La impresión en madera en Japón (木版画, mokuhanga ) es una técnica más conocida por su uso en el género artístico ukiyo-e [1] de hojas sueltas, pero también se utilizó para imprimir libros en el mismo período. Inventada en China durante la dinastía Tang , la impresión en madera fue ampliamente adoptada en Japón durante el período Edo (1603-1868). Es similar a la xilografía en la impresión occidental en algunos aspectos, pero se usó ampliamente para texto e imágenes. La técnica japonesa mokuhanga difiere en que utiliza tintas a base de agua, a diferencia de la xilografía occidental, que generalmente utiliza tintas a base de aceite. Las tintas japonesas a base de agua brindan una amplia gama de colores vivos, esmaltes y transparencia.
La impresión en madera se inventó en China durante la dinastía Tang y finalmente se trasladó a Japón a finales del siglo VIII, donde se utilizó por primera vez para reproducir literatura extranjera. [2] En 764, la emperatriz Kōken encargó un millón de pequeñas pagodas de madera, cada una de las cuales contenía un pequeño rollo de madera impreso con un texto budista ( Hyakumantō Darani ). Estas se distribuyeron en templos de todo el país como agradecimiento por la supresión de la Rebelión Emi de 764. Estos son los primeros ejemplos de impresión en madera conocidos o documentados en Japón . [3]
En el siglo XI, los templos budistas de Japón producían libros impresos de sutras , mandalas y otros textos e imágenes budistas. Durante siglos, la impresión se limitó principalmente a la esfera budista, ya que era demasiado cara para la producción en masa y no tenía un público receptivo y culto como mercado. Sin embargo, un grupo importante de abanicos del final del período Heian (siglo XII), que contienen imágenes pintadas y sutras budistas, revelan por la pérdida de pintura que el dibujo subyacente de las pinturas se imprimió a partir de bloques. [4] En el período Kamakura, del siglo XII al siglo XIII, muchos libros se imprimieron y publicaron mediante impresión en madera en templos budistas de Kioto y Kamakura . [3]
En 1590, la embajada de Tenshō trajo a Japón una imprenta de tipos móviles de estilo occidental , que se utilizó por primera vez para imprimir en Kazusa, Nagasaki, en 1591. Sin embargo, el uso de la imprenta occidental se interrumpió después de la prohibición del cristianismo en 1614. [3] [5] La imprenta confiscada a Corea por las fuerzas de Toyotomi Hideyoshi en 1593 también se utilizó al mismo tiempo que la imprenta procedente de Europa. En 1598 se imprimió una edición de las Analectas de Confucio , utilizando una imprenta de tipos móviles coreana, por orden del emperador Go-Yōzei . [3] [6]
Tokugawa Ieyasu fundó una escuela de imprenta en Enko-ji, en Kioto, y a partir de 1599 comenzó a publicar libros utilizando una imprenta doméstica de tipos móviles de madera en lugar de una de metal. Ieyasu supervisó la producción de 100.000 tipos, que se utilizaron para imprimir muchos libros políticos e históricos. En 1605, comenzaron a publicarse libros utilizando una imprenta doméstica de tipos móviles de cobre, pero los tipos de cobre no se convirtieron en algo común después de la muerte de Ieyasu en 1616. [3]
Los grandes pioneros en la aplicación de la imprenta de tipos móviles a la creación de libros artísticos, y en la producción en masa previa para el consumo general, fueron Honami Kōetsu y Suminokura Soan. En su estudio en Saga, Kioto, la pareja creó una serie de versiones en xilografía de los clásicos japoneses, tanto texto como imágenes, convirtiendo esencialmente emaki (rollos manuales) en libros impresos y reproduciéndolos para un consumo más amplio. Estos libros, ahora conocidos como Libros Kōetsu, Libros Suminokura o Libros Saga (嵯峨本, Saga-bon ) , se consideran las primeras y mejores reproducciones impresas de muchos de estos cuentos clásicos; el Libro Saga de los cuentos de Ise ( Ise monogatari ), impreso en 1608, es especialmente famoso. [7] Por razones estéticas, la tipografía del Saga-bon , como la de los libros manuscritos tradicionales, adoptó el renmen-tai (ja), en el que se escriben varios caracteres en sucesión con pinceladas suaves. Como resultado, a veces se creaba una única tipografía combinando de dos a cuatro caracteres kanji o hiragana semicursivos y cursivos . En un libro se crearon 2100 caracteres, pero el 16 % de ellos se utilizó solo una vez. [8] [9] [10]
Sin embargo, a pesar del atractivo de los tipos móviles, los artesanos pronto decidieron que el estilo de escritura semicursiva y cursiva de los escritos japoneses se reproducía mejor utilizando xilografías. En 1640, las xilografías se volvieron a utilizar para casi todos los fines. [11] Después de la década de 1640, la impresión con tipos móviles decayó y los libros se produjeron en masa mediante la impresión convencional con xilografía durante la mayor parte del período Edo . [3] [12]
