Love's Labour's Lost es una de las primeras comedias de William Shakespeare , y se cree que fue escrita a mediados de la década de 1590 para una representación en Inns of Court ante la reina Isabel I. Sigue al rey de Navarra y sus tres compañeros mientras intentan renunciar a la compañía de mujeres durante tres años para centrarse en el estudio y el ayuno. Su posterior enamoramiento por la princesa de Francia y sus damas los hace renunciar (romper su juramento). En un final poco tradicional para una comedia, la obra termina con la muerte del padre de la princesa y todas las bodas se retrasan un año. La obra se basa en temas de amor y deseo masculino, ajuste de cuentas y racionalización, y realidad versus fantasía.
Aunque se publicó por primera vez en cuarto en 1598, la portada de la obra sugiere una revisión de una versión anterior de la obra. No hay fuentes obvias para la trama de la obra. El uso de apóstrofes en el título de la obra varía en las primeras ediciones, aunque se da más comúnmente como Love's Labour's Lost .
El público de Shakespeare estaba familiarizado con los personajes históricos retratados y la situación política en Europa en relación con el escenario y la acción de la obra. Los estudiosos sugieren que la obra perdió popularidad a medida que estas representaciones históricas y políticas de la corte de Navarra se volvieron anticuadas y menos accesibles para los espectadores de generaciones posteriores. Los sofisticados juegos de palabras, el humor pedante y las alusiones literarias anticuadas de la obra también pueden ser causas de su relativa oscuridad, en comparación con las obras más populares de Shakespeare. Love's Labour's Lost rara vez se representó en el siglo XIX, pero se ha visto con mayor frecuencia en los siglos XX y XXI, con producciones de la Royal Shakespeare Company , el Teatro Nacional y el Festival de Stratford de Canadá , entre otros. También ha sido adaptada como musical, ópera, para radio y televisión y como película musical .
Love's Labour's Lost presenta la escena más larga (5.2), la palabra más larga ' honorificabilitudinitatibus ' (5.1.39–40) y (dependiendo de las elecciones editoriales) el discurso más largo (4.3.284–361) de todas las obras de Shakespeare (ver "Fecha y texto" a continuación).
Fernando, rey de Navarra , y sus tres nobles compañeros, los señores Berowne, Dumaine y Longaville, juran no ceder ante la compañía de mujeres. Se dedican a tres años de estudio y ayuno; Berowne acepta algo más vacilante que los demás. El Rey declara que ninguna mujer debe acercarse a menos de una milla de la corte. Don Adriano de Armado, un español que visita la corte, escribe una carta para contarle al rey sobre una cita entre Costard y Jaquenetta. Después de que el Rey sentencia a Costard, Don Armado confiesa su propio amor por Jaquenetta a su paje, Moth. Don Armado le escribe una carta a Jaquenetta y le pide a Costard que la entregue.
La princesa de Francia y sus damas llegan deseando hablar con el rey sobre la cesión de Aquitania , pero finalmente deben acampar fuera de la corte debido al decreto. Al visitar a la princesa y a sus damas en su campamento, el rey se enamora de la princesa, al igual que los señores de las damas. Berowne le da a Costard una carta para que se la entregue a Lady Rosaline, que Costard cambia con la carta de Don Armado que estaba destinada a Jaquenetta. Jaquenetta consulta a dos eruditos, Holofernes y Sir Nathaniel, quienes concluyen que la carta fue escrita por Berowne y le ordenan que se la cuente al rey.
El Rey y sus señores se esconden y se observan mutuamente mientras cada uno revela sus sentimientos de amor. El rey finalmente reprende a los señores por romper el juramento, pero Berowne revela que el rey también está enamorado de la princesa. Jaquenetta y Costard entran con la carta de Berowne y lo acusan de traición. Berowne confiesa haber roto el juramento y explica que el único estudio digno de la humanidad es el del amor, y él y los demás hombres deciden colectivamente renunciar al voto. Después de hacer arreglos para que Holofernes entretenga a las damas, los hombres se visten como moscovitas y cortejan a las damas disfrazadas. El cortesano de la reina, Boyet, después de haber oído sus planes, ayuda a las damas a engañar a los hombres disfrazándose unos de otros. Cuando los señores regresan como ellos mismos, las damas se burlan de ellos y exponen su artimaña.
