En las artes visuales , el estilo es una "... manera distintiva que permite agrupar obras en categorías relacionadas" [1] o "... cualquier manera distintiva, y por lo tanto reconocible, en que se realiza un acto o se hace o debería hacerse y realizarse un artefacto". [2] El estilo se refiere a la apariencia visual de una obra de arte que se relaciona con otras obras con raíces estéticas similares, del mismo artista o del mismo período, formación, ubicación, "escuela", movimiento artístico o cultura arqueológica : "La noción de estilo ha sido durante mucho tiempo el modo principal de los historiadores para clasificar las obras de arte". [3]
El estilo se puede dividir en el estilo general de un período, país o grupo cultural, grupo de artistas o movimiento artístico , y el estilo individual del artista dentro de ese grupo. A menudo se hacen divisiones dentro de ambos tipos de estilos, como entre "temprano", "medio" o "tardío". [4] En algunos artistas, como Picasso , por ejemplo, estas divisiones pueden ser marcadas y fáciles de ver; en otros, son más sutiles. El estilo se considera generalmente dinámico, en la mayoría de los períodos siempre cambia mediante un proceso gradual, aunque la velocidad de esto varía mucho, desde el desarrollo muy lento del estilo típico del arte prehistórico o el arte del Antiguo Egipto hasta los cambios rápidos en los estilos del arte moderno . El estilo a menudo se desarrolla en una serie de saltos, con cambios relativamente repentinos seguidos de períodos de desarrollo más lento.
Después de dominar el debate académico sobre la historia del arte en los siglos XIX y principios del XX, la llamada "historia del arte del estilo" ha sido objeto de crecientes ataques en las últimas décadas, y muchos historiadores del arte ahora prefieren evitar las clasificaciones estilísticas cuando pueden. [5]
En teoría, cualquier obra de arte puede analizarse en términos de estilo; ni los períodos ni los artistas pueden evitar tener un estilo, salvo por incompetencia absoluta [6] , y, a la inversa, no se puede decir que los objetos naturales o las vistas tengan un estilo, ya que el estilo sólo resulta de las decisiones que toma el creador [7] . No importa si el artista elige conscientemente el estilo o si puede identificar su propio estilo. Los artistas de las sociedades desarrolladas recientes tienden a ser muy conscientes de su propio estilo, posiblemente hiperconscientes, mientras que para los artistas anteriores las decisiones estilísticas eran probablemente "en gran medida inconscientes" [8] .
La mayoría de los períodos estilísticos son identificados y definidos posteriormente por los historiadores del arte, pero los artistas pueden optar por definir y nombrar su propio estilo. Los nombres de la mayoría de los estilos más antiguos son invención de los historiadores del arte y no habrían sido comprendidos por los practicantes de esos estilos. Algunos se originaron como términos de burla, incluidos el gótico , el barroco y el rococó . [9] El cubismo, por otro lado, fue una identificación consciente hecha por unos pocos artistas; la palabra en sí parece haberse originado con los críticos más que con los pintores, pero fue rápidamente aceptada por los artistas.
El arte occidental, al igual que el de otras culturas, en particular el arte chino , tiene una marcada tendencia a revivir a intervalos estilos "clásicos" del pasado. [10] En el análisis crítico de las artes visuales, el estilo de una obra de arte suele tratarse como algo distinto de su iconografía , que abarca el tema y el contenido de la obra, aunque para Jas Elsner esta distinción "no es, por supuesto, cierta en ningún ejemplo real; pero ha demostrado ser retóricamente extremadamente útil". [11]
La crítica de arte clásica y los relativamente escasos escritos medievales sobre estética no desarrollaron en gran medida un concepto de estilo en el arte, ni un análisis del mismo, [12] y aunque los escritores renacentistas y barrocos sobre arte se preocupan mucho por lo que llamaríamos estilo, no desarrollaron una teoría coherente del mismo, al menos fuera de la arquitectura:
Los estilos artísticos cambian con las condiciones culturales; una verdad evidente para cualquier historiador del arte moderno, pero una idea extraordinaria en este período [Renacimiento temprano y anteriores]. Tampoco está claro que una idea de ese tipo se haya articulado en la antigüedad ... Plinio estaba atento a los cambios en las formas de hacer arte, pero presentó dichos cambios como impulsados por la tecnología y la riqueza. Vasari, también, atribuye la rareza y, en su opinión, las deficiencias del arte anterior a la falta de conocimientos tecnológicos y sofisticación cultural. [13]
Giorgio Vasari expuso un relato muy influyente, aunque muy cuestionado, sobre el desarrollo del estilo en la pintura italiana (principalmente) desde Giotto hasta su propio período manierista . Subrayó el desarrollo de un estilo florentino basado en el disegno o dibujo basado en líneas, en lugar del color veneciano . Con otros teóricos del Renacimiento como Leon Battista Alberti continuó los debates clásicos sobre el mejor equilibrio en el arte entre la representación realista de la naturaleza y la idealización de la misma; este debate continuaría hasta el siglo XIX y la llegada del modernismo . [14]
El teórico del neoclasicismo , Johann Joachim Winckelmann , analizó los cambios estilísticos en el arte clásico griego en 1764, comparándolos estrechamente con los cambios en el arte renacentista , y " Georg Hegel codificó la noción de que cada período histórico tendrá un estilo típico", arrojando una sombra muy larga sobre el estudio del estilo. [15] A Hegel se le atribuye a menudo la invención de la palabra alemana Zeitgeist , pero en realidad nunca utilizó la palabra, aunque en Lecciones sobre la filosofía de la historia , usa la frase der Geist seiner Zeit (el espíritu de su tiempo), escribiendo que "ningún hombre puede superar su propio tiempo, porque el espíritu de su tiempo es también su propio espíritu". [16]
La construcción de esquemas de los estilos de época del arte histórico y la arquitectura fue una de las principales preocupaciones de los académicos del siglo XIX en el nuevo e inicialmente mayoritariamente de habla alemana campo de la historia del arte , con importantes escritores sobre la amplia teoría del estilo, incluidos Carl Friedrich von Rumohr , Gottfried Semper y Alois Riegl en su Stilfragen de 1893, con Heinrich Wölfflin y Paul Frankl continuando el debate en el siglo XX. [17] Paul Jacobsthal y Josef Strzygowski se encuentran entre los historiadores del arte que siguieron a Riegl al proponer grandes esquemas que rastrean la transmisión de elementos de estilos a través de grandes rangos en el tiempo y el espacio. Este tipo de historia del arte también se conoce como formalismo , o el estudio de formas o figuras en el arte. [18]
Semper, Wölfflin y Frankl, y más tarde Ackerman, tenían formación en historia de la arquitectura y, como muchos otros términos para los estilos de época, "románico" y "gótico" se acuñaron inicialmente para describir estilos arquitectónicos , donde los cambios importantes entre estilos pueden ser más claros y más fáciles de definir, sobre todo porque el estilo en arquitectura es más fácil de reproducir siguiendo un conjunto de reglas que el estilo en el arte figurativo como la pintura. Los términos originados para describir los períodos arquitectónicos a menudo se aplicaron posteriormente a otras áreas de las artes visuales, y luego de manera más amplia aún a la música, la literatura y la cultura en general. [19]
En arquitectura, el cambio estilístico suele surgir del descubrimiento de nuevas técnicas o materiales, y es posible gracias a ellos, desde la bóveda de crucería gótica hasta la construcción moderna de metal y hormigón armado . Un importante tema de debate tanto en la historia del arte como en la arqueología ha sido hasta qué punto el cambio estilístico en otros campos, como la pintura o la cerámica, es también una respuesta a nuevas posibilidades técnicas, o tiene su propio impulso para desarrollarse (la kunstwollen de Riegl), o cambios en respuesta a factores sociales y económicos que afectan al mecenazgo y las condiciones del artista, como tiende a destacar el pensamiento actual, utilizando versiones menos rígidas de la historia del arte marxista . [20]
Aunque el estilo estaba bien establecido como un componente central del análisis histórico del arte, verlo como el factor primordial en la historia del arte había pasado de moda en la Segunda Guerra Mundial, ya que se estaban desarrollando otras formas de ver el arte, [21] así como una reacción contra el énfasis en el estilo; para Svetlana Alpers , "la invocación normal del estilo en la historia del arte es un asunto deprimente en verdad". [22] Según James Elkins , "A finales del siglo XX, las críticas al estilo apuntaban a reducir aún más los elementos hegelianos del concepto, al tiempo que lo conservaban en una forma que pudiera controlarse más fácilmente". [23] Meyer Schapiro , James Ackerman , Ernst Gombrich y George Kubler ( The Shape of Time: Remarks on the History of Things , 1962) han hecho contribuciones notables al debate, que también se ha basado en desarrollos más amplios en la teoría crítica . [24] En 2010 Jas Elsner lo expresó con más fuerza: "Durante casi todo el siglo XX, la historia del arte del estilo ha sido el rey indiscutible de la disciplina, pero desde las revoluciones de los años setenta y ochenta el rey ha muerto", [25] aunque su artículo explora las formas en que la "historia del arte del estilo" sigue viva, y su comentario difícilmente sería aplicable a la arqueología.
El uso de términos como Contramaniera parece estar en declive, a medida que crece la impaciencia con tales "etiquetas de estilo" entre los historiadores del arte. En 2000, Marcia B. Hall , una destacada historiadora del arte de la pintura italiana del siglo XVI y discípula de Sydney Joseph Freedberg (1914-1997), quien inventó el término, fue criticada por un crítico de su libro After Raphael: Painting in Central Italy in the Sixteenth Century por su "falla fundamental" al seguir usando este y otros términos, a pesar de una "Nota sobre las etiquetas de estilo" en tono de disculpa al comienzo del libro y una promesa de mantener su uso al mínimo. [26]
Un intento reciente y poco común de crear una teoría para explicar el proceso que impulsa los cambios en el estilo artístico, en lugar de solo teorías sobre cómo describirlos y categorizarlos, es el del psicólogo conductual Colin Martindale , quien propuso una teoría evolutiva basada en principios darwinianos . [27] Sin embargo, no se puede decir que esto haya ganado mucho apoyo entre los historiadores del arte.
La historia del arte tradicional también ha puesto gran énfasis en el estilo individual, a veces llamado el estilo característico , [28] de un artista: "la noción de estilo personal —que la individualidad puede expresarse de manera única no sólo en la forma en que un artista dibuja, sino también en las peculiaridades estilísticas de la escritura de un autor (por ejemplo)— es quizás un axioma de las nociones occidentales de identidad". [29] La identificación de estilos individuales es especialmente importante en la atribución de obras a los artistas, que es un factor dominante en su valoración para el mercado del arte , sobre todo para las obras de la tradición occidental desde el Renacimiento. La identificación del estilo individual en las obras se "asigna esencialmente a un grupo de especialistas en el campo conocidos como conocedores ", [30] un grupo que se centra en el comercio del arte y los museos, a menudo con tensiones entre ellos y la comunidad de historiadores del arte académicos. [31]
El ejercicio del conocimiento es en gran medida una cuestión de impresiones subjetivas que son difíciles de analizar, pero también una cuestión de conocer detalles de la técnica y la "mano" de diferentes artistas. Giovanni Morelli (1816-1891) fue pionero en el estudio sistemático del escrutinio de detalles menores de diagnóstico que revelaban la taquigrafía y las convenciones apenas conscientes de los artistas para representar, por ejemplo, las orejas o las manos, en las pinturas de los viejos maestros occidentales . Sus técnicas fueron adoptadas por Bernard Berenson y otros, y se han aplicado a la escultura y a muchos otros tipos de arte, por ejemplo, por Sir John Beazley a la pintura de jarrones áticos . [32] Las técnicas personales pueden ser importantes para analizar el estilo individual. Aunque la formación de los artistas antes del Modernismo era esencialmente imitativa, basándose en métodos técnicos enseñados, ya fuera aprendidos como aprendices en un taller o más tarde como estudiantes en una academia, siempre había espacio para la variación personal. La idea de los "secretos" técnicos celosamente guardados por el maestro que los desarrolló es un tema de larga data en la historia del arte, desde el relato probablemente mítico de Jan van Eyck de Vasari hasta los hábitos secretos de Georges Seurat . [33]
Sin embargo, la idea del estilo personal ciertamente no se limita a la tradición occidental. En el arte chino está igualmente arraigado, pero tradicionalmente se lo considera un factor en la apreciación de algunos tipos de arte, sobre todo la caligrafía y la pintura literaria , pero no otros, como la porcelana china; [34] una distinción que también se ve a menudo en las llamadas artes decorativas en Occidente. La pintura china también permitió la expresión de opiniones políticas y sociales por parte del artista mucho antes de lo que normalmente se detecta en Occidente. [35] La caligrafía, también considerada como un arte fino en el mundo islámico y el este de Asia , trae una nueva área dentro del ámbito del estilo personal; el ideal de la caligrafía occidental tiende a ser suprimir el estilo individual, mientras que la grafología , que se basa en ella, se considera a sí misma como una ciencia.
El pintor Edward Edwards dijo en sus Anécdotas de pintores (1808): " La manera de dibujar a lápiz del Sr. Gainsborough era tan peculiar de él, que su trabajo no necesitaba firma". [36] Ejemplos de estilos fuertemente individuales incluyen: el arte cubista de Pablo Picasso , el estilo Pop Art [37] de Andy Warhol , el estilo impresionista de Vincent Van Gogh , la pintura por goteo de Jackson Pollock.
"Manera" es un término relacionado, que se utiliza a menudo para lo que es en realidad una subdivisión de un estilo, tal vez centrado en puntos particulares del estilo o la técnica. [38] Mientras que muchos elementos del estilo de la época se pueden reducir a formas o figuras características, que pueden representarse adecuadamente en diagramas simples de líneas, "manera" se utiliza más a menudo para referirse al estilo y la atmósfera generales de una obra, especialmente obras complejas como pinturas, que no pueden ser tan fácilmente sujetas a un análisis preciso. Es un término algo anticuado en la historia del arte académico, que se evita porque es impreciso. Cuando se utiliza, a menudo es en el contexto de imitaciones del estilo individual de un artista, y es uno de la jerarquía de términos discretos o diplomáticos utilizados en el comercio del arte para la relación entre una obra en venta y la de un artista conocido, donde "Manera de Rembrandt " sugiere una relación distanciada entre el estilo de la obra y el propio estilo de Rembrandt. La "Explicación de la práctica de catalogación" de la casa de subastas Christie's explica que " Manera de ... " en sus catálogos de subastas significa "En nuestra opinión, una obra ejecutada en el estilo del artista pero de una fecha posterior". [39] El manierismo , derivado del italiano maniera ("manera"), es una fase específica del estilo general del Renacimiento, pero "manera" se puede utilizar de forma muy amplia.
En arqueología , a pesar de las técnicas modernas como la datación por radiocarbono , el período o estilo cultural sigue siendo una herramienta crucial en la identificación y datación no solo de obras de arte sino de todas las clases de artefactos arqueológicos , incluidos los puramente funcionales (ignorando la cuestión de si existen artefactos puramente funcionales). [40] La identificación de estilos individuales de artistas o artesanos también se ha propuesto en algunos casos incluso para períodos remotos, como el arte de la Edad de Hielo del Paleolítico Superior europeo . [41]
Al igual que en la historia del arte, el análisis formal de la morfología (forma) de los artefactos individuales es el punto de partida. Esto se utiliza para construir tipologías para diferentes tipos de artefactos, y mediante la técnica de seriación se logra una datación relativa basada en el estilo para un sitio o grupo de sitios donde no se pueden utilizar técnicas científicas de datación absoluta , en particular cuando solo se dispone de artefactos o restos de piedra, cerámica o metal, lo que suele ser el caso. [42] Los fragmentos de cerámica suelen ser muy numerosos en sitios de muchas culturas y períodos, e incluso las piezas pequeñas pueden datarse con seguridad por su estilo. En contraste con las tendencias recientes en la historia del arte académica, la sucesión de escuelas de teoría arqueológica en el último siglo, desde la arqueología histórico-cultural hasta la arqueología procesual y finalmente el auge de la arqueología posprocesual en las últimas décadas, no ha reducido significativamente la importancia del estudio del estilo en arqueología, como base para clasificar los objetos antes de su posterior interpretación. [43]
La estilización y estilizado (o estilización y estilizado en inglés británico (no Oxford) , respectivamente) tienen un significado más específico, refiriéndose a representaciones visuales que utilizan formas simplificadas de representar objetos o escenas que no intentan una representación completa, precisa y exacta de su apariencia visual ( mímesis o " realista "), prefiriendo una representación general atractiva o expresiva. Más técnicamente, se ha definido como "la generalización decorativa de figuras y objetos por medio de varias técnicas convencionales, incluyendo la simplificación de la línea, la forma y las relaciones de espacio y color", [44] y se ha observado que "el arte estilizado reduce la percepción visual a construcciones de patrón en línea, elaboración de superficies y espacio aplanado". [45]
El arte antiguo, tradicional y moderno , así como las formas populares como los dibujos animados o la animación, utilizan muy a menudo representaciones estilizadas, así, por ejemplo, Los Simpsons utilizan representaciones muy estilizadas, al igual que el arte africano tradicional . Las dos pinturas de Picasso ilustradas en la parte superior de esta página muestran un movimiento hacia una representación más estilizada de la figura humana dentro del estilo del pintor, [46] y el Caballo blanco de Uffington es un ejemplo de una representación prehistórica muy estilizada de un caballo. Los motivos de las artes decorativas, como la palmeta o el arabesco, suelen ser versiones muy estilizadas de las partes de las plantas.
Incluso en el arte que en general intenta la mímesis o el "realismo", muy a menudo se encuentra un grado de estilización en los detalles, y especialmente en figuras u otros elementos a pequeña escala, como personas o árboles, etc. en el fondo lejano, incluso de una obra de gran tamaño. Pero no se trata de una estilización destinada a ser percibida por el espectador, excepto en un examen minucioso. [47] Los dibujos , modelos y otros bocetos que no están destinados a ser obras terminadas para la venta también suelen estilizarse.
"Estilizado" puede significar la adopción de cualquier estilo en cualquier contexto, y en inglés americano se utiliza a menudo para el estilo tipográfico de los nombres, como en " AT&T también se estiliza como ATT y at&t": este es un uso específico que parece haber escapado a los diccionarios, aunque es una pequeña extensión de otros sentidos existentes de la palabra. [ cita requerida ]
En un experimento de 2012 en la Universidad Tecnológica Lawrence de Michigan, una computadora analizó aproximadamente 1000 pinturas de 34 artistas conocidos utilizando un algoritmo especialmente desarrollado y las colocó en categorías de estilo similares a las de los historiadores de arte humanos. [48] El análisis implicó el muestreo de más de 4000 características visuales por obra de arte. [48] [49]
Aplicaciones como Deep Art Effects pueden convertir fotos en imágenes artísticas que se dice que tienen el estilo de pintores como Van Gogh . [50] [51] Con el desarrollo de un sofisticado software de arte con IA de texto a imagen , el uso de estilos artísticos especificables se ha convertido en una herramienta generalizada en la década de 2020. [52] [53] [54] [55] [56] [57]