La producción en masa de xilografías en el periodo Edo se debió a la alta tasa de alfabetización de los japoneses en aquellos días. La tasa de alfabetización de los japoneses en el periodo Edo era de casi el 100% para la clase samurái y del 50% al 60% para la clase chōnin y nōmin (agricultores) debido a la difusión de las escuelas privadas terakoya . Había más de 600 librerías de alquiler en Edo , y la gente prestaba libros ilustrados impresos en xilografía de varios géneros. Mientras que los libros de sagas se imprimían en papel caro y utilizaban diversos adornos, siendo impresos específicamente para un pequeño círculo de conocedores literarios, otros impresores en Edo adaptaron rápidamente la impresión en xilografía convencional para producir libros más baratos en grandes cantidades, para un consumo más general. El contenido de estos libros variaba ampliamente, incluyendo guías de viaje, libros de jardinería, libros de cocina, kibyōshi (novelas satíricas), sharebon (libros sobre cultura urbana), kokkeibon (libros de cómics), ninjōbon (novela romántica), yomihon , kusazōshi , libros de arte, guiones para el teatro kabuki y jōruri (teatro de marionetas), etc. Los libros más vendidos de este período fueron Kōshoku Ichidai Otoko (Vida de un hombre amoroso) de Ihara Saikaku , Nansō Satomi Hakkenden de Takizawa Bakin y Tōkaidōchū Hizakurige de Jippensha Ikku , y estos libros fueron reimpresos muchas veces. [3] [13] [14] [15] [16]
Desde el siglo XVII hasta el siglo XIX, el ukiyo-e que representa temas seculares se hizo muy popular entre la gente común y se produjo en masa. El ukiyo-e se basa en actores de kabuki , luchadores de sumo , mujeres hermosas, paisajes de lugares turísticos, cuentos históricos, etc., y Hokusai e Hiroshige son los artistas más famosos. En el siglo XVIII, Suzuki Harunobu estableció la técnica de impresión en madera multicolor llamada nishiki-e y desarrolló en gran medida la cultura de la impresión en madera japonesa como el ukiyo-e . El ukiyo-e influyó en el japonismo y el impresionismo europeos . [3] [13] Yoshitoshi fue llamado el último gran maestro del ukiyo-e , y sus representaciones crueles y expresiones fantásticas influyeron en la literatura y el anime japoneses posteriores . [17] [18] El precio de un ukiyo-e en esa época era de unos 20 mon , y el precio de un plato de fideos soba era de 16 mon, por lo que el precio de un ukiyo-e era de varios cientos de yenes a 1000 yenes en la moneda actual. [19]
Surgieron y crecieron muchas editoriales que publicaban tanto libros como impresiones en hojas sueltas. Una de las más famosas y exitosas fue Tsuta-ya . La propiedad de un editor de las xilografías físicas utilizadas para imprimir un texto o una imagen determinados constituía el equivalente más cercano a un concepto de " derecho de autor " que existía en esa época. Los editores o los particulares podían comprar xilografías entre sí y, de ese modo, hacerse cargo de la producción de ciertos textos, pero más allá de la propiedad de un conjunto determinado de xilografías (y, por tanto, de una representación muy particular de un tema determinado), no existía una concepción legal de la propiedad de las ideas. Las obras eran adoptadas por teatros en competencia y, o bien se reproducían en bloque, o bien se podían adaptar elementos individuales de la trama o personajes; esta actividad se consideraba legítima y rutinaria en aquella época. [20]
Tras la decadencia del ukiyo-e y la introducción de las tecnologías de impresión modernas, la impresión en madera continuó como método para imprimir textos y para producir arte, tanto dentro de los modos tradicionales como el ukiyo-e como en una variedad de formas más radicales u occidentales que podrían interpretarse como arte moderno . A principios del siglo XX, el shin-hanga que fusionaba la tradición del ukiyo-e con las técnicas de las pinturas occidentales se hizo popular, y las obras de Hasui Kawase e Hiroshi Yoshida ganaron popularidad internacional. [21] [22] Institutos como el "Instituto Adachi de Grabados en Madera" y "Takezasado" siguen produciendo grabados ukiyo-e con los mismos materiales y métodos que se utilizaban en el pasado. [23] [24]
Con la entrada en la modernidad, en Japón se produjo una renovación del grabado en madera, el hanga . Tras la muerte de Hiroshige en 1858, el ukiyo-e prácticamente desapareció. Sus últimas manifestaciones corresponden a Goyō Hashiguchi , que ya muestra una clara influencia occidental en el realismo y el tratamiento plástico de sus imágenes. Con la entrada en el siglo XX, los artistas que practicaban el grabado evolucionaron hacia un estilo más acorde con el gusto japonés moderno. Uno de sus primeros exponentes fue Hiroshi Yoshida , autor de paisajes influidos por la acuarela inglesa decimonónica. En 1918 se fundó la Nippon Sōsaku Hanga Kyōkai (Asociación de Artistas del Grabado de Japón), un grupo de artistas que sintetizaron la pintura tradicional japonesa con la nueva estética occidental. Entre sus miembros destacaron Kōshirō Onchi , Un'ichi Hiratsuka y Shikō Munakata . El primero, influido por Vasili Kandinsky , fue el primero en producir grabados abstractos, de un estilo sin embargo marcadamente oriental por su cromatismo de tonos suaves y por su lirismo e imaginación. Hiratsuka fue más tradicional en la técnica y elección de temas, con preferencia por el monocromo en blanco y negro, en temas que abarcaban desde el budismo hasta paisajes y escenas populares, en los que combinaba métodos tradicionales con efectos modernos. Munakata destacó por su obra original, personal y expresiva, con un sello inconfundible. También se centró en temas budistas, generalmente también monocromos, pero con un estilo libre, despreocupado, de apariencia descuidada pero de gran vitalidad. [25]
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La técnica de impresión de textos e imágenes era, en general, similar. Las diferencias más evidentes eran el volumen que se producía al trabajar con textos (muchas páginas para una sola obra) y la complejidad de la multiplicidad de colores en algunas imágenes. Las imágenes de los libros eran casi siempre monocromas (solo tinta negra) y, durante un tiempo, las impresiones artísticas también eran monocromas o se hacían solo con dos o tres colores.
El texto o la imagen se dibuja primero sobre un papel japonés llamado gampi , que se pega boca abajo sobre una tabla de madera de grano fino, normalmente un bloque de cerezo liso. Se puede utilizar aceite para hacer más visibles las líneas de la imagen. Se hace una incisión a lo largo de ambos lados de cada línea o área. A continuación, se cincela la madera, según los contornos del dibujo. El bloque se entinta con un pincel y, a continuación, se utiliza una herramienta manual plana llamada baren para presionar el papel contra el bloque de madera y aplicar la tinta al papel. El baren tradicional se fabrica en tres partes: consta de un núcleo interior hecho de hojas de bambú retorcidas en una cuerda de distintos grosores, siendo los nódulos así creados los que en última instancia aplican la presión a la impresión. Esta bobina está contenida en un disco llamado "ategawa", hecho de capas de papel muy fino que se pegan entre sí y se envuelven en una hoja de bambú humedecida, cuyos extremos se atan para crear un asa. Los impresores modernos han adaptado esta herramienta y hoy en día se utilizan barras de aluminio con cojinetes de bolas para aplicar la presión, así como versiones de plástico menos costosas.
Las primeras impresiones eran simplemente de un solo color ( sumizuri-e ), con colores adicionales aplicados a mano ( kappazuri-e ). El desarrollo de dos marcas de registro talladas en los bloques llamados "kento" fue especialmente útil con la introducción de múltiples colores que debían aplicarse con precisión sobre las capas de tinta anteriores. La hoja de papel que se va a imprimir se coloca en el kento y luego se baja sobre el bloque de madera.
Si bien el texto era casi siempre monocromo, al igual que las imágenes de los libros, el aumento de la popularidad del ukiyo-e trajo consigo una demanda de cada vez más colores y una mayor complejidad de las técnicas. Las etapas de este desarrollo son las siguientes:
El grabado japonés, al igual que muchas otras características del arte japonés, tendió a organizarse en escuelas y movimientos. Las escuelas más notables (véase también escuelas de artistas ukiyo-e ) y, posteriormente, los movimientos de moku-hanga fueron:
Otros artistas, como Sharaku , Kabukidō Enkyō , Sugakudo y Shibata Zesshin, son considerados artistas independientes, libres de asociaciones escolares y presumiblemente, sin los beneficios asociados resultantes de los editores, que podrían estar menos inclinados a producir grabados de un artista no afiliado. Sin embargo, muchos de los ejemplos sobrevivientes hablan de lo contrario. Los primeros ejemplos de estos artistas se encuentran entre los más deseables, valiosos y raros de todo el ukiyo-e. Además, muchos ejemplos exhiben una impresión muy fina, utilizando mica costosa ( kirazuri ), tintas de primera calidad y papeles de la más alta calidad. [27]
A continuación se presentan los tamaños de impresión más comunes del período Tokugawa. Los tamaños variaban según el período y los que se dan son aproximados; se basan en los tamaños de papel anteriores a la impresión y, a menudo, el papel se recortaba después de la impresión. [29]
Los términos japoneses para los formatos verticales (retrato) y horizontales (paisaje) de las imágenes son tate-e (立て絵) y yoko-e (横絵), respectivamente.
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