Impresionados por el ingenio de las damas, los hombres se disculpan y, cuando se corrigen todas las identidades, ven a Holofernes, Sir Nathaniel, Costard, Moth y Don Armado presentar a los Nueve Dignos . Los cuatro señores y Boyet interrumpen la obra, reservando sus únicos elogios para Costard. Don Armado y Costard casi llegan a las manos cuando Costard revela a mitad del desfile que Don Armado ha dejado embarazada a Jaquenetta. Su disputa se ve interrumpida por la noticia de que el padre de la princesa ha muerto. La princesa hace planes para partir de inmediato, y ella y sus damas, preparándose para el luto, declaran que los hombres deben esperar un año y un día para demostrar que su amor es duradero. Don Armado anuncia que hará un juramento similar a Jaquenetta y luego presenta a los nobles una canción.
Se puede encontrar que Love's Labour's Lost tiene varias fuentes para varios aspectos, pero no existe una fuente principal para la historia. Tiene esto en común con otras dos obras de Shakespeare: El sueño de una noche de verano y La tempestad . [1] Algunas posibles influencias en Trabajos de amor perdidos se pueden encontrar en las primeras obras de John Lyly , La profecía del zapatero de Robert Wilson (c. 1590) y L'Academie française de Pierre de La Primaudaye (1577). [2] Michael Dobson y Stanley Wells comentan que a menudo se ha conjeturado que la trama deriva de "un relato ahora perdido de una visita diplomática realizada a Enrique en 1578 por Catalina de Médicis y su hija Margarita de Valois , la esposa separada de Enrique, para discutir el futuro de Aquitania, pero esto no es seguro." [3]
Los cuatro personajes masculinos principales se basan libremente en personajes históricos; Navarra se basa en Enrique de Navarra (que más tarde se convirtió en Enrique IV de Francia ), Berowne en Carlos de Gontaut, duque de Biron , Dumain en Carlos, duque de Mayenne y Longaville en Enrique I de Orleans, duque de Longueville . [4] Biron en particular era muy conocido en Inglaterra porque Robert Devereux, segundo conde de Essex , había unido fuerzas con el ejército de Biron en apoyo de Enrique en 1591. [3] Albert Tricomi afirma que "la idealización humorística de la obra podría seguir siendo duradera mientras ya que los nombres franceses de sus personajes principales seguían siendo familiares para el público de Shakespeare, lo que significa que la ingeniosa representación de la corte de Navarra pudo seguir siendo razonablemente eficaz hasta el asesinato de Enrique IV en 1610... Tales consideraciones sugieren que las representaciones de Navarra y la sociedad civil "Los generales de guerra presentaron al público isabelino no una mera colección de nombres franceses en las noticias, sino una dimensión dramática añadida que, una vez perdida, ayuda a explicar el eclipse que pronto sufrió Love's Labour's Lost ". [5]
Los críticos han intentado establecer conexiones entre notables ingleses isabelinos y los personajes de Don Armado, Moth, Sir Nathaniel y Holofernes, con poco éxito. [5]
La mayoría de los estudiosos creen que la obra fue escrita entre 1594 y 1595, pero a más tardar en 1598. [6] Love's Labour's Lost fue publicada por primera vez en cuarto en 1598 por el librero Cuthbert Burby . La portada indica que la obra fue "recientemente corregida y ampliada por W. Shakespere", lo que ha sugerido a algunos estudiosos una revisión de una versión anterior. [7]
El manuscrito de la Universidad de Edimburgo , que data de 1598, es una de las copias más antiguas conocidas de la obra y, según su portada, es la misma versión que se presentó a la reina Isabel I la Navidad anterior, en 1597. Está en cuarto. formato y fue donado a la Universidad de Edimburgo entre 1626 y 1636 por el ex alumno William Drummond de Hawthornden , convirtiéndolo en parte de la primera colección de literatura de la universidad. [8]
La obra apareció a continuación impresa en el primer folio de 1623, con un cuarto posterior en 1631. Algunos consideran que Love's Labour's Won es una secuela perdida. [9] [10]
Love's Labour's Lost presenta la escena más larga de todas las obras de Shakespeare (5.2), que, dependiendo del formato y las decisiones editoriales, oscila entre alrededor de 920 líneas [11] y poco más de 1000 líneas. [12] El Primer Folio registra la escena en 942 líneas.
