La Riverside Shakespeare Company de la ciudad de Nueva York fue fundada en 1977 como una compañía de teatro profesional ( AEA ) en el Upper West Side de la ciudad de Nueva York por W. Stuart McDowell y Gloria Skurski. Centrada en obras de Shakespeare y otros repertorios clásicos, funcionó hasta 1997.
Fundada con un núcleo de graduados de la Universidad de California en Berkeley , [1] la Riverside Shakespeare Company de la ciudad de Nueva York inauguró su primera producción, Romeo y Julieta , en agosto de 1977 en Riverside Park . Luego comenzó una gira gratuita por los parques de Manhattan, actuando en Washington Square , John Jay Park , Fort Tryon Park y la Universidad de Columbia . La producción fue dirigida por McDowell. [2]
Un anuncio publicado en The New York Times el día de la inauguración decía:
La Riverside Shakespeare Company retoma la obra que Joseph Papp dejó este verano y presenta obras gratuitas de Shakespeare en el parque. ... La producción se realizará en un estilo de juglar ambulante, evocando la época de Shakespeare. Antes, para crear el ambiente de la época, los artistas se distribuirán por el parque: malabaristas, esgrimistas, cantantes, lectores de poesía. Luego, una fanfarria llamará a los actores al escenario y comenzará la historia de amantes desventurados. [3]
La producción inaugural de Romeo y Julieta fue una versión de dos horas, recortada para incorporar una extensa esgrima, una escena de baile de salón extendida y pantomima , como la aparición del fantasma de Teobaldo a Julieta. Cada actuación también estaba programada para terminar con la puesta del sol a mediados de agosto. Las actuaciones fueron precedidas por toda la compañía de actores y músicos que entretuvieron al público con un Greenshow , una parodia previa al espectáculo de la producción que seguiría, que tenía el doble propósito de construir un puente físico y cómico entre el actor y el público, y de establecer un estilo físico y espontáneo de actuación que incorporara el entorno de la actuación al espectáculo. Esto se basó en las raíces de la compañía -y de Shakespeare- en la rica herencia de la Commedia dell'arte . [4]
El otoño siguiente, la compañía comenzó una serie de lecturas de las obras de Shakespeare, leyendo todo el canon durante el primer año. A partir de esto, la compañía inauguró una serie de transmisiones de radio gratuitas de las obras de Shakespeare en la estación de radio pública de Nueva York, WBAI . Pronto se formó una junta directiva bajo la guía de la presidenta fundadora, Elena Scotti del Lincoln Center . En su fundación en 1977, la Riverside Shakespeare Company se convirtió en la única compañía de Shakespeare profesional durante todo el año de la ciudad de Nueva York dedicada a la interpretación de las obras de Shakespeare, sus contemporáneos y la Commedia dell'arte. [5]
Durante su temporada inaugural de 1977-1978, después de su gira de parques de Romeo y Julieta , la Riverside Shakespeare Company presentó una "gira de la biblioteca Equity" gratuita de Twelfth Night , dirigida por Gloria Skurski, con música de Michael Moore, [6] que luego tuvo una presentación extendida Off Broadway en el Manhattan Theatre Club Stage 73. Judy Thrall, de Heights/Inwood Press del norte de Manhattan, revisó la producción de Twelfth Night :
Algunas compañías de teatro –las que empiezan con actores talentosos e inteligentes– nacen grandes. Otras compañías –las que empiezan con gente tímida e inexperta que pronto madura con su arte– alcanzan la grandeza. Y algunas compañías –las que empiezan sin formación ni guía– pueden, con la llegada de una fuerza brillante, ver cómo la grandeza se les impone. En la primera categoría hiperbólica se encuentra uno de los grupos de teatro más nuevos de la ciudad, la Riverside Shakespeare Company. ... Ahora el grupo va camino de convertirse en una fuerza teatral importante en el Alto Manhattan y en otros lugares. [7]
En la primavera de 1978, la compañía montó el Hamlet completo en el tejado del patio de la iglesia Riverside en Manhattan a última hora de la tarde. El éxito de esta producción permitió a la compañía volver a montar su Hamlet , esta vez iluminado con antorchas a última hora de la tarde, en el paseo principal de la Universidad , frente a la Biblioteca Low de la Universidad de Columbia , utilizando un gran escenario rodeado de láminas de acero, erigido para crear un entorno reflectante tanto para la voz como para la iluminación con antorchas. [8] La producción fue diseñada y dirigida por W. Stuart McDowell y contó con Peter Siiteri como Hamlet. [9]
El Hamlet de Riverside marcó su primera producción en folio , en la que se presentó el texto completo de la obra de Shakespeare en una producción animada y llena de acción, lo que permitió a la compañía montar el Hamlet completo en menos de tres horas. Un Greenshow también precedió a cada actuación al aire libre, entreteniendo al público a medida que llegaba con una parodia de la obra que siguió, que fue puesta en escena por "los actores" en camino a "Elsinore".
La actuación con antorchas de Hamlet en la Universidad de Columbia fue reseñada por el periódico Heights/Innwood del norte de Manhattan :
Las astutas insinuaciones y los elegantes gestos de Siiteri en el papel de Hamlet fueron bien aprovechados. Sus reacciones ante el fantasma de su padre y ante la muerte de Ofelia tenían rastros de la vulnerabilidad y humanidad que se ven en los mejores Hamlet. Otros miembros del reparto fueron desde muy buenos hasta magníficos. Kaeren Peregrin como Ofelia ofreció una "escena de locura" escalofriante. Robert Lanchester como Claudio fue deliciosamente depravado y Frank Fico como Polonio fue maravillosamente divertido sin convertir al entrañable y caballeroso en un bufón. Bravo también para John Rowe como Laertes... Todos los actores proyectaron magníficamente sin la ayuda de micrófonos, ¡y eso al aire libre! [8]
En su segundo verano, en 1978, la compañía presentó una gira gratuita y popular de El sueño de una noche de verano , con Eric Hoffmann como Puck, Karen Hurley como Titania y Eric Conger como Oberón, dirigida por Gloria Skurski. [10] El grupo de gira "Brass" interpretó una banda sonora original de Deborah Awner. [11] La producción continuó la tradición de Shakespeare sin micrófonos, haciendo uso de un set de gira de chapa de acero para la amplificación natural tanto de los actores como de los músicos. [12]
La gira de parques de El sueño de una noche de verano se amplió para tocar en lugares de dos distritos de la ciudad de Nueva York , incluido Wave Hill en el Bronx, que se convirtió en el sitio favorito de presentaciones anuales de verano de la compañía. La gira incluyó una residencia extendida en la International Affairs Plaza en el campus de la Universidad de Columbia, lo que permitió a la compañía mantener el escenario en pie durante la noche, en lugar de la huelga habitual después de cada actuación.
En lo que se estaba convirtiendo en una tradición de Riverside, cada actuación era precedida media hora antes del telón por un "Greenshow" de entretenimiento de Commedia, a cargo del elenco y los músicos en el escenario y entre el público. [13]
Erika Munk del Village Voice escribió:
Shakespeare en el Delacorte siempre me decepciona porque tiene demasiados micrófonos y no está en sintonía con la vida del parque; pero vi una encantadora versión de El sueño de una noche de verano de la Riverside Shakespeare Company: sin micrófonos, sin luces, sin asientos; solo una colocación inteligente en la parte inferior del Monumento a los Soldados y Marineros para darle al público una vista desde las escaleras; actuación amplia y proyección anticuada para que todos pudieran seguir; una capacidad para capitalizar la predisposición del público a disfrutar; la flexibilidad para lidiar con perros, niños, aviones y borrachos; y un ritmo espléndido: la obra terminó cuando se ponía el sol. [12]
El otoño siguiente, la compañía puso en escena Como gustéis en el escenario 73 del Manhattan Theatre Club , con Robert Boyle, Timothy Hall, Margo Gruber y Caryn West, todos ellos haciendo su debut en el escenario de Nueva York; con Kent Odell, Jim Maxson, Stuart Rudin, Ken Grantham, Timothy Hall, Peter Jensen, Kenneth Lane, Gannon McHale, Sheri Meyers, Uriel Menson, Brock Seawell, Daniel Tamm y David Robert Westfall (director de escena), y dirigida por Eric Hoffmann, con escenografía de David Lockner, vestuario de Deborah Otte, iluminación de Nat Cohen y música de Deborah Awner.
Hoffmann ambientó la obra más pastoral de Shakespeare en un ambiente otoñal de la América colonial, utilizando hojas recogidas en Central Park, que gradualmente llenaron el escenario con montones de hojas hasta las rodillas, y subrayadas con música de guitarra original tocada por Robert Mamary y Joseph Poshek. La producción fue aclamada por su ambientación creativa en esta época bucólica, pre-revolucionaria estadounidense, en la que Amiens, interpretado por Larry Kirchgaessner, se convirtió en un nativo americano en el bosque americano de Arden. [14]
A la producción asistió Mildred Natwick , quien se convirtió en la primera miembro de la junta de asesores de la compañía, a la que pronto seguiría Helen Hayes . En esta producción, se anunció que el objetivo final de la compañía era "construir una réplica del teatro Globe de Shakespeare en las orillas del río Hudson en la ciudad de Nueva York". [15]
A la producción de Como gustéis se sumó en el escenario 73 el estreno en Nueva York del escenario de la Commedia dell'arte, la "comedia madrigal" del siglo XVI de Orazio Vecchi , L'Amfi Parnasso , dirigida por Dan Southern, con miembros de la compañía interpretando música renacentista arreglada e interpretada por el grupo de cámara The Western Wind . Esta producción fue la primera producción de la compañía con un estilo puramente de Commedia dell'arte, y presentó el uso de máscaras de cuero hechas a mano, improvisación, movimiento estilizado y lazzi cómico .
De 1978 a 1980, la Riverside Shakespeare Company fue la compañía de teatro profesional Equity residente en la Universidad de Columbia bajo el patrocinio de Andrew B. Harris y el internacionalmente reconocido estudioso de Shakespeare Bernard Beckerman , con espacios para audiciones, construcción, almacenamiento y ensayo en Prentice Hall en West 125th Street al oeste de Broadway, a un tiro de piedra del río Hudson. Una compañía central de doce a quince actores profesionales a menudo se complementaba con estudiantes de la Universidad de Columbia tanto detrás del escenario como en el escenario como intérpretes, trabajando como aprendices dentro de la compañía, de manera similar a la compañía de Shakespeare 400 años antes.
En 1979, la Riverside Shakespeare Company montó la farsa renacentista de Nicolás Maquiavelo, La mandrágora , en el gran auditorio del segundo piso de la Casa Italiana de la Universidad de Columbia, ubicado en West 117th y Amsterdam Avenue.
La Casa Italiana , que había sido recientemente designada por la Comisión de Preservación de Monumentos Históricos, resultó ser un escenario ideal para la producción: el decorado florentino de Riverside estaba rodeado de arquitectura florentina, candelabros de hierro forjado y antigüedades italianas, algunas donadas por el primer ministro Benito Mussolini cuando se construyó el edificio en 1926. [16]
El reparto, que se inspira en la Commedia dell'arte, con máscaras y extravagantes trajes de comedia, incluía a Arland Russell, Mark Cavalieri, Jeff Cameron, Tom Hanks , Susan Kay Logan, Perla Armanasco y Michael Goldner. En esta producción, Tom Hanks interpretó el papel principal del sinvergüenza Callimaco, en su primera y única producción teatral en la ciudad de Nueva York hasta su debut en Broadway en " Lucky Guy " de Nora Ephron en la primavera de 2013.
La producción de The Mandrake se realizó en el cuarto piso de la sala Prentise Hall de la Universidad de Columbia, en el sur de Harlem, y estuvo dirigida por el miembro de la compañía Dan Southern (en aquel entonces Daniel O. Smith), [17] La producción se representó con máscaras de cuero auténticas y vestuario extravagante concebido y construido por la diseñadora de Broadway Jane Stein, decorados de época (incluido un escenario de tablero de ajedrez con rastrillos) diseñados y construidos por Gerard Bourcier, iluminación (que incorporaba los candelabros de hierro forjado de la Casa Italiana) de John B. Forbes, y producción de Gloria Skurski y W. Stuart McDowell. En la reseña del Heights/Inwood Press del norte de Manhattan del 14 de marzo de 1979, Jan Rucquoi señaló que:
Una farsa de ritmo rápido y deliciosamente producida que tuvo lugar en el campus de la Universidad de Columbia, en la Casa Italiana. ... En La mandrágora, el público a menudo se deja llevar por la confianza de los actores, quienes se desenmascaran para hacerlo. [18]
Las máscaras de cuero diseñadas por Stein se usaban a menudo de forma inventiva para lograr un efecto cómico; a veces los actores se las quitaban para un monólogo interior, como en la representación de Callimaco por parte de Hanks, en la que conversaba consigo mismo mientras sostenía su máscara de un cuarto a un lado.
La mandrágora estuvo acompañada por una partitura de jazz original compuesta (y con una narración improvisada) por el pianista, compositor y director de orquesta Michael Wolff . Según Heights/Inwood Press del norte de Manhattan :
La música compuesta para la obra tenía un aire brechtiano que enriquecía la obra y creaba un ambiente de diversión y travesuras. Además, los extravagantes trajes, obras de arte en sí mismos, con su ornamentación exagerada y con apliques, eran un delicioso complemento a la producción. [18]
La producción de La Mandrágora se estrenó el 2 de marzo de 1979 en la Casa Italiana, y contó con la dirección de escena de Nancy Consentino Minckler y la producción de W. Stuart McDowell y Gloria Skurski, en asociación con la Universidad de Columbia.
A finales de la primavera de 1979, la compañía produjo Much Ado About Nothing dirigida por Gloria Skurski con música original de Deborah Awner, con Margo Gruber y Gannon McHale, y Timothy Oman, Jim Brewster, Robert Boyle, Ronald Lew Harris, David Florek, Arland Russell, Daniel Tam y Leigh Podgorski, en el escenario 73 del Manhattan Theatre Club. La producción estaba ambientada en los locos años 20, como si F. Scott Fitzgerald hubiera imaginado el encuentro de Beatrice y Benedict en una fiesta festiva en el jardín de Cape Cod.
