de hierro corriendo por la pendiente aceleraba los vagones. Incluso iluminamos algunos vagones con velas". [14] Después de Croton, los Calder se mudaron a Spuyten Duyvil para estar más cerca de la ciudad de Nueva York, donde Stirling Calder alquiló un estudio. Mientras vivía en Spuyten Duyvil, Calder asistió a la escuela secundaria en la cercana Yonkers . En 1912, el padre de Calder fue nombrado jefe interino del Departamento de Escultura de la Exposición Internacional Panamá-Pacífico en San Francisco, California, [15] y comenzó a trabajar en esculturas para la exposición que se celebró en 1915.
Durante los años de secundaria de Calder (1912-1915), la familia se mudó de Nueva York a California y viceversa. En cada nueva ubicación, los padres de Calder reservaban un espacio en el sótano como estudio para su hijo. Cerca del final de este período, Calder se quedó con amigos en California mientras sus padres se mudaban de nuevo a Nueva York, para que pudiera graduarse de la escuela secundaria Lowell en San Francisco . [16] Calder se graduó con la clase de 1915. [ cita requerida ]
Los padres de Alexander Calder no querían que fuera artista, por lo que decidió estudiar ingeniería mecánica. Ingeniero intuitivo desde la infancia, Calder ni siquiera sabía qué era la ingeniería mecánica. "No estaba muy seguro de lo que significaba este término, pero pensé que sería mejor adoptarlo", escribió más tarde. Se matriculó en el Instituto Tecnológico Stevens en Hoboken, Nueva Jersey , en 1915. [17] Cuando se le preguntó por qué decidió estudiar ingeniería mecánica en lugar de arte, Calder dijo: "Quería ser ingeniero porque un chico que me gustaba bastante era ingeniero mecánico, eso es todo". [18] En Stevens, Calder fue miembro de la fraternidad Delta Tau Delta y se destacó en matemáticas. [19] Era muy querido y el anuario de la clase contenía la siguiente descripción: "Es evidente que Sandy siempre está feliz, o tal vez tramando alguna broma, pues su rostro siempre está envuelto en esa misma sonrisa traviesa y juvenil. Esto es sin duda un indicio del carácter del hombre en este caso, pues es uno de los tipos de mejor carácter que existen". [18]
En el verano de 1916, Calder pasó cinco semanas entrenándose en el campo de entrenamiento militar civil de Plattsburgh . En 1918, se unió al Cuerpo de Entrenamiento del Ejército de Estudiantes, Sección Naval, en Stevens y fue nombrado guía del batallón. [20]
Calder se licenció en la Universidad Stevens en 1919. [17] Ocupó diversos puestos, entre ellos el de ingeniero hidráulico y dibujante para la New York Edison Company . En junio de 1922, Calder aceptó un puesto de mecánico en el barco de pasajeros HF Alexander . Mientras navegaba de San Francisco a la ciudad de Nueva York, Calder durmió en cubierta y se despertó una mañana temprano frente a la costa guatemalteca y presenció la salida del sol y la puesta de la luna llena en horizontes opuestos. Describió en su autobiografía: "Era temprano una mañana en un mar en calma, frente a Guatemala, cuando sobre mi sofá (un rollo de cuerda) vi el comienzo de un amanecer rojo intenso en un lado y la luna que parecía una moneda de plata en el otro". [21]
El HF Alexander atracó en San Francisco y Calder viajó a Aberdeen, Washington , donde vivían su hermana y su marido, Kenneth Hayes. Calder aceptó un trabajo como cronometrador en un campamento maderero. El paisaje montañoso lo inspiró a escribir a casa para solicitar pinturas y pinceles. Poco después, Calder decidió regresar a Nueva York para seguir una carrera como artista.
En la ciudad de Nueva York, Calder se inscribió en la Art Students League , donde estudió brevemente con George Luks , Boardman Robinson y John Sloan . [22] Mientras era estudiante, trabajó para la National Police Gazette , donde, en 1925, una de sus tareas fue dibujar el circo Ringling Bros. and Barnum & Bailey . Calder quedó fascinado con la acción del circo, un tema que reaparecería en su trabajo posterior.
En 1926, Calder se mudó a París, se inscribió en la Académie de la Grande Chaumière y estableció un estudio en el 22 de la rue Daguerre en el barrio de Montparnasse . En junio de 1929, mientras viajaba en barco de París a Nueva York, Calder conoció a su futura esposa, Louisa James (1905-1996), hija de Edward Holton James y sobrina nieta del autor Henry James y el filósofo William James . Se casaron en 1931. Mientras estaba en París, Calder se hizo amigo de varios artistas de vanguardia , entre ellos Joan Miró , Fernand Léger , Jean Arp , [23] y Marcel Duchamp . Leger escribió un prefacio para el catálogo de la primera exposición de construcciones abstractas de Calder celebrada en la Galerie Percier en 1931. [24] Calder y Louisa regresaron a Estados Unidos en 1933 a una casa de campo que compraron en Roxbury, Connecticut , donde formaron una familia (Sandra nació en 1935, Mary nació en 1939). Durante la Segunda Guerra Mundial , Calder intentó unirse a los Marines como camuflador (ver List_of_camoufleurs ), pero fue rechazado. En 1955, él y Louisa viajaron por la India durante tres meses, donde Calder produjo nueve esculturas, así como algunas joyas. [25]
En 1963, Calder se instaló en un nuevo taller con vistas al valle de la Baja Chevrière, en el pueblo de Saché , en Indre-et-Loire (Francia). Donó a la ciudad una escultura que desde 1974 se encuentra en la plaza del pueblo. A lo largo de su carrera artística, Calder bautizó muchas de sus obras en francés, independientemente del lugar de destino de su exposición.
En 1966, Calder publicó su Autobiografía con imágenes con la ayuda de su yerno, Jean Davidson.
Calder murió inesperadamente en noviembre de 1976 de un ataque cardíaco , [26] poco después de la inauguración de una importante muestra retrospectiva en el Museo Whitney de Nueva York.
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En París, en 1926, Calder comenzó a crear su Cirque Calder , un circo en miniatura fabricado con alambre, tela, cuerda, caucho, corcho y otros objetos encontrados. Diseñado para ser transportable (llegó a llenar cinco maletas grandes), el circo se presentó en ambos lados del Atlántico. Pronto, su Cirque Calder [27] (que se exhibe actualmente en el Museo Whitney de Arte Americano) se hizo popular entre la vanguardia parisina. También inventó la escultura de alambre , o "dibujo en el espacio", y en 1929 tuvo su primera exposición individual de estas esculturas en París en la Galerie Billiet. Hi!, en la colección del Museo de Arte de Honolulu , es un ejemplo temprano de la escultura de alambre del artista. El pintor Jules Pascin , un amigo de los cafés de Montparnasse , escribió el prefacio del catálogo.
Una visita al estudio de Piet Mondrian en 1930, donde quedó impresionado por el entorno como instalación, lo "sorprendió" y lo llevó a abrazar por completo el arte abstracto , hacia el cual ya se había estado inclinando. [28]
Fue la combinación de sus experimentos para desarrollar una escultura puramente abstracta tras su visita a Mondrian lo que dio lugar a sus primeras esculturas verdaderamente cinéticas, accionadas por motores, que se convertirían en sus obras de arte distintivas. Las esculturas cinéticas de Calder se consideran una de las primeras manifestaciones de un arte que se apartó conscientemente de la noción tradicional de la obra de arte como un objeto estático e integró las ideas del gesto y la inmaterialidad como factores estéticos. [29]
Las esculturas abstractas de Calder, compuestas por partes móviles discretas y accionadas por motores, datan de 1931 y fueron bautizadas por Marcel Duchamp como "móviles" , un juego de palabras en francés que significa tanto "movimiento" como "motivo". [30] Sin embargo, Calder descubrió que las obras motorizadas a veces se volvían monótonas en sus movimientos prescritos. Su solución, a la que llegó en 1932, fueron esculturas colgantes que derivaban su movimiento del tacto o de corrientes de aire. Las primeras de ellas estaban hechas de alambre, objetos encontrados y madera, un material que Calder utilizó desde la década de 1920. A los móviles colgantes les siguieron en 1934 los móviles de pie para exteriores en materiales industriales, que se ponía en movimiento al aire libre. [31] Los móviles de viento presentaban formas abstractas delicadamente equilibradas sobre varillas pivotantes que se movían con la más mínima corriente de aire, lo que permitía un juego natural de formas y relaciones espaciales. [32] Calder también estaba experimentando con esculturas abstractas , estáticas y autoportantes , llamadas "stabiles" por Jean Arp en 1932 para diferenciarlas de los móviles. [33] En la Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne (1937), el pabellón español incluyó la escultura de Calder Mercury Fountain .
Durante la Segunda Guerra Mundial , Calder continuó esculpiendo, adaptándose a la escasez de aluminio durante la guerra volviendo a la madera tallada en una nueva forma abierta de escultura llamada "constelaciones". [34] Después de la guerra, Calder comenzó a cortar formas de chapa metálica en formas evocadoras y pintarlas a mano en sus tonos característicos y atrevidos. [35] Calder creó un pequeño grupo de obras de este período con una placa base colgante, por ejemplo Lily of Force (1945), Baby Flat Top (1946) y Red is Dominant (1947). También realizó obras como Seven Horizontal Discs (1946), que, como Lily of Force (1945) y Baby Flat Top (1946), pudo desmontar y enviar por correo para su próxima exposición en la Galerie Louis Carré en París, a pesar de las estrictas restricciones de tamaño impuestas por el servicio postal en ese momento. [36] Su muestra de 1946 en Carré, organizada por Duchamp, se componía principalmente de móviles colgantes y de pie, y tuvo un gran impacto, al igual que el ensayo para el catálogo del filósofo francés Jean-Paul Sartre . [37] En 1951, Calder ideó un nuevo tipo de escultura, relacionada estructuralmente con sus constelaciones. Estas "torres", fijadas a la pared con un clavo, consisten en puntales de alambre y vigas que sobresalen de la pared, con objetos móviles suspendidos de sus armazones. [38]
Sin negar el poder de Calder como escultor, una visión alternativa de la historia del arte del siglo XX [39] cita el abandono de Calder a principios de la década de 1930 de sus obras impulsadas por motor en favor del móvil impulsado por el viento como un momento decisivo en el abandono por parte del modernismo de su compromiso anterior con la máquina como un nuevo elemento crítico y potencialmente expresivo en los asuntos humanos. Según este punto de vista, el móvil también marcó un abandono del objetivo más amplio del modernismo de un acercamiento a la ciencia y la ingeniería, con desafortunadas implicaciones a largo plazo para el arte contemporáneo.
En 1934, Calder realizó sus primeras obras al aire libre en su estudio de Roxbury, Connecticut , utilizando las mismas técnicas y materiales que sus obras más pequeñas. Exhibidas al aire libre, las primeras esculturas móviles de Calder se movían elegantemente con la brisa, balanceándose y arremolinándose en ritmos naturales y espontáneos. Las primeras obras al aire libre eran demasiado delicadas para los fuertes vientos, lo que obligó a Calder a repensar su proceso de fabricación. En 1936 cambió sus métodos de trabajo y comenzó a crear maquetas a menor escala que luego amplió hasta alcanzar un tamaño monumental. La maqueta pequeña, el primer paso en la producción de una escultura monumental, era considerada por Calder una escultura por derecho propio. Las obras más grandes utilizaban las técnicas clásicas de ampliación de los escultores tradicionales, incluidos su padre y su abuelo. Dibujaba sus diseños en papel artesanal y los ampliaba utilizando una cuadrícula. Sus obras a gran escala se creaban según sus especificaciones exactas, al tiempo que le permitían la libertad de ajustar o corregir una forma o línea si era necesario. [40]
En la década de 1950, Calder se concentró más en producir esculturas monumentales (su período de agrandissements ), y los encargos públicos se le presentaron cada vez más en la década de 1960. [41] Ejemplos notables son .125 (1957) para el aeropuerto JFK de Nueva York, Spirale (1958) para la UNESCO en París y Trois disques , encargado para la Expo 67 en Montreal, Quebec, Canadá. La escultura más grande de Calder, de 25,7 metros (84 pies) de altura, fue El Sol Rojo , construida fuera del Estadio Azteca para los eventos de la "Olimpiada Cultural" de los Juegos Olímpicos de Verano de 1968 en la Ciudad de México . Muchas de sus obras de arte público fueron encargadas por arquitectos de renombre; por ejemplo, IM Pei encargó La Grande Voile , una escultura estable de 25 toneladas y 40 pies de altura (12 m) para el Instituto Tecnológico de Massachusetts en 1966.
La mayoría de las esculturas monumentales fijas y móviles de Calder se realizaron después de 1962 en los Etablissements Biémont en Tours , Francia. Calder creaba un modelo de su obra, el departamento de ingeniería lo ampliaba bajo la dirección de Calder y los técnicos completaban la metalistería real, todo bajo la atenta mirada de Calder. Los estabilizadores se hicieron en placa de acero y luego se pintaron. Una excepción fue Trois disques , en acero inoxidable de 24 metros (79 pies) de altura, encargado por la International Nickel Company de Canadá .
En 1958, Calder pidió a Jean Prouvé que construyera la base de acero de Spirale en Francia, un móvil monumental para el sitio de la UNESCO en París, mientras que la parte superior se fabricó en Connecticut.
En junio de 1969, Calder asistió a la inauguración de su monumental escultura "stabile" La Grande Vitesse en Grand Rapids, Michigan . Esta escultura es famosa por ser la primera escultura cívica de los Estados Unidos en recibir financiación del National Endowment for the Arts . [42]
En 1971, Calder creó su Bent Propeller , que se instaló en la entrada de la Torre Norte del World Trade Center en la ciudad de Nueva York. Cuando se inauguró Battery Park City , la escultura se trasladó a las calles Vesey y Church. [43] La escultura se situó delante del 7 World Trade Center hasta que fue destruida el 11 de septiembre de 2001. [ 44] En 1973, la escultura de arte público de color bermellón de 63 pies de altura (19 m) Four Arches se instaló en Bunker Hill, Los Ángeles, para que sirviera como "un punto de referencia distintivo". [45] El sitio de la plaza fue diseñado en niveles para maximizar los efectos visuales de la escultura. [46]
En 1974, Calder presentó dos esculturas, Flamingo en Federal Plaza y Universe en Sears Tower , [47] en Chicago, Illinois, acompañadas por la exposición Alexander Calder: A Retrospective Exhibition, en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, que se inauguró simultáneamente con la presentación de las esculturas. [48]
Originalmente previsto para ser construido en 1977 para el edificio de oficinas del Senado Hart, Mountains and Clouds no se construyó hasta 1985 debido a los recortes presupuestarios del gobierno. El enorme proyecto de chapa metálica, que pesa 35 toneladas, abarca la altura de nueve pisos del atrio del edificio en Washington, DC. Calder diseñó la maqueta para el Senado de los Estados Unidos en el último año de su vida. [49]
Calder creó escenografías para más de una docena de producciones teatrales, entre ellas Nucléa , Horizon y, sobre todo, Panorama (1935) de Martha Graham , una producción del drama sinfónico Sócrates (1936) de Erik Satie y, más tarde, Works in Progress (1968). Works in Progress fue un "ballet" concebido por el propio Calder y producido en la Ópera de Roma , que incluía una serie de móviles, establos y grandes telones de fondo pintados. Calder describiría algunas de sus escenografías como bailarines que interpretaban una coreografía debido a su movimiento rítmico. [50]
Además de esculturas, Calder pintó a lo largo de su carrera, comenzando a principios de la década de 1920. Retomó sus estudios de grabado en 1925 y continuó produciendo ilustraciones para libros y revistas. [51] Sus proyectos de este período incluyen dibujos lineales en pluma y tinta de animales para una publicación de 1931 de las fábulas de Esopo . A medida que la escultura de Calder se trasladó al reino de la abstracción pura a principios de la década de 1930, también lo hicieron sus grabados. Las líneas finas utilizadas para definir figuras en los primeros grabados y dibujos comenzaron a delinear grupos de formas geométricas, a menudo en movimiento. Calder también utilizó grabados para la defensa, como en los carteles de 1967 y 1969 en protesta por la guerra de Vietnam . [52]
A medida que la reputación profesional de Calder se expandió a fines de la década de 1940 y en la de 1950, también lo hizo su producción de grabados. Se comercializaron grandes cantidades de litografías basadas en sus pinturas al gouache y aparecieron ediciones de lujo de obras de teatro, poemas y cuentos ilustrados con grabados de bellas artes de Calder. [51]
Uno de los proyectos más inusuales de Calder fue un encargo de la empresa Braniff International Airways, con sede en Dallas, para pintar un avión a reacción de cuatro motores Douglas DC- 8-62 a tamaño real como "lienzo volador". George Stanley Gordon , fundador de la agencia de publicidad de la ciudad de Nueva York Gordon and Shortt, se acercó a Calder con la idea de pintar un avión a reacción en 1972, pero Calder respondió que no pintaba juguetes. Cuando Gordon le dijo que lo que proponía era un avión de pasajeros real a tamaño real, el artista dio inmediatamente su aprobación. Gordon sintió que Braniff, conocida por fusionar los mundos de la moda y el diseño con el mundo de la aviación, sería la empresa perfecta para llevar a cabo la idea. El presidente de Braniff, Harding Lawrence, se mostró muy receptivo y en 1973 se redactó un contrato que exigía la pintura de un avión a reacción Douglas DC-8-62, llamado Flying Colors , y 50 gouaches por un precio total de 100.000 dólares. [53] Dos años después, Braniff le pidió a Calder que diseñara un avión insignia para su flota que celebrara el Bicentenario de los Estados Unidos. Esa pieza, un avión Boeing 727-291 N408BN llamado Flying Colors of the United States y apodado "Sneaky Snake" por sus pilotos (basándose en sus peculiares tendencias de vuelo), presentaba una imagen ondulada de rojo, blanco y azul que hacía eco de una bandera estadounidense ondeante. [17] Se encargó un tercer diseño, que se llamaría Salute to Mexico , pero no se completó después de su muerte. [54]
En 1975, Calder recibió el encargo de pintar un automóvil BMW 3.0 CSL , que sería el primer vehículo del BMW Art Car Project. [55]
Calder creó más de 2000 piezas de joyería a lo largo de su carrera, muchas de ellas como regalo para sus amigos. Varias piezas reflejan su fascinación por el arte de África y otros continentes. [56] La mayoría estaban hechas de latón y acero, con trozos de cerámica, madera y vidrio. Calder rara vez utilizaba soldadura; cuando necesitaba unir tiras de metal, las unía con bucles, las unía con trozos de alambre o fabricaba remaches. [57] Calder creó sus primeras piezas en 1906, a la edad de ocho años, para las muñecas de su hermana, utilizando alambre de cobre que encontró en la calle. [56]
Para su amigo de toda la vida Joan Miró , Calder colocó un fragmento de un vaso de porcelana roto en un anillo de latón. Peggy Guggenheim recibió enormes pendientes móviles de plata y más tarde encargó un cabecero de plata martillada que brillaba con peces colgantes. [58] En 1942, Guggenheim lució un pendiente de Calder y otro de Yves Tanguy en la inauguración de su galería de Nueva York, The Art of This Century , para demostrar su igual lealtad al arte surrealista y abstracto, ejemplos de los cuales exhibió en galerías separadas. [59] Otras personas a las que se les obsequiaron las piezas de Calder fueron la amiga íntima del artista, Georgia O'Keeffe ; Teeny Duchamp , esposa de Marcel Duchamp ; Jeanne Rucar, esposa del cineasta Luis Buñuel ; y Bella Rosenfeld , esposa de Marc Chagall . [60]
La primera exposición individual de Calder tuvo lugar en 1927 en la Galería de Jacques Seligmann en París. [61] Su primera muestra individual en una galería comercial estadounidense tuvo lugar en 1928 en la Galería Weyhe de la ciudad de Nueva York. Expuso con el grupo Abstraction-Création en París en 1933.
En 1935, realizó su primera exposición individual en un museo de los Estados Unidos en la Renaissance Society de la Universidad de Chicago . En Nueva York, fue defendido desde principios de la década de 1930 por el Museo de Arte Moderno, y fue uno de los tres estadounidenses incluidos en la exposición Cubism and Abstract Art de Alfred H. Barr Jr. de 1936. [62]
La primera retrospectiva de Calder se realizó en 1938 en la galería George Walter Vincent Smith en Springfield, Massachusetts . En 1943, el Museo de Arte Moderno albergó una retrospectiva de Calder, comisariada por James Johnson Sweeney y Marcel Duchamp ; la muestra tuvo que extenderse debido al número de visitantes. [36] Calder fue uno de los 250 escultores que expusieron en la 3.ª edición de la Sculpture International, celebrada en el Museo de Arte de Filadelfia en el verano de 1949. Su móvil, International Mobile, fue la pieza central de la exposición. Calder también participó en las documentas I (1955), II (1959), III (1964). Se realizaron importantes retrospectivas de su obra en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York (1964), la Fondation Maeght de Saint-Paul-de-Vence, Francia (1969) y el Museum of Contemporary Art de Chicago (1974). Además, ambos marchantes de Calder, la Galerie Maeght de París y las Perls Galleries de Nueva York, realizaban en promedio alrededor de una exposición de Calder por año cada uno.
La obra de Calder se encuentra en muchas colecciones permanentes en todo el mundo. El Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, tiene la mayor colección de obras de Alexander Calder. [63] Otras colecciones de museos incluyen el Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York; el Museo de Arte Moderno, Nueva York; el Centro Georges Pompidou, París; el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid; el Museo de Arte de Seattle ; y la Galería Nacional de Arte, Washington, DC. [64] Hay dos piezas en exhibición en la Colección de Arte Governor Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza en Albany, NY. [65]
El Museo de Arte de Filadelfia ofrece una vista de las obras de tres generaciones de Alexander Calder. Desde la ventana del segundo piso en el lado este del Gran Salón de la Escalera (en el lado opuesto de la colección de armaduras) se encuentra detrás del espectador el móvil Fantasma del propio Calder, [66] más adelante en la calle está la Fuente Conmemorativa Swann de su padre, A. Stirling Calder , y más allá de eso, la estatua de William Penn en lo alto del Ayuntamiento del abuelo de Calder, Alexander Milne Calder .
Calder Gardens , un centro interior y exterior de 1,8 acres dedicado a la obra de Calder, se inaugurará en Benjamin Franklin Parkway, Filadelfia, a fines de 2024. [69]
A finales de los años 1930 y principios de los 1940, las obras de Calder no eran muy buscadas y, cuando se vendían, a menudo era por relativamente poco dinero. Una copia de un libro de ventas de Pierre Matisse en los archivos de la fundación muestra que solo unas pocas piezas de la muestra de 1941 encontraron compradores, uno de los cuales, Solomon R. Guggenheim , pagó solo $ 233,34 (equivalente a $ 4.834 en 2023) por una obra. El Museo de Arte Moderno había comprado su primer Calder en 1934 por $ 60, después de convencer a Calder de que ofreciera un precio menor a $ 100. [34] Y, sin embargo, en 1948 Calder casi agotó toda una muestra individual en Río de Janeiro, convirtiéndose en el primer escultor de renombre internacional. [70] La Galerie Maeght en París se convirtió en el distribuidor parisino exclusivo de Calder en 1950 y durante el resto de la vida de Calder. Después de que su comerciante neoyorquino Curt Valentin muriera inesperadamente en 1954, Calder seleccionó a las Perls Galleries de Nueva York como su nuevo comerciante estadounidense, y esta alianza duró hasta la muerte de Calder. [71]
En 2010, su móvil de metal Untitled (Autumn Leaves) (Sin título (Hojas de otoño) ) se vendió en Sotheby's Nueva York por 3,7 millones de dólares. Otro móvil se vendió por 6,35 millones de dólares en Christie's más tarde ese año. [72] También en Christie's, un móvil de pie llamado Lily of Force (1945), que se esperaba que se vendiera por entre 8 y 12 millones de dólares, se compró por 18,5 millones de dólares en 2012. [73] El móvil colgante de 7,5 pies de largo de Calder Poisson volant (Pez volador) (1957) se vendió por 25,9 millones de dólares, estableciendo un récord de subasta para el escultor en Christie's Nueva York en 2014. [74] [75]
A partir de 1966, los ganadores de los Premios Nacionales de Revistas reciben un "Ellie", un stable de color cobre que se asemeja a un elefante, diseñado por Calder. Dos meses después de su muerte, el artista recibió póstumamente la Medalla Presidencial de la Libertad , el mayor honor civil de los Estados Unidos, de manos del presidente Gerald Ford . Sin embargo, los representantes de la familia Calder boicotearon la ceremonia del 10 de enero de 1977 "para hacer una declaración a favor de la amnistía para los que se resistieron al reclutamiento en la Guerra de Vietnam ".
En 1987, la familia de Calder fundó la Fundación Calder, "dedicada a coleccionar, exhibir, preservar e interpretar el arte y los archivos de Alexander Calder y [está] a cargo de una colección inigualable de sus obras". [76] La fundación tiene grandes fondos, con algunas obras propiedad de miembros de la familia y otras de simpatizantes de la fundación. El arte incluye más de 600 esculturas, incluidos móviles, establos, móviles de pie y esculturas de alambre, y 22 obras monumentales al aire libre, así como miles de pinturas al óleo, obras en papel, juguetes, piezas de joyería y objetos domésticos. [77] Después de haber trabajado principalmente en la catalogación de las obras de Calder, la Fundación Calder ahora se centra en la organización de exposiciones globales para el artista. [78] Uno de los nietos de Calder, Alexander SC "Sandy" Rower, es el presidente de la fundación y otros miembros de la familia están en el consejo de administración. [79]
La Fundación Calder no autentifica obras de arte; en cambio, los propietarios pueden enviar sus obras para que sean registradas en el archivo de la Fundación y examinadas. [80] El comité que realiza los exámenes incluye expertos, académicos, curadores de museos y miembros de la familia Calder. [81] El sitio web de la Fundación Calder proporciona detalles sobre las políticas y pautas actuales que rigen los procedimientos de examen. [82]
En 1993, los propietarios de Rio Nero (1959), un móvil de chapa y alambre de acero aparentemente de Calder, acudieron al Tribunal de Distrito de los Estados Unidos para el Distrito de Columbia alegando que no era de Alexander Calder, como afirmaba su vendedor. [83] Ese mismo año, un juez federal dictaminó que en el caso de Rio Nero no se había cumplido la carga de la prueba. [ se necesita más explicación ] A pesar de la decisión, los propietarios del móvil no pudieron venderlo porque el experto reconocido, Klaus Perls , lo había declarado una copia. El juez reconoció el problema en ese momento, señalando que el pronunciamiento de Perls haría que Rio Nero no fuera vendible. En 1994, la Fundación Calder se negó a incluir el móvil en el catálogo razonado sobre el artista. [84]
En referencia al caso Rio Nero , la División de Apelaciones de la Corte Suprema de Nueva York rechazó en 2009 la apelación de un coleccionista de arte que deseaba vender un par de decorados que Calder había diseñado pero que no llegó a ver terminados, que habían sido presentados sin éxito a la Fundación Calder para su autenticación. [85] El tribunal consideró que no tenía el poder de declarar auténtica la supuesta obra de Calder ni de ordenar a la Fundación Calder que la incluyera en el catálogo razonado.
En 1995, surgieron preguntas sobre otro supuesto Calder, Two White Dots (que no debe confundirse con la pieza de nombre similar, Two White Dots in the Air , que Calder creó en 1958). En 1973, Calder había creado una maqueta de chapa de 1 pie (0,30 m) de alto para un stable no realizado al que llamó Two White Dots . Le dio esta maqueta a Carmen Segretario, fundadora y propietaria de Segré Foundry de Waterbury, Connecticut . Durante décadas, Calder había utilizado los servicios de Segré Foundry para fabricar sus móviles y stables. Cada pieza (sin importar cuántas copias se hicieran) sería rubricada personalmente por Calder con tiza blanca, después de lo cual un soldador seguiría las marcas de tiza para quemar las iniciales en la obra. Calder murió en 1976, sin que se hubiera hecho una versión de tamaño completo de Two White Dots . En 1982, Segrétario construyó una versión de tamaño real de Two White Dots y la vendió en 1983 a la comerciante de arte Shirley Teplitz por 70.000 dólares. La documentación de Segrétario afirmaba que la obra había sido fabricada alrededor de 1974 "bajo la supervisión y dirección del artista". [86] Two White Dots se vendió luego en una subasta en mayo de 1984 por 187.000 dólares. [87] Durante la siguiente década, la pieza se vendió repetidamente. En 1995, Jon Shirley (expresidente de Microsoft y coleccionista de Calder) compró Two White Dots por un millón de dólares. Cuando Shirley presentó la obra a la Fundación Calder para su inclusión en su catálogo razonado, la Fundación impugnó la autenticidad de la obra. La Galería André Emmerich reembolsó el dinero de Shirley y demandó a la Fundición Segré, que solicitó protección por quiebra. La demanda se resolvió extrajudicialmente a fines de la década de 1990. Two White Dots ahora reside al aire libre en una granja cerca de un río en las afueras de la pequeña ciudad de Washington, Connecticut . [86]
En 2013, Calder Estate presentó una demanda contra el patrimonio de su antiguo comerciante, Klaus Perls , alegando que Perls había vendido Calders falsos y ocultado la propiedad de 679 obras del artista. [88] Después de una batalla de alto perfil con mucha cobertura de prensa, la demanda fue desestimada por la jueza Shirley Werner Kornreich en la Corte Suprema del Estado de Nueva York . [89]
Calder y su esposa, Louisa, fueron padres de dos hijas, Sandra (1935-2022) [90] y Mary (1939-2011). [91] El esposo de Mary, Howard Rower (1939-2000), había sido presidente de la junta directiva de la Fundación Alexander y Louisa Calder. [92] Los dos hijos de Mary y Howard son Alexander SC "Sandy" Rower (1963), presidente de la Fundación Calder, [93] y Holton Rower (1962), vicepresidente de la Fundación. [79] Alexander Rower estableció la Fundación en 1987 con el apoyo de la familia Calder. Tiene cuatro hijos, incluido Gryphon Rower-Upjohn, un experimentalista de sonido, compositor-intérprete y curador en el campo de la cultura audiovisual, que también es conocido como Gryphon Rue. [94] [95]
Sandra Calder Davidson y su difunto esposo, Jean Davidson, tuvieron un hijo, Shawn (1956), y una hija, Andréa (1961). [96] Shawn y Andréa son vicepresidentes de la Fundación Calder. [79] Jean Davidson era hijo de la artista Jo Davidson . Sandra fue ilustradora de libros infantiles. Caricaturizó a su familia y amigos como animales en el libro de 2013 The Calder Family and Other Critters: Portraits and Reflections. [97]
La familia Calder tiene una relación de larga data con la Putney School , un internado mixto progresista en Vermont. Las hijas de Calder asistieron a la escuela, al igual que varios de sus nietos y bisnietos. [98] [99] Alrededor de 2007, la familia Rower donó un móvil de pie (un móvil que se sostiene sobre su propia base fija) a Putney. Un móvil de 13 pies cuelga en Calder Hall en el Centro Michael S. Currier en el campus. [95]
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