La obra también presenta la palabra más larga de todas las obras de Shakespeare: honorificabilitudinitatibus , pronunciada por Costard el 5.1.30.
El discurso pronunciado por Berowne en 4.3.284–361 es potencialmente el más largo de todas las obras de Shakespeare, dependiendo de las elecciones editoriales. El crítico y editor de Shakespeare, Edward Capell, ha señalado que ciertos pasajes del discurso parecen redundantes y sostiene que representan un primer borrador que no se corrigió adecuadamente antes de imprimirse. [13] Específicamente, las líneas 291 a 313 se "repiten en esencia" [13] más adelante en el discurso y, en ocasiones, los editores las omiten. [14] Sin omisiones, el discurso tiene 77 líneas y 588 palabras.
El título normalmente se da como Love's Labour's Lost . El uso de apóstrofes varía en las primeras ediciones. En su primera publicación en cuarto de 1598 aparece como Loues labors loſt . En el primer folio de 1623 es Loues Labour's Lost y en el cuarto de 1631 es Loues Labors Lost . En el Tercer Folio aparece por primera vez con la puntuación y ortografía modernas como Love's Labour's Lost . [15] El historiador John Hale señala que el título podría leerse como "el trabajo del amor se pierde" o "el trabajo del amor perdido", dependiendo de la puntuación. Hale sugiere que esta naturaleza paralela de producto y proceso fue intencionada y se deriva de modismos latinos existentes. Hale sugiere que la ingeniosa aliteración del título está en consonancia con la naturaleza pedante de la obra. [16] En 1935, Frances Yates afirmó que el título derivaba de una línea de His firste Fruites (1578) de John Florio : "No necesitamos hablar tanto de amor, todos los libros están llenos de amor, con tantos autores, que sería trabajo perdido hablar de Loue", [17] una fuente de la que Shakespeare también tomó el proverbio veneciano no traducido Venetia, Venetia/Chi non ti vede non ti pretia (LLL 4.2.92–93) ("Venecia, Venecia, Quién no te ve, no te puede alabar"). [18]
Love's Labour's Lost abunda en sofisticados juegos de palabras, juegos de palabras y alusiones literarias y está lleno de ingeniosos pastiches de formas poéticas contemporáneas. [19] El crítico e historiador John Pendergast afirma que "quizás más que cualquier otra obra de Shakespeare, explora el poder y las limitaciones del lenguaje, y esta descarada preocupación por el lenguaje llevó a muchos de los primeros críticos a creer que era obra de un dramaturgo que recién estaba aprendiendo". su arte." [20] En The Western Canon (1994), Harold Bloom elogia la obra como "asombrosa" y se refiere a ella como el "primer logro absoluto" de Shakespeare. [21] A menudo se supone que la obra fue escrita para su representación en Inns of Court , cuyos estudiantes probablemente habrían apreciado su estilo. Nunca ha estado entre las obras más populares de Shakespeare, probablemente porque su humor pedante y su densidad lingüística son extremadamente exigentes para los espectadores contemporáneos. [19] [20] Las alusiones satíricas de la corte de Navarra son igualmente inaccesibles, "habiendo estado dirigidas principalmente a modas lingüísticas que han desaparecido hace mucho tiempo y [son] en consecuencia poco comprendidas, más que a una gran deficiencia de invención". [22]
El deseo masculino estructura la obra y ayuda a dar forma a su acción. El apetito sexual de los hombres se manifiesta en su deseo de fama y honor; La noción de que las mujeres son peligrosas para la masculinidad y el intelecto se establece desde el principio. Los deseos del Rey y sus Señores por sus mujeres idealizadas son aplazados, confusos y ridiculizados a lo largo de la obra. A medida que la obra llega a su fin, su deseo se aplaza una vez más, lo que resulta en una mayor exaltación de las mujeres. [23]
El crítico Mark Breitenberg comentó que el uso de la poesía idealista, popularizada por Petrarca , se convierte efectivamente en la forma textualizada de la mirada masculina. [23] Al describir e idealizar a las damas, el Rey y sus Señores ejercen una forma de control sobre las mujeres que aman. Don Armado también representa el deseo masculino a través de su incesante búsqueda de Jacquenetta. El tema del deseo se ve acentuado por la preocupación por el aumento de la sexualidad femenina a lo largo del período del Renacimiento y la consiguiente amenaza de los cuernos . Las políticas del amor, el matrimonio y el poder son igualmente contundentes a la hora de dar forma al hilo del deseo masculino que impulsa la trama. [23]
El término "ajuste de cuentas" se utiliza en sus múltiples significados en todo el canon de Shakespeare. [24] En Trabajos de amor perdidos en particular, se utiliza a menudo para indicar un juicio moral; en particular, la idea de un ajuste de cuentas final en lo que se refiere a la muerte. Aunque la obra entrelaza fantasía y realidad, la llegada del mensajero para anunciar la muerte del padre de la princesa finalmente lleva esta idea a un punto crítico. La académica Cynthia Lewis sugirió que la aparición del ajuste de cuentas final es necesaria para recordar a los amantes la seriedad del matrimonio. [24] La necesidad de resolver el desacuerdo entre Navarra y Francia también sugiere un caso de ajuste de cuentas, aunque este ajuste de cuentas en particular se resuelve fuera de escena. Esto se presenta en marcado contraste con la escena final, en la que no se puede evitar el acto de ajustar cuentas. Al reconocer las consecuencias de sus acciones, Don Armado es el único que afronta sus cuentas de manera noble. Los Lores y el Rey efectivamente se juzgan a sí mismos, revelando su verdadero carácter moral al burlarse de los jugadores durante la representación de los Nueve Dignos. [24]
Similar al cálculo es la noción de racionalización, que proporciona la base para el rápido cambio en los sentimientos de las mujeres hacia los hombres. Las mujeres pueden convencerse a sí mismas de enamorarse de los hombres debido a la racionalización de los supuestos defectos de los hombres. Lewis concluyó que "la propensión a racionalizar una posición, un agrado o un disgusto, está vinculada en Love's Labour's Lost con la dificultad de calcular el valor absoluto, cuya resbaladiza se indica a lo largo de la obra". [24]
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El crítico Joseph Westlund escribió que Love's Labour's Lost funciona como un "preludio al comentario más extenso sobre la imaginación en A Midsummer Night's Dream ". [25] Hay varios puntos de la trama impulsados por la fantasía y la imaginación a lo largo de la obra. La declaración de abstinencia de los Lores y el Rey es una fantasía que no llega a ser un logro. Esta fantasía se basa en la idea de los hombres de que la fama resultante les permitirá sortear la muerte y el olvido, una noción fantástica en sí misma. A los pocos momentos de prestar juramento, queda claro que su fantástico objetivo es inalcanzable dada la realidad del mundo, el estado antinatural de abstinencia en sí y la llegada de la princesa y sus damas. Esta yuxtaposición, en última instancia, se presta a la ironía y el humor de la obra. [25]
Los plebeyos representan el tema de la realidad y los logros versus la fantasía a través de su producción sobre los Nueve Dignos. Al igual que la fantástica búsqueda de la fama por parte de los hombres, la obra dentro de una obra representa la preocupación de los plebeyos por la fama. La relación entre la fantasía del amor y la realidad del logro valioso, un tema popular del Renacimiento, también se utiliza a lo largo de la obra. Don Armado intenta conciliar estos deseos opuestos utilizando como ejemplos modelo a dignos que se enamoraron. [25] El tiempo está suspendido a lo largo de la obra y tiene poca sustancia para la trama. La princesa, aunque originalmente "anhelaba un despacho rápido", rápidamente cae bajo el hechizo del amor y abandona su asunto urgente. Esto sugiere que la mayor parte de la acción tiene lugar en un mundo de fantasía. Sólo con la noticia de la muerte del padre de la princesa el tiempo y la realidad vuelven a despertar. [25]
A diferencia de muchas de las obras de Shakespeare, la música sólo juega un papel en la escena final de Love's Labour's Lost . Las canciones de primavera e invierno, tituladas "Ver y Hiems" y "El cuco y el búho", respectivamente, aparecen cerca del final de la obra. Dada la controversia crítica sobre la datación exacta de Love's Labour's Lost , hay algunos indicios de que "las canciones pertenecen a las adiciones de 1597". [26]
Diferentes interpretaciones del significado de estas canciones incluyen: comentario optimista para el futuro, comentario sombrío sobre el reciente anuncio de la muerte, o un recurso irónico mediante el cual dirigir al Rey y sus Señores hacia una nueva perspectiva del amor y la vida. [27] De acuerdo con el tema del tiempo en su relación con la realidad y la fantasía, estas son canciones estacionales que devuelven el sentido del tiempo a la obra. Debido a la naturaleza opuesta de las dos canciones, pueden verse como un debate sobre las actitudes opuestas sobre el amor que se encuentran a lo largo de la obra. [25] Catherine McLay comenta que las canciones son funcionales en su interpretación de los temas centrales de Love's Labour's Lost . [26] McLay también sugiere que las canciones niegan lo que muchos consideran un final "herético" para una comedia. Las canciones, producto de la estructura cómica tradicional, son un método mediante el cual la obra puede "[llevarse] dentro de la periferia de la definición cómica habitual". [26]
El crítico Thomas Berger afirma que, independientemente del significado de estas canciones finales, son importantes por su contraste con la falta de canción en el resto de la obra. [27] Al aislarse de las mujeres y de la posibilidad del amor, el Rey y sus Señores efectivamente se han aislado de la canción. A Song se le permite ingresar al mundo de la obra al comienzo del Acto III, después de que la princesa y sus damas han sido presentadas y los hombres comienzan a enamorarse. La canción de Moth "Concolinel" indica que los votos se romperán. [27] En el Acto I, Escena II, Moth recita un poema pero no logra cantarlo. Don Armado insiste en que Moth la cante dos veces, pero no lo hace. Berger infiere que se pretendía insertar una canción en este punto, pero nunca se escribió. Si se hubiera insertado una canción en este punto de la obra, habría seguido la convención dramática de la época, que a menudo requería música entre escenas. [27]
La primera representación registrada de la obra ocurrió en la Navidad de 1597 en la corte ante la reina Isabel . Se registra que una segunda representación tuvo lugar en 1605, ya sea en la casa del conde de Southampton o en la de Robert Cecil, Lord Cranborne . La primera producción conocida después de la era de Shakespeare no fue hasta 1839, en el Theatre Royal, Covent Garden , con Madame Vestris como Rosaline. [28] El Times no quedó impresionado y afirmó: "La obra se movió mucho. Todo el diálogo no es más que una serie de conceptos brillantes que, si no se expresan bien, son tediosos e ininteligibles. La forma en que se representó anoche destruyó la brillantez por completo, y dejó un residuo de insipidez que fue obstaculizado en lugar de aliviado por el paisaje y la decoración ". [29] Las únicas otras representaciones de la obra registradas en Inglaterra en el siglo XIX fueron en Sadler's Wells en 1857 y en el St. James's Theatre en 1886. [30]
Las producciones británicas notables del siglo XX incluyeron una puesta en escena de 1936 en el Old Vic con Michael Redgrave como Ferdinand y Alec Clunes como Berowne. En 1949, la obra se presentó en el New Theatre con Redgrave en el papel de Berowne. [31] El elenco de una producción de la Royal Shakespeare Company de 1965 incluía a Glenda Jackson , Janet Suzman y Timothy West . [32] En 1968, la obra fue puesta en escena por Laurence Olivier para el Teatro Nacional , con Derek Jacobi como el Duque y Jeremy Brett como Berowne. [33] La Royal Shakespeare Company volvió a producir la obra en 1994. El crítico Michael Billington escribió en su reseña de la producción: "Cuanto más veo Love's Labour's Lost , más pienso que es la comedia más seductora de Shakespeare. Celebra y satisface a la vez. exuberancia lingüística, explora la transición a menudo dolorosa de la juventud a la madurez y nos recuerda nuestra mortalidad común". [34]
A finales del verano de 2005, un grupo de actores afganos representó una adaptación de la obra en idioma dari en Kabul, Afganistán, y, según se informa, fue muy bien recibida. [35]
Una puesta en escena de 2009 del teatro Shakespeare's Globe , con dirección artística de Dominic Dromgoole , realizó una gira internacional. Ben Brantley , en The New York Times , calificó la producción, vista en la Universidad Pace , de "segundo año". Postuló que la obra en sí "bien podría ser el primer y mejor ejemplo de un género que florecería en formas menos sofisticadas cinco siglos después: la comedia universitaria". [36]
En 2014, la Royal Shakespeare Company completó un doble largometraje en el que Love's Labour's Lost , ambientada en vísperas de la Primera Guerra Mundial, es seguido por Much Ado About Nothing (retitulado Love's Labour's Won ). Dominic Cavendish, del Telegraph, la calificó como "la oferta de RSC más felizmente entretenida y emocionalmente envolvente que he visto en mucho tiempo" y comentó que "los paralelismos entre las dos obras: el ingenio de combate, las escaramuzas de la guerra sexual, el cambio de la llamativa evasión lingüística a una seriedad sincera – vuélvete persuasivamente evidente." [37]
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Gerhard Joseph especula que el poema de Alfred Tennyson La princesa (y, por extensión, la ópera cómica Princesa Ida de Gilbert y Sullivan ) se inspiró en Trabajos de amor perdidos . [38]
Thomas Mann en su novela Doctor Fausto (1943) hace que el compositor alemán ficticio Adrian Leverkühn intente escribir una ópera sobre la historia de la obra. [39]
Una ópera con el mismo título que la obra fue compuesta por Nicolas Nabokov , con libreto de WH Auden y Chester Kallman , y representada por primera vez en 1973.
