Los rollos ilustrados , emakimono (絵巻物, lit. ' rollo ilustrado ' , también emaki-mono ) o emaki (絵巻) son un sistema de narración horizontal ilustrada de rollos pintados que se remonta al período Nara (710-794 d. C.) en Japón . Inicialmente copiaban el estilo de sus contrapartes chinas mucho más antiguas, pero durante los períodos Heian (794-1185) y Kamakura (1185-1333) posteriores, los emakimono japoneses desarrollaron su propio estilo distintivo. Por lo tanto, el término se refiere solo a los rollos narrativos pintados japoneses.
Al igual que los pergaminos chinos y coreanos, los emakimono combinan caligrafía e ilustraciones y están pintados, dibujados o estampados sobre largos rollos de papel o seda que, a veces, miden varios metros. El lector desenrolla cada pergamino poco a poco, revelando la historia a su antojo. Los emakimono son, por tanto, un género narrativo cercano al libro, que desarrolla historias románticas o épicas, o bien ilustra textos religiosos y leyendas. Plenamente ancladas en el estilo yamato-e , estas obras japonesas son, ante todo, un arte cotidiano, centrado en el ser humano y en las sensaciones transmitidas por el artista.
Aunque los primeros emakimono del siglo VIII eran copias de obras chinas, los emakimono de gusto japonés aparecieron a partir del siglo X en la corte imperial Heian , especialmente entre damas aristocráticas de vida refinada y solitaria, que se dedicaban a las artes, la poesía, la pintura, la caligrafía y la literatura. Sin embargo, no quedan emakimonos del periodo Heian, y las obras maestras más antiguas datan de la "edad de oro" del emakimono en los siglos XII y XIII. Durante este periodo, las técnicas de composición se perfeccionaron mucho y los temas eran aún más variados que antes, tratando sobre historia, religión, romances y otros cuentos famosos. Los mecenas que patrocinaron la creación de estos emakimonos fueron sobre todo los aristócratas y los templos budistas. A partir del siglo XIV, el género emakimono se volvió más marginal, dando paso a nuevos movimientos nacidos principalmente del budismo zen .
Las pinturas emakimono pertenecen en su mayoría al estilo yamato-e , caracterizado por sus temas de la vida y los paisajes japoneses, la puesta en escena de lo humano y un énfasis en los colores ricos y una apariencia decorativa. El formato del emakimono , rollos largos de altura limitada, requiere la solución de todo tipo de problemas de composición: primero es necesario hacer las transiciones entre las diferentes escenas que acompañan la historia, elegir un punto de vista que refleje la narración y crear un ritmo que exprese lo mejor posible los sentimientos y emociones del momento. En general, existen así dos categorías principales de emakimono : aquellos que alternan la caligrafía y la imagen, ilustrando cada nuevo cuadro el texto precedente, y aquellos que presentan cuadros continuos, no interrumpidos por el texto, donde varias medidas técnicas permiten las transiciones fluidas entre las escenas.
En la actualidad, los emakimono ofrecen una visión histórica única de la vida y las costumbres de los japoneses, de todas las clases sociales y todas las edades, durante la primera parte de la época medieval. Pocos de los pergaminos han sobrevivido intactos y alrededor de 20 están protegidos como Tesoros Nacionales de Japón .
El término emakimono o e-makimono , a menudo abreviado como emaki , está formado por los kanji e (絵, "pintura") , maki (巻, "rollo" o "libro") y mono (物, "cosa") . [1] El término se refiere a largos rollos de papel pintado o seda, cuya longitud varía desde menos de un metro hasta varios metros; se informa que algunos miden hasta 12 metros (40 pies) de longitud. [2] Los rollos cuentan una historia o una sucesión de anécdotas (como crónicas literarias o parábolas budistas), combinando elementos pictóricos y narrativos, cuya combinación caracteriza los movimientos artísticos dominantes en Japón entre los siglos XII y XIV. [2]
El emakimono se lee, según el método tradicional, sentado sobre una estera y con el pergamino colocado sobre una mesa baja o en el suelo. El lector lo desenrolla con una mano y lo rebobina con la otra, de derecha a izquierda (según la dirección de escritura japonesa). De esta manera, solo se puede ver una parte de la historia (unos 60 centímetros), aunque se puede desenrollar más) y el artista crea una sucesión de imágenes para construir la historia. [3]
Una vez leído el emakimono , el lector debe rebobinar el pergamino en la dirección de lectura original. El emakimono se mantiene cerrado con un cordón y se guarda solo o con otros rollos en una caja destinada a este fin, que a veces está decorada con patrones elaborados. Un emakimono puede constar de varios pergaminos sucesivos según lo requiera la historia: el Hōnen Shōnin Eden estaba formado por 48 pergaminos, aunque el número estándar suele oscilar entre uno y tres. [4]
Un emakimono se compone de dos elementos: las secciones de texto caligráfico conocidas como kotoba-gaki , y las secciones de pinturas denominadas e ; [5] su tamaño, disposición y número varían mucho, dependiendo del período y del artista. En el emakimono inspirado en la literatura, el texto ocupa no menos de dos tercios del espacio, mientras que otras obras más populares, como el Chōjū-jinbutsu-giga , favorecen la imagen, a veces hasta el punto de hacer desaparecer el texto. Los pergaminos tienen una altura limitada (en promedio entre 30 cm (12 in) y 39 cm (15 in)), en comparación con su longitud (en promedio entre 9 m (30 ft) y 12 m (39 ft)), [4] lo que significa que los emakimono están limitados a ser leídos solos, históricamente por la aristocracia y los miembros del alto clero. [6]
Se cree que los rollos de mano se inventaron en la India antes del siglo IV d. C. Se utilizaban para textos religiosos y llegaron a China en el siglo I. Los rollos de mano se introdujeron en Japón siglos después a través de la difusión del budismo. El primer rollo de mano japonés que se conserva se creó en el siglo VIII y se centra en la vida de Buda. [2]
Los orígenes de los rollos de mano japoneses se pueden encontrar en China y, en menor medida, en Corea , las principales fuentes de inspiración artística japonesa hasta los tiempos modernos. Las formas de arte narrativo en China se remontan al siglo III d. C. bajo la dinastía Han y al siglo II d. C. bajo la dinastía Zhou , cuya cerámica estaba adornada con escenas de caza yuxtapuestas con movimientos. [7] El papel se inventó en China alrededor del siglo I d. C., simplificando la escritura en rollos de leyes o sutras, a veces decorados. Los primeros rollos narrativos llegaron más tarde; varios maestros mostraron interés en este medio, incluido Gu Kaizhi (345-406), que experimentó con nuevas técnicas. La pintura de género y los caracteres chinos, dominantes en los rollos hasta el siglo X d. C., siguen siendo poco conocidos hasta el día de hoy, porque fueron eclipsados por los famosos rollos de paisajes de la dinastía Song . [7]
Las relaciones con Asia oriental (principalmente China y Corea) trajeron la escritura china ( kanji ) a Japón hacia el siglo IV, y el budismo en el siglo VI, junto con el interés en la aparentemente muy eficaz burocracia del poderoso Imperio chino . En el período Nara , los japoneses se inspiraron en la dinastía Tang : [8] administración, arquitectura, costumbres de vestir o ceremonias. Los intercambios entre China y Japón también fueron fructíferos para las artes, principalmente las artes religiosas, y los artistas del archipiélago japonés estaban ansiosos por copiar y apropiarse de las técnicas continentales. En ese contexto, los expertos suponen que los primeros pergaminos pintados chinos llegaron a las islas alrededor del siglo VI d.C., y probablemente corresponden a sutras ilustrados. Así, el pergamino pintado narrativo japonés más antiguo conocido (o emakimono ) data del siglo VII al período Nara: el Sutra ilustrado de causa y efecto , que traza la vida del Buda Gautama , fundador de la religión budista, hasta su Iluminación. [9] De estilo todavía ingenuo ( Seis Dinastías y principios de la dinastía Tang), con las pinturas dispuestas en frisos sobre el texto, es muy probable que sea una copia de un modelo chino más antiguo, del que se han identificado varias versiones. [10] [11] Aunque los emakimono clásicos posteriores presentan un estilo muy diferente al de esta obra, presagian la edad de oro del movimiento que llegó cuatro siglos después, a partir del siglo XII d. C. [8]
El período Heian aparece hoy como un auge de la civilización japonesa a través de la cultura de la corte del emperador, aunque la intriga y el desinterés en las cosas del estado dieron como resultado la Guerra Genpei . [12] Esta percepción surge de la estética y el arte de vivir codificado y refinado que se desarrolló en la corte Heian, así como de una cierta moderación y melancolía nacidas del sentimiento de la impermanencia de las cosas (un estado mental conocido como mono no awareness en japonés). [13] Además, la ruptura de relaciones con China hasta el siglo IX, debido a los desórdenes relacionados con el colapso de la gloriosa dinastía Tang , promovió lo que Miyeko Murase ha descrito como el "surgimiento del gusto nacional" como una cultura verdaderamente japonesa que se apartó por primera vez de la influencia china desde el período Kofun temprano . [14] Este desarrollo se observó por primera vez en la literatura de las mujeres Heian: a diferencia de los hombres, que estudiaron la escritura china desde una edad temprana, las mujeres adoptaron un nuevo silabario , el hiragana , que era más simple y más consistente con la fonética del japonés. [15] Las novelas del período Heian ( monogatari ) y los diarios ( nikki ) registraron detalles íntimos sobre la vida, los amores y las intrigas en la corte a medida que se desarrollaban; el más conocido de estos es el radical Cuento de Genji de Murasaki Shikibu , dama de compañía de la Corte Imperial del siglo X. [16] [17]
Los inicios de la técnica pictórica del periodo Heian de inspiración japonesa, denominada retrospectivamente yamato-e , se pueden encontrar inicialmente en algunos aspectos de la pintura budista de las nuevas sectas esotéricas Tendai y Shingon , luego con más fuerza en el Budismo de la Tierra Pura ( Jodō ); después de una fase en la que se copiaron las técnicas chinas, el arte del archipiélago japonés se volvió progresivamente más delicado, lírico, decorativo con composiciones menos poderosas pero más coloridas. [18] Sin embargo, fue especialmente en el arte secular donde el naciente yamato-e se sintió con más fuerza; [19] sus orígenes se remontan a las particiones corredizas y biombos del Palacio Imperial Heian , cubiertos de pinturas sobre papel o seda, cuyos temas se elegían de la poesía de la corte waka , los ritos anuales, las estaciones o las famosas vidas y paisajes del archipiélago ( meisho-e ). [20]
Este arte secular se extendió luego entre los nobles, especialmente entre las damas interesadas en la ilustración de novelas, y parece haber llegado a ser predominante a principios del siglo X. Al igual que con la pintura religiosa, los temas de la vida japonesa, apreciados por los nobles, no encajaban bien con la pintura de sensibilidad china, hasta tal punto que los artistas de la corte desarrollaron hasta cierto punto una nueva técnica nacional que pareció estar de moda en el siglo XI, [21] por ejemplo en los paisajes estacionales de las pinturas sobre tabla del Salón del Fénix (鳳凰堂, Hōō-dō ) o el Salón Amida en el templo Byōdō-in , una obra maestra del yamato-e primitivo de principios del siglo XI. [22]
Los expertos creen que las ilustraciones yamato-e de novelas y pergaminos narrativos pintados, o emakimono , se desarrollaron en la línea de este arte secular, vinculado a la literatura y la poesía. [23] La técnica de la pintura se prestaba plenamente a los gustos artísticos de la corte en el siglo XI, inclinada a una representación emocional, melancólica y refinada de las relaciones dentro del palacio, y formaba un vector pictórico muy adecuado a la narrativa. [19] Aunque se mencionan en los textos antiguos, no queda ningún emakimono del período Heian temprano (siglos IX y X) en la actualidad; [24] el emakimono más antiguo que ilustra una novela mencionado en fuentes de la época es el del Yamato Monogatari , ofrecido a la Emperatriz entre 872 y 907. [25]
Sin embargo, el dominio estilístico de obras posteriores (del siglo XII) lleva a la mayoría de los expertos a creer que el arte "clásico" del emakimono creció durante este período a partir del siglo X, apareciendo por primera vez en ilustraciones en novelas o diarios producidos por las damas de la corte. [26] Además, los temas iniciales se mantuvieron cercanos a la poesía waka (estaciones, budismo, naturaleza y otros temas). [27] Por lo tanto, la lenta maduración del movimiento del emakimono estuvo estrechamente vinculada al surgimiento de la cultura y la literatura japonesas, así como al interés de las damas al que pronto se unieron pintores profesionales de talleres de palacio ( e-dokoro ) o templos, que crearon una técnica más "profesional" y exitosa. [21] Los historiadores del arte consideran que las técnicas de composición y pintura que ven en las obras maestras del período Heian tardío (segunda mitad del siglo XII) ya eran muy maduras. [28]
Si bien casi todos los emakimono pertenecen al género yamato-e , varios subgéneros se destacan dentro de este estilo, incluyendo en el período Heian onna-e ("pintura de mujeres") y otoko-e ("pintura de hombres"). [29] Varios pergaminos clásicos de cada género representan perfectamente estos movimientos pictóricos.
