La tecnología de música digital abarca instrumentos digitales, computadoras , unidades de efectos electrónicos , software o equipos de audio digital utilizados por un intérprete , compositor , ingeniero de sonido , DJ o productor discográfico para producir, interpretar [1] o grabar música . El término se refiere a dispositivos, instrumentos, hardware y software electrónicos utilizados en la interpretación , reproducción, grabación , composición , mezcla , análisis y edición de música.
La tecnología de la música digital comenzó a principios del siglo XX cuando Thaddeus Cahill introdujo el Telharmonium , comúnmente considerado el primer instrumento musical electromecánico. [2] Casi al mismo tiempo, Leon Theremin creó el Theremin , uno de los primeros instrumentos electrónicos que se tocaba sin contacto físico, creando una nueva forma de creación de sonido.
A mediados del siglo XX surgió el sampleo , con artistas como Pierre Schaeffer y Karlheinz Stockhausen manipulando sonidos grabados en cintas para crear composiciones completamente nuevas. Esto sentó las bases para las futuras técnicas de producción de música electrónica.
En la década de 1960, el sintetizador Moog , inventado por Robert Moog , popularizó la síntesis analógica . La música Wendy Carlos demostró el potencial del invento de Robert con el álbum " Switched-On Bach ", premiado con un Grammy , que constaba de obras compuestas por Johann Sebastian Bach interpretadas con el sintetizador Moog . [3] Mientras tanto, los estudios basados en cintas, como el BBC Radiophonic Workshop , estaban a la vanguardia del diseño de sonido electrónico.
La década de 1980 vio un cambio importante hacia la tecnología digital con el desarrollo del estándar de interfaz digital para instrumentos musicales ( MIDI ). Esto permitió que los instrumentos electrónicos se comunicaran con las computadoras y entre sí, transformando la producción musical. Los sintetizadores digitales, como el Yamaha DX7 , se hicieron muy populares.
Las décadas de 1990 y 2000 fueron testigos del crecimiento explosivo de la música electrónica de baile y sus diversos subgéneros, impulsado por la accesibilidad de las herramientas de producción musical digital y el auge de los sintetizadores de software basados en computadora.
Los cursos de tecnología musical se ofrecen en muchas universidades diferentes como parte de programas de grado centrados en interpretación, composición e investigación musical a nivel de pregrado y posgrado. El estudio de la tecnología musical generalmente se ocupa del uso creativo de la tecnología para crear nuevos sonidos, interpretar, grabar , programar secuenciadores u otros dispositivos electrónicos relacionados con la música, y manipular, mezclar y reproducir música. Los programas de tecnología musical capacitan a los estudiantes para carreras en "... ingeniería de sonido, música por computadora, producción y postproducción audiovisual, masterización, música para películas y multimedia, audio para juegos , desarrollo de software y producción multimedia". [4] Aquellos que desean desarrollar nuevas tecnologías musicales a menudo se capacitan para convertirse en ingenieros de audio que trabajan en I+D . [5] Debido al papel cada vez mayor del trabajo interdisciplinario en la tecnología musical, las personas que desarrollan nuevas tecnologías musicales también pueden tener experiencia o capacitación en programación de computadoras , diseño de hardware de computadoras , acústica , producción de discos u otros campos.
Las tecnologías de música digital se utilizan ampliamente para ayudar en la educación musical para la formación de estudiantes en programas musicales en el hogar, la escuela primaria, la escuela secundaria, la escuela secundaria, la universidad y la universidad. Los laboratorios de teclado electrónico se utilizan para la instrucción rentable de piano en grupo para principiantes en escuelas secundarias, colegios y universidades. Los cursos de software de notación musical y manipulación básica de audio y MIDI pueden ser parte de los requisitos básicos de un estudiante para obtener un título en música. Hay aplicaciones móviles y de escritorio disponibles para ayudar en el estudio de la teoría musical y el entrenamiento auditivo. Los pianos digitales, como los que ofrece Roland, brindan lecciones y juegos interactivos utilizando las funciones integradas del instrumento para enseñar los fundamentos de la música. [6]
Los sintetizadores analógicos clásicos incluyen Moog Minimoog , ARP Odyssey , Yamaha CS-80 , Korg MS-20 , Sequential Circuits Prophet-5 , Roland TB-303 , Roland Alpha Juno . [7] Uno de los sintetizadores más icónicos es el Roland TB-303 , fue muy utilizado en la música acid house . Estos sintetizadores resultaron revolucionarios ya que la tecnología utiliza síntesis de software siguiendo el modelo de instrumentos clásicos. Esta nueva ola de sintetizadores permitía a los usuarios conectar módulos en pantalla, como lo haría un Midi.