La producción de Mucho ruido y pocas nueces se representó como la primera parte de un programa doble, seguida de una copa de vino y luego, en el mismo escenario con un rápido cambio de escenario, por La mandrágora de Nicolás Maquiavelo . [19]
El éxito de la producción de The Mandrake de Riverside permitió a la compañía volver a montar el espectáculo con la nueva producción de la compañía de Much Ado About Nothing como un programa doble nocturno en el repertorio del Stage 73 del Manhattan Theatre Club . Con la partida de Hanks a la costa oeste al final de la carrera en la Casa Italiana, Dan Southern asumió el papel de Callimaco para las funciones de estilo cabaret nocturnas. [20]
Después de sus dos representaciones en interiores, La mandrágora fue reeditada para varias funciones al aire libre, representadas en un carro de dos ruedas con un telón de tela sencillo, comenzando con la inauguración del Shakespeare Garden en Brooklyn, presentada por Joseph Papp , Estelle Parsons y W. Stuart McDowell. El papel de Callimaco fue asumido por el director de la obra, Dan Southern. Se utilizó un pequeño escenario de carro con telón de lona. La apertura de la puesta en escena, con luz natural y sin los adornos y disimulos de un teatro interior, era típica del estilo de interpretación de la Commedia dell'arte , en el que los miembros del público son constantemente conscientes del artificio de la producción y, por lo tanto, se convierten en participantes del evento teatral.
Al igual que en la tradición de Riverside del Greenshow , la producción de The Mandrake (ya sea en interiores o al aire libre en un parque) se basó en una amplia fisicalización, improvisación y lazzi cómico , así como en la interacción con el público a la manera de la Commedia dell'arte. The Mandrake , bajo la dirección de Southern, resultó ser una de las producciones de Commedia más exitosas de Riverside hasta la fecha y ayudó a la compañía a lograr su objetivo de llevar la obra de Shakespeare, sus contemporáneos y la Commedia dell'arte a un público lo más amplio posible. También ayudó a promover la reputación de la compañía como una compañía de teatro clásico versátil en la ciudad de Nueva York.
La compañía montó entonces su primera obra histórica de Shakespeare. A finales de la primavera de 1979, después de dos meses de ensayos de los ejércitos del rey Enrique y Hotspur en la azotea del Prentice Hall de la Universidad de Columbia en el sur de Harlem, la compañía inauguró su tercera producción anual al aire libre de Shakespeare gratis, una importante puesta en escena de Equity de la obra completa Enrique IV, primera parte . Esta fue la segunda producción First Folio de Riverside , montada en una réplica del Teatro Globe de Shakespeare , construida en el techo del patio del Prentise Hall en West 125th y Broadway, y transportada y erigida en el Quad del campus principal de la Universidad de Columbia .
El reparto incluía a Dan Southern como Hotspur y Jason Moehring como Hal, con Eric Hoffmann como Falstaff y William Hanauer como el rey Enrique, y un elenco de cuarenta personas entre las que se encontraban Jim Brewster, Mary Skinner, Vit Horejs, David Murray Jaffe, Kathleen Monteleone, Jason Moehring, Julia Murray, Gay Reed, John Miller, Ken Threet, Nick Schatzki y Lois Tibbetts, con música de Deborah Awner interpretada por una orquesta en vivo.
Para esta producción, la compañía construyó una réplica del Teatro Globe de Shakespeare al aire libre, rodeado de árboles en la esquina sureste del Columbia University Quad; la producción fue dirigida por W. Stuart McDowell y se realizó de noche sin micrófonos en este entorno acústico perfecto, en un escenario diseñado y construido por Dorian Vernacchio, vestuario de Kenneth M. Yount, coreografía de lucha para sable, alabarda, daga y maza, de Joel Leffert.
El crítico de Show Business , Ted Bank, señaló que:
"La Riverside Shakespeare Company ha inyectado a esta crónica histórica todo el boato y el espectáculo que requiere, y el resultado es un teatro apasionante... Lo que hace que Enrique IV, primera parte sea tan encantadora es que la Riverside Shakespeare Company se ha esforzado por incorporar detalles históricos a la producción. Al entrar en su tercera temporada como el único productor de Shakespeare de Nueva York que trabaja todo el año, Riverside se ha ganado una excelente reputación por producir teatro clásico de alta calidad". [21]
La popularidad de Enrique IV, Parte IV en la Universidad de Columbia permitió a la compañía extender la presentación volviendo a montar toda la producción Off Broadway en el interior del American Theatre for Actors en el centro de Manhattan en el otoño de 1979.
En la primavera de 1980, la compañía de teatro montó una nueva producción de La duodécima noche , ambientada en un estilo Art Nouveau , dirigida por John Clingerman, con Andrew Achsen, Kristin Rudrud, Stuart Cohen, Alison Edwards, Beata Jachulski, Will Lecki, Scott Parson, Bruce Altman , Ken Threet y Ted Polites, puesta en escena en círculo (con público en los cuatro lados) en la cámara baja de la iglesia Riverside en Manhattan, con música de Deborah Awner. Esta producción fue una de las muchas que la compañía de teatro inauguró el cumpleaños de Shakespeare, el 23 de abril; esta vez, la producción fue inaugurada con una celebración especial, que culminó con la lectura de un soneto shakespeariano por el pastor de la iglesia Riverside, compañero bardófilo, el reverendo William Sloan Coffin . [22]
A principios del verano de 1980, la Riverside Shakespeare Company se trasladó a la iglesia presbiteriana de West Park, en la esquina de West 86th y Amsterdam, donde estableció The Shakespeare Center , dedicado a la formación durante todo el año para la interpretación de las obras de Shakespeare, sus contemporáneos y la Commedia dell'arte. El actor profesional Andrew Achsen desempeñó un papel clave a la hora de conseguir el sitio en la iglesia, de la que era miembro, junto con el pastor de West Park, el reverendo Robert Davidson. El teatro de The Shakespeare Center se reconstruyó a partir de materiales de la demolición del teatro Helen Hayes de Broadway y del decorado de Nicholas Nickleby de Broadway gracias a los fondos recaudados gracias a los esfuerzos de los miembros del reparto de la producción de Broadway de Nicholas Nickleby de la Royal Shakespeare Company . El Centro Shakespeare de la Riverside Shakespeare Company fue inaugurado oficialmente en el otoño de 1982 por Joseph Papp y Helen Hayes en una ceremonia a la que asistieron Gloria Foster , Milo O'Shea , Barnard Hughes , Sam Waterston , Mildred Natwick y Peter Brook . [23] [24]
El Shakespeare Center se convirtió en el hogar de numerosas producciones de Equity Riverside, comenzando con Romeo y Julieta en 1980, dirigida por W. Stuart McDowell, asistido por Jay King, con Robert Walsh, Arleigh Richards, George House, Barbara Tirrell, Joe Meek, Gay Reed, Curtis Watkins, Dan Johnson, Obie Story, James McGuire, Jim Maxson, Christopher Cull, Timothy Oman y, como la enfermera, la cantante folk y comediante escocesa Fredi Dundee.
A Romeo y Julieta le siguió Trabajos de amor perdidos con Freda Kavanagh, Deanna Deignan, Kay Colburn y Catherine Schmidt, y JC Hoyt, Timothy Doyle, Timothy Oman, Madeleine Potter y Peter Siiteri, dirigida por Clingerman con música de Deborah Awner, que Mel Gussow del New York Times llamó "una encantadora pieza de cámara". [25]
A esto le siguió una producción de la Commedia dell'arte de Dos caballeros de Verona dirigida por Dan Southern y producida Off Broadway en el American Theatre for Actors, con música de Bob Rosen, con Ronald Lew Harris, Jim Maxson, Joe Meek, Amy Aquino, Allison Edwards, Dennis Pfister y JC Hoyt. [26]
Aunque la compañía produjo una temporada de suscripción en 1980-1981 en The Shakespeare Center, también montó una serie de funciones gratuitas de obras y escenas de Shakespeare en toda la ciudad en el Citicorp Center, titulada Riverside Shakespeare Salutes Shakespeare at Citicorp , que incluía La fierecilla domada dirigida por Jere O'Donnell, Trabajos de amor perdidos dirigida por Timothy Minor, La voluntad de poder: escenas de ambición e intriga política , dirigida por Ken Grantham, y una compilación popular de escenas románticas del Bardo, This Bud of Love: Scenes of Awakening Love , dirigida por John Clingerman. Estas también se transmitieron en la estación de radio pública de Nueva York, WBAI .
Mientras tanto, en The Shakespeare Center , la compañía abrió su siguiente temporada con Henry V dirigida por Timothy Oman, asistido por Linda Mason, directora asociada, y Maureen Clarke, entrenadora de texto residente de Riverside, con música de Sanchie Borrow, diseño escénico y de iluminación de Norbert U. Kolb, dirección de lucha de Conal O'Brien y vestuario de David Pearson, con Frank Muller y Lee Croghan, con Dene Nardi, Dan Daily, Norma Fire, Ronald Lew Harris, Pat Kennerly, Gay Reed, Gene Santarelli, Sandi Shackelford y Time Winters. [27]
En febrero de 1981, la compañía montó el estreno en Nueva York de la farsa de la Commedia dell'arte Los tres cornudos con Perla Armanasco, Jim Brewster, Ronald Lew Harris, David Murray Jaffe, Joe Meek, Jim Maxson y Jane Badgers, Lloyd Davis, Jr. (como un Arlecchino "sobresaliente"), [28] Oded Carmi y Marla Buck, dirigida por Dan Southern con una banda sonora original de Michael Canick, gotas sepia que representan escenas callejeras contemporáneas de Nueva York de Dorian Vernacchio, vestuario de Barbara Weiss y máscaras de Paul Mantell, sobre la que Marilyn Stasio del New York Post escribió:
La compañía residente, bajo la dirección escénica de Daniel O. Smith, ha captado con entusiasmo el espíritu escandaloso de esa venerable forma teatral... Los personajes estereotipados de la comedia –desde los payasos de nariz bulbosa, los zanni , hasta ese ágil embaucador Arlecchino– están todos auténticamente enmascarados, acolchados y caricaturizados. Y el alto nivel de energía cómica del elenco los vuelve perfectamente ridículos... En consonancia con la tradición improvisada de la comedia , la producción inyecta un tono contemporáneo al material... incluyendo un mural de graffiti, que es más ingenioso que lo que se lee en el IRT. Y alguien soltó un chiste de Nancy Reagan que me hizo gracia. [28]
La producción de Los tres cornudos se realizó en un estilo de farsa amplio con numerosas referencias contemporáneas y un amplio uso de acrobacias, como una voltereta hacia atrás realizada por Jim Brewster en su entrada como el joven amante. Los tres cornudos resultó tan popular, [29] que más tarde se montó como una producción de gira Off Broadway , y fue la primera producción de Riverside vista por Joseph Papp, lo que finalmente llevó a un patrocinio continuo por parte del Festival de Shakespeare de Nueva York a partir de Eduardo II (ver más abajo), y posteriores producciones de gira de verano en Riverside.
A partir de 1982, Joseph Papp y el New York Shakespeare Festival se convirtieron en los principales patrocinadores de la compañía, empezando con la producción de la Riverside Shakespeare Company del estreno en Nueva York de la adaptación de Bertolt Brecht de La vida de Eduardo II de Inglaterra de Christopher Marlowe en 1982, [30] también patrocinada por la Goethe House de Nueva York y por Marta Feuchtwanger (viuda del reconocido coautor de Brecht, Lion Feuchtwanger [31] ).
El estreno en Nueva York de Eduardo II se basó en entrevistas que McDowell había hecho en Alemania con miembros del elenco –Erwin Faber y Hans Schweikart– de la producción original de Múnich de 1924, que había sido el debut de Brecht como director de escena. En la producción original de 1924, Brecht desarrolló muchas de sus "nuevas técnicas escénicas y dramatúrgicas" para lo que llegó a conocerse como teatro épico , y que finalmente impactó profundamente al teatro del siglo XX. [32] Los elementos de la producción original de Brecht se convirtieron en un trampolín para la interpretación del guion, setenta y ocho años después. [33]
La producción de Shakespeare de Riverside contó con una partitura original compuesta por Michael Canick para percusión e interpretada por el percusionista Noel Council por encima y al costado del público en la torre lateral que se había erigido dentro del teatro del Shakespeare Center del teatro recientemente renovado. La partitura hizo uso de cajas y timbales, xilófonos y castañuelas, así como sonidos de percusión naturales hechos por el elenco, utilizando sonajeros y vainas de guisantes sostenidas con la mano que se tocaban durante las transiciones entre escenas, todo con la intención de brindar un entorno de sonido destinado a aumentar y llamar la atención sobre varias líneas narrativas a lo largo de la producción.
La producción de Riverside de Eduardo II contó con Dan Southern y Timothy Oman en los papeles de Gaveston y el Rey Eduardo, con Andrew Achsen, Larry Attille, Christopher Cull, Michael Franks, Margo Gruber, Daniel T. Johnson, Will Lampe, Joe Meek, Jason Moehring, Gay Reed, el Conde Stovall, R. Patrick Sullivan y Jeffery V. Thompson, dirigida por McDowell, con la directora asistente Jeannie H. Woods, con decorados e iluminación de Dorian Vernacchio, vestuario de David Robinson, con accesorios de madera tallados a mano diseñados y construidos por Valerie Kuehn.
Según el cantante y escritor William Warfield :
Nunca había visto una producción de teatro clásico de esta compañía y me pareció verdaderamente excepcional. Por más desapasionada que sea la mayoría de los llamados espectáculos, lo único que salva es que los artistas aún se unen en proyectos honestos, como este. ... Eduardo II fue brillante. Eduardo II fue una producción visualmente deslumbrante y dirigida con imaginación de una obra que tiene gran relevancia hoy en día. [34]
La noche de apertura, antes de la obra, se presentó en el teatro un panel especial de expertos en teatro alemán y, en particular, en el drama de la República de Weimar, que incluyó una exposición de fotografías de la producción original de Múnich. Siguiendo la línea de la producción original de Brecht, tras la obra se realizó un Cabaret de Weimar , con Andrew Achsen, miembro del elenco, como presentador.
La siguiente temporada (1982-1983) en el teatro recientemente renovado de West 86th Street comenzó con Ricardo III , sobre la que Marilyn Stasio de The New York Post escribió:
La Riverside Shakespeare Company ha inaugurado su temporada con un Ricardo III que hace honor a su condición de conjunto profesional de Shakespeare que vale la pena tomar en serio durante todo el año. La producción se ha montado para conmemorar el 500 aniversario del febril ascenso al poder de ese infame monarca. J. Kenneth Campbell hace su entrada con la joroba por delante, desde un agujero en el suelo obviamente simbólico, y nos atrapa desde el momento en que se lanza a sus descontentos invernales. Campbell no sólo ama a su personaje, ama sus palabras , articulando con el lujurioso deleite de un voluptuoso suelto en un serrallo. Es un placer verlo. [35]
Richard III fue dirigida por John Clingerman, con una partitura musical original de Joe Church interpretada por el New York City Brass Quintet y un gran coro grabado especialmente para esta producción, sobre la cual Backstage escribió: "Se debe hacer una mención especial de la música, dirigida por Joseph Church con el New York City Brass Quintet y un gran coro que contribuyó al ambiente del siglo XV y ayudó a unificar la producción". [36]
La producción contó con el veterano de teatro y cine J. Kenneth Campbell en el papel principal, Marya Lowery, Richard Hoyt-Miller, Scott Parson, Maggie Scott, Mary McTigue y Ann Ducati, escenografía de Tom Newman, vestuario de Randolf Pearson, iluminación de Richard Lund, extensa coreografía de combate de Joel Leffert y dirección de escena de Mary Ellen Allison.
A principios de 1983, la Riverside Shakespeare Company montó su tercera producción First Folio , una puesta en escena sin cortes de El cuento de invierno , con Eric Hoffmann como Autolycus y la actriz ganadora del premio Tony Tonya Pinkins en su debut en el escenario de Nueva York como "Mopsa - una pastora", con Marya Lowry y Timothy Oman como Hermione y Leontes, CB Anderson, Franklin Brown, Sally Kay Brown, Lee Croghan, Christopher Cull, Virginia Downing, Freda Kavanaugh, Beatrix Porter y Richie Devaney. La producción fue dirigida por W. Stuart McDowell, con vestuario de Randolph Pearson, música original de Joseph Church, coreografía de Beatrix Porter, entrenamiento de texto de Maureen Clarke y contó con dirección de escena de Mary Ellen Allison.
La producción combinaba los períodos moderno (Mónaco de Grace Kelly) e histórico (Inglaterra pastoral del siglo XVIII) en un concepto centrado en una transformación mágica que tiene lugar cuando Mamillius comienza a contar "el cuento de invierno" a su madre, Hermione. El concepto surgió del momento en el texto del Primer Folio en el que se le pide a Mamillius que "cuente un cuento", a lo que el niño responde: "Había un hombre... que vivía junto a un cementerio..."
Según el programa de Riverside, la interpretación de McDowell postulaba que estas ocho palabras –la totalidad del “cuento de invierno”– no son nada menos que una profecía sobre Leontes, el padre de Mamillius, que algún día viviría virtualmente junto a un cementerio, lamentando la muerte de Hermione y Mamillius (Acto III, Escena ii. Leontes: “Una vez al día visitaré/ La capilla donde yacen, y las lágrimas derramadas allí/ Serán mi recreación...”), cuyas muertes provoca en la parábola posterior contada por Mamillius. Tanto Hermione como el narrador Mamillius (que también desempeñó el papel del Tiempo en la producción de Riverside) resucitan mágicamente al final de la obra, cuando su “triste cuento... mejor para el invierno” llega a su conclusión, y el propósito del cuento del muchacho se ha cumplido. [37]
Durante los ensayos de El cuento de invierno, la compañía quedó prácticamente varada en el teatro durante la tormenta de nieve que azotó la ciudad de Nueva York a mediados de febrero de 1983. El equipo técnico que estaba construyendo el decorado tuvo que pasar la noche en el Shakespeare Center , abandonado allí mientras terminaban el elaborado y mágico escenario para la producción. Afortunadamente, la tienda de delicatessen que había justo fuera del teatro –Barney Greengrass : "el rey del esturión"– estaba abierta al día siguiente, y le proporcionó al equipo bagels y café por la mañana. El cuento de invierno de Shakespeare resultó ser una producción adecuada para la compañía de Shakespeare de Nueva York, que trabajaba todo el año, mientras la ciudad estaba casi paralizada.
Después del estreno el 24 de febrero, The Winter's Tale de Riverside se transmitió en la WBAI de Nueva York , antes de lo cual fue descrita como "Una producción excepcional de uno de los guiones raramente producidos del Bardo... brillante". [38] En el New York Shakespeare Bulletin se observó que "la interpretación responsable del texto de Riverside debería ganarles una estatua de Julio Romano que nunca les será quitada". [39]
Más tarde ese mismo año, la compañía montó La fierecilla domada en 1983, dirigida por Robert Mooney, con música de Joseph Church y escenografía de Kevin Lee Allen, con Diane Ciesla y Dan Southern, y Ronald Lew Harris, Eric Hoffmann, Joe Meek y Robert Mooney. Sobre esta producción, Sy Isenberg del Bulletin of the New York Shakespeare Society escribió:
Esta producción de La fierecilla domada realmente se preocupa... No puedo pensar en una pieza en mi memoria reciente que haya sido tan deliciosamente elegida. Todo el elenco está en alerta. En el papel de los amantes principales que no están hechos el uno para el otro, Diane Ciesla y Daniel Southern están deslumbrantes... Las extravagancias posteriores de la pareja son parte de una complicada danza de apareamiento a la vez ingeniosa, cómica y tierna, equilibrada al final entre el ritual y la realidad. En su calidez, elegancia y festividad, esta Kate nos besa a todos. [40]
La temporada siguiente se inauguró con una producción teatral completa de La tempestad con Bertram Ross (compañero de baile principal de Martha Graham durante mucho tiempo y codirector de la compañía de danza Graham [41] ) como Próspero, y con Eric Hoffmann, Ronald Lew Harris, Joe Meek, Kathleen Bishop, Ellen Cleghorne, Alexander Cook, Herman Petras, John Reese y Laurine Towler como Ariel, dirigida por Robert Mooney, con coreografía de baile de Shela Xoregos con música de Joe Church y escenografía de Kevin Lee Allen. Bertram Ross, a quien se ha llamado la "leyenda de la danza y el arquetipo del bailarín masculino de Graham", utilizó su considerable experiencia y técnica de baile y su voz profunda para crear un Próspero memorable, utilizando movimientos coreografiados por Xoregos, quien moldeó a Próspero y Ariel en un "dúo conmovedor de forma poética". [42]
En 1984, la compañía presentó una versión moderna de Julio César , titulada ¡CÉSAR!, ambientada en el Washington contemporáneo, dirigida por McDowell, inspirada en entrevistas realizadas a miembros de la compañía de la famosa producción de Broadway de Orson Welles de 1937 de César , [43] con escenografía de Kevin Lee Allen, con la directora asistente Maureen Clarke y Jane Badgers, directora de marketing y relaciones públicas, y con música de Michael Canick.
La producción contó con el ganador del premio Obie Harold Scott , [44] y Marya Lowry, con Michael Cook, Andy Achsen, Ronald Lew Harris, Paul Hebron, Sonja Lanzener, Jim Maxson, Joe Meek, Robert Walsh y Herman Petras como César.
La producción resultó muy popular entre el público, ya que situaba la obra de Shakespeare en la Washington DC contemporánea, en un país a punto de convertir a su popular líder en presidente vitalicio. La producción de CÉSAR , revisada, fue posteriormente elegida por Samuel H. Scripps para una producción de Broadway en el Teatro Virginia, cuyo estreno estaba previsto para el 50.º aniversario de la producción del Teatro Mercury, el 11 de noviembre de 1987. [45]
El lema de la producción quedó reflejado en su cartel:
Es América.
Es el año 1984.
Es el espectáculo de terror político de nuestros tiempos. [46]
En respuesta a la producción, Sy Syna del New York Tribune escribió: " CÉSAR! de Riverside no solo es una producción sólida como una roca, sino que es sorprendentemente buena". [47] En una reseña de la producción de Riverside, Herbert Mitgang del New York Times escribió:
La famosa producción del Mercury Theater de Julio César con traje moderno, puesta en escena por Orson Welles en 1937, fue diseñada para hacer pensar al público en las Camisas Negras de Mussolini, y así fue. La animada producción de la Riverside Shakespeare Company hace pensar en la ambición eterna y en los antilibertarios de cualquier lugar. [48]
En 1985, la Riverside Shakespeare Company presentó el estreno en Nueva York de La historia del rey Lear , una adaptación con final feliz del laureado poeta inglés del siglo XVIII Nahum Tate , de El rey Lear de William Shakespeare . La producción fue dirigida por W. Stuart McDowell y producida por Andrew B. Harris, quien se había incorporado a Riverside como su director ejecutivo al comienzo de la temporada.
La producción contó con una partitura original completa para clavecín y orquesta de John Aschenbrenner, peleas coreografiadas por Richard Raether, iluminación de Sam Scripps y una máquina de viento de la época entre bastidores. La producción de Riverside mostró un clavecín a un lado, como si estuviera entre bastidores, y una máquina de viento al otro, ambos visibles para el público.
La adaptación de Tate de La historia del rey Lear , que restauró la auténtica leyenda del antiguo rey, fue escrita sin un bufón, añadió un confidente y un romance para Cordelia y Edgar, y culminó con el triunfo del bien sobre el mal con la restauración de Lear al trono con Kent y Gloucester a su lado, y el matrimonio de Cordelia con Edgar.
Al igual que la otra versión inmensamente popular de "final feliz" de Romeo y Julieta
de Tate (que fue una parte central de la producción de Nicholas Nickleby de la Royal Shakespeare Company ), la adaptación igualmente popular de Tate del Rey Lear de Shakespeare fue la única versión interpretada del Rey Lear durante más de 150 años, comenzando a fines del siglo XVII cuando Tate escribió su adaptación, hasta principios del siglo XIX. [49]
Riverside montó esta pieza histórica en un entorno del siglo XVIII, con auténtico vestuario de época de Ellen Seeling en un decorado diseñado por Norbert Kolb. La producción contó con Barbara Tirrell, Frank Muller y Margo Gruber como Goneril, Edmund y Regan, con Eric Hoffmann como Lear, Dan Daily como Kent, Freda Kavanagh como Cordelia, Don Fischer como Edgard y Saunder Finard, Sandra Protor Gray, Buck Hobbs, EF Morrill, Gene Santarelli y Richard Willis. [50]
El crítico del New York City Tribune escribió:
La producción de Shakespeare de Riverside de La historia del rey Lear incluye un escenario inclinado diseñado por Norbert Kolb, un vestuario magnífico de Ellen Seeling, un ayudante de escena visible que opera la máquina de viento y entrega los accesorios, un maestro que dirige la animada partitura de John Aschenbrenner compuesta principalmente para clave con varias canciones interpoladas, incluida una de Garrick, y toda una panoplia de recursos teatrales del siglo XVIII, incluido un uso histérico de cuadros para abrir y cerrar escenas, y comentarios hilarantes , incluido uno en el que Edmund (interpretado deliciosamente por Frank Muller) se esfuerza mucho con una de las hermanas rivales... Las adaptaciones de Shakespeare ocurren en cualquier época. ¡Esta, además de ponerle una mirada lasciva a Lear, fue muy divertida! [51]
En 1982, la Riverside Shakespeare Company inició una serie de giras ampliadas de Free Summer Shakespeare, que fueron posibles gracias al patrocinio de Joseph Papp y el New York Shakespeare Festival . Todas estas giras se produjeron en virtud de un contrato Off Broadway con la Actors' Equity Association y, gracias a una comercialización más amplia, resultaron sumamente populares entre el público de estos espacios ampliados.
La primera de ellas fue una gira por doce parques diferentes en cuatro distritos de la estridente comedia de errores de Shakespeare dirigida por Gloria Skurski, con vestuario de Barbara Weiss, en un decorado itinerante diseñado por Dorian Vernacchio. El reparto incluía a Connor Smith y Andrew Achsen, y a Ronald Lew Harris, Karen Jackson, Dan Johnson, Will Lampe, Erin Lanagan, Trip Plymale, Mel Winkler y Dan Woods. La producción contó con un mago, una bailarina del vientre acompañada de una animada banda sonora de percusión compuesta e interpretada por Michael Canick, y un estilo de actuación cómica muy amplio que resultó muy popular entre el público. La noche del estreno, Joseph Papp llegó con una enorme cesta de fruta para el reparto como agradecimiento por su actuación a 32 grados Celsius. [52]
El verano siguiente, la compañía montó una producción musical de Las alegres comadres de Windsor ambientada en la antigua Nueva Orleans posterior a la Guerra Civil y dirigida por Timothy Oman, con Maureen Clarke como asistente de dirección, con música ragtime de Deena Kaye. El reparto incluía a Anna Deavere Smith en su debut en el escenario de Nueva York interpretando a Mistress Quickly como una "mujer vudú cajún" [53] y Joseph Reed como Falstaff, con Douglas Broyles, Dan Daily, Norma Fire, Paul Hebron, Michael Landsman, Sonja Lanzener, Warren Sweeney, Shelly Desai y la dirección de escena de Mary Ellen Allison. [54]
En manos de la compositora y tecladista Deena Kaye, la producción de Riverside de Las alegres comadres de Windsor estuvo a punto de convertirse en un musical de pleno derecho, con numerosas melodías interpretadas por la banda de ragtime. Según Nan Robertson en The New York Times :
Una banda de ragtime de ocho integrantes y las travesuras del carnaval acentuaron la actuación de payasadas, que a veces evocaba el aspecto espasmódico y el acompañamiento musical de las primeras películas mudas. El elenco está disfrazado de bellas, galanes y vagabundos sureños del siglo XIX, y el último grupo está formado por el lascivo pero atractivo Falstaff. Durante el intermedio, un cuarteto de bar cantando "Una mujer es sólo una mujer, pero un buen puro es un humo" hizo vibrar al público. ... Esta es la segunda temporada bajo la égida de Joseph Papp. ... La compañía ahora llama a su producción de Las alegres comadres de Windsor una "noche con el bardo de Basin Street". [55]
Clive Barnes , en su primera reseña de una producción de Shakespeare de Riverside, escribió en el New York Post :
El Riverside Shakespeare debe su nombre al hecho de que comenzó a funcionar en Riverside Park, por lo que fue una especie de regreso a casa para ellos cuando encontré a la compañía en un claro de ese parque justo al lado de la calle 82... La producción es moderna y despreocupada, el tipo de Shakespeare innovador que el propio [Joseph] Papp prefiere, y apropiado para una tarde de verano brillante, con gente en cuclillas sobre el césped, muchos de ellos disfrutando de un picnic al aire libre. El director Timothy Oman ha situado la obra en Nueva Orleans poco después de la Guerra Civil. La idea funciona bastante bien. La obra está precedida por una especie de juerga de Mardi Gras, y en el intermedio nos deleitan con algunas canciones de vodevil de la época, incluido un cuarteto de barbería un tanto extraño... Esta es una de las obras de Shakespeare más puramente farsescas, y resiste bien el actual tratamiento peleón y peleón que recibe de estos actores de Riverside. [56]
En cada una de estas giras de verano patrocinadas por Joseph Papp y el Festival de Shakespeare de Nueva York , el tradicional Greenshow que se realizaba antes de cada producción itinerante al aire libre (que involucraba músicos en vivo y todo el elenco a menudo interpretando parodias similares a la Commedia de la presentación que seguiría) se convirtió en el llamado festivo del público al escenario y una parte importante de la tradición de presentaciones de Riverside.
El verano siguiente, en 1984, la Riverside Shakespeare Company organizó una gira de verano por parques de su tercera producción de Romeo y Julieta dirigida por John Clingerman con música de Michael Roth interpretada por el percusionista David Nicholson, coreografía de lucha de Robert Walsh, en un escenario diseñado por Kevin Lee Allen y vestuario de Cecilia A. Frederichs, con Michael Golding, Constance Boardman, Saul Stein, Todd Jamieson y Jeff Shoemaker.
Para esta producción, la compañía obtuvo 15.000 dólares de New York Telephone para renovar el escenario móvil que había sido utilizado por el Festival de Shakespeare de Nueva York para realizar giras por parques antes de que el NYSF dejara de realizar giras cuatro años antes. [57] Según Newsday :
La unidad de 11 metros de largo se asemeja a un vehículo comercial que podría transportar una familia numerosa por todo el país. Se necesitan seis tramoyistas que utilicen un elevador hidráulico y mucha fuerza, y varias horas para colocar el contenido en la Verona de la juventud enamorada de Shakespeare... "Es Shakespeare al atardecer", dijo W. Stuart McDowell, el director artístico del Riverside, "diseñado para ser representado con luz natural como en la época de Shakespeare". [58]
La producción se estrenó en el Bandshell del Central Park de Nueva York ante una audiencia estimada en más de mil (según Newsday ). [59] Esta fue la primera vez que la Riverside Shakespeare Company se aventuró en el Central Park de Nueva York , el territorio tradicional del New York Shakespeare Festival. La inauguración, el 6 de junio de 1984, contó con una "gala benéfica" presentada por Lucille Lortel , Richard Horner y Lynne Stuart. La noche de apertura, Joseph Papp se unió a W. Stuart McDowell en el escenario de la gira e inauguró la gira por los cinco distritos en una ceremonia especial en la que Papp comparó la gira de Riverside con las giras anteriores del NYSF:
Son un grupo maravilloso de actores. Y tienen lo que hace falta para este tipo de cosas. Llevan cosas a cuestas... Solíamos hacer tratos con bandas locales. Una vez me acuerdo bien. Le dije a un chico que tenía que mudarse porque estaba detrás del escenario. Me dijo: "Esto no es detrás del escenario; ¡es la primera base!" [60]
La vieja unidad móvil no pudo soportar los rigores de una gira al aire libre de un mes para transportar a la "bella Verona" por los cinco distritos de la ciudad de Nueva York. El segundo fin de semana, la unidad móvil de 35 pies (11 m) de largo dejó caer su eje trasero en la intersección de la calle 42 y la 9 mientras el camión cruzaba el centro de Manhattan. La unidad móvil tuvo que ser retirada de forma permanente, pero la gira continuó con piezas seleccionadas de escenografía, como el balcón de Julieta, y la producción continuó presentándose ante audiencias excepcionalmente grandes en los cinco distritos. [58]
En 1985, la compañía montó una versión muy italiana de La fierecilla domada con música de Frank Lindquist, escenografía de Richard Harmon y vestuario de Howard Behar, con Norma Fire, Paul Hebron, Sonja Lanzener, David Adamson, Vincent Niemann, Gene Santarelli, Laurine Towler, Joseph Reed, Michael Preston y David Carlyon, que también era el maestro de los payasos. Fue dirigida por Maureen Clarke, que durante esos años había estado trabajando como entrenadora de texto residente para la compañía. La noche del estreno se canceló por lluvia, una condición que sorprendentemente las giras de Riverside encuentran solo con poca frecuencia; la función de la noche de apertura se realizó en el santuario principal de la Iglesia Presbiteriana de West Park. La fierecilla domada luego pasó a recorrer los cinco distritos en un calor abrasador, atrayendo grandes audiencias para este animado espectáculo. [61]
Para formar actores, directores y profesores en la interpretación del texto clásico de Shakespeare y sus contemporáneos, la compañía inició su programa de formación profesional, The Riverside School for Shakespeare, en el otoño de 1980, en The Shakespeare Center , dirigido por John Clingerman.
Las clases de formación actoral fueron impartidas por miembros de la compañía con experiencia profesional en interpretación y formación en los clásicos: en verso, combate escénico , movimiento y Commedia dell'arte. Entre el personal docente estuvieron Marya Lowery, Robert Walsh, Maureen Clarke, Eric Hoffmann, Joel Leffert, John Carroll, Robert Mooney, Peter Siiteri, Dan Southern y Timothy Oman. Numerosos invitados especiales ofrecieron talleres, como Raúl Juliá , Barnard Hughes , Roger Rees y Paul Rogers .
La Riverside Shakespeare Company también comenzó a organizar residencias para el entrenamiento de actores con versos a cargo de los reconocidos maestros de Shakespeare Cicely Berry (en su primer taller de este tipo en la ciudad de Nueva York) y Patrick Tucker de la Royal Shakespeare Company para entrenar a actores estadounidenses en el uso del Primer Folio de Shakespeare como piedra angular de la interpretación teatral profesional. [62]
Según Backstage :
Iniciada en el otoño de 1980, la Escuela Riverside de Shakespeare se ha ampliado para formar actores en áreas del lenguaje, el pensamiento y el movimiento renacentistas, así como en el combate escénico y otros estilos de interpretación renacentistas, centrándose en la preparación del actor profesional serio para la interpretación de obras de Shakespeare y otros dramas renacentistas. El programa de formación de actores de la RSC ha sido creado por el director artístico de la RSC, W. Stuart McDowell, y por el director del programa, John Clingerman. Los cursos cubrirán toda la amplitud de la interpretación escénica renacentista, y serán impartidos por un equipo de instructores con experiencia profesional adquirida a través del trabajo con la única compañía de Shakespeare que actúa todo el año en la ciudad de Nueva York [63].
Se ha reconocido (en la Introducción a la primera reedición popular en formato de bolsillo del First Folio de Shakespeare ) que los talleres intensivos de Patrick Tucker producidos por primera vez en Nueva York por la Riverside Shakespeare Company en 1982 llevaron a un resurgimiento del interés en el First Folio por parte de actores, profesores y directores en la ciudad de Nueva York, y a un despertar a las posibilidades de interpretar a Shakespeare a partir de guiones de referencia, lo que eventualmente llevó a la reedición popular de los textos del Folio que ahora se usan ampliamente en este país. [64]
En octubre de 1983, la Riverside Shakespeare Company lanzó The Shakespeare Project , la primera residencia importante de actores de la Royal Shakespeare Company en la ciudad de Nueva York , con Edwin Richfield (de la aclamada The Greeks de la RSC ), Heather Canning (de Macbeth de Paul Scofield ), Christopher Ravenscroft (de Nicholas Nickleby de la Royal Shakespeare Company , Jennie Stoller y John Kane (los dos últimos de la histórica producción de A Midsummer Night's Dream de Peter Brook ), dirigiendo talleres y seminarios y representando El mercader de Venecia , Under Milk Wood de Dylan Thomas y el estreno en Nueva York de The Tarnished Phoenix de DH Lawrence , con un comité anfitrión formado por Henry Guettel, Leonard Bernstein, José Ferrer, Helen Hayes, Bernard Hughes, Bernard Jacobs, John V. Lindsay, Joshua Logan y George Plimpton.
Como dijo Christopher Ravenscroft en la noche de apertura de The Shakespeare Project : "Me gustaría decirles a los estadounidenses que ya tienen el talento y la técnica. Todo lo que necesitan es la práctica para eliminar el horror de Shakespeare". [65]
Durante estos años, la Riverside Shakespeare Company y el Shakespeare Center obtuvieron el apoyo de numerosos espectáculos benéficos importantes organizados para la compañía de teatro por Jeremy Irons , Sinéad Cusack , Roger Rees , Nicol Williamson , Andre Gregory , Raúl Juliá , Jim Dale y por el nominado al premio Tony Edward Petherbridge (de Nicholas Nickleby de la Royal Shakespeare Company ) en su espectáculo unipersonal, Acting Natural . A principios de la década de 1980, la junta directiva de Riverside estaba encabezada por Judith Radasch, seguida por Donna Lindsay-Goodwin. El consejo asesor de Riverside durante este período incluyó a los estudiosos de Shakespeare Dr. Marvin Rosenberg y Dr. Bernard Beckerman, así como a destacados directores de escena y actores Zoe Caldwell, José Ferrer, Ruth Gordon, Helen Hayes, John Hirsch, Barnard Hughes, Mary Beth Hurt, Raúl Juliá, Garson Kannin, Stacey Keach, Joshua Logan, Mildred Natwick, Trevor Nunn, Roger Rees, Milo O'Shea, Sam Waterston y Joanne Woodward.
En 1985, Helen Hayes apareció en una actuación benéfica con estrellas para la Riverside Shakespeare Company de Un cuento de Navidad de Charles Dickens , con Miss Hayes en su regreso al escenario de Nueva York como narradora, con Len Cariou como Scrooge, Bille Brown de la Royal Shakespeare Company, MacIntyre Dixon, Celeste Holm , Raúl Juliá , Mary Elizabeth Mastrantonio , Harold Scott , Carole Shelley y Fritz Weaver , puesta en escena con una partitura original para el Quinteto de metales de W. Stuart McDowell, cantada por el Coro de Niños de la Escuela Angloamericana de Manhattan y un guion original de Bille Brown, en el Symphony Space en el Upper Westside de Manhattan.
En 1986, la popular presentación benéfica de A Christmas Carol se volvió a montar, nuevamente con Helen Hayes , en el Teatro Marquis de Broadway, con F. Murray Abraham como Scrooge, con Ossie Davis , June Havoc , Rex Smith , Jean Marsh , MacIntyre Dixon, Alec Baldwin y el coro de la Anglo-American School, producido por McDowell y dirigido por Robert Small. [66]
W. Stuart McDowell [67] dejó Riverside en 1986 para fundar McDowell/Scripps Productions con el benefactor de las artes, Samuel H. Scripps , y ahora es presidente del Departamento de Teatro, Danza y Cine de la Universidad Estatal Wright en Dayton, Ohio. Gloria Skurski [68] siguió una carrera en televisión, uniéndose al personal de CBS News como productora asociada en 1984, y ahora es directora de servicios educativos y de transmisión para PBS ThinkTV de Dayton, Ohio.
A partir de 1986, la Riverside Shakespeare Company estuvo dirigida por Robert Small, seguido por Timothy W. Oman, quien trasladó la compañía al estatus permanente off-Broadway en Playhouse 91, ubicado en East 91st Street en el Upper Eastside de Manhattan , donde posteriormente fue dirigida por Gus Kaikkonen. En su segunda década, hasta su disolución en 1997, la Riverside Shakespeare Company produjo una serie de espectáculos con actores y directores distinguidos como Henderson Forsythe , Beth Fowler , David Edward Jones, Charles Keating , Laurie Kennedy, Robert Sean Leonard , Stephen McHattie , Austin Pendleton y Stuart Vaughan .
Durante su decimoquinto año, la compañía de teatro fue elogiada en la publicación semanal The Nation por producir "las representaciones más confiables y logradas de las obras de Shakespeare disponibles regularmente en la ciudad de Nueva York". [69]
En sus veinte años de trabajo como centro de formación teatral y educativa, la Riverside Shakespeare Company presentó más de cien producciones de Equity, funciones benéficas y transmisiones radiales de obras de Shakespeare, Marlowe, Brecht, Maquiavelo y Shaw, así como estrenos de obras teatrales y de Commedia dell'arte scenari. Sus programas educativos brindaron capacitación a cientos de actores, directores, maestros y estudiantes. Durante sus dos décadas, las producciones de Riverside fueron vistas y escuchadas por más de cien mil personas en los cinco distritos de la ciudad de Nueva York.
El 24 de marzo de 2008, se celebró la primera reunión anual de ex actores, directores, compositores y diseñadores de la Riverside Shakespeare Company en el Marriott Marquis, en la ciudad de Nueva York.
En la reunión estuvieron presentes los miembros de la compañía Kevin Lee Allen, Kieron Murphy, Scott Parson, Jim Maxson, Gloria Skurski, Margo Gruber, W. Stuart McDowell, Michael Canick, Andrew Achsen, Herman Petras, Robert Mooney, Eric Hoffmann y Dan Southern (también conocido como Dan Smith).
También estuvieron presentes Lisa Graham Parson, Pedro Ruiz, Cindy Ratzlaff, Charles Borkas y la fotógrafa Claire McDowell.