En primer lugar, el Genji Monogatari Emaki (diseñado entre alrededor de 1120 y 1140), que ilustra la famosa novela homónima, narra las intrigas políticas y amorosas del príncipe Hikaru Genji ; [30] los colores ricos y opacos fijados sobre toda la superficie del papel ( método tsukuri-e ), la intimidad y melancolía de la composición y finalmente la ilustración de los picos emocionales de la novela que tienen lugar solo dentro del Palacio Imperial son características del subgénero onna-e del yamato-e , reservado para las narraciones de la corte generalmente escritas por damas aristocráticas. [31] En ese pergamino, cada pintura ilustra un episodio clave de la novela y es seguida por un extracto caligráfico en papel ricamente decorado con polvo de oro y plata. [32]
El Genji Monogatari Emaki ya presenta las técnicas de composición propias del arte del emakimono : un punto de vista oblicuo, el movimiento de los ojos guiado por largas diagonales desde la parte superior derecha a la inferior izquierda, e incluso la eliminación de los tejados para representar el interior de los edificios ( fukinuki yatai ). [25] Un segundo ejemplo notable de las pinturas onna-e en el periodo Heian es el Nezame Monogatari Emaki , que parece ser muy similar al Genji Monogatari Emaki , pero presenta pinturas más suaves y decorativas dando prioridad a la representación de la naturaleza enfatizando sutilmente los sentimientos de los personajes. [25] [33]
En contraste con las pinturas de la corte inspiradas en novelas de mujeres ( onna-e ), hay otros pergaminos inspirados en temas como la vida cotidiana de las personas, crónicas históricas y biografías de monjes famosos; en definitiva, un estilo de emakimono que representa asuntos fuera del palacio y llamado otoko-e ("pintura de hombres"). [34] [29]
El Shigisan Engi Emaki (mediados del siglo XII), con líneas dinámicas y libres, colores claros y un tono decididamente popular y humorístico, ilustra perfectamente este movimiento, que no duda en representar la vida del pueblo japonés en sus detalles más insignificantes. [35] [36] Aquí, el color se aplica solo en toques ligeros que dejan el papel desnudo, ya que la línea flexible y libre domina la composición, a diferencia de las pinturas construidas de la corte. [37] Además, el texto ocupa un espacio muy limitado, pintando el artista escenas más bien largas sin límites fijos. [38]
Otras dos obras maestras salieron a la luz durante la segunda mitad del siglo XII. [39]
En primer lugar, el Chōjū-jinbutsu-giga forma un boceto monocromático en tinta que caricaturiza suavemente las costumbres de los monjes budistas, donde destaca la espontaneidad del toque. [40] En segundo lugar, el Ban Dainagon Ekotoba narra una conspiración política en el año 866 al ofrecer una sorprendente mezcla de los dos géneros onna-e y otoko-e , con líneas libres y colores a veces claros, a veces ricos y opacos; este encuentro de géneros prefigura el estilo que dominó unas décadas más tarde, durante el periodo Kamakura . [41]
Mientras que la autoridad de la corte declinaba rápidamente, el final del periodo Heian (en 1185) estuvo marcado por el advenimiento de los señores provinciales (en particular, los Taira y los Minamoto ), quienes adquirieron un gran poder en la cima del estado. [42] Explotando el malestar asociado con la Guerra Genpei , que proporcionó un terreno fértil para el proselitismo religioso, las pinturas budistas de los seis reinos (o destinos ) ( rokudō-e ) –como el Rollo del Infierno o las dos versiones del Gaki Zōshi , pinturas otoko-e– tenían como objetivo asustar a los fieles con escenas de horror. [43] [44]
Es difícil rastrear la evolución del emakimono debido a las pocas obras que han sobrevivido. Sin embargo, el dominio evidente de los rollos clásicos de finales del período Heian da testimonio de al menos un siglo de maduración e investigación pictórica. Estas bases permitieron a los artistas del emakimono del período Kamakura subsiguiente dedicarse a una producción sostenida en todos los temas.
La era que abarca el final del período Heian y gran parte del período Kamakura , o los siglos XII y XIII, es descrita comúnmente por los historiadores del arte como "la edad de oro" del arte del emakimono . [45] [46] Bajo el impulso de la nueva clase guerrera en el poder y las nuevas sectas budistas, la producción fue de hecho muy sostenida y los temas y técnicas más variados que antes. [47]
El estilo emakimono de la época se caracterizaba por dos vertientes: la síntesis de los géneros del yamato-e , y el realismo. Inicialmente, la evolución marcada anteriormente por el Ban Dainagon Ekotoba (muy tardía era Heian) se fue extendiendo muy ampliamente debido a la importancia dada tanto a la libertad de pinceladas y a la ligereza de los tonos ( otoko-e ), como a los colores brillantes prestados por pigmentos espesos para ciertos elementos de las escenas ( onna-e ). [48] Sin embargo, el aspecto muy refinado de las pinturas de la corte dio paso más tarde a obras más dinámicas y populares, al menos en relación con la temática, a la manera del Shigisan Engi Emaki . [49] Por ejemplo, el Kitano Tenjin Engi Emaki relata la vida y muerte de Sugawara no Michizane , ministro en el siglo IX y figura trágica de la historia japonesa, venerado a la manera de un dios ( kami ). Los colores intensos, los contornos tensos, la búsqueda de movimiento y los detalles muy realistas de los rostros ilustran bien esta mezcla de estilos, [50] especialmente porque las pinturas se inspiraron tanto en el budismo como en el sintoísmo . [51]
Las tendencias realistas que estaban en boga en el arte de Kamakura, perfectamente encarnadas por la escultura , [52] se expusieron en la mayoría de los emakimono de Kamakura ; de hecho, el sistema del shogunato bakufu tenía poder sobre Japón, y el arte refinado y codificado de la corte dio paso a una mayor fluidez y dinamismo. [53] La mayor simplicidad defendida en las artes condujo a una representación más realista y humana (la ira, el dolor o el tamaño). [54] Si la actividad relacionada con la religión fue prolífica, también lo fueron las órdenes de los bushi (guerreros nobles). Varios emakimono de crónicas históricas o militares se encuentran entre los más famosos, en particular el Hōgen Monogatari Emaki (ya no existe) y el Heiji Monogatari Emaki ; [55] De este último, el pergamino conservado en el Museo de Bellas Artes de Boston sigue siendo muy apreciado por su maestría en la composición (que alcanza un crescendo en el clímax dramático del pergamino, es decir, el incendio del palacio y la sangrienta batalla entre soldados de a pie), y por su contribución a la comprensión actual de las armas y armaduras medievales japonesas. [56] Akiyama Terukazu lo describe como "una obra maestra sobre el tema militar del mundo". [55] En el mismo espíritu, un noble guerrero hizo diseñar el Mōko Shūrai Ekotoba para relatar sus hazañas militares durante las invasiones mongolas de Japón . [57] El arte Kamakura floreció particularmente en relación con el retrato realista ( nise-e ); si bien los personajes del emakimono evolucionaron hacia un mayor realismo pictórico, algunos, como el emaki Sanjūrokkasen o el Zuijin Teiki Emaki atribuido a Fujiwara no Nobuzane , presentan directamente galerías de retratos según las técnicas iconográficas de la época. [58] [59]
Un cambio similar se sintió en la religión cuando las sectas budistas esotéricas de la era Heian ( Tendai y Shingon ) dieron paso al Budismo de la Tierra Pura ( Jōdo ), que se dirigía principalmente al pueblo predicando prácticas simples de devoción al Buda Amida . Estas sectas muy activas utilizaron el emakimono intensivamente durante los siglos XIII y XIV para ilustrar y difundir sus doctrinas. [60]
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Varias prácticas religiosas influyeron en el emakimono de Kamakura : en particular, los sermones públicos y las sesiones de explicación de imágenes (絵解, e-toki ) llevaron a los artistas a utilizar pergaminos de mayor tamaño de lo habitual y a representar a los protagonistas de la historia de una manera algo desproporcionada en comparación con los emakimono de los tamaños estándar, para permitir que esos protagonistas fueran vistos desde la distancia, en una perspectiva típicamente japonesa no realista (como el Ippen Shōnin Eden ). El emakimono religioso del período Kamakura se centra en la fundación de los templos o en las vidas de monjes famosos. [46] Durante ese período, muchas de las instituciones religiosas encargaron a los talleres de pintores (a menudo monjes pintores) la creación de emakimono que contaran su fundación o la biografía del monje fundador. Entre las obras más conocidas sobre estos temas se encuentran las biografías ilustradas de Ippen , Hōnen , Shinran y Xuanzang , así como el Kegon Engi Emaki y el Taima Mandara Engi Emaki . [61] [62]
La biografía de Ippen, pintada por un monje, sigue siendo notable por sus influencias, hasta ahora raras, de la dinastía Song (a través de la técnica del lavado ) y la dinastía Tang (el estilo shan shui ), así como por sus representaciones muy precisas de fortalezas en muchos paisajes japoneses. [63] En cuanto al Saigyō Monogatari Emaki , se dirige a la aristocracia en decadencia al idealizar la figura del monje esteta Saigyō por la belleza de sus paisajes y su poesía caligráfica. [64]
Hacia mediados del periodo Kamakura, se produjo un resurgimiento del interés por la corte Heian, que ya parecía ser un punto culminante de la civilización japonesa, y su cultura refinada. [65] Así, el Murasaki Shikibu Nikki Emaki , que traza la vida y las intrigas de Murasaki Shikibu , autor de La historia de Genji (siglo X), refleja en gran medida las técnicas de pintura de la época, en particular el tsukuri-e , pero en un estilo más decorativo y extrovertido. [66] Otras obras siguieron esa tendencia, como el Ise Monogatari Emaki , el Makura no Sōshi Emaki o el Sumiyoshi Monogatari Emaki . [67]
Al final del periodo Kamakura, el arte del emakimono ya estaba perdiendo importancia. Los expertos señalan que, por un lado, el emakimono se había vuelto menos inspirado, marcado por un manierismo estético extremo (como el uso exagerado de polvo de oro y plata) con una composición más técnica que creativa; la tendencia a multiplicar las escenas en un estilo fijo se puede ver en el Hōnen Shōnin Eden (el emakimono más largo conocido , con 48 rollos, completado en 1307), el Kasuga Gongen Genki E (1309) y el Dōjō-ji Engi Emaki (siglo XVI). [68] [69] Por otra parte, las influencias innovadoras y más espirituales del arte Song chino , profundamente enraizado en la espiritualidad y el budismo zen , iniciaron el movimiento artístico dominante del lavado (tinta o pintura monocromática en agua, sumi-e o suiboku-ga en japonés) en el subsiguiente período Muromachi , guiado por artistas tan famosos como Tenshō Shūbun o Sesshū Tōyō . [70]
Sin embargo, la escuela Tosa mantuvo una corriente profesional : fue la única que todavía reivindicaba el yamato-e y produjo numerosos emakimono para la corte o los templos (esta escuela de pintores dirigió el edokoro imperial hasta el siglo XVIII). Tosa Mitsunobu produjo varias obras sobre la fundación de templos: el Kiyomizu-dera Engi Emaki (1517), un rollo del Ishiyama-dera Engi Emaki (1497), el Seikō-ji Engi Emaki (1487) o una versión del Kitano Tenjin Engi Emaki (1503); prestó gran atención a los detalles y los colores, a pesar de una composición común. [71] De manera más general, la ilustración de novelas en el estilo clásico del yamato-e (como las numerosas versiones del Genji Monogatari Emaki o Los cuentos de Ise Emaki ) persistió durante la Baja Edad Media. [71]
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Si bien el emakimono dejó de ser el medio artístico dominante en Japón desde finales del periodo Kamakura, fue en el movimiento de ilustración de Otogi-zōshi ( otogi significa "contar historias") donde el emakimono desarrolló un nuevo vigor popular en los siglos XV y XVI (el periodo Muromachi); el término nara-ehon (literalmente, "el libro de ilustraciones de Nara ") los designaba a veces de forma controvertida (porque eran anacrónicos y combinaban libros con pergaminos), o más precisamente como otogi-zōshi emaki o nara-emaki . [72] Se trata de cuentos pequeños, simbólicos y divertidos, destinados a pasar el tiempo centrándose en la mitología, el folclore, las leyendas, las creencias religiosas o incluso la sociedad contemporánea. [72] Esta forma particular de emakimono se remonta a la época Heian, pero fue bajo Muromachi cuando ganó verdadera popularidad. [73]
La relativa popularidad de los otogi-zōshi parece haber surgido de una creciente falta de entusiasmo por las historias frenéticas o religiosas; la gente se había vuelto más receptiva a los temas de los sueños, la risa y lo sobrenatural (varios otogi-zōshi emaki representan todo tipo de yōkai y criaturas populares), así como caricaturas sociales y novelas populares. Entre los ejemplos conservados se encuentran pinturas de género como Buncho no sasshi y Sazare-ichi , [74] o cuentos budistas sobrenaturales como el Tsuchigumo Sōshi o el Hyakki Yagyō Emaki . [a] Desde el punto de vista de los historiadores del arte, la creatividad de los pergaminos clásicos se siente aún menos en los otogi-zōshi , porque aunque la composición es similar, la falta de armonía de los colores y la apariencia sobrecargada son perjudiciales; parece que la producción es a menudo obra de aficionados. [75] Sin embargo, existe un campo de estudio del nara-ehon y del estilo pictórico nara-e que se encuentra al margen y se destaca del marco del emakimono . [72]
Varios otros artistas, en particular Tawaraya Sōtatsu y Yosa Buson , siguieron interesados en el pergamino narrativo hasta alrededor del siglo XVII. [76] La escuela Kanō utilizó pergaminos narrativos de la misma manera; Kanō Tan'yū realizó varios pergaminos sobre las batallas Tokugawa , particularmente el de Sekigahara en su Tōshō Daigongen Engi , donde se inspiró en algunos lugares en el Heiji Monogatari Emaki (siglo XIII). [77]
En esencia, un emakimono es un sistema narrativo (como un libro) que requiere la construcción de una historia, por lo que la composición debe basarse en las transiciones de escena a escena hasta el desenlace final.
Los emakimono estuvieron inicialmente fuertemente influenciados por China, al igual que las artes japonesas de la época; el Sutra ilustrado de causa y efecto incorpora muchos de los estilos ingenuos y simples de la dinastía Tang , aunque se pueden discernir disonancias, especialmente en relación con los colores. [78] A partir del período Heian, los emakimono llegaron a disociarse de China, principalmente en sus temas. Los pergaminos chinos estaban destinados principalmente a ilustrar los principios trascendentes del budismo y la serenidad de los paisajes, sugiriendo la grandeza y la espiritualidad. Los japoneses, por otro lado, habían reorientado sus pergaminos hacia la vida cotidiana y el hombre, transmitiendo drama, humor y sentimientos. Así, los emakimono comenzaron a inspirarse en la literatura, la poesía, la naturaleza y especialmente la vida cotidiana; en resumen, formaron un arte íntimo, a veces en oposición a la búsqueda de la grandeza espiritual china.
Los primeros temas japoneses del periodo Heian estaban muy vinculados a la literatura y la poesía waka : pinturas de las estaciones, del calendario anual de ceremonias, del paisaje rural y, por último, de los famosos paisajes del archipiélago japonés ( meisho-e ). [20] Posteriormente, los guerreros Kamakura y las nuevas sectas budistas de la Tierra Pura diversificaron aún más los temas. A pesar de la amplia gama de temas del emakimono , a los especialistas les gusta categorizarlos, tanto en sustancia como en forma. Un método eficaz para diferenciar el emakimono vuelve al estudio de los temas haciendo referencia a los cánones de la época. La categorización propuesta por Okudaira y Fukui distingue así entre pinturas seculares y religiosas: [79]
Una tercera categoría abarca obras más heterogéneas, que mezclan religión y narración o religión y humor popular.
En la actualidad, los autores del emakimono suelen ser desconocidos y resulta arriesgado especular sobre los nombres de los «maestros» del emakimono . Además, un pergamino puede ser fruto de la colaboración de varios artistas; algunas técnicas, como el tsukuri-e, incluso tienden naturalmente a dicha colaboración. Los historiadores del arte están más interesados en determinar el entorno social y artístico de los pintores: aficionados o profesionales, en la corte o en los templos, aristócratas o de origen modesto. [80]
En primer lugar, los pintores aficionados, quizás los iniciadores del emakimono clásico , se encuentran en la corte del emperador en Heian, entre los aristócratas versados en las diversas artes. Las fuentes de la época mencionan en particular concursos de pintura ( e-awase ) en los que los nobles competían en torno a un tema común extraído de un poema, como describe Murasaki Shikibu en La historia de Genji . Su trabajo parece centrarse más en la ilustración de novelas ( monogatari ) y diarios ( nikki ), que en la literatura femenina de la corte. Los monjes también podían producir pinturas sin ningún mecenazgo.
En segundo lugar, en el Japón medieval existían talleres de pintores profesionales (絵 所, literalmente 'oficina de pintura' ) ; durante el periodo Kamakura, la producción profesional dominaba en gran medida, y se distinguían varias categorías de talleres: los oficialmente adscritos al palacio ( kyūtei edokoro ), los adscritos a los grandes templos y santuarios ( jiin edokoro ) o, finalmente, los acogidos por unas pocas figuras superiores. [81] [82] El estudio de ciertos colofones y textos de la época permite asociar muchos emakimono a estos talleres profesionales, e incluso, a veces, comprender su funcionamiento.
Cuando se producían en los talleres de los templos, los emakimono tenían como objetivo principal el proselitismo, o la difusión de una doctrina, o incluso un acto de fe, porque la copia de sutras ilustrados debía permitir la comunión con las deidades (una teoría incluso acredita la idea de que el Kitano Tenjin Engi Emaki habría tenido como objetivo apaciguar a los espíritus malignos). [51] El proselitismo, favorecido por el surgimiento de las sectas budistas de la Tierra Pura durante la era Kamakura, cambió los métodos de producción de emakimono , porque las obras de proselitismo estaban destinadas a ser copiadas y difundidas ampliamente en muchos templos asociados, lo que explica la gran cantidad de copias más o menos similares sobre las vidas de los grandes monjes y la fundación de los templos importantes. [83]
Varios historiadores destacan el uso del emakimono en sesiones de explicación pictórica (絵解, e-toki ) , durante las cuales un monje erudito detallaba el contenido de los pergaminos a una audiencia popular. Los especialistas explican así las dimensiones inusualmente grandes de las diferentes versiones del Kitano Tenjin Engi Emaki o del Ippen Shōnin Eden . En cuanto a los talleres de la corte, satisfacían los encargos de palacio, ya fuera para la ilustración de novelas o crónicas históricas, como el Heiji Monogatari Emaki . Una forma de explotación de la historia también podía motivar al patrocinador: por ejemplo, los Heiji Monogatari Emaki se produjeron para el clan Minamoto (ganador de la Guerra Genpei ), y el Mōko Shūrai Ekotoba fue creado para ensalzar las hazañas de un samurái en busca del reconocimiento del shōgun . [44] Estas obras, al parecer, estaban destinadas a ser leídas por nobles. Sin embargo, Seckel y Hasé afirman que la separación entre lo profano y lo religioso sigue siendo poco clara y sin duda no corresponde a una práctica explícita: así, los aristócratas ordenaban regularmente emakimono para ofrecérselos a un templo, y los pergaminos religiosos no se abstienen de representar cosas populares. Así, por ejemplo, el Hōnen Shōnin Eden presenta un rico panorama de la civilización medieval. [81]
Los colofones y estudios comparativos permiten a veces deducir el nombre del artista de un emakimono : por ejemplo, el monje En'i firmó el Ippen Shōnin Eden , los historiadores designan a Tokiwa Mitsunaga como el autor del Ban Dainagon Ekotoba y el Nenjū Gyōji Emaki , o a Enichibō Jōnin para parte del Kegon Engi Emaki . Sin embargo, la vida de estos artistas sigue siendo poco conocida, a lo sumo parecen ser de extracción noble. [80] Tal trasfondo está particularmente implícito en las representaciones siempre muy precisas en emakimono del palacio imperial (arquitectura interior, vestimenta y rituales) o de los organismos oficiales (notablemente la policía imperial (検非違使, kebiishi ) ). El Shigisan Engi Emaki ilustra bien ese punto, ya que la precisión de los motivos tanto religiosos como aristocráticos sugiere que el pintor está cerca de esos dos mundos. [25]
Tal vez un artista más famoso sea Fujiwara no Nobuzane , aristócrata del clan Fujiwara y autor del Zuijin Teiki Emaki , así como de varias suites de retratos realistas ("cuadros de semejanza" (似絵, nise-e ) , una escuela que fundó en honor a su padre Fujiwara no Takanobu ). Entre los talleres del templo, se sabe que el taller de Kōzan-ji fue particularmente prolífico, bajo el liderazgo del monje Myōe , un gran erudito que trajo muchas obras de la dinastía Song de China. Así, las pinceladas de Jōnin en el Kegon Engi Emaki o el retrato de Myōe revelan las primeras influencias Song en la pintura japonesa. Sin embargo, la falta crucial de información y documentos sobre estos raros artistas conocidos lleva a los historiadores del arte japoneses a identificar más bien estilos, talleres y escuelas de producción. [80]
A partir del siglo XIV, la Oficina de Pintura de la Corte Imperial (宮廷絵所, Kyūtei edokoro ) , e incluso durante un tiempo el edokoro del shōgun , estuvieron dirigidos por la escuela Tosa , que, como se mencionó anteriormente, continuó con la pintura Yamato-e y la fabricación de emakimono a pesar del declive del género. Los artistas de la escuela Tosa son mucho más conocidos; Tosa Mitsunobu , por ejemplo, produjo una gran cantidad de obras encargadas por templos (incluido el Kiyomizu-dera Engi Emaki ) o nobles (incluido el Gonssamen kassen emaki ). La escuela competidora Kanō también ofrecía algunas piezas similares, a pedido: los historiadores del arte han mostrado fuertes similitudes entre el Heiji Monogatari Emaki (siglo XII) y el Tōshō Daigongen Engi (siglo XVII) de Kanō Tan'yū de la escuela Kanō, probablemente para sugerir un vínculo entre los clanes Minamoto y Tokugawa , cuyos miembros fueron, respectivamente, el primer y el último shogun que gobernaron todo Japón. [84]
El medio de soporte preferido para el emakimono es el papel y, en menor medida, la seda ; ambos son originarios de China, aunque el papel japonés ( washi ) es generalmente de una textura más sólida y menos delicado que el papel chino, ya que las fibras son más largas. El papel se fabrica tradicionalmente con la ayuda de mujeres del archipiélago japonés. [85]
Los colores más famosos se obtienen a partir de pigmentos minerales: por ejemplo , la azurita para el azul, el bermellón para el rojo, el rejalgar para el amarillo, la malaquita para el verde, entre otros. Estos pigmentos espesos, llamados iwa-enogu en japonés, no son solubles en agua y requieren un aglutinante espeso, generalmente una cola animal; [86] la cantidad de cola necesaria depende de cuán finamente se hayan molido los pigmentos. [87]
Como los emakimono están destinados a ser enrollados, los colores deben aplicarse sobre ellos en una capa fina y plana para evitar cualquier agrietamiento a medio plazo, lo que limita el uso de patrones (relieves) predominantes en la pintura occidental. [87] En cuanto a la tinta , también inventada en China alrededor del siglo I d.C., resulta de una simple mezcla de aglutinante y humo de madera, cuya dosificación depende del fabricante. Esencial para la caligrafía, también es importante en las artes pictóricas asiáticas donde la línea a menudo tiene prioridad; los artistas japoneses la aplican con un pincel, variando el grosor de la línea y la dilución de la tinta para producir un color que va desde un negro oscuro hasta un gris pálido fuertemente absorbido por el papel. [88]
Los rollos de papel o de seda siguen siendo relativamente frágiles, en particular después de la aplicación de pintura. Por lo tanto, los emakimono se recubren con una o más capas de papel resistente, de una manera muy similar a los kakemono (rollos colgantes japoneses): el papel o la seda pintados se estiran, se pegan sobre el revestimiento y luego se secan y se cepillan, normalmente por un artesano especializado, conocido como kyōshi (literalmente, 'maestro en sutra'). [89] El formato largo del emakimono plantea problemas específicos: generalmente, las hojas de papel o seda pintadas de 2 a 3 metros (6 pies 7 pulgadas - 9 pies 10 pulgadas) de largo se recubren por separado, luego se ensamblan utilizando tiras de papel japonés de fibra larga, conocido por su resistencia. [90] El proceso de revestimiento simplemente requiere la aplicación de un pegamento animal que, a medida que se seca, también permite que el papel o la seda pintados se estiren adecuadamente. El montaje del emakimono se finaliza con la selección de la varilla de madera (軸, jiku ) , que es bastante fina, y la conexión de la cubierta (表紙, hyōshi ) , que protege la obra una vez enrollada con un cordón (紐, himo ) ; para las piezas más preciosas pintadas con polvo de oro y plata, a menudo se hace otra manta protectora (見返し, mikaeshi , literalmente, 'cubierta interior') de seda y se decora por dentro. [90] [91]
Las corrientes y técnicas del arte emakimono están íntimamente ligadas y con mayor frecuencia forman parte del movimiento yamato-e , fácilmente opuesto al principio a las pinturas de estilo chino, conocidas como kara-e . El yamato-e , un arte cotidiano colorido y decorativo, tipifica fuertemente la producción de la época. [76] Inicialmente, yamato-e designaba principalmente obras con temas japoneses, en particular la vida de la corte, las ceremonias o los paisajes del archipiélago, en oposición a los temas académicos chinos dominantes hasta entonces, especialmente durante el período Nara . [92] Los documentos del siglo IX mencionan, por ejemplo, las pinturas en paredes corredizas y biombos del entonces Palacio Imperial , que ilustran poemas waka . [20] Posteriormente, el término yamato-e se refirió de manera más general a todas las pinturas de estilo japonés creadas en el siglo IX que expresaban la sensibilidad y el carácter de la gente del archipiélago, incluidas las que se extendían más allá de los temas anteriores. [92] Miyeko Murase habla así del «surgimiento del gusto nacional». [56]
En el yamato-e se encuentran diferentes corrientes pictóricas según las épocas (siglos X y XIV aproximadamente), y se encuentran en el emakimono . El estilo, la composición y la técnica varían mucho, pero es posible identificar principios mayores. Así, en relación con el estilo, el periodo Heian produjo un contraste entre la pintura refinada de la corte y la pintura dinámica de temas ajenos a la corte, mientras que el periodo Kamakura vio una síntesis de los dos enfoques y la contribución de nuevas influencias realistas de las pinturas chinas al agua de la dinastía Song. En relación con la composición, los artistas podían alternar la caligrafía y la pintura para ilustrar solo los momentos más llamativos de la historia, o bien crear largas secciones pintadas donde varias escenas se mezclaban y fluían suavemente. Finalmente, en relación con la técnica, la clasificación del emakimono , aunque compleja, permite identificar dos enfoques: las pinturas que favorecen el color y las que favorecen la línea con el propósito de dinamizar.
El particular formato del emakimono , largas tiras de pinturas sin límites fijos, exige resolver una serie de problemas compositivos para mantener la soltura y la claridad de la narración, y que han dado lugar a una forma de arte coherente a lo largo de varios siglos. En resumen, según E. Saint-Marc: «Hemos tenido que construir un vocabulario, una sintaxis, resolver toda una serie de problemas técnicos, inventar una disciplina que sea a la vez literaria y plástica, un modo estético que encuentre sus convenciones [...] a su vez inventadas y modeladas, congeladas por el uso, luego remodeladas, para convertirlas en un instrumento de expresión refinado». [93]
A los especialistas les gusta distinguir entre dos corrientes en el yamato-e , y por lo tanto en el emakimono , del período Heian, a saber, el onna-e ("pintura de mujer", onna significa "mujer"), y el otoko-e ("pintura de hombre", otoko significa "hombre"). En el período Heian, estas dos corrientes del yamato-e también reflejaban los misterios y el aislamiento de la Corte Imperial: el estilo onna-e contaba así lo que sucedía dentro de la corte, y el estilo otoko-e hablaba de lo que sucedía en el populacho fuera de ella. [94]
El onna-e transcribió plenamente la estética lírica y refinada de la corte, que se caracterizaba por una cierta moderación, introspección y expresión de sentimientos, reuniendo sobre todo obras inspiradas en la literatura "romántica" como el Genji Monogatari Emaki . [95] La impresión dominante de este género se expresa en japonés con el término mono no awareness , una especie de melancolía fugaz nacida del sentimiento de la impermanencia de las cosas. Estas obras adoptaron principalmente la técnica llamada tsukuri-e (pintura construida), con colores ricos y opacos. En el emakimono del siglo XIII, en el que se actualizó el estilo onna-e , se utilizó la misma técnica pero de una manera a veces menos completa, los colores expresaban más directamente los sentimientos y los artistas utilizaban una estética más decorativa, como con el uso muy importante del polvo de oro en el Murasaki Shikibu Nikki Emaki . [96]
Un elemento característico de las onna-e reside en el dibujo de los rostros, muy impersonal, que los especialistas suelen comparar con las máscaras Noh . En efecto, según la técnica hikime kagibana , bastaban dos o tres líneas para representar los ojos y la nariz de forma estilizada; [97] E. Grilli advierte la melancolía de este planteamiento. [41] El efecto deseado es todavía incierto, pero probablemente refleja la gran moderación de sentimientos y personalidades en palacio, o incluso permite a los lectores identificarse más fácilmente con los personajes. [98] En algunos monogatari del periodo Heian, los artistas expresaban más bien los sentimientos o las pasiones en las posturas así como en los pliegues y dobleces de las ropas, en armonía con el estado de ánimo del momento. [50]
![Pintura Tsukiri-e, Ise Monogatari Emaki [fr], siglo XIV](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/4f/Ise_monogatari_emaki_-_Kubo_2.jpeg/1280px-Ise_monogatari_emaki_-_Kubo_2.jpeg)
La corriente del estilo otoko-e era más libre y vivaz que la del onna-e , representando batallas, crónicas históricas, epopeyas y leyendas religiosas al favorecer las ilustraciones largas sobre la caligrafía, como en el Shigisan Engi Emaki o el Heiji Monogatari Emaki . [34] El estilo se basaba en líneas suaves dibujadas libremente por el artista con tinta, a diferencia de las pinturas construidas en tsukuri-e , para favorecer la impresión de movimiento. [99] Los colores generalmente parecían más apagados y dejaban el papel desnudo en algunos lugares. [36]
Si bien el término onna-e está bien atestiguado en los textos de la época, y parece provenir de las ilustraciones de novelas de las damas de la corte del siglo X, los orígenes de los otoko-e son más oscuros: surgen a priori del interés de los nobles por la vida provincial japonesa a partir del siglo XI, así como de leyendas populares locales; además, varias escenas muy detalladas del Shigisan Engi Emaki muestran claramente que su autor solo puede haber sido un habitual de palacio, un aristócrata o un monje. [100] En cualquier caso, todavía existen varias colecciones de estos cuentos populares de la época, como el Konjaku Monogatarishū . [100]
A diferencia de las pinturas de la corte, los pergaminos más espontáneos como el Shigisan Engi Emaki o el Ban Dainagon Ekotoba muestran mucho más realismo en el dibujo de los personajes y representan, entre otros temas, el humor y el burlesque, con los sentimientos de la gente (como la ira, la alegría y el miedo) expresados de forma más espontánea y directa. [25]
![Escena humorística que representa el error de un médico, Yamai no Sōshi [fr], siglo XII](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1d/Yamai_no_Soshi_-_Eye_Disease_(part_1).jpeg/1280px-Yamai_no_Soshi_-_Eye_Disease_(part_1).jpeg)
Durante el periodo Kamakura , las dos corrientes del yamato-e ( onna-e y otoko-e ) se mezclaron y dieron origen a obras que son a la vez dinámicas y de colores vivos, a la manera del Kitano Tenjin Engi Emaki . Además, la mayoría de emakimono también transcribían las tendencias realistas de la época, según los gustos de los guerreros en el poder. El Heiji Monogatari Emaki muestra así con gran detalle las armas, armaduras y uniformes de los soldados, y el Ban Dainagon Ekotoba retrata individualmente a las más de doscientas figuras aterrorizadas que aparecen en la sección que representa el fuego en la puerta.
La pintura realista se muestra mejor en los retratos conocidos como nise-e , un movimiento iniciado por Fujiwara no Takanobu y su hijo Fujiwara no Nobuzane . Estos dos artistas y sus descendientes produjeron una serie de emakimono de un género particular: eran conjuntos de retratos de personajes famosos realizados en un estilo bastante similar, con una simplicidad casi geométrica en la vestimenta y un realismo extremo en el rostro. [101] La esencia del nise-e era realmente capturar la personalidad íntima del sujeto con gran economía. [102]
Entre los pergaminos nise-e más famosos están el Tennō Sekkan Daijin Eizukan , compuesto por 131 retratos de emperadores, gobernadores, ministros y altos cortesanos (de Fujiwara no Tamenobu y Fujiwara no Gōshin , siglo XIV), y el Zuijin Teiki Emaki de Nobuzane, cuya pintura en tinta ( hakubyō ) realzada con un color muy discreto ilustra perfectamente las líneas nise-e . [59] Además, está el Sanjūrokkasen Emaki , una obra de estilo más idealizado que realista, que forma una galería de retratos de los Treinta y seis Inmortales de la Poesía . [103] De manera más general, los humanos son uno de los sujetos elementales del emakimono , y muchas obras del periodo Kamakura incorporan técnicas nise-e , como el Heiji Monogatari Emaki o el Mōko Shūrai Ekotoba . [54]
El estilo yamato-e caracterizó por tanto a casi todos los emakimono , y la pintura china ya no aportaba los temas y las técnicas. Sin embargo, las influencias seguían siendo notables en ciertas obras del periodo Kamakura, en particular el arte, tan famoso hoy en día, de las pinturas al agua de la dinastía Song , que se demostró plenamente en los paisajes grandiosos y profundos esbozados en tinta, por Ienaga. Los préstamos también permanecieron visibles en pergaminos religiosos como el Kegon Engi Emaki o el Ippen Shōnin Eden . [104] Esta última obra presenta muchos paisajes típicos de Japón según una perspectiva y un realismo riguroso, con una gran economía de colores; se utilizan diversas técnicas pictóricas Song para sugerir profundidad, como vuelos de pájaros que desaparecen en el horizonte o el fondo que se desvanece gradualmente. [105]
La técnica clásica de pintura emakimono se llama tsukuri-e (作り絵, lit. ' pintura construida ' ) , utilizada especialmente en la mayoría de las obras del estilo onna-e . Primero se hacía un boceto de los contornos con tinta antes de aplicar los colores planos sobre toda la superficie del papel utilizando pigmentos vivos y opacos . Los contornos, parcialmente enmascarados por la pintura, finalmente se revivían con tinta y se realzaban los pequeños detalles (como el cabello de las damas). [106] Sin embargo, el primer boceto a menudo se modificaba, en particular cuando los pigmentos minerales eran insolubles en agua y, por lo tanto, requerían el uso de pegamento espeso. [88] El color parece ser un elemento muy importante en la pintura japonesa, mucho más que en China, porque da significado a los sentimientos expresados; en Genji Monogatari Emaki , el tono dominante de cada escena que ilustra un momento clave de la novela original revela los sentimientos profundos de los personajes. [107]
Durante el período Kamakura, las diferentes etapas del tsukuri-e aún se observaban ampliamente, a pesar de las variaciones (colores más claros, líneas más similares a las pinturas al agua de la dinastía Song, etc.). [108]
Aunque los emakimono en color suelen ocupar un lugar preponderante, se encuentran en contraste pinturas monocromas en tinta china ( hakubyō o shira-e ), según dos enfoques. En primer lugar, las líneas de tinta pueden ser extremadamente libres, y el artista coloca sobre el papel gestos suaves y sin restricciones que son especialmente dinámicos, ya que es principalmente la sensación de movimiento lo que emerge en estas obras. [41] El pintor también juega con el grosor del pincel para acentuar el dinamismo, así como con la dilución de la tinta para explotar una paleta más amplia de grises. [88] Entre estos pergaminos, el Chōjū-jinbutsu-giga , probablemente atribuido anteriormente de forma errónea a Toba Sōjō , sigue siendo el más conocido; Grilli describe el rasgo como un "derramamiento continuo". [76]
El segundo enfoque de las pinturas monocromas es más construido, con trazos finos y regulares que esbozan una escena completa y coherente, muy similar al primer boceto en las obras tsukuri-e antes de la aplicación de los colores; según algunos historiadores del arte, también es posible que estos emakimono simplemente estén inacabados. [41] El Makura no Sōshi Emaki encaja perfectamente con este enfoque, aceptando solo unos pocos toques finos de rojo, al igual que el Takafusa-kyō Tsuyakotoba Emaki y el Toyo no Akari Ezōshi . [67] Varias ilustraciones hakubyō algo amateurs de novelas clásicas permanecen de la época medieval tardía y el declive del emakimono . [71]
A diferencia de la pintura occidental, las líneas y los contornos en tinta desempeñan un papel esencial en el emakimono , ya sea monocromo o no. [76] [37] A veces, sin embargo, los contornos no se dibujan como de costumbre: así, en el Kitano Tenjin Engi Emaki , el artista utiliza la ausencia de contornos para evocar el espíritu sintoísta en los paisajes japoneses. Originariamente de China, esta técnica pictórica ahora se llama mokkotsu ('pintura sin huesos'). [109]
![Pintura a tinta muy elaborada, similar al tsukuri-e sin color; la línea es fina y uniforme. Makura no Sōshi Emaki [fr], siglo XIII](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/6f/Pillow_Book_Illustrated2.JPG/1280px-Pillow_Book_Illustrated2.JPG)
La yuxtaposición del texto y la pintura constituye un punto clave del aspecto narrativo del emakimono . Originalmente, en los sutras ilustrados, la imagen se organizaba en un friso largo y continuo en la parte superior del rollo, encima de los textos. Sin embargo, ese enfoque se abandonó rápidamente en favor de un diseño más abierto, del que existen tres tipos: [110]
El equilibrio entre textos e imágenes variaba mucho de una obra a otra. El autor tenía una amplia «sintaxis de movimiento y tiempo» que le permitía adaptar la forma a la historia y a los sentimientos transmitidos. [110] Los pergaminos con ilustraciones continuas ( rusōgata-shiki ) hacían naturalmente más ambiguas las transiciones, porque cada lector puede revelar una porción mayor o menor de las pinturas, más o menos rápidamente. A falta de una separación clara entre las escenas, el modo de lectura debe ser sugerido en las pinturas para mantener una cierta coherencia.
Los artistas utilizaron dos tipos de vínculos entre escenas. En primer lugar, los vínculos por separación utilizando elementos del paisaje (tradicionalmente, río, campo, niebla, edificios) eran muy comunes. En segundo lugar, los artistas utilizaron una paleta de elementos de transición sugeridos por las figuras o la disposición de los objetos. Así, no era raro que los personajes señalaran con el dedo el cuadro siguiente o que se los representara viajando para crear el vínculo entre dos ciudades, o que los edificios estuvieran orientados a la izquierda para sugerir la partida y a la derecha para sugerir la llegada. De manera más general, Bauer identifica la noción de fuera de campo (la parte del cuadro aún no visible) que el pintor debe aportar sin perder la coherencia. [111]
El espacio en la composición de un emakimono constituye una segunda instancia importante de la narración a lo largo del tiempo. Como el pergamino suele leerse de derecha a izquierda y de arriba a abajo, los autores adoptan principalmente puntos de vista en picado ( chōkan , 'perspectiva a vista de pájaro'). Sin embargo, la baja altura del emakimono obliga al artista a establecer trucos como el uso de largas líneas de fuga diagonales o curvas sinuosas que sugieren profundidad. [110] En interiores, son los elementos arquitectónicos (vigas, tabiques, puertas) los que se utilizan para establecer estas diagonales; en exteriores, las diagonales las establecen los tejados, las paredes, los caminos y los ríos, dispuestos en varios planos. En la pintura emakimono no hay una perspectiva real en el sentido occidental -una que represente fielmente lo que percibe el ojo- sino, más bien, una proyección paralela u oblicua . [105]
La disposición de los elementos en una escena emakimono se basa en el punto de vista, incluida la técnica conocida como fukinuki yatai . Como se mencionó anteriormente, las escenas se pintan más comúnmente cuando se ven desde arriba (vista de pájaro) para maximizar el espacio disponible para pintar, a pesar de la altura reducida de los pergaminos, mientras se deja visible parte del fondo. [112]
En las escenas de interior, la técnica más sencilla fue desarrollada por los artistas chinos Tang : sólo se dibujan tres paredes de la habitación, en perspectiva paralela; el punto de vista se sitúa en el lugar de la cuarta pared, un poco más arriba. Cuando surgió la necesidad de dibujar varios planos –por ejemplo el fondo de la habitación o una puerta abierta a la siguiente–, los artistas procedieron reduciendo el tamaño (de la escala ). [113] Las escenas más generales en las que se desarrolla la historia, como los paisajes, pueden representarse desde un punto de vista muy lejano (como en el Ippen Shōnin Eden o el Sumiyoshi Monogatari Emaki ). [114] En el Eshi no Soshi Emaki y el Kokawa-dera Engi Emaki , el pintor optó principalmente por una vista lateral, y el desarrollo de la historia depende de una sucesión de planos comunicantes. [67]
Sin embargo, los artistas japoneses imaginaron una nueva disposición para el emakimono que rápidamente se convirtió en la norma para representar interiores. Se llamó fukinuki yatai (literalmente, 'techo quitado'), e implica no representar los techos de los edificios, y posiblemente las paredes en primer plano si es necesario, para permitir una representación del interior. [115] A diferencia de la disposición anterior, el punto de vista se ubica fuera de los edificios, todavía en lo alto, porque el propósito principal del fukinuki yatai es representar dos espacios narrativos separados, por ejemplo, dos habitaciones contiguas, o bien dentro y fuera. [113] La génesis de esta técnica aún es poco conocida (ya aparece en la biografía sobre panel de madera del príncipe Shōtoku ), [115] pero ya apareció con gran maestría en las pinturas de estilo cortesano ( onna-e ) en el siglo XII.
En Genji Monogatari Emaki , la composición está estrechamente vinculada al texto y sugiere indirectamente el estado de ánimo de la escena. Cuando Kaoru visita a Ukifune, mientras su amor está surgiendo, el artista muestra al lector dos espacios narrativos gracias al fukinuki yatai : en la veranda, Kaoru está tranquila, posando en un espacio pacífico; dentro del edificio, por el contrario, Ukifune y sus damas de compañía , están pintadas en una superficie más pequeña, agitadas, en una composición confusa que refuerza su agitación. [113] De manera más general, una composición poco realista (por ejemplo desde dos puntos de vista) permite sugerir sentimientos fuertes o tristes. [116]
La técnica del fukinuki yatai también se utilizó de muchas otras maneras, por ejemplo, con un punto de vista muy alto para reforzar la división de espacios, incluso en una sola habitación, o dándole al paisaje un lugar más importante. En última instancia, el objetivo principal siguió siendo representar dos etapas narrativas y, por lo tanto, dos espacios distintos, en la misma pintura. [113] Por lo tanto, el fukinuki yatai se utilizó ampliamente, a veces incluso como una simple instancia estilística sin relación con los sentimientos o el texto, a diferencia del Genji Monogatari Emaki . [113]
Por último, la escala de un emakimono también permite sugerir profundidad y orientar la disposición de los elementos. En la pintura japonesa, la escala no depende sólo de la profundidad de la escena, sino también a menudo de la importancia de los elementos en la composición o en la historia, a diferencia de las representaciones realistas en los pergaminos de paisajes chinos. Así, el personaje principal puede verse agrandado en comparación con los demás, dependiendo de lo que el artista quiera expresar: en el Ippen Shōnin Eden , Ippen a veces se representa en el fondo de un paisaje del mismo tamaño que los árboles o los edificios, de modo que el lector puede identificarlo claramente. Los cambios de escala también pueden transmitir el estado de ánimo del momento, como la fuerza de voluntad y la angustia de Sugawara no Michizane en el Kitano Tenjin Engi Emaki . Para Saint-Marc, «cada elemento adquiere [de manera más general] la importancia que tiene en sí mismo en la mente del pintor», liberándose de las reglas de la composición realista. [105]
![Vista interior de Taima-dera, donde los espacios están separados para mostrar varias etapas de la historia, gracias al fukinuki yatai. Taima Mandala Engi [fr], siglo XIII](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/4/45/Taima_mandala_engi_-_weaving.png/1280px-Taima_mandala_engi_-_weaving.png)
El ritmo narrativo del emakimono surge principalmente de la disposición entre textos e imágenes, que constituye un marcador esencial de la evolución de la historia. En las pinturas de estilo cortesano ( onna-e ), el artista podía sugerir calma y melancolía a través de sucesiones de planos fijos y contemplativos, como, por ejemplo, en Genji Monogatari Emaki , en el que las escenas parecen estar fuera de tiempo, puntuando momentos de sensibilidades extremas. [32] Por el contrario, las historias más dinámicas juegan con la alternancia entre primeros planos y panoramas amplios, elisiones, transiciones y exageraciones. [3] En tales historias, el ritmo narrativo se dedica por completo a la construcción del pergamino que conduce a la cumbre dramática o épica, con pergaminos pintados continuamente que permiten que la acción se revele a medida que avanza intensificando el ritmo y, por lo tanto, el suspenso. [117] El incendio del palacio Sanjō en el Heiji Monogatari Emaki ilustra bien este aspecto, ya que el artista, al utilizar un rojo muy opaco que se extiende por casi toda la altura del papel, representa una intensificación gradual de las sangrientas batallas y la persecución del emperador Go-Shirakawa hasta que el palacio se incendia. [56] Otro incendio famoso, el Incidente de Ōtenmon en el Ban Dainagon Ekotoba , adopta el mismo enfoque, al retratar los movimientos de la multitud, cada vez más densa y desordenada, hasta la revