La pintura de campos de color es un estilo de pintura abstracta que surgió en la ciudad de Nueva York durante las décadas de 1940 y 1950. Se inspiró en el modernismo europeo y está estrechamente relacionada con el expresionismo abstracto , aunque muchos de sus primeros defensores notables se encontraban entre los expresionistas abstractos pioneros. La pintura de campos de color se caracteriza principalmente por grandes campos de color plano y sólido que se extienden o se tiñen en el lienzo creando áreas de superficie ininterrumpida y un plano de imagen plano. El movimiento pone menos énfasis en el gesto, las pinceladas y la acción en favor de una consistencia general de forma y proceso. En la pintura de campos de color, "el color se libera del contexto objetivo y se convierte en el tema en sí mismo". [1]
A finales de la década de 1950 y durante la de 1960, surgieron pintores de campos de color en partes del Reino Unido, Canadá, Australia y los Estados Unidos, particularmente Nueva York, Washington, DC y otros lugares, utilizando formatos de rayas, objetivos, patrones geométricos simples y referencias a imágenes de paisajes y a la naturaleza. [2]
El foco de atención en el mundo del arte contemporáneo comenzó a desplazarse de París a Nueva York después de la Segunda Guerra Mundial y el desarrollo del expresionismo abstracto estadounidense . A finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, Clement Greenberg fue el primer crítico de arte que sugirió e identificó una dicotomía entre las diferentes tendencias dentro del canon expresionista abstracto. En desacuerdo con Harold Rosenberg (otro importante defensor del expresionismo abstracto), que escribió sobre las virtudes de la pintura de acción en su artículo "American Action Painters" publicado en la edición de diciembre de 1952 de ARTnews , [4] Greenberg observó otra tendencia hacia el color total o el campo de color en las obras de varios de los llamados expresionistas abstractos de "primera generación". [5]
Mark Rothko fue uno de los pintores a los que Greenberg se refirió como un pintor de campos de color ejemplificado por Magenta, negro, verde sobre naranja , aunque el propio Rothko se negó a adherirse a ninguna etiqueta. Para Rothko, el color era "simplemente un instrumento". En cierto sentido, sus obras más conocidas -las "multiformes" y sus otras pinturas emblemáticas- son, en esencia, la misma expresión, aunque de medios más puros (o menos concretos o definibles, según la interpretación), que es la de las mismas "emociones humanas básicas", que sus anteriores pinturas mitológicas surrealistas. Lo que es común entre estas innovaciones estilísticas es una preocupación por la "tragedia, el éxtasis y la fatalidad". En 1958, cualquier expresión espiritual que Rothko pretendiera retratar en el lienzo se estaba volviendo cada vez más oscura. Sus rojos, amarillos y naranjas brillantes de principios de la década de 1950 se transformaron sutilmente en azules oscuros, verdes, grises y negros. Su última serie de pinturas de mediados de la década de 1960 eran grises y negras con bordes blancos, paisajes aparentemente abstractos de un país infinito, desolado, desconocido y parecido a una tundra.
Rothko, a mediados de la década de 1940, se encontraba en medio de un período crucial de transición, y había quedado impresionado por los campos abstractos de color de Clyfford Still , que estaban influenciados en parte por los paisajes de Dakota del Norte, su natal. En 1947, durante un semestre posterior de enseñanza en la Escuela de Bellas Artes de California (conocida hoy como el Instituto de Arte de San Francisco ), Rothko y Still coquetearon con la idea de fundar su propio plan de estudios o escuela. Still fue considerado uno de los pintores de campos de color más importantes: sus pinturas no figurativas se centran principalmente en la yuxtaposición de diferentes colores y superficies. Sus destellos irregulares de color dan la impresión de que una capa de color ha sido "arrancada" de la pintura, revelando los colores subyacentes, que recuerdan a las estalactitas y las cavernas primordiales. Los arreglos de Still son irregulares, irregulares y picados con una textura pesada y un marcado contraste de superficie, como se ve arriba en 1957D1 .
Otro artista cuyas obras más conocidas se relacionan tanto con el expresionismo abstracto como con la pintura de campos de color es Robert Motherwell . El estilo de expresionismo abstracto de Motherwell, caracterizado por campos abiertos sueltos de superficies pictóricas acompañadas de líneas y formas sueltas y medidas, fue influenciado tanto por Joan Miró como por Henri Matisse . [6] La Elegía a la República Española No. 110 (1971) de Motherwell es una obra pionera tanto del expresionismo abstracto como de la pintura de campos de color. Si bien la serie Elegía encarna ambas tendencias, su Serie Abierta de finales de los años 1960, 1970 y 1980 lo ubica firmemente dentro del campo de los campos de color. [7] En 1970, Motherwell dijo: "A lo largo de mi vida, el pintor del siglo XX al que más he admirado ha sido Matisse", [8] aludiendo a varias de sus propias series de pinturas que reflejan la influencia de Matisse, más notablemente su Serie Abierta que se acerca más a la pintura clásica de campos de color.