Los sintetizadores digitales clásicos incluyen Fairlight CMI , PPG Wave , Nord Modular y Korg M1 . [7]
Durante las décadas de 1970 y 1980, los fabricantes japoneses de sintetizadores comenzaron a producir sintetizadores más accesibles, [8] con sintetizadores fabricados por Yamaha Corporation , Roland Corporation , Korg , Kawai y otras empresas. El DX7 de Yamaha fue uno de los primeros teclados sintetizadores relativamente accesibles en el mercado masivo. El DX7 es un sintetizador digital basado en síntesis FM fabricado entre 1983 y 1989. Estos sintetizadores ayudaron a dar forma al sonido de la música electrónica de baile . [9] [10] [11] Su sonido distintivo se puede escuchar en muchas grabaciones, incluida la música pop de la década de 1980. El DX7 monotímbrico polifónico de 16 notas era la versión moderada de los sintetizadores de teclado de la serie DX. Se fabricaron más de 200.000 unidades del DX7 original, [11] [12] [13] y sigue siendo uno de los sintetizadores más vendidos de todos los tiempos. [10] [14]
La combinación de la tecnología informática y de sintetizadores cambió la forma en que se hace la música y es uno de los aspectos de la tecnología musical que cambia más rápidamente en la actualidad. Max Mathews , un investigador acústico [15] en el Departamento de Investigación Acústica y del Comportamiento de Bell Telephone Laboratories , es responsable de algunas de las primeras tecnologías musicales digitales de los años 50. Max Mathews también fue pionero en una piedra angular de la tecnología musical; Conversión analógica a digital . [dieciséis]
En Bell Laboratories, Matthews realizó investigaciones para mejorar la calidad de las telecomunicaciones para llamadas telefónicas de larga distancia. Debido a la larga distancia y al bajo ancho de banda, la calidad del audio en las llamadas telefónicas en todo Estados Unidos era deficiente. Así, Matthews ideó un método en el que el sonido se sintetizaba mediante una computadora en el extremo distante en lugar de transmitirse. Matthews era un violinista aficionado y durante una conversación con su superior, John Pierce en Bell Labs, Pierce planteó la idea de sintetizar música a través de una computadora, ya que Matthews ya había sintetizado el habla. Matthews estuvo de acuerdo y, a partir de la década de 1950, escribió una serie de programas conocidos como MUSIC. MUSIC constaba de dos archivos (un archivo de orquesta que contenía datos que le indicaban a la computadora cómo sintetizar el sonido) y un archivo de partitura que indicaba al programa qué notas tocar usando los instrumentos definidos en el archivo de orquesta. Matthews escribió cinco versiones de MUSIC, llamándolas MUSIC IV respectivamente. Posteriormente, a medida que el programa se adaptó y amplió mientras estaba escrito para ejecutarse en varias plataformas, su nombre cambió para reflejar sus nuevos cambios. Esta serie de programas se conoció como el paradigma MUSIC n . El concepto de MÚSICA existe ahora en forma de Csound. [17]
Posteriormente, Max Matthews trabajó como asesor del IRCAM (Institut de recherche et coordination acoustique/musique; inglés: Institute for Research and Coordination in Acoustics/Music) a finales de los años 1980. Allí enseñó al investigador Miller Puckette. Puckette desarrolló un programa en el que se podía programar música gráficamente. El programa podría transmitir y recibir mensajes MIDI para generar música interactiva en tiempo real. Inspirándose en Matthews, Puckette nombró al programa Max. Más tarde, un investigador llamado David Zicarelli visitó el IRCAM, vio las capacidades de Max y consideró que se podía desarrollar más. Se llevó una copia de Max cuando se fue y finalmente agregó capacidades para procesar señales de audio. Zicarelli nombró a esta nueva parte del programa MSP en honor a Miller Puckette. Zicarelli desarrolló la versión comercial de MaxMSP y la vendió en su empresa, Cycling '74, a partir de 1997. Desde entonces, la empresa ha sido adquirida por Ableton. [17]
La primera generación de instrumentos musicales informáticos profesionales disponibles comercialmente, o estaciones de trabajo , como las llamaron más tarde algunas empresas, eran sistemas muy sofisticados y elaborados que costaban mucho dinero cuando aparecieron por primera vez. Oscilaban entre 25.000 y 200.000 dólares. [18] Los dos más populares fueron el Fairlight y el Synclavier .
No fue hasta la llegada del MIDI que las computadoras de uso general comenzaron a desempeñar un papel en la producción musical. Tras la adopción generalizada de MIDI, se desarrollaron editores y secuenciadores MIDI basados en computadora . Luego se utilizaron convertidores MIDI a CV/Gate para permitir que los sintetizadores analógicos fueran controlados por un secuenciador MIDI. [19]
Los precios reducidos de las computadoras personales hicieron que las masas se alejaran de las estaciones de trabajo más caras . Los avances tecnológicos han aumentado la velocidad del procesamiento del hardware y la capacidad de las unidades de memoria. Potentes programas para secuenciar, grabar, anotar y masterizar música.
En el NAMM Show de 1983 en Los Ángeles, se lanzó MIDI . Una demostración en la convención mostró dos sintetizadores analógicos previamente incompatibles , el Prophet 600 y el Roland Jupiter-6 , comunicándose entre sí, permitiendo al intérprete tocar un teclado mientras obtenía la salida de ambos. Este fue un gran avance en la década de 1980, ya que permitió superponer con precisión los sintetizadores en shows en vivo y grabaciones de estudio. MIDI permite que diferentes instrumentos electrónicos y dispositivos de música electrónica se comuniquen entre sí y con las computadoras. La llegada del MIDI impulsó una rápida expansión de las ventas y producción de instrumentos electrónicos y software musical.
En 1985, varios de los principales fabricantes de teclados crearon la Asociación de Fabricantes MIDI (MMA) . Esta asociación recién fundada estandarizó el protocolo MIDI generando y difundiendo todos los documentos al respecto. Con el desarrollo de la especificación de formato de archivo MIDI por Opcode , el software secuenciador MIDI de cada empresa de software musical pudo leer y escribir los archivos de cada uno.
Desde la década de 1980, las computadoras personales se desarrollaron y se convirtieron en el sistema ideal para utilizar el vasto potencial del MIDI . Esto ha creado un gran mercado de consumo para software como teclados electrónicos equipados con MIDI , secuenciadores MIDI y estaciones de trabajo de audio digital . Con protocolos MIDI universales, se pueden conectar teclados electrónicos, secuenciadores y cajas de ritmos.
Coincidiendo con la historia de la música por ordenador está la historia de la síntesis vocal. Antes de que Max Matthews sintetizara el habla con una computadora, se usaban dispositivos analógicos para recrear el habla. En la década de 1930, un ingeniero llamado Holmer Dudley inventó el VODER (demostración operada por voz), un dispositivo electromecánico que generaba una onda de diente de sierra y ruido blanco. Se podrían filtrar varias partes del espectro de frecuencias de las formas de onda para generar los sonidos del habla. El tono se moduló mediante una barra en una muñequera que llevaba el operador. [20] En la década de 1940, Dudley inventó el VOCODER (codificador operado por voz). En lugar de sintetizar la voz desde cero, esta máquina funcionaba aceptando la voz entrante y dividiéndola en sus componentes espectrales. A finales de los años 1960 y principios de los 1970, bandas y solistas comenzaron a utilizar el VOCODER para combinar el habla con notas tocadas en un sintetizador. [21]
Mientras tanto, en Bell Laboratories, Max Matthews trabajó con los investigadores Kelly y Lochbaum para desarrollar un modelo del tracto vocal para estudiar cómo sus prosperidades contribuían a la generación del habla. Utilizando el modelo del tracto vocal, Matthews utilizó codificación predictiva lineal (LPC) [ cita necesaria ], un método en el que una computadora estima los formantes y el contenido espectral de cada palabra basándose en información sobre el modelo vocal, incluidos varios filtros aplicados que representan el tracto vocal: hacer que una computadora (una IBM 704) cantara por primera vez en 1962. La computadora realizó una interpretación de "Daisy Bell". [22]
En el IRCAM en Francia, los investigadores desarrollaron un software llamado CHANT (en francés, "cantar"), cuya primera versión se ejecutó entre 1979 y 1983. [23] CHANT se basó en la síntesis FOF ( Fomant ond Formatique [ cita necesaria ] ), en la que el Las frecuencias máximas de un sonido se crean y moldean mediante síntesis granular, en lugar de filtrar frecuencias para crear voz. [24]
Durante las décadas de 1980 y 1990, cuando los dispositivos MIDI estuvieron disponibles comercialmente, la voz se generó asignando datos MIDI a muestras de los componentes de la voz almacenados en bibliotecas de muestras. [25]
En la década de 2010, la tecnología de síntesis de Singing aprovechó los avances recientes en inteligencia artificial (escucha profunda y aprendizaje automático) para representar mejor los matices de la voz humana. Las nuevas bibliotecas de muestras de alta fidelidad combinadas con estaciones de trabajo de audio digital facilitan la edición con gran detalle, como el cambio de formatos, el ajuste del vibrato y los ajustes de vocales y consonantes. Se encuentran disponibles bibliotecas de muestra para varios idiomas y varios acentos. Con los avances actuales en la síntesis vocal, los artistas a veces utilizan bibliotecas de muestras en lugar de coristas. [26]
Un sintetizador es un instrumento musical electrónico que genera señales eléctricas que se convierten en sonido a través de amplificadores de instrumentos y altavoces o auriculares . Los sintetizadores pueden imitar sonidos existentes (instrumentos, voces, sonidos naturales, etc.) o generar nuevos timbres o sonidos electrónicos que no existían antes. A menudo se tocan con un teclado musical electrónico , pero se pueden controlar a través de una variedad de otros dispositivos de entrada, incluidos secuenciadores de música , controladores de instrumentos , diapasones, sintetizadores de guitarra , controladores de viento y baterías electrónicas . Los sintetizadores sin controladores incorporados suelen denominarse módulos de sonido y se controlan mediante un dispositivo controlador.
Los sintetizadores utilizan varios métodos para generar una señal. Entre las técnicas de síntesis de formas de onda más populares se encuentran la síntesis sustractiva , la síntesis aditiva , la síntesis de tabla de ondas , la síntesis de modulación de frecuencia , la síntesis de distorsión de fase , la síntesis de modelado físico y la síntesis basada en muestras . Otros tipos de síntesis menos comunes incluyen la síntesis subarmónica , una forma de síntesis aditiva mediante subarmónicos (utilizada por la mezcla trautonium ), y la síntesis granular , síntesis basada en muestras basada en granos de sonido, que generalmente resulta en paisajes sonoros o nubes . En la década de 2010, los sintetizadores se utilizan en muchos géneros de música pop , rock y dance . Los compositores de música clásica contemporánea de los siglos XX y XXI escriben composiciones para sintetizador.
Una caja de ritmos es un instrumento musical electrónico diseñado para imitar el sonido de tambores , platillos , otros instrumentos de percusión y, a menudo, líneas de bajo . Las cajas de ritmos reproducen muestras pregrabadas de tambores y platillos o recreaciones sintetizadas de sonidos de tambores/platillos en un ritmo y tempo programado por un músico. Las cajas de ritmos se asocian más comúnmente con géneros de música electrónica de baile , como la música house , pero también se utilizan en muchos otros géneros. También se utilizan cuando no hay bateristas de sesión disponibles o si la producción no puede permitirse el costo de un baterista profesional. En la década de 2010, la mayoría de las cajas de ritmos modernas son secuenciadores con un componente de reproducción de muestras ( rompler ) o sintetizador que se especializa en la reproducción de timbres de batería . Aunque las características varían de un modelo a otro, muchas cajas de ritmos modernas también pueden producir sonidos únicos y permitir al usuario componer ritmos y patrones de batería únicos.
Las cajas de ritmos electromecánicas se desarrollaron por primera vez en 1949, con la invención del Chamberlin Rhythmate . Las cajas de ritmos electrónicas transistorizadas Seeburg Select-A-Rhythm aparecieron en 1964. [27] [28] [29] [30]
Las cajas de ritmos clásicas incluyen Korg Mini Pops 120 , PAiA Programmable Drum Set, Roland CR-78 , LinnDrum , Roland TR-909 , Oberheim DMX , E-MU SP-12 , Alesis HR-16 y Elektron SPS1 Machinedrum (en orden cronológico). ). [31]
A finales de los años 1970 y 1980, los fabricantes japoneses, incluidos Roland y Korg , asumieron papeles fundamentales en la transformación del panorama musical. Los TR-808 y TR-909 de Roland cambiaron significativamente el panorama de la producción de ritmos. dando forma a géneros como el hip-hop y la música electrónica de baile. El KPR-77 y el DDD-1 de Korg también tuvieron un impacto. Estas cajas de ritmos eran conocidas por su sonido distintivo y asequibilidad. Con el tiempo, las empresas japonesas continuaron innovando, produciendo cajas de ritmos cada vez más sofisticadas y fáciles de usar, como la Roland TR-8 y Korg Volca Beats. Estos instrumentos continúan influyendo en la producción musical contemporánea y siguen siendo parte integral del panorama de la música electrónica en todo el mundo. El álbum de 1971 de Sly and the Family Stone , There's a Riot Goin' On, ayudó a popularizar el sonido de las primeras cajas de ritmos, junto con el éxito de R&B de 1972 de Timmy Thomas " Why Can't We Live Together " y el éxito disco de 1974 de George McCrae. " Rock Your Baby ", que utilizaba las primeras cajas de ritmos de Roland. [32]
Las primeras cajas de ritmos sonaban drásticamente diferentes a las que alcanzaron su máxima popularidad en la década de 1980 y definieron toda una década de música pop. La caja de ritmos más icónica fue la Roland TR-808 , muy utilizada en hip hop y música dance .
La tecnología de muestreo digital, introducida en la década de 1970, [33] [34] [35] [36] [37] se ha convertido en un elemento básico de la producción musical en la década de 2000. [ cita necesaria ] Dispositivos que utilizan muestreo , graban un sonido digitalmente (a menudo un instrumento musical, como un piano o una flauta que se toca) y lo reproducen cuando se presiona una tecla o pad en un dispositivo controlador (por ejemplo, un teclado electrónico , batería electrónica pad, etc.) se presiona o se activa. Los samplers pueden alterar el sonido utilizando varios efectos de audio y procesamiento de audio. El muestreo tiene sus raíces en Francia con los experimentos sonoros llevados a cabo por practicantes de música concreta .
En la década de 1980, cuando la tecnología aún estaba en su infancia, los samplers digitales costaban decenas de miles de dólares y sólo eran utilizados por los mejores estudios de grabación y músicos. Estos estaban fuera del rango de precios de la mayoría de los músicos. Los primeros samplers incluyen Electronic Music Studios MUSYS-3 de 8 bits alrededor de 1970, Computer Music Melodian en 1976, Fairlight CMI en 1979, Emulator I en 1981, opción Synclavier II Sample-to-Memory (STM) alrededor de 1980, Ensoniq Mirage en 1984. y el Akai S612 en 1985. El sucesor de este último, el Emulator II (lanzado en 1984), se cotizaba en 8.000 dólares. [18] Durante este período se lanzaron samplers con precios elevados, como el K2000 y el K2500 .
Algunos samplers de hardware importantes incluyen Kurzweil K250 , Akai MPC60 , Ensoniq Mirage , Ensoniq ASR-10 , Akai S1000 , E-mu Emulator y Fairlight CMI . [38]
Uno de los mayores usos de la tecnología de muestreo fue por parte de los DJ e intérpretes de música hip-hop en la década de 1980. Antes de que estuviera disponible una tecnología de muestreo asequible, los DJ usaban una técnica iniciada por Grandmaster Flash para repetir manualmente ciertas partes de una canción haciendo malabarismos entre dos tocadiscos separados. Esto puede considerarse como un precursor temprano del muestreo. A su vez, esta técnica de turntablismo tiene su origen en la música dub jamaicana de los años 1960 y se introdujo en el hip hop estadounidense en los años 1970.
En la década de 2000, la mayoría de los estudios de grabación profesionales utilizan tecnologías digitales. En los últimos años, muchos samplers sólo han incluido tecnología digital. Esta nueva generación de samplers digitales son capaces de reproducir y manipular sonidos. El muestreo digital juega un papel integral en algunos géneros musicales, como el hip-hop y el trap. Las bibliotecas de muestras avanzadas han hecho posibles interpretaciones completas de composiciones orquestales que suenan similares a una interpretación en vivo. [8] Las bibliotecas de sonidos modernas permiten a los músicos tener la capacidad de utilizar los sonidos de casi cualquier instrumento en sus producciones.
Los primeros muestreadores incluyen el Toshiba LMD-649 de 12 bits en 1981. [39]
El primer sampler asequible en Japón fue el Ensoniq Mirage en 1984. Además, el AKAI S612 estuvo disponible en 1985 y se vendió por 895 dólares. Otras compañías pronto lanzaron samplers asequibles, incluido Oberheim DPX-1 en 1987, y más de Korg , Casio , Yamaha y Roland . Algunos samplers de hardware importantes en Japón incluyen el Akai Z4/Z8 , Roland V-Synth y Casio FZ-1 . [38]
MIDI ha sido la interfaz estándar de la industria de instrumentos musicales desde la década de 1980 hasta la actualidad. [40] Se remonta a junio de 1981, cuando el fundador de Roland Corporation , Ikutaro Kakehashi, propuso el concepto de estandarización entre instrumentos y computadoras de diferentes fabricantes, al fundador de Oberheim Electronics, Tom Oberheim , y al presidente de Sequential Circuits , Dave Smith . En octubre de 1981, Kakehashi, Oberheim y Smith discutieron el concepto con representantes de Yamaha , Korg y Kawai . [41] En 1983, Kakehashi y Smith dieron a conocer el estándar MIDI. [42] [43]
Algunas variedades universalmente aceptadas de aplicaciones de software MIDI incluyen software de instrucción musical, software de secuenciación MIDI, software de notación musical, software de grabación/edición en disco duro , software de edición/biblioteca de sonidos, software de composición asistida por computadora e instrumentos virtuales . Los avances actuales en hardware informático y software especializado continúan ampliando las aplicaciones MIDI.
Tras la adopción generalizada de MIDI, se desarrollaron editores y secuenciadores MIDI basados en computadora . Luego se utilizaron convertidores MIDI a CV/Gate para permitir que los sintetizadores analógicos fueran controlados por un secuenciador MIDI. [19]
Los precios reducidos de las computadoras personales hicieron que las masas se alejaran de las estaciones de trabajo más caras . Los avances tecnológicos han aumentado la velocidad del procesamiento del hardware y la capacidad de las unidades de memoria. Los desarrolladores de software escriben programas nuevos y más potentes para secuenciar, grabar, anotar y masterizar música.
El software de estación de trabajo de audio digital, como Pro Tools , Logic y muchos otros, ha ganado popularidad entre la amplia gama de tecnología musical contemporánea en los últimos años. Dichos programas permiten al usuario grabar sonidos acústicos con un micrófono o un instrumento de software, que luego pueden superponerse y organizarse a lo largo de una línea de tiempo y editarse en la pantalla plana de una computadora . Los segmentos grabados se pueden copiar y duplicar hasta el infinito, sin pérdida de fidelidad ni ruido añadido (un gran contraste con la grabación analógica , en la que cada copia provoca una pérdida de fidelidad y ruido añadido). La música digital se puede editar y procesar utilizando una multitud de efectos de audio. La música clásica contemporánea a veces utiliza sonidos generados por computadora, ya sea pregrabados o generados y manipulados en vivo, en conjunto o yuxtapuestos con instrumentos acústicos clásicos como el violonchelo o el violín. La música se partitura con software de notación disponible comercialmente . [44]
Además de las estaciones de trabajo de audio digital y el software de notación musical, que facilitan la creación de medios fijos (material que no cambia cada vez que se interpreta), siguen surgiendo software que facilita la música interactiva o generativa. La composición basada en condiciones o reglas (composición algorítmica) ha dado lugar a software que puede generar música automáticamente en función de condiciones o reglas de entrada. Así, la música resultante evoluciona cada vez que cambian las condiciones. Ejemplos de esta tecnología incluyen software diseñado para escribir música para videojuegos, donde la música evoluciona a medida que un jugador avanza a través de un nivel o cuando aparecen ciertos personajes, o música generada a partir de inteligencia artificial entrenada para convertir datos biométricos como lecturas de EEG o ECG en música. [45] Debido a que esta música se basa en la interacción del usuario, será diferente cada vez que se escuche. Otros ejemplos de tecnología de música generativa incluyen el uso de sensores conectados a una computadora e inteligencia artificial para generar música basada en datos capturados, como factores ambientales, los movimientos de los bailarines o entradas físicas de un dispositivo digital como un mouse o un controlador de juego. Las aplicaciones de software que ofrecen capacidades para música generativa e interactiva incluyen SuperCollider, MaxMSP/Jitter y Processing. La música interactiva es posible gracias a la informática física, donde los datos del mundo físico afectan la salida de una computadora y viceversa. [17]
En 1967, John Chowning, de la Universidad de Stanford, descubrió accidentalmente la síntesis de modulación de frecuencia (FM) al experimentar con efectos de vibrato extremos en MUSIC-V. ... En 1971, pudo utilizar la síntesis FM para sintetizar sonidos de instrumentos musicales, y esta técnica se utilizó más tarde para crear el sintetizador Yamaha DX, el primer sintetizador digital de éxito comercial, a principios de la década de 1980.
El primer sintetizador digital que llegó a los estudios de todos los demás, el Yamaha DX7, se convirtió en uno de los sintetizadores más exitosos de todos los tiempos.
En ese momento apareció el primer instrumento digital de éxito comercial, el Yamaha DX7. (ventas de por vida de doscientos mil), apareció en 1983...(Nota: el número de ventas anterior parece corresponder a la serie DX completa)
[Q]
...Cronómetro [3], según tengo entendido, los sonidos de los mecanismos del reloj y todo lo demás fueron muestreados efectivamente por un ADC, almacenados y manipulado por la computadora y luego escupido nuevamente. ¿Cuál fue el gran avance...
[A]
Peter siguió comprando las últimas computadoras que salieron y por supuesto la memoria aumentó. Luego le construí una grabadora de disco duro para poder almacenar algunos de los sonidos en este disco duro. ...
1976 / COMPUTER MUSIC MELODIAN / Basado en una computadora DEC PDP-8, tenía una resolución de 12 bits/22 kHz nunca antes vista.
FIRSTMAN existió en 1972 y se inauguró en Japón. Dort ist die Firma unter dem Markennamen HILLWOOD bekannt. HILLWOOD nació en 1973 como el primer sintetizador de FIRSTMAN. La empresa MULTIVOX se encuentra en su instrumento de 1976 a 1980 de HILLWOOD bauen. SQ-10/mon sin kmi? (1980) / Monophoner Synthesizer mit wahrscheinlich eingebautem Sequenzer. Die Tastatur umfasst 37 Tasten. Die Klangerzeugung beruht auf two VCO.