En el verano de 2013, The Public Theatre de la ciudad de Nueva York presentó una adaptación musical de la obra como parte de su programación Shakespeare in the Park . Esta producción marcó el primer musical nuevo basado en Shakespeare que se produjo en el Teatro Delacorte en Central Park desde el montaje de 1971 de Los dos caballeros de Verona con música de Galt MacDermot . La adaptación de Love's Labour's Lost contó con una partitura de los colaboradores de Bloody Bloody Andrew Jackson, Michael Friedman y Alex Timbers . Timbers también dirigió la producción, protagonizada por Daniel Breaker , Colin Donnell , Rachel Dratch y Patti Murin, entre otros. [40]
El musical ska de 2004 The Big Life está basado en Lost de Loves Labour , reelaborado para tratar sobre la generación Windrush que llega a Londres. [41]
La obra de Marc Palmieri de 2015, The Groundling , [42] una farsa a la que el New York Times se refirió como "mitad comedia y mitad tragedia", fue anunciada como una "meditación sobre el significado de los momentos finales de Love's Labour's Lost ". [43]
La adaptación cinematográfica de Kenneth Branagh de 2000 trasladó el escenario a la década de 1930 e intentó hacer la obra más accesible convirtiéndola en un musical. La película fue una decepción de taquilla. [44]
La obra fue una de las últimas obras grabadas para el proyecto Shakespeare de BBC Television , transmitida en 1985. La producción ambientó los acontecimientos del siglo XVIII, y el vestuario y los decorados se inspiraron en las pinturas de Jean-Antoine Watteau . Este fue el único caso en el proyecto de una obra ambientada en un período posterior a la muerte de Shakespeare. [45] La obra aparece en un episodio del programa de televisión británico Doctor Who . El episodio, titulado El código de Shakespeare , se centra en el propio Shakespeare y en una hipotética obra de seguimiento, Love's Labour's Won , cuya escena final se utiliza como un portal para que brujas alienígenas invadan la Tierra. Todas las copias de esta obra desaparecen junto con las brujas. [46]
BBC Radio 3 emitió una adaptación radiofónica el 16 de diciembre de 1946, dirigida por Noel Illif, con música de Gerald Finzi compuesta para una pequeña orquesta de cámara. El elenco incluía a Paul Scofield . Posteriormente, la música se convirtió en una suite orquestal. [47] BBC Radio 3 emitió otra adaptación radiofónica el 22 de febrero de 1979, dirigida por David Spenser, con música de Derek Oldfield. El elenco incluía a Michael Kitchen como Ferdinand; John McEnery como Berowne; Anna Massey como la Princesa de Francia; Eileen Atkins como Rosalina; y Paul Scofield como Don Adriano. [48]
Una adaptación al idioma moderno de la obra, titulada Grupos de diez o más personas , fue lanzada en línea por la compañía Littlebrain Theatre, con sede en Chicago , en julio de 2020. [49] [50] Esta adaptación, ambientada durante los primeros días de la pandemia de COVID-19 pandemia , fue filmado íntegramente a través del programa de conferencias digitales Zoom . [51]
Citas relacionadas con El trabajo de amor perdido en Wikiquote
Audiolibro de dominio público perdido de Love's Labour's Lost en LibriVox