Barnett Newman es considerado una de las figuras más importantes del expresionismo abstracto y uno de los pintores más destacados de campos de color. La obra madura de Newman se caracteriza por áreas de color puro y plano separadas por delgadas líneas verticales, o "cremalleras", como las llamaba Newman, ejemplificadas por Vir Heroicus Sublimis en la colección del MoMA . El propio Newman pensó que alcanzó su estilo plenamente maduro con la serie Onement (de 1948) que se ve aquí. [9] Las cremalleras definen la estructura espacial de la pintura al mismo tiempo que dividen y unen la composición. Aunque las pinturas de Newman parecen ser puramente abstractas, y muchas de ellas originalmente no tenían título, los nombres que les dio más tarde insinuaban que se trataban temas específicos, a menudo con un tema judío. Dos cuadros de principios de los años 1950, por ejemplo, se llaman Adán y Eva (ver Adán y Eva ), y también están Uriel (1954) y Abraham (1949), un cuadro muy oscuro, que, además de ser el nombre de un patriarca bíblico, era también el nombre del padre de Newman, que había muerto en 1947. Las últimas obras de Newman, como la serie ¿Quién teme al rojo, al amarillo y al azul ?, utilizan colores vibrantes y puros, a menudo en lienzos muy grandes.
Jackson Pollock , Adolph Gottlieb , Hans Hofmann , Barnett Newman, Clyfford Still, Mark Rothko, Robert Motherwell, Ad Reinhardt y Arshile Gorky (en sus últimas obras) estuvieron entre los pintores expresionistas abstractos destacados que Greenberg identificó como conectados con la pintura de campos de color en los años 1950 y 1960. [10]
Aunque Pollock está estrechamente asociado con la pintura de acción debido a su estilo, técnica y su "toque" pictórico y su aplicación física de la pintura, los críticos de arte han comparado a Pollock tanto con la pintura de acción como con la pintura de campos de color. Otra visión crítica propuesta por Clement Greenberg conecta los lienzos de Pollock con los Nenúfares a gran escala de Claude Monet realizados durante la década de 1920. Greenberg, el crítico de arte Michael Fried y otros han observado que la sensación general en las obras más famosas de Pollock -sus pinturas de goteo- se lee como vastos campos de elementos lineales acumulados que a menudo se leen como vastos complejos de madejas de pintura de valor similar que se leen como campos de color y dibujo por todas partes, y están relacionadas con los Monet tardíos del tamaño de un mural que están construidos con muchos pasajes de marcas de pincel y borrones de valor cercano que también se leen como campos de color y dibujo de valor cercano que Monet usó para construir las superficies de sus cuadros. El uso de la composición por todas partes de Pollock le da una conexión filosófica y física a la forma en que los pintores de campos de color como Newman, Rothko y Still construyen sus superficies ininterrumpidas y, en el caso de Still, rotas. En varias pinturas que Pollock pintó después de su período clásico de pintura por goteo de 1947-1950, utilizó la técnica de teñir pintura al óleo fluida y pintura para casas en lienzo crudo. Durante 1951 produjo una serie de pinturas de manchas negras semifigurativas, y en 1952 produjo pinturas de manchas usando color. En su exposición de noviembre de 1952 en la Galería Sidney Janis en la ciudad de Nueva York, Pollock mostró Número 12, 1952 , una gran y magistral pintura de manchas que se asemeja a un paisaje manchado de colores brillantes (con una superposición de pintura oscura ampliamente goteada); la pintura fue adquirida de la exposición por Nelson Rockefeller para su colección personal. En 1960, el cuadro resultó gravemente dañado por un incendio en la Mansión del Gobernador en Albany, que también dañó gravemente una pintura de Arshile Gorky y varias otras obras de la colección Rockefeller. Sin embargo, en 1999 fue restaurado y se instaló en el Empire State Plaza . [11] [12]
Aunque se considera a Arshile Gorky uno de los padres fundadores del expresionismo abstracto y un surrealista , también fue uno de los primeros pintores de la Escuela de Nueva York que utilizó la técnica de "manchado". Gorky creó amplios campos de color vívido, abierto e ininterrumpido que utilizó en muchas de sus pinturas como fondos . En las pinturas más efectivas y logradas de Gorky entre los años 1941 y 1948, utilizó constantemente intensos campos de color manchados, a menudo dejando que la pintura corriera y goteara, debajo y alrededor de su léxico familiar de formas orgánicas y biomórficas y líneas delicadas. Otro expresionista abstracto cuyas obras en la década de 1940 recuerdan las pinturas de manchas de las décadas de 1960 y 1970 es James Brooks . Brooks utilizó con frecuencia la mancha como técnica en sus pinturas desde finales de la década de 1940. Brooks comenzó a diluir su pintura al óleo para tener colores fluidos con los que verter, gotear y manchar en el lienzo mayoritariamente crudo que usaba. Estas obras a menudo combinaban caligrafía y formas abstractas. Durante las últimas tres décadas de su carrera, el estilo de Sam Francis de expresionismo abstracto brillante a gran escala estuvo estrechamente asociado con la pintura de campos de color. Sus pinturas se situaban a caballo entre ambos bandos dentro de la rúbrica del expresionismo abstracto, la pintura de acción y la pintura de campos de color.
Después de ver las pinturas de Pollock de 1951 de pintura al óleo negra diluida teñida sobre lienzo crudo, Helen Frankenthaler comenzó a producir pinturas de manchas en varios colores de óleo sobre lienzo crudo en 1952. Su pintura más famosa de ese período es Montañas y mar (como se ve a continuación). Ella es una de las creadoras del movimiento de campos de color que surgió a fines de la década de 1950. [13] Frankenthaler también estudió con Hans Hofmann. Las pinturas de Hofmann son una sinfonía de color como se ve en The Gate , 1959-1960. Hofmann fue reconocido no solo como artista sino también como profesor de arte, tanto en su Alemania natal como más tarde en los EE. UU. Hofmann, quien llegó a los Estados Unidos desde Alemania a principios de la década de 1930, trajo consigo el legado del modernismo . Hofmann era un joven artista que trabajaba en París y pintó allí antes de la Primera Guerra Mundial . Hofmann trabajó en París con Robert Delaunay y conoció de primera mano el trabajo innovador de Pablo Picasso y Henri Matisse . El trabajo de Matisse tuvo una enorme influencia en él y en su comprensión del lenguaje expresivo del color y el potencial de la abstracción. Hofmann fue uno de los primeros teóricos de la pintura de campos de color y sus teorías fueron influyentes para los artistas y los críticos, particularmente para Clement Greenberg, así como para otros durante las décadas de 1930 y 1940. En 1953, Morris Louis y Kenneth Noland fueron profundamente influenciados por las pinturas de manchas de Frankenthaler después de visitar su estudio en la ciudad de Nueva York. Al regresar a Washington, DC, comenzaron a producir las principales obras que crearon el movimiento de campos de color a fines de la década de 1950. [14]
En 1972, el entonces curador del Museo Metropolitano de Arte, Henry Geldzahler , dijo:
Clement Greenberg incluyó las obras de Morris Louis y Kenneth Noland en una muestra que realizó en la galería Kootz a principios de los años 50. Clem fue el primero en ver su potencial. Los invitó a Nueva York en 1953, creo que fue, al estudio de Helen para ver un cuadro que acababa de pintar llamado Montañas y mar , una pintura muy, muy hermosa, que en cierto sentido era de Pollock y de Gorki. También fue una de las primeras imágenes de manchas, una de las primeras imágenes de campo de gran tamaño en las que se utilizó la técnica de las manchas, tal vez la primera. Louis y Noland vieron el cuadro desenrollado en el suelo del estudio de ella y regresaron a Washington, DC, y trabajaron juntos durante un tiempo, analizando las implicaciones de este tipo de pintura. [15] [16]
La pintura de Morris Louis Where (1960) fue una innovación importante que hizo avanzar la pintura expresionista abstracta en una nueva dirección hacia el campo de color y el minimalismo . Entre las principales obras de Louis se encuentran sus diversas series de pinturas de campos de color. Algunas de sus series más conocidas son Unfurleds (Desplegados) , Veils (Velos) , Florals (Florales ) y Stripes or Pillars ( Rayas o pilares ). De 1929 a 1933, Louis estudió en el Maryland Institute of Fine and Applied Arts (ahora Maryland Institute College of Art ). Trabajó en varios trabajos ocasionales para mantenerse mientras pintaba y en 1935 fue presidente de la Asociación de Artistas de Baltimore. De 1936 a 1940, vivió en Nueva York y trabajó en la división de caballete del Works Progress Administration Federal Art Project (Proyecto de Arte Federal de la Administración de Progreso de Obras). Durante este período, conoció a Arshile Gorky, David Alfaro Siqueiros y Jack Tworkov , y regresó a Baltimore en 1940. En 1948, comenzó a utilizar Magna : pinturas acrílicas a base de aceite . En 1952, Louis se mudó a Washington, DC, donde vivió algo apartado de la escena neoyorquina y trabajó casi en aislamiento. Él y un grupo de artistas, entre los que se encontraba Kenneth Noland, fueron fundamentales para el desarrollo de la pintura de campos de color. El punto básico sobre el trabajo de Louis y el de otros pintores de campos de color, a veces conocidos como la Escuela del Color de Washington en contraste con la mayoría de los otros nuevos enfoques de finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, es que simplificaron enormemente la idea de lo que constituye el aspecto de una pintura terminada.
Noland, que trabajaba en Washington, DC., también fue un pionero del movimiento de campos de color a finales de la década de 1950 que utilizó series como formatos importantes para sus pinturas. Algunas de las principales series de Noland se llamaron Targets , Chevrons y Stripes . Noland asistió al Black Mountain College experimental y estudió arte en su estado natal de Carolina del Norte. Noland estudió con el profesor Ilya Bolotowsky , quien lo introdujo al neoplasticismo y la obra de Piet Mondrian . Allí también estudió la teoría de la Bauhaus y el color con Josef Albers [17] y se interesó en Paul Klee , específicamente su sensibilidad al color. [18] En 1948 y 1949 trabajó con Ossip Zadkine en París, y a principios de la década de 1950 conoció a Morris Louis en Washington, DC. [19]
En 1970, el crítico de arte Clement Greenberg dijo:
Yo pondría a Pollock, junto con Hofmann y Morris Louis, entre los más grandes pintores de esta generación en este país. En realidad, no creo que hubiera nadie en la misma generación en Europa que pudiera igualarlos. A Pollock no le gustaban las pinturas de Hofmann. No podía distinguirlas. No se tomó la molestia de hacerlo. Y a Hofmann no le gustaban las pinturas de Pollock, que abarcaban todo el cuadro, ni tampoco la mayoría de los amigos artistas de Pollock podían entenderlas, las cosas que hizo entre 1947 y 1950. Pero las pinturas de Pollock viven o mueren en el mismo contexto que las pinturas de Rembrandt o Tiziano o Velázquez o Goya o David o... o Manet o Rubén o Miguel Ángel . Aquí no hay interrupción, no hay mutación. Pollock pidió ser examinado por el mismo ojo que podía ver lo bueno que era Rafael cuando era bueno o Piero cuando era bueno. [20]
A finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, los artistas jóvenes comenzaron a distanciarse estilísticamente del expresionismo abstracto, experimentando con nuevas formas de hacer cuadros y nuevas formas de manejar la pintura y el color. A principios de la década de 1960, varios y diversos movimientos nuevos en la pintura abstracta estaban estrechamente relacionados entre sí, y superficialmente se categorizaban juntos; aunque resultaron ser profundamente diferentes a largo plazo. Algunos de los nuevos estilos y movimientos que aparecieron a principios de la década de 1960 como respuestas al expresionismo abstracto se denominaron: Escuela del color de Washington , pintura de bordes duros , abstracción geométrica , minimalismo y campo de color.
Gene Davis también fue un pintor conocido especialmente por sus pinturas de rayas verticales de color, como Black Grey Beat (1964) y también fue miembro del grupo de pintores abstractos de Washington, DC durante la década de 1960 conocido como Washington Color School . Los pintores de Washington se encontraban entre los pintores de campos de color más destacados de mediados de siglo.
.jpg/1280px-Big_A_(Jack_Bush_painting).jpg)
Los artistas asociados con el movimiento de campos de color durante la década de 1960 se estaban alejando del gesto y la angustia en favor de superficies claras y gestalt. Durante la primera mitad de la década de 1960, la pintura de campos de color fue el término para el trabajo de artistas como Anne Truitt , John McLaughlin , Sam Francis , Sam Gilliam , Thomas Downing , Ellsworth Kelly , Paul Feeley , Friedel Dzubas , Jack Bush , Howard Mehring , Gene Davis , Mary Pinchot Meyer , Jules Olitski , Kenneth Noland , Helen Frankenthaler , Robert Goodnough , Ray Parker , Al Held , Emerson Woelffer , David Simpson , Vasa Velizar Mihich y otros cuyas obras anteriormente estaban relacionadas con el expresionismo abstracto de segunda generación; y también a artistas más jóvenes como Larry Poons , Ronald Davis , Larry Zox , John Hoyland , Walter Darby Bannard y Frank Stella . Todos se movían en una nueva dirección, alejándose de la violencia y la ansiedad de la pintura de acción hacia un lenguaje de color nuevo y aparentemente más tranquilo.
Aunque el campo de color se asocia con Clement Greenberg, Greenberg en realidad prefería usar el término " abstracción post-pictórica ". En 1964, Clement Greenberg curó una influyente exposición que viajó por el país llamada Abstracción post-pictórica . [22] La exposición amplió la definición de pintura de campo de color. La pintura de campo de color claramente apuntaba hacia una nueva dirección en la pintura estadounidense, lejos del expresionismo abstracto. En 2007, Karen Wilkin curó una exposición llamada Color As Field: American Painting 1950–1975 que viajó a varios museos de los Estados Unidos. La exposición mostró a varios artistas que representan dos generaciones de pintores de campo de color. [23]
En 1970 el pintor Jules Olitski dijo:
No sé qué significa la pintura de campos de color. Creo que probablemente la inventó algún crítico, lo cual está bien, pero no creo que la frase signifique nada. ¿Pintura de campos de color? Quiero decir, ¿qué es el color? La pintura tiene que ver con muchas cosas. El color es una de ellas. Tiene que ver con la superficie. Tiene que ver con la forma. Tiene que ver con sentimientos que son más difíciles de alcanzar. [24]
Jack Bush fue un pintor expresionista abstracto canadiense , nacido en Toronto, Ontario en 1909. Fue miembro de Painters Eleven , el grupo fundado por William Ronald en 1954 para promover la pintura abstracta en Canadá, y pronto fue alentado en su arte por el crítico de arte estadounidense Clement Greenberg . Con el estímulo de Greenberg, Bush se vinculó estrechamente a dos movimientos que surgieron de los esfuerzos de los expresionistas abstractos: la pintura de campos de color y la abstracción lírica . Su pintura Big A es un ejemplo de sus pinturas de campos de color de finales de la década de 1960. [21] [27]
A finales de los años 1950 y principios de los 1960, Frank Stella fue una figura importante en el surgimiento del minimalismo , la abstracción post-pictórica y la pintura de campos de color. Sus lienzos con formas de los años 1960 como Harran II (1967) revolucionaron la pintura abstracta. Una de las características más importantes de las pinturas de Stella es su uso de la repetición. Sus pinturas de rayas negras de 1959 conmocionaron a un mundo del arte que no estaba acostumbrado a ver imágenes monocromáticas y repetitivas, pintadas de forma plana, casi sin inflexión. A principios de los años 1960, Stella hizo varias series de pinturas de aluminio con muescas y pinturas de cobre con formas antes de hacer lienzos con formas multicolores y asimétricas de finales de los años 1960. El enfoque y la relación de Frank Stella con la pintura de campos de color no fue permanente ni central para su producción creativa; ya que su trabajo se volvió cada vez más tridimensional después de 1980.
A finales de los años 1960, Richard Diebenkorn comenzó su serie Ocean Park , creada durante los últimos 25 años de su carrera. Son ejemplos importantes de pintura de campos de color. La serie Ocean Park , ejemplificada por Ocean Park No.129 , conecta sus anteriores obras expresionistas abstractas con la pintura de campos de color. A principios de los años 1950, Richard Diebenkorn era conocido como un expresionista abstracto, y sus abstracciones gestuales estaban cerca de la Escuela de Nueva York en sensibilidad, pero firmemente basadas en la sensibilidad expresionista abstracta de San Francisco; un lugar donde Clyfford Still tiene una influencia considerable en los artistas más jóvenes en virtud de su enseñanza en el Instituto de Arte de San Francisco .
A mediados de la década de 1950, Richard Diebenkorn junto con David Park , Elmer Bischoff y varios otros formaron la Escuela Figurativa del Área de la Bahía con un regreso a la pintura figurativa. Entre el otoño de 1964 y la primavera de 1965, Diebenkorn viajó por toda Europa; se le concedió una visa cultural para visitar y ver pinturas de Henri Matisse en importantes museos soviéticos. Estas obras rara vez fueron vistas por personas fuera de la Unión Soviética. Cuando regresó a pintar en el Área de la Bahía a mediados de 1965, sus obras resultantes resumieron todo lo que había aprendido de sus más de una década como pintor figurativo líder. [28] [29] Cuando regresó a la abstracción en 1967, sus obras fueron paralelas a movimientos como el movimiento de campos de color y la abstracción lírica , pero permaneció independiente de ambos.
A finales de la década de 1960, Larry Poons , cuyas primeras pinturas de puntos se asociaron con el arte óptico , comenzó a producir pinturas más sueltas y de formas más libres que se conocieron como sus pinturas Lozenge Ellipse de 1967-1968. Junto con John Hoyland , Walter Darby Bannard , Larry Zox , Ronald Davis , Ronnie Landfield , John Seery , Pat Lipsky , Dan Christensen [30] y varios otros pintores jóvenes, comenzó a formarse un nuevo movimiento relacionado con la pintura de campos de color. Finalmente se conoció como abstracción lírica . [31] [32] [33] A finales de la década de 1960, los pintores recurrieron a la inflexión de la superficie, la representación del espacio profundo, el toque pictórico y el manejo de la pintura fusionándose con el lenguaje del color. Entre una nueva generación de pintores abstractos que emergieron combinando la pintura de campos de color con el expresionismo, la generación anterior también comenzó a infundir nuevos elementos de espacio y superficie complejos en sus obras. En la década de 1970, Poons creó pinturas de piel gruesa, agrietada y pesada conocidas como pinturas de piel de elefante ; Christensen roció bucles, redes de líneas coloreadas y caligrafía sobre campos multicolores de fondos delicados; las pinturas de bandas manchadas de Ronnie Landfield son reflejos tanto de la pintura de paisajes china como del idioma de los campos de color, y John Seery produjo sus pinturas manchadas, como lo ejemplifica East, 1973 , de la Galería Nacional de Australia . Poons, Christensen, Davis, Landfield, Seery, Lipsky, Zox y varios otros crearon pinturas que unen la pintura de campos de color con la abstracción lírica y subrayan un nuevo énfasis en el paisaje, el gesto y el tacto . [26] [34] [35]
La pintura de campos de color está relacionada con la abstracción pospictórica , el suprematismo , el expresionismo abstracto , la pintura de bordes duros y la abstracción lírica . Inicialmente se refería a un tipo particular de expresionismo abstracto , especialmente la obra de Mark Rothko , Clyfford Still , Barnett Newman , Robert Motherwell , Adolph Gottlieb y varias series de pinturas de Joan Miró . El crítico de arte Clement Greenberg percibió la pintura de campos de color como relacionada con la pintura de acción, pero diferente de esta .
Una distinción importante que diferenció la pintura de campos de color de la expresión abstracta fue el manejo de la pintura. La técnica fundamental más básica que define la pintura es la aplicación de la pintura y los pintores de campos de color revolucionaron la forma en que se podía aplicar la pintura de manera efectiva.
La pintura de campos de color intentó librar al arte de la retórica superflua. Artistas como Barnett Newman , Mark Rothko , Clyfford Still , Adolph Gottlieb , Morris Louis , Jules Olitski , Kenneth Noland , Friedel Dzubas y Frank Stella , entre otros, utilizaron a menudo formatos muy reducidos, con dibujos esencialmente simplificados a sistemas repetitivos y regulados, referencias básicas a la naturaleza y un uso muy articulado y psicológico del color . En general, estos artistas eliminaron las imágenes reconocibles abiertamente en favor de la abstracción. Algunos artistas citaron referencias al arte pasado o presente, pero en general la pintura de campos de color presenta la abstracción como un fin en sí misma. Al seguir esta dirección del arte moderno , estos artistas querían presentar cada pintura como una imagen unificada, cohesiva y monolítica, a menudo dentro de series de tipos relacionados.
A diferencia de la energía emocional y las marcas superficiales gestuales y el manejo de la pintura de los expresionistas abstractos como Jackson Pollock y Willem de Kooning , la pintura de campos de color inicialmente parecía fría y austera. Los pintores de campos de color borran la marca individual a favor de áreas de color grandes, planas, manchadas y empapadas, consideradas como la naturaleza esencial de la abstracción visual junto con la forma real del lienzo, que Frank Stella en particular logró de maneras inusuales con combinaciones de bordes curvos y rectos. Sin embargo, la pintura de campos de color ha demostrado ser a la vez sensual y profundamente expresiva, aunque de una manera diferente al expresionismo abstracto gestual . Negando la conexión con el expresionismo abstracto o cualquier otro movimiento artístico, Mark Rothko habló claramente sobre sus pinturas en 1956:
No soy un abstraccionista... No me interesa la relación entre el color o la forma ni nada de eso... Sólo me interesa expresar emociones humanas básicas —tragedia, éxtasis, fatalidad, etc.— y el hecho de que mucha gente se derrumbe y llore ante mis cuadros demuestra que comunico esas emociones humanas básicas... La gente que llora ante mis cuadros está teniendo la misma experiencia religiosa que yo tuve cuando los pinté. Y si a usted, como dice, sólo le conmueven sus relaciones cromáticas, entonces no ha entendido nada. [36]
Joan Miró fue uno de los primeros y más exitosos pintores de manchas. Aunque las manchas en óleo se consideraban peligrosas para el lienzo de algodón a largo plazo, el ejemplo de Miró durante las décadas de 1920, 1930 y 1940 fue una inspiración e influencia para la generación más joven. Una de las razones del éxito del movimiento de los campos de color fue la técnica de las manchas. Los artistas mezclaban y diluían su pintura en cubos o latas de café hasta formar un líquido fluido que luego vertían sobre un lienzo crudo sin imprimación, generalmente de lona de algodón . La pintura también se podía aplicar con pincel, rodillo, arrojar, verter o rociar, y se extendía sobre la tela del lienzo. Por lo general, los artistas dibujaban formas y áreas a medida que teñían. Muchos artistas diferentes emplearon las manchas como la técnica de elección para hacer sus pinturas. James Brooks , Jackson Pollock , Helen Frankenthaler , Morris Louis , Paul Jenkins y docenas de otros pintores descubrieron que verter y teñir abrió la puerta a innovaciones y métodos revolucionarios de dibujo y expresión de significados de nuevas maneras. La cantidad de artistas que teñían en la década de 1960 aumentó considerablemente con la disponibilidad de pintura acrílica . Teñir pintura acrílica en la tela de lona de algodón era más benigno y menos dañino para la tela del lienzo que el uso de pintura al óleo. En 1970, la artista Helen Frankenthaler comentó sobre su uso de la tinción:
Cuando empecé a pintar con manchas, dejaba grandes áreas del lienzo sin pintar, creo, porque el lienzo en sí mismo actuaba con tanta fuerza y tan positivamente como la pintura, la línea o el color. En otras palabras, el fondo mismo era parte del medio, de modo que en lugar de pensar en él como un fondo o un espacio negativo o un punto vacío, esa área no necesitaba pintura porque tenía pintura al lado. La cuestión era decidir dónde dejarla y dónde rellenarla y dónde decir que no necesitaba otra línea ni otro cubo de colores. Lo estaba diciendo en el espacio. [37]
Pocos artistas utilizaron la técnica de la pistola pulverizadora para crear grandes extensiones y campos de color rociados sobre sus lienzos durante los años 1960 y 1970. Algunos pintores que utilizaron eficazmente técnicas de pintura con pistola incluyen a Jules Olitski , quien fue un pionero en su técnica de pulverización que cubría sus grandes pinturas con capa tras capa de diferentes colores, a menudo cambiando gradualmente el tono y el valor en una progresión sutil. Otra innovación importante fue el uso de una técnica de pulverización por parte de Dan Christensen con gran efecto en bucles y cintas de color brillante; rociado en marcas caligráficas claras en sus pinturas a gran escala. William Pettet, Richard Saba y Albert Stadler, utilizaron la técnica para crear campos a gran escala de múltiples colores; mientras que Kenneth Showell roció sobre lienzos arrugados y creó una ilusión de interiores abstractos de naturaleza muerta. La mayoría de los pintores con pistola estuvieron activos especialmente a fines de la década de 1960 y la de 1970.
Las rayas fueron uno de los vehículos más populares para el color utilizado por varios pintores de campos de color diferentes en una variedad de formatos diferentes. Barnett Newman , Morris Louis , Jack Bush , Gene Davis , Kenneth Noland y David Simpson, todos hicieron importantes series de pinturas de rayas. Aunque no las llamó rayas sino cremalleras, las rayas de Barnett Newman eran en su mayoría verticales, de anchos variables y se usaban con moderación. En el caso de Simpson y Noland, sus pinturas de rayas eran todas en su mayoría horizontales, mientras que Gene Davis pintó pinturas de rayas verticales y Morris Louis pintó principalmente pinturas de rayas verticales a veces llamadas Pilares . Jack Bush tendía a hacer pinturas de rayas horizontales y verticales, así como angulares.
Magna, una pintura acrílica especial para uso artístico, fue desarrollada por Leonard Bocour y Sam Golden en 1947 y reformulada en 1960, específicamente para Morris Louis y otros pintores de manchas del movimiento de campos de color. [38] En Magna, los pigmentos se muelen en una resina acrílica con disolventes a base de alcohol . [39] A diferencia de los acrílicos modernos a base de agua, Magna es miscible con trementina o alcoholes minerales y se seca rápidamente hasta obtener un acabado mate o brillante. Fue utilizada ampliamente por Morris Louis y Friedel Dzubas y también por el artista pop Roy Lichtenstein . Los colores de Magna son más vivos e intensos que las pinturas acrílicas a base de agua normales. Louis utilizó Magna con gran efecto en su serie Stripe , [40] donde los colores se utilizan sin diluir y se vierten sin mezclar directamente de la lata. [41]
En 1972, el ex curador del Museo Metropolitano de Arte, Henry Geldzahler, dijo:
El color field, curiosamente o tal vez no, se convirtió en una forma viable de pintar exactamente en la época en que apareció la pintura acrílica, la nueva pintura plástica. Fue como si la nueva pintura exigiera una nueva posibilidad en la pintura, y los pintores la consiguieron. La pintura al óleo, que tiene un medio bastante diferente, que no es a base de agua, siempre deja una mancha de aceite, o un charco de aceite, alrededor del borde del color. La pintura acrílica se detiene en su propio borde. La pintura de color field apareció al mismo tiempo que la invención de esta nueva pintura. [42]
Los acrílicos se comercializaron por primera vez en la década de 1950 como pinturas a base de alcohol mineral llamadas Magna [43] ofrecidas por Leonard Bocour . Las pinturas acrílicas a base de agua se vendieron posteriormente como pinturas para el hogar "látex", aunque la dispersión acrílica no utiliza látex derivado de un árbol de caucho . Las pinturas para el hogar "látex" para interiores tienden a ser una combinación de aglutinante (a veces acrílico, vinilo , PVA y otros), relleno , pigmento y agua . Las pinturas para el hogar "látex" para exteriores también pueden ser una mezcla de "copolímeros", pero las mejores pinturas para exteriores a base de agua son 100% acrílicas.
Poco después de que se introdujeran los aglutinantes acrílicos a base de agua como pinturas para el hogar, tanto los artistas (los primeros de los cuales fueron muralistas mexicanos) como las empresas comenzaron a explorar el potencial de los nuevos aglutinantes. Las pinturas acrílicas para artistas se pueden diluir con agua y usar como lavados a la manera de las pinturas de acuarela, aunque los lavados son rápidos y permanentes una vez secos. Las pinturas acrílicas de calidad para artistas solubles en agua comenzaron a estar disponibles comercialmente a principios de la década de 1960, ofrecidas por Liquitex y Bocour bajo el nombre comercial de Aquatec . Liquitex y Aquatec solubles en agua demostraron ser ideales para pintar con manchas. La técnica de teñido con acrílicos solubles en agua hizo que los colores diluidos se hundieran y se fijaran firmemente en el lienzo crudo . Pintores como Kenneth Noland , Helen Frankenthaler , Dan Christensen , Sam Francis , Larry Zox , Ronnie Landfield , Larry Poons , Sherron Francis , Jules Olitski , Gene Davis , Ronald Davis , Sam Gilliam y otros utilizaron con éxito acrílicos a base de agua para sus nuevas pinturas de campos de color y manchas. [44]
El legado pictórico de la pintura del siglo XX es una corriente principal larga y entrelazada de influencias y complejas interrelaciones. El uso de grandes campos abiertos de color expresivo aplicados en generosas porciones pictóricas, acompañados de dibujos sueltos (puntos lineales vagos y/o contornos figurativos) se puede ver por primera vez en las obras de principios del siglo XX de Henri Matisse y Joan Miró . Matisse y Miró, así como Pablo Picasso , Paul Klee , Wassily Kandinsky y Piet Mondrian influyeron directamente en los expresionistas abstractos, los pintores de campos de color de la abstracción pospictórica y los abstraccionistas líricos. Los estadounidenses de finales del siglo XIX, como Augustus Vincent Tack y Albert Pinkham Ryder , junto con los primeros modernistas estadounidenses como Georgia O'Keeffe , Marsden Hartley , Stuart Davis , Arthur Dove y los paisajes de Milton Avery también proporcionaron precedentes importantes y fueron influencias para los expresionistas abstractos, los pintores de campos de color y los abstraccionistas líricos. Las pinturas de Matisse Ventana francesa en Collioure y Vista de Notre-Dame [45], ambas de 1914, ejercieron una tremenda influencia en los pintores de campos de color estadounidenses en general (incluida la Serie abierta de Robert Motherwell ) y en las pinturas de Ocean Park de Richard Diebenkorn específicamente. Según la historiadora de arte Jane Livingston, Diebenkorn vio ambas pinturas de Matisse en una exposición en Los Ángeles en 1966, y tuvieron un enorme impacto en él y su trabajo. [46] Jane Livingston dice sobre la exposición de Matisse de enero de 1966 que Diebenkorn vio en Los Ángeles:
Es difícil no atribuir a esta experiencia un peso enorme en la dirección que tomó su obra a partir de entonces. Dos cuadros que vio allí resuenan en casi todos los lienzos de Ocean Park : Vista de Notre Dame y Ventana francesa en Collioure, ambos pintados en 1914, se exhibieron por primera vez en los Estados Unidos. [46]
Livingston continúa diciendo que "Diebenkorn debe haber experimentado la Ventana Francesa en Collioure como una epifanía". [47]
Miró fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Fue pionero en la técnica de las manchas, creando fondos borrosos y multicolores con pintura al óleo diluida durante las décadas de 1920 y 1930, sobre los que añadió su caligrafía, caracteres y un abundante léxico de palabras e imágenes. Arshile Gorky admiraba abiertamente la obra de Miró y pintó cuadros similares a los de él, antes de descubrir finalmente su propia originalidad a principios de la década de 1940. Durante la década de 1960, Miró pintó grandes campos radiantes (a escala expresionista abstracta) de pintura vigorosamente pintada con pincel en azul, blanco y otros campos monocromáticos de colores; con orbes negros borrosos y formas caligráficas similares a piedras, flotando al azar. Estas obras se parecían a las pinturas de campos de color de la generación más joven. El biógrafo Jacques Dupin dijo lo siguiente sobre la obra de Miró de principios de la década de 1960:
Estos lienzos revelan afinidades –Miró no intenta negarlo en absoluto– con las investigaciones de una nueva generación de pintores. Muchos de ellos, entre ellos Jackson Pollock , han reconocido su deuda con Miró. Miró, a su vez, muestra un vivo interés por sus trabajos y nunca pierde la oportunidad de alentarlos y apoyarlos. Tampoco considera que sea indigno de su dignidad utilizar sus descubrimientos en algunas ocasiones. [48]
Tomando como ejemplo a otros modernistas europeos como Miró, el movimiento de campos de color abarca varias décadas desde mediados del siglo XX hasta principios del siglo XXI. La pintura de campos de color en realidad abarca tres generaciones de pintores separadas pero relacionadas. Los términos comúnmente utilizados para referirse a los tres grupos separados pero relacionados son expresionismo abstracto , abstracción postpictórica y abstracción lírica . Algunos de los artistas hicieron obras en las tres eras, que se relacionan con los tres estilos. Los pioneros del campo de color como Jackson Pollock , Mark Rothko , Clyfford Still , Barnett Newman , John Ferren , Adolph Gottlieb y Robert Motherwell son considerados principalmente como expresionistas abstractos. Artistas como Helen Frankenthaler , Sam Francis , Richard Diebenkorn , Jules Olitski y Kenneth Noland fueron de una generación ligeramente más joven, o en el caso de Morris Louis, estéticamente alineados con el punto de vista de esa generación; que comenzó como expresionistas abstractos pero rápidamente pasó a la abstracción postpictórica. Mientras que artistas más jóvenes como Frank Stella , Ronald Davis , Larry Zox , Larry Poons , Walter Darby Bannard , Ronnie Landfield , Dan Christensen , comenzaron con la abstracción post-pictórica y eventualmente avanzaron hacia un nuevo tipo de expresionismo, conocido como abstracción lírica . Muchos de los artistas mencionados, así como muchos otros, han practicado los tres modos en una fase u otra de sus carreras. Durante las últimas fases de la pintura de campos de color; como reflejos del zeitgeist de finales de la década de 1960 (en la que todo comenzó a soltarse ) y la angustia de la época (con todas las incertidumbres de la época) se fusionaron con la gestalt de la abstracción post-pictórica , produciendo una abstracción lírica que combinaba la precisión del idioma del campo de color con la malerische de los expresionistas abstractos . Durante el mismo período de finales de los años 1960 y principios de los años 1970 en Europa, Gerhard Richter , Anselm Kiefer [49]y varios otros pintores también comenzaron a producir obras de intensa expresión, fusionando la abstracción con imágenes, incorporando imágenes de paisajes y figuración que a fines de la década de 1970 se denominó neoexpresionismo .
La siguiente es una lista de pintores de campos de color, artistas estrechamente relacionados y algunas de sus influencias más importantes:
