Get Carter es una película británica de gánsteres de 1971, escrita y dirigida por Mike Hodges en su debut como director y protagonizada por Michael Caine , Ian Hendry , John Osborne , Britt Ekland y Bryan Mosley . Basada enla novela Jack's Return Home de Ted Lewis de 1970 , la película sigue al homónimo Jack Carter (Caine), un gángster londinense que regresa a su ciudad natal en el noreste de Inglaterra para enterarse de la muerte supuestamente accidental de su hermano. Ante la sospecha de un crimen y con la venganza en mente, investiga e interroga, recuperando una idea de la ciudad y su elemento criminal endurecido.
El productor Michael Klinger adquirió la novela de Lewis poco después de su publicación e hizo un trato con la debilitada Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) para financiar y estrenar la película, convirtiendo a Get Carter en el último proyecto aprobado por la división Borehamwood del estudio antes de su cierre. La producción pasó de la novela a la película terminada en diez meses, y la fotografía principal se llevó a cabo de julio a septiembre de 1970 en Newcastle upon Tyne , Gateshead y el condado de Durham y sus alrededores . Hodges, Klinger y Caine intentaron crear una representación de la violencia y el comportamiento criminal más realista de lo que se había visto anteriormente en las películas británicas: Caine, quien también trabajó como coproductor no acreditado, incorporó aspectos de conocidos criminales en su caracterización de Carter, mientras que Hodges realizó una investigación sobre el inframundo criminal de Newcastle (en particular, el asesinato del bandido manco ). El director de fotografía Wolfgang Suschitzky trabajó con Hodges para darle a las escenas una sensación naturalista, basándose en gran medida en sus antecedentes en películas documentales .
Get Carter, que obtuvo unas ganancias respetables tras su lanzamiento inicial en el Reino Unido, inicialmente atrajo críticas mixtas. Los críticos apreciaron a regañadientes los logros técnicos de la película y la actuación de Caine, mientras criticaban la compleja trama, la violencia y la amoralidad, en particular la aparente falta de remordimiento de Carter por sus acciones. [1] Los críticos estadounidenses fueron en general más entusiastas, pero la película languideció en el circuito de autocines , mientras que MGM centró sus recursos en producir Hit Man , una nueva versión de la película con temática de blaxploitation .
Get Carter finalmente obtuvo seguidores de culto , y el respaldo adicional de directores como Quentin Tarantino y Guy Ritchie llevaron a que la película fuera reevaluada críticamente, [3] con su descripción de la estructura de clases y la vida en la Gran Bretaña de los años 70 y el estilo minimalista de Roy Budd. partitura de jazz que recibió considerables elogios. [4] En 1999, Get Carter ocupó el puesto 16 en el BFI Top 100 de películas británicas del siglo XX; Cinco años más tarde, una encuesta entre críticos de cine británicos realizada por la revista Total Film la eligió como la mejor película británica de todos los tiempos. [5] En 2000 se lanzó una segunda nueva versión mal recibida con el mismo título , con Sylvester Stallone interpretando a Jack Carter y Caine en un papel secundario.
El gángster Jack Carter , nacido en Newcastle , ha vivido en Londres durante años al servicio de los jefes del crimen organizado Gerald y Sid Fletcher. Jack se acuesta con Anna, la novia de Gerald, y planea escapar con ella a Sudamérica , pero primero debe regresar a Newcastle y Gateshead para asistir al funeral de su hermano, Frank, quien murió en un supuesto accidente por conducir bajo los efectos del alcohol. Sus jefes le advierten que no provoque problemas, ya que son amigos de la mafia de Newcastle. Insatisfecho con la explicación oficial, Jack investiga por sí mismo. En el funeral, Jack conoce a su sobrina adolescente Doreen y a la evasiva amante de Frank, Margaret.
Jack va al hipódromo de Newcastle en busca de su viejo conocido Albert Swift para obtener información sobre la muerte de su hermano, pero Swift lo evade. Jack se encuentra con otro antiguo socio, Eric Paice, que se niega a decirle a Jack quién lo emplea como chófer. Seguir a Eric lo lleva a la casa de campo del jefe criminal Cyril Kinnear. Jack se enfrenta a Kinnear pero aprende poco de él; también conoce a una glamorosa mujer borracha, Glenda. Cuando Jack se va, Eric le advierte que no dañe las relaciones entre Kinnear y los Fletcher. De regreso a la ciudad, Jack es amenazado por secuaces que quieren que se vaya de la ciudad, pero él los rechaza, captura e interroga a uno para descubrir quién quiere que se vaya. Le dicen el nombre "Brumby".
Jack conoce a Cliff Brumby como un hombre de negocios con intereses mayoritarios en las salas de juegos locales junto al mar . Al visitar la casa de Brumby, Jack descubre que el hombre no sabe nada sobre él y, creyendo que le han tendido una trampa, se marcha. A la mañana siguiente, llegan dos de los colegas londinenses de Jack, Con McCarthy y Peter el holandés, enviados por los Fletcher para llevárselo de regreso, pero él escapa. Jack se encuentra con Margaret para hablar sobre Frank, pero los hombres de los Fletcher están esperando y lo persiguen. Glenda lo rescata y lo lleva en su auto deportivo Sunbeam Alpine para encontrarse con Brumby en su nuevo restaurante en lo alto de un estacionamiento de varios pisos . Brumby identifica a Kinnear como quien está detrás de la muerte de Frank y también explica que Kinnear está tratando de hacerse cargo de su negocio. Le ofrece a Jack 5.000 libras esterlinas para matar al jefe del crimen, lo cual él rechaza.
Jack tiene relaciones sexuales con Glenda en su piso, donde encuentra y ve una película pornográfica en la que Doreen se ve obligada a tener relaciones sexuales con Albert. Las otras participantes de la película son Glenda y Margaret. Jack se enfurece y empuja la cabeza de Glenda bajo el agua mientras ella se baña. Ella le dice que la película era de Kinnear y que cree que Eric incorporó a Doreen a la producción. Jack obliga a Glenda a subir al maletero de su propio coche y se marcha para buscar a Albert.
Jack localiza a Albert, quien confiesa que le dijo a Brumby que Doreen era la hija de Frank. Brumby le mostró a Frank la película para incitarlo a llamar a la policía en Kinnear, por lo que Eric y dos de sus hombres organizaron la muerte de Frank. Habiendo extraído esta información, Jack apuñala fatalmente a Albert. Jack es atacado por los gánsteres de Londres y por Eric, quien ha informado a Fletcher sobre la aventura de Jack y Anna. En el tiroteo que siguió, Jack mata a Peter a tiros. Mientras Eric y Con escapan, empujan el auto deportivo al río, sin saber que Glenda está en el maletero. Al regresar al estacionamiento, Jack encuentra y golpea a Brumby antes de arrojarlo a la muerte. Luego envía la película al equipo antivicio de Scotland Yard .
Jack secuestra a Margaret. Llama por teléfono a Kinnear (que está en medio de una fiesta salvaje en su casa), le dice que tiene la película y hace un trato para que Kinnear le entregue a Eric a cambio de su silencio. Kinnear acepta y envía a Eric a un lugar acordado; sin embargo, posteriormente llama a un asociado. Jack lleva a Margaret a los terrenos de la propiedad de Kinnear, la mata con una inyección fatal y deja su cuerpo allí. Luego llama a la policía para que allanen el grupo de Kinnear.
Jack persigue a Eric por la playa. Obliga a Eric a beber una botella de whisky como le había hecho Eric a Frank, luego lo mata a golpes con su escopeta. Habiendo vengado a Frank y Doreen, Jack camina por la costa, donde el asociado de Kinnear lo mata a tiros desde la distancia.
MGM presionó para tener más estrellas estadounidenses de renombre en la película, a lo que Hodges se resistió con éxito. Además de Telly Savalas , los nombres propuestos por Klinger y los ejecutivos del estudio fueron Joan Collins , y alguien que Hodges describió como "la actriz principal canadiense en Peyton Place de televisión ", lo que probablemente sea una referencia a Barbara Parkins . [2] La producción también utilizó una gran cantidad de extras, la mayoría de los cuales eran locales que estaban en la escena cuando se estaba filmando. Otros provinieron de la empresa de casting local Beverley Artistes, que envió a todos los registrados a audiciones, una de ellas fue Deana Wilde, quien fue elegida como la cantante del pub. Varios de los actores de la compañía también aparecieron en tomas de fondo de la película, incluido el casino, las calles, los bares y la escena de la redada policial. [6]
Mike Hodges reclutó a un grupo de actores de carácter experimentados para interpretar los pequeños papeles secundarios. Godfrey Quigley fue elegido como Eddie, un colega de Frank Carter. Kevin Brennan aparece como Harry el jugador de cartas. Ben Aris , que interpreta a uno de los arquitectos, había aparecido anteriormente en películas como si.... , La carga de la brigada ligera y Hamlet . [24]
El personaje del asesino de Carl Howard, "J", sólo se identifica por la inicial en su anillo, en su único papel cinematográfico, y un misterio apropiado rodea su verdadera identidad. Su nombre no aparece en los créditos de algunas impresiones. Mike Hodges explicó que Howard era un extra en su película para televisión Rumor , y el director le dio una línea para decir, pero otro extra fue acreditado erróneamente. Hodges prometió que lo compensaría y lo elegiría para Carter , pero su nombre no apareció en algunas de las impresiones originales. Cuando los créditos de la película se imprimieron en Radio Times y TV Times , Howard también fue recortado. Hodges dijo en 2002 que "Carl y los créditos no parecen destinados el uno al otro". [25]
A finales de la década de 1960, una relajación de la censura cinematográfica produjo un aumento de películas oscuras e intransigentes, y muchos directores traspasaron los límites de la aceptabilidad. Get Carter fue una película que exploró esta libertad. [26] El proyecto pasó del concepto a la película terminada en sólo 10 meses. [2]
En 1969, el productor Michael Klinger ideó planes para una película de gánsteres para capitalizar el interés público en el mundo criminal británico después de las condenas de los Kray Twins . Klinger fue invitado a ver una primera copia de Man of Violence (1969) de Peter Walker y no quedó impresionado y le dijo al director: "Voy a hacer una película de gánsteres, pero va a costar mucho más que esto y va a para ser mejor". [27] Después de buscar en muchos editores material para adaptarlo a una película, Klinger compró los derechos de la novela Jack's Return Home de Ted Lewis . Andrew Spicer ha escrito que "él [Klinger] sintió su potencial para imbuir al thriller policial británico el realismo y la violencia de sus homólogos estadounidenses". [28]
Klinger había sido contactado en 1969 por otro productor, Nat Cohen , para hacer películas para Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). [29] En problemas financieros y cerrando sus operaciones británicas, MGM estaba en proceso de cerrar sus estudios británicos en Borehamwood [30] y buscaba hacer películas de menor presupuesto para obtener ganancias. En ese momento, el amigo de Klinger, Robert Littman, había sido nombrado director de MGM Europa y Klinger le llevó su propuesta. [27] MGM acordó un presupuesto razonable pero inferior a la media de 750.000 (hay cierta controversia sobre si esta cifra se refiere a dólares o libras) [2] para la producción. [31] A los pocos meses de aceptar el acuerdo, MGM se había retirado del Reino Unido. [27] Klinger había visto la película para televisión Suspect (1969) de Mike Hodges e inmediatamente decidió que era el candidato ideal para dirigir su nuevo proyecto. [27] Hodges también había trabajado anteriormente en el programa de actualidad World in Action , el programa artístico Tempo y una serie de televisión infantil de 1968, The Tyrant King , y todas estas experiencias pasadas influyeron en su enfoque de su debut cinematográfico. [32]
Klinger se puso en contacto con Hodges el 27 de enero de 1970 con una copia de Jack's Return Home y lo contrató [33] para escribir y dirigir la película, pagándole una tarifa fija de £ 7.000 por sus servicios. [34] El título provisional original de Hodges para la película era The Name de Carter . [35] Steve Chibnall escribe: "su tratamiento conservó la estructura esencial de la novela de Lewis con su fuerte impulso narrativo, pero introdujo algunos cambios menores en la caracterización y alteraciones más fundamentales en la narratología ". [35] Dado que Ted Lewis no había especificado dónde se desarrollaba su novela, Hodges se sintió libre de trasladar la historia [36] a un lugar que le resultara familiar, considerando Grimsby , Lowestoft , Hull y North Shields [2] antes de decidirse por Newcastle. sobre Tyne. Hodges dijo que en sus escritos estaba influenciado por las obras de Raymond Chandler y las películas de serie B de Hollywood como Kiss Me Deadly , porque mostraban "cómo utilizar la historia del crimen como una autopsia de los males de la sociedad". [33] Sin embargo, no empleó una técnica negra tradicional de usar una voz en off para exponer los sentimientos internos del personaje. [35] También prescindió de flashbacks de la juventud de Carter que aparecen en la novela que exploraba su relación con su hermano Frank, simplificando la trama a una narrativa lineal que abarca un solo fin de semana. Como escribe Chibnall:
La consecuencia inmediata fue la pérdida de la comprensión de las motivaciones de Carter proporcionada por sus recuerdos de la niñez y sus relaciones con su hermano Frank y el líder de una pandilla delincuente Albert Swift. También se perdió la historia de fondo de los tratos de Carter con Eric Paice durante su época como gánsteres rivales en Londres, en particular, el trato violento de Eric hacia la amante de Carter, Audrey (Anna en el guión), cuyo recuerdo alimenta el odio de Carter. [35]
La importancia de la escopeta de dos cañones como arma elegida por Carter (que en la novela simboliza los lazos familiares y los recuerdos de Carter de tiempos más inocentes cazando con su hermano) se perdió en la adaptación cinematográfica.
El asesinato de Brumby [37] por parte de Carter y su propio asesinato fueron modificaciones adicionales de la novela, enfatizando los paralelos de la película con la tragedia de venganza [35] y el papel de Carter como lo que Geoff Mayer llama "el agente moral [...] un " caballero " obligado para impartir su propio sentido de justicia en un mundo corrupto". [31] Sin embargo, en su comentario en DVD, Hodges da a entender que no veía a Carter más justificado moralmente que aquellos a quienes mata, y su muerte tiene como objetivo presentar sus acciones a la audiencia como moralmente fallidas e inútiles: "Quería que él ser tratado exactamente de la misma manera que trata a otras personas. Ahora, eso es una especie de ética cristiana en cierto modo [...] Ese era un requisito previo de la película para mí, que el sicario debería irse [clic] y eso es todo. ". [38] La decisión de Hodges de matar a Carter fue inicialmente protestada por los ejecutivos de MGM, ya que querían que el personaje sobreviviera en caso de que la película resultara lo suficientemente exitosa como para justificar una secuela . [4]
Hodges y Klinger habían explorado lugares a lo largo de la costa este de Inglaterra en la primavera de 1970, para encontrar un paisaje que sugiriera un "fondo duro y desposeído". [6] Newcastle fue seleccionado después de que la primera elección de Hodges de Hull resultara inadecuada. [6] [35] Hodges investigó a fondo la escena del crimen local de Newcastle, adaptando el guión para hacer uso de los escenarios e incorporando elementos de su investigación en la historia. [33] Su experiencia en World in Action lo había acostumbrado a hacer películas basadas en investigaciones exhaustivas y esto influyó en su enfoque de Get Carter . [2] [32] Uno de los primeros lugares que atrajo la atención de Hodges fue el aparcamiento de varios pisos Trinity Square , que dominaba el centro de Gateshead. Para Hodges, el aparcamiento y los puentes de hierro fundido sobre el Tyne "parecían capturar la naturaleza del propio Jack Carter". [36] El aparcamiento encarna uno de los temas más sutiles de la película, que es la destrucción de un antiguo paisaje urbano y su reconstrucción en consonancia con el brutalismo moderno . [39] Hodges describió cómo, al deambular solo por la estructura superior, se dio cuenta de cómo los diferentes niveles podían usarse para revelar al cazador, Carter, y al cazado, Brumby, simultáneamente pero sin que ninguno de los dos fuera consciente del otro, lo que aumentaba el suspenso. [36] El centro comercial y el aparcamiento fueron cerrados a principios de 2008 y demolidos a finales de 2010. [40]
La ubicación de la casa de Cyril Kinnear, Dryderdale Hall, cerca de Hamsterley, Bishop Auckland , proporcionó una conexión de la vida real con el crimen organizado. [43] Era la casa de campo recientemente desocupada del empresario de máquinas de frutas del noreste Vince Landa, quien había huido del país en 1969 después del asesinato de su mano derecha Angus Sibbett, el llamado asesinato del bandido manco . Muchos creían que el crimen era parte de un intento fallido de los gemelos Kray de hacerse con el control del inframundo de Newcastle. [44] Michael Klinger y el portavoz de publicidad de MGM descartaron el uso de la ubicación como mera coincidencia; sin embargo, Hodges era consciente de la importancia de la casa y la eligió deliberadamente. [33] Steve Chibnall escribe: "Resultó ser una ubicación perfecta, llena de autenticidad y llena de detalles útiles, como el papel tapiz de los indios y los vaqueros [...] el escudo africano y las lanzas cruzadas en la pared de la sala de estar del señor del crimen". habitación". [45] También se hace referencia al caso Landa al comienzo de la película con una toma de un periódico con el titular "Gaming Wars". [46] También se utilizaron otras ubicaciones en Newcastle y Gateshead, Northumberland y el condado de Durham . [47] [48]
La fotografía principal tuvo lugar en el noreste entre el 17 de julio y el 15 de septiembre de 1970. [25] Hodges favoreció el uso de lentes de distancia focal larga (como los había usado anteriormente en Rumor ) en muchas escenas para crear una sensación documental naturalista, especialmente entre multitudes. escenas. [32] La película se rodó en Metrocolor , [4] que era el nombre comercial de MGM para las películas procesadas en su laboratorio Eastmancolor . Este laboratorio procesó Eastman Color Negative de Kodak , por lo que lo más probable es que la película se filmara con este material. [49] [50] Cuando se le pidió que comentara lo que buscaba con el aspecto de la película, el director de fotografía Wolfgang Suschitzky dijo: "El trabajo de cámara en ella [...] estuvo muy influenciado por Mike Hodges, que tiene muy buen ojo. para los montajes y, por supuesto, consultó con su operador y conmigo, pero influyó en todos nosotros, y confieso que gran parte de la buena apariencia se debe a él. Mi tarea principal era iluminar el lugar, muy moderadamente, y esperar el momento adecuado. luz del día y ajustar la exposición en la lente". [51] En la primera semana de rodaje en Newcastle, la ACTT convocó al equipo a una huelga de un día. [52] Siguiendo el consejo de Richard Lester , Hodges y su asistente de dirección se alojaron en un hotel separado del resto del elenco y el equipo, lo que le permitió tener un respiro de la producción una vez finalizado el día de rodaje. Klinger estuvo presente en el set durante gran parte del rodaje de la película. Sin embargo, Hodges dijo que encontró muy poca interferencia por parte del productor. En un momento dado, Klinger y Caine preguntaron si Hodges podría trabajar en una "secuencia de persecución", pero él los convenció de que generaría demasiadas comparaciones con Bullitt [2] (en el guión de rodaje se menciona una secuencia de persecución entre Carter y los gánsteres de Londres). ). [53] Hodges intentó ensayar la escena del hipódromo entre Caine y Hendry en su hotel la noche antes del rodaje, pero "el estado de ebriedad y resentimiento de Hendry obligó a Hodges a abandonar [el] intento". [54] Hodges describió a Caine como "un completo sueño con el que trabajar". [55] Caine sólo perdió los estribos una vez en el set, durante el día muy tenso y emotivo de filmación en el departamento de Glenda, cuando el enfocador arruinó su primera toma . Caine se disculpó de inmediato. [7]
La escena más complicada de rodar fue la del juego de cartas de Kinnear. Son cuatro conversaciones simultáneas, con mucha exposición de la trama y la introducción de dos personajes importantes, Kinnear y Glenda. La complejidad técnica se vio agravada por la variación de la luz que entraba por las ventanas y la voz susurrada de Osborne [45] , que dificultaba la colocación del micrófono. Hodges acercó la cámara y el brazo a Osborne a medida que avanzaba la escena. [13] Chibnall dice que Hodges lamentó no haber ensayado la escena más a fondo. [45]
Al filmar la escena en la que Carter arroja a Brumby hacia la muerte desde el estacionamiento de varios pisos, Hodges utilizó cuatro disparos: uno de la pareja luchando en lo alto de las escaleras; uno desde el nivel más bajo de la escalera donde Caine arrojó a Bryan Mosley sobre los colchones; una toma de un muñeco cayendo; y uno del cuerpo de Brumby encima de un coche aplastado. [36]
La culminante búsqueda de Eric por parte de Carter utilizó una fusión de dos ubicaciones separadas por 35 millas (56 km): Blyth Staithes y Blackhall Beach, cerca de Blackhall Colliery . [56] [57] La escena de la persecución se rodó al revés, con Hodges filmando primero la escena de la muerte de Eric debido al mal estado de Hendry, ya Hodges le preocupaba quedarse sin aliento para interpretar la escena de la muerte después de correr. Hodges eligió la playa por su atmósfera desolada y oscura, pero cuando volvió a rodar la escena la encontró bañada por un sol brillante, inadecuado para el sombrío final que esperaba. Esperó horas hasta que el sol comenzó a ponerse para capturar la iluminación oscura y nublada que se ve en la película. [58] La película muestra la playa negra con restos de carbón, arrojados allí por el sistema transportador de la mina. El transportador, una vista común en la costa este de Durham, era conocido localmente como "El Vuelo". A principios de la década de 2000, se gastaron £10 millones en la retirada de estos transportadores y las torres de hormigón, y en la limpieza de toneladas de desechos de carbón de las playas de East Durham. El programa de limpieza se conoció como "Turning the Tide". [59]
Klinger fue un productor muy activo que permaneció presente durante todo el rodaje y la posproducción. Sugirió que Hodges utilizara a John Trumper como editor. Hodges dijo que él y Trumper discutían y no estaban de acuerdo constantemente, pero todavía pensaba que era un "editor brillante y brillante" y estaba "muy agradecido con él por [...] lo mucho que contribuyó". La edición de sonido y el doblaje estuvieron a cargo de Jim Atkinson, a quien Hodges describió como "muy obsesivo con el trabajo". Le dio a Hodges múltiples posibilidades de cómo doblar el sonido y exploró todos los ángulos. A Klinger le preocupaba que el director debutante pudiera verse abrumado por demasiadas opciones, pero Hodges dijo que él y Atkinson se llevaban muy bien. [2]
La mayor parte de la música de la película fue compuesta por Roy Budd , un pianista y compositor de jazz, que había trabajado anteriormente en las bandas sonoras de Soldier Blue y Flight of the Doves . Aparte de su partitura, Budd también compuso tres canciones: "Looking For Everyone", "Love Is A Four Letter Word" (con letra de Jack Fishman) y "Hallucinations". [4] El tema (también conocido como "Carter Takes a Train"), la pieza más conocida de la película, fue interpretado por Budd y los demás miembros de su trío de jazz, Jeff Clyne ( contrabajo ) y Chris Karan ( percusión) . ), y se registró con un presupuesto de £450. Los músicos grabaron la banda sonora en vivo, directo a la imagen, tocando junto con la película. [60] Para ahorrar tiempo y dinero, Budd no utilizó sobregrabaciones, tocando simultáneamente un clavecín real , un piano eléctrico Wurlitzer y un piano de cola . [61] [62] Budd describió la experiencia como "incómoda, pero sonaba agradable". El tema musical presenta los sonidos del viaje en tren del personaje de Londres a Newcastle.
Mientras Carter se aleja de los pisos, con Glenda en el maletero del auto, las llantas emiten un chirrido. Esto fue muestreado más tarde por Vangelis , quien lo usó en el tema de Jon y Vangelis de 1981 , The Friends of Mr Cairo .
El tema fue lanzado como sencillo de vinilo de 7" por Pye Records en 1971, titulado simplemente Carter y respaldado por "Plaything", otra pieza compuesta para la banda sonora. Los coleccionistas buscan mucho las copias originales del disco y se venden por alrededor de £ 100. [63] La banda sonora, incluidas piezas no utilizadas en la película, originalmente solo estaba disponible en su totalidad en Japón, donde fue lanzada en Odeon Records . [64] Fue lanzada en el Reino Unido en 1998 por el sello Cinephile, una subsidiaria de Castle Communications . En 2012, el tema se incluyó en la compilación de Soul Jazz Records British TV, Film and Library Composers . [65]
La película incluye otra música que no está incluida en el LP de la banda sonora. La música que suena en la escena del club nocturno es una versión dinámica de la melodía de Willie Mitchell de 1969 "30-60-90" interpretada en vivo por Jack Hawkins Showband, que era la banda residente en el club nocturno Oxford Galleries. [66] La cantante de pub, interpretada por Denea Wilde, interpreta una versión de " How About You? " de Burton Lane y Ralph Freed , [4] una canción más asociada con las glamorosas películas de Hollywood que con las trastiendas de los pubs de Newcastle. Los Pelaw Hussars, una banda juvenil local de jazz y grupo de majorettes , también aparecen e interpretan dos números, " When The Saints Go Marching In " y " Auld Lang Syne ". [4]
El estreno mundial de Get Carter se celebró en Los Ángeles el 3 de febrero de 1971. [4] La película finalmente se estrenó para su estreno general en todo el Reino Unido el 10 de marzo de 1971 y en los EE. UU. el 18 de marzo, donde obtuvo la calificación 'X' por violencia. y desnudez femenina, lo que significa que era solo para adultos. [67] Posteriormente fue reclasificado como 'R' , lo que significa que los niños menores de 17 años debían estar acompañados por un adulto. [4] Una versión censurada fue lanzada en Alemania Occidental el 6 de agosto de 1971, con una duración nueve minutos más corta que la original. Michael Klinger participó en la promoción de la película en el Reino Unido y utilizó la experiencia de su experiencia como distribuidor para llevar a cabo una sólida campaña publicitaria. En la parte delantera de los autobuses de Londres aparecieron carteles teaser de la película, con el lema "Caine es Carter". [2]
El cartel cuádruple británico original con ilustraciones de Arnaldo Putzu , al igual que muchos carteles de películas, tiene aspectos o imágenes que difieren de la versión cinematográfica final. Se representa a Carter con una llamativa chaqueta floral, a diferencia del impermeable oscuro y el traje de mohair que usa en la película. Cuando se le preguntó en 2006, Putzu no podía recordar su razón artística para pintar la chaqueta floral, pero dijo que estaba pintando muchas flores en diseños en ese momento. [68] Chibnall describe las imágenes del flower power como "lo que parece un intento desesperado y equivocado de sugerir lo moderno de un género que había caído en gran medida en desgracia". [69] Sin embargo, al experto en carteles de películas Sim Branaghan le gustó su excentricidad y lo calificó como "ese tipo de extravagancia que no obtendrías en estos días". [68] Jonny Trunk de Trunk Records , un aficionado desde hace mucho tiempo a la película y su historia, ha observado que el patrón floral de la chaqueta de Carter está tomado del diseño distintivo de la almohada y la sábana a juego de la cama en la escena donde Britt Ekland se retuerce. desnuda mientras habla por teléfono con Jack. El cartel también muestra la escopeta de Carter en las manos de Eric y muestra a un hombre y una mujer luchando que parecen pertenecer a una película diferente. [70] Existen tomas promocionales y ilustraciones de carteles de la película que muestran a Carter sosteniendo una escopeta de acción de bombeo ; En la película terminada, la única escopeta utilizada por Carter es una escopeta de dos cañones, que Carter encuentra encima del guardarropa de su hermano Frank.
MGM vendió los derechos de distribución de la película en Estados Unidos a su futura filial United Artists , que la promovió mal, en medio de preocupaciones de que el diálogo cockney de la escena inicial fuera ininteligible para el público estadounidense. El estreno de la película se retrasó mientras se redujeron partes de la película, sin grandes mejoras. [71] En el proceso de reducción de la apertura, se perdió la versión de la película con el diálogo original. Durante años, la versión mostrada en la televisión británica fue la versión estadounidense reducida. [71] UA colocó la película en el circuito de autocines en declive , [1] donde se proyectó al final de un cartel doble con Dirty Dingus Magee , un vehículo de Frank Sinatra . [72] [73] Michael Klinger se quejó en 1974 al presidente de la UA, Eric Pleskow , por la mediocre promoción de Carter , y trató de que renunciara a los derechos estadounidenses de la película para que Klinger pudiera encontrar un mejor distribuidor. [74]
La película no encontró muchos problemas de censura, aunque la escena en la que Carter apuñala a Albert Swift causó preocupación en el censor John Trevelyan . [75] En Sudáfrica, la censura eliminó la escena de sexo telefónico de Britt Ekland, acortando su ya breve papel; su nombre todavía aparecía en el cartel, lo que hacía que los espectadores se preguntaran por qué se anunciaba su aparición. [76]
Un resurgimiento del interés público y crítico por la película en la década de 1990 llevó al Instituto Británico de Cine (BFI) a lanzar una nueva copia de la película en 1999. Trabajó con Hodges para restaurar la película, y Hodges consiguió otro conjunto de negativos de la película. Apertura original, que se encontró en los archivos de la BBC. Luego, el equipo unió el segmento inicial en una copia de alta calidad de la película. [71] La reedición se estrenó en el National Film Theatre [77] y se estrenó de forma general el 11 de junio de 1999, en el Tyneside Cinema de Newcastle. [71]
El 16 de marzo de 2022, BFI anunció que se asociaría con Warner Bros. y Warner Bros. Home Entertainment para un relanzamiento de la película en el BFI Southbank como parte de su programa retrospectivo Return of the Outsider: The Films of Mike. Hodges , que se desarrolló del 1 al 31 de mayo e incluyó varios eventos presenciales como "Mike Hodges in Conversation" el 3 de mayo; A esto le siguió un amplio estreno en los cines británicos e irlandeses el 27 de mayo. Este lanzamiento utilizó una nueva restauración 4K del negativo de cámara original de la película, que fue aprobada por Hodges. [78]
Chibnall ha establecido que la película se proyectó en LWT en 1976 y 1980 "en una versión expurgada " (que eliminó la escena de sexo telefónico de Britt Ekland) [76] y una vez en Westward Television y Granada en agosto de 1981, pero no se proyectó. a nivel nacional y en su totalidad hasta una transmisión de la BBC posterior al hito en 1986. [79] Finalmente fue lanzado en los medios domésticos en 1993 por MGM/UA como parte de su "Colección Elite". Chibnall dice: "No había publicidad que sugiriera que había ocurrido un evento importante. Fue simplemente parte del largo proceso de explotación del catálogo anterior de MGM en el período previo a la Navidad". A pesar de esto, el estreno recibió una crítica de cinco estrellas en Empire , donde fue descrita como "una de las mejores películas británicas de los años 70". Chibnall señala que "sin embargo, no encontró un lugar entre los cincuenta mejores vídeos del año de Empire " . [79]
Warner Bros. reeditó la película en una edición especial en DVD en octubre de 2000 en su relación de aspecto original de 1,85:1 . Los extras incluían tres remolques; el tráiler internacional, una introducción de Michael Caine a la gente de Newcastle y un tercero con Roy Budd interpretando el tema de apertura. Este formato también se utilizó en un set VHS de 2001 lanzado por Warner, que incluía a Bullit y Shaft . También se incluyeron en el DVD comentarios de Caine, Hodges y Suschitzky, elaborados a partir de entrevistas separadas con los tres. La banda sonora se presentó en Dolby Digital 1.0 mono . [80]
La película se incluyó en el DVD de 2008 "Movies That Matter - 70's Classics" con Deliverance y Dog Day Afternoon . [81] Está disponible en Warner Archive Collection como DVD-R Made on Demand (MOD) o como descarga, con los mismos extras que el lanzamiento de 2000, aunque con sólo dos avances y esta vez en una proporción de 16:9 . [82]
Get Carter fue lanzado en Blu-ray Disc por Warner el 22 de abril de 2014; Este lanzamiento presenta los mismos extras que la edición especial del DVD, pero debido a un error de fabricación, las ediciones estadounidenses del disco utilizan la versión estadounidense doblada de la secuencia de apertura en lugar del audio original. Este cambio se trasladó a las ediciones británicas iniciales del disco, pero luego se revirtió debido a la reacción del público; Las ediciones británicas posteriores vendidas por puntos de venta como Amazon Reino Unido incluyen la pista de audio original. [83]
BFI Video lanzó su restauración 4K de Get Carter el 1 de agosto de 2022 en Blu-ray estándar y Ultra HD ; [78] los conjuntos de dos discos incluyen las características especiales de lanzamientos anteriores de la película en los medios domésticos, así como un nuevo comentario de audio con los críticos Kim Newman y Barry Forshaw , una pista musical aislada, entrevistas con Hodges, el fundador de Trunk Records , Jonny Trunk. , Tony, el hijo de la actriz Petra Markham y Michael Klinger, el documental de Philip Trevelyan de 1966 The Ship Hotel, Tyne Main , un folleto que contiene varios ensayos sobre la película y otra parafernalia, postales y un cartel de doble cara para la restauración y una réplica. del cartel original del Reino Unido. [84]
En Rotten Tomatoes , la película tiene un índice de aprobación del 87% basado en 38 reseñas, con una calificación promedio de 7,50/10; El consenso crítico del sitio dice: "Oscuramente entretenida y fuertemente enrollada, Get Carter es una cruda historia de venganza bien hecha". [85] En 2003, Steve Chibnall observó un gran desequilibrio de género en la votación de la película hasta abril de 2002, con menos del 6% de los votos emitidos (donde los votantes dieron su género) por mujeres (53 de 947). También notó un aumento sustancial en el número de mujeres que votaron por la película en los ocho meses previos a abril de 2002. [86]
Al describir la respuesta crítica inicial a la película, Steve Chibnall escribió: "La difamación o indiferencia crítica inicial establece las condiciones en las que una secta puede florecer. Get Carter tuvo que conformarse con la ambivalencia". [87] Pensó que la postura general de los críticos británicos "era admirar el poder y el profesionalismo de la película mientras condenaban su amoralidad y violencia excesiva". [86] Geoff Mayer observó que "los críticos principales de la época estaban consternados por la compleja trama de la película y la falta de remordimiento de Carter". [88] En Sight and Sound , Tom Milne dijo que la película estaba bien construida y tenía una buena caracterización, pero carecía del misterio y el carisma de las películas policiales estadounidenses anteriores que intentó emular. Encontró que las motivaciones de Carter eran inconsistentes, ya sea ser un ángel vengador o un "auténtico antihéroe pospermisivo, deleitándose con el sadismo casual". [89] [90] Por el contrario, Nigel Andrews encontró que los personajes eran arquetipos cliché del inframundo criminal, como el "chófer homosexual, el magnate hinchado, la amante glamorosa", y describió la película como "superficial". [91] Richard Weaver en Films and Filming elogió el realismo de la película, describiéndola como "un crimen en su forma más flagrante", [89] [92] mientras que George Melly, escribiendo en The Observer , confesó haber disfrutado indirectamente de ella, pero lo admitió. era "como una botella de ginebra pura que se traga antes del desayuno. Es intoxicante, pero no te hará ningún bien". [93]
Steve Chibnall escribe que "Estados Unidos estaba bastante más acostumbrado a la narración dura" y que los críticos allí estaban "más preparados que los críticos británicos para tratar Get Carter como un trabajo serio", [94] Pauline Kael admira su "calculada falta de alma" [95 ] y se pregunta si señala un "nuevo género de crueldad virtuosa". [96] La publicación estadounidense Box Office dio una crítica cautelosamente aprobatoria y describió la película como "desagradable, violenta y sexy a la vez". Predijo que "Debería agradar en el mercado de la acción, pero no le dará ningún lauro a Caine, aunque su interpretación del vicioso antihéroe impresiona". [97] El crítico también opinó que "una edición más estricta ayudaría considerablemente". Roger Ebert fue menos reservado en sus elogios y escribió que "la película tiene un toque seguro". Destacó el "detalle proletario" de la película, que es "inusual en una película de detectives británica. Por lo general, tenemos todo flash y nada de humanidad, muchos trucos de cámara sofisticados pero ningún sentimiento por los estratos criminales de la sociedad". [98] Sobre la actuación de Caine, escribió: "El personaje creado por Caine es particularmente interesante. Es duro y despiadado, pero muy tranquilo y cargado de una terrible ironía". Judith Crist de la revista New York dio una crítica entusiasta, diciendo que "Michael Caine es magnífico, suave y sexy" y describiendo la película como "una broma dura, mezquina y satisfactoria de la vieja escuela tecnológica dura hecha en términos francos y contemporáneos". [99] Variety también elogió la película, diciendo que "no sólo mantiene el interés sino que transmite con un arte, moderación y claridad poco comunes los muchos giros brutales, sórdidos y juguetones de la trama". [100] Sin embargo, el escrito de Jay Cocks en Time fue despectivo, calificando la película como "un asunto obstinadamente desagradable" y comparándola desfavorablemente con Point Blank . [101] La película apareció en las listas de las mejores películas del año de varios críticos estadounidenses. [74]
En el obituario de Michael Klinger en The Guardian en 1989, Derek Malcolm recordó la película como "uno de los thrillers británicos más formidables de su tiempo". [102]
Get Carter fue un éxito financiero y, según Steve Chibnall, su recaudación de taquilla fue "muy respetable". En su primera semana en el cine ABC2 de Shaftesbury Avenue , Londres, rompió el récord de la casa, recaudando £ 8.188. Superó a Up Pompeii , que aparecía en el ABC1 más grande. También tuvo un gran desempeño cuando se trasladó a ABC en Edgware y Fulham Road . Sobre su estreno general en el norte de Inglaterra, Chibnall señala que tuvo una "primera semana muy buena", antes de que una ola de calor fuera de temporada dañara la asistencia al cine. Chibnall escribe que "Curiosamente, aunque ahora se cree que el tono pesimista y nada sentimental [de la película] expresa el estado de ánimo de su época, el público del cine de masas prefirió Love Story (Arthur Hiller 1970), que siguió siendo la película más popular en Gran Bretaña durante Get Carter. Está corriendo". [94] Fue la sexta película de "estreno general" más popular en la taquilla británica en 1971. [103]
En el momento de su estreno, el único reconocimiento que recibió la película fue una nominación a los premios BAFTA de 1972 para Ian Hendry como Mejor Actor de Reparto . [88] En 1999, Get Carter ocupó el puesto 16 en el BFI Top 100 películas británicas del siglo XX; Cinco años más tarde, una encuesta entre críticos de cine británicos realizada por la revista Total Film la eligió como la mejor película británica de todos los tiempos. [5] En 2008, la película ocupó el puesto 225 en la lista de las 500 mejores películas de todos los tiempos de Empire , que fue seleccionada por más de 10.000 lectores de Empire , 150 cineastas y 50 críticos de cine. [104] En octubre de 2010, los críticos del periódico The Guardian colocaron la película en su lista de "Mejores películas de todos los tiempos", ubicándola en el número 7 entre las 25 mejores películas policiales. [105] En la encuesta adjunta realizada entre los lectores de The Guardian , fue votado en quinto lugar. [106] En 2011, Time Out London colocó la película en el puesto 32 de su lista de las 100 mejores películas británicas , que fue seleccionada por un panel de 150 expertos de la industria cinematográfica. [107]
En 1972, MGM estrenó la película de blaxploitation Hit Man , escrita y dirigida por George Armitage y producida por Gene Corman ; Los créditos de la película identifican Jack's Return Home de Lewis como base. Esta era la segunda vez que Corman producía una película sobre blaxploitation basada en una novela que había sido previamente adaptada al cine, después de Cool Breeze (1972), la cuarta adaptación de The Asphalt Jungle de WR Burnett . [108] Sin embargo, Hodges y los críticos han identificado a Hit Man como una nueva versión de Get Carter , transponiendo la acción de Newcastle a Los Ángeles. La película está protagonizada por Bernie Casey como Tyrone Tackett, la contraparte de la historia de Jack Carter, mientras que Glenda se reinventa como Gozelda, una "estrella de película sensual" interpretada por Pam Grier . [109] Armitage reveló que no había visto Get Carter en el momento en que trabajó en la película, y que Corman le había dado una copia sin título del guión de Hodges, pidiéndole que lo reescribiera en un contexto afroamericano; no se enteró de que la película estaba basada en Get Carter hasta que su agente se lo informó. [110] [111] Si bien las películas comparten varios detalles y tratamientos de la trama, como un francotirador apuntando a Carter/Tackett en una playa rocosa, [112] Hit Man incluye varias divergencias con Get Carter , incluida una escena en la que Gozelda es mutilado. a muerte por tigres, [109] y no termina con la muerte del personaje principal. [108] Hodges y Klinger estaban indignados por la decisión de MGM de rehacer la película, ya que consideraban a Hit Man inferior a Get Carter ; Lewis afirmó más tarde que nunca recibió regalías de Hit Man . [109] [113] La película fue lanzada por Warner Archive Collection como MOD DVD-R el 4 de mayo de 2010. [114]
Warner Bros., que posee los derechos de la biblioteca de MGM anterior a 1986, produjo otra nueva versión de Get Carter en 2000 con el mismo título , protagonizada por Sylvester Stallone como Jack Carter. Anunciada originalmente en 1997, se consideró a Tarsem Singh y Samuel Bayer para dirigir la película antes de que Stephen Kay firmara, con David McKenna escribiendo el guión. [115] [116] [117] Al igual que con Hit Man , la película acreditó a Jack's Return Home de Ted Lewis como su fuente, no a la película de Hodges, y nuevamente contiene escenas que se tomaron prestadas directamente del original, como el tren de apertura. conducir. [118] Michael Caine aparece como Cliff Brumby, en lo que Elvis Mitchell describió como "un papel que aumentará el respeto por el original", especulando que "tal vez esa era su intención". [118] Mickey Rourke interpreta al villano Cyrus Paice. La mayoría de los críticos compararon la nueva versión desfavorablemente con el original. [119] [120] La opinión consensuada de los críticos sobre Rotten Tomatoes fue que era "un remake que no se acerca al estándar del original, Get Carter probablemente dejará a los espectadores confundidos e insatisfechos. Además, las críticas son mixtas con respecto a la actuación de Stallone. ". [121] Fue tan mal recibido en su estreno en Estados Unidos que Warner Bros. decidió no estrenarlo en cines en el Reino Unido, anticipando que la película sería atacada ferozmente por los críticos y fanáticos británicos. [122] Elvis Mitchell en The New York Times escribió "tiene una trama tan mínima que no sólo carece de subtexto o contexto, sino que también puede ser la primera película del mundo sin siquiera texto " . [118] Mike Hodges dijo en 2003 que todavía no había visto la nueva versión, pero un amigo le informó que era "indescriptible". Su hijo le trajo un DVD de la película desde Hong Kong y trató de verla, pero el formato regional era incompatible "así que lo tiramos a la basura". [34] La película fue votada como la peor nueva versión de todos los tiempos en 2004 por los usuarios del sitio web británico de alquiler de DVD ScreenSelect (precursor de Lovefilm ). [123] El 13 de febrero de 2001, Warner Bros. Home Entertainment lanzó la nueva versión en DVD de la Región 1 . [124]
Tom Cox escribe que muchos cineastas británicos "le han robado a Hodges sin igualar el toque frío y realista" de Get Carter . [55] Películas como The Long Good Friday , Face and Lock, Stock y Two Smoking Barrels toman prestado el modelo de la película. La película de Steven Soderbergh de 1999, The Limey , es un homenaje a Get Carter y otras películas británicas de gánsteres, y contiene elementos argumentales y temas similares de venganza, familia y corrupción. Soderbergh dijo que imaginó The Limey como " Get Carter hecho por Alain Resnais ". [125] La película de Shane Meadows Dead Man's Shoes también ha generado comparaciones con Get Carter , siendo igualmente una historia de venganza de gángsters ambientada en una ciudad inglesa de provincias. [126] [127] El equipo de producción de la serie de televisión Life on Mars también citó a Get Carter como una de sus influencias para el programa. [128]
La música de la película también disfrutó de su propio resurgimiento en popularidad, ya que aprovechó el interés de la década de 1990 por las bandas sonoras de películas antiguas. Adrian Utley de Portishead explicó que encontraron inspiradora la música de Get Carter porque "se hizo de forma rápida y económica con sólo unos pocos instrumentos, y tenía que ser intensamente creativo para disfrazar sus limitaciones". [60] El álbum Dare de Human League contiene una canción que cubre el tema Get Carter , aunque era solo una versión del escaso leitmotiv que abre y cierra la película en contraposición a la pieza de jazz pura que acompaña el viaje en tren. Stereolab también cubre el tema de Roy Budd en su álbum Aluminium Tunes , aunque llaman a su versión "Get Carter", a diferencia de su título correcto, "Main Theme (Carter Takes A Train)". Esta versión de Stereolab se utilizó posteriormente como muestra en la canción "Got Carter" de 76. La banda de rock finlandesa Laika & the Cosmonauts versiona el tema de la película en su álbum de 1995 The Amazing Colossal Band . BB Davis & the Red Orchidstra lanzaron una versión del tema principal de la película en 1999. Jah Wobble produjo una versión doblada del tema musical en 2009. [129] [130] Wobble había sido durante mucho tiempo fanático de la línea de bajo de la pista, diciendo en una entrevista de 2004 con The Independent que "Hay algunas líneas de bajo que contienen todo el misterio de la creación en su interior". [131]
Hodges: "El técnico de sonido se me acerca y me dice: "John está demasiado callado". Y yo dije: "Ha venido a mí así y así es como lo quiero". Entonces, si miras esa escena, me acerco cada vez más. con la cámara para capturar esa tranquilidad. John fue genial, había mucha amenaza en esa tranquilidad. Fue un gran villano".
Después de leer el guión, el sacerdote regresó con su conclusión; "¡Me quedé bastante sorprendido cuando dijo que era una obra moral bastante buena ! El tono de la pieza, aunque violento, no aprobaba tales acciones, de hecho, incluso las condenaba. Me sentí aliviado y en paz con la decisión de seguir adelante".
Este es un arreglo del tema de Roy Budd de la película británica de gánsteres de 1971, arreglado para la orquesta Chinese Dub de Wobble.
Esta es una Gran Bretaña moderna, muy alejada del monocromo de Mike Hodges, donde las tablas suenan como traqueteos de tranvías y el bajo profundo de Wobble retumba debajo, mientras la melodía se transmite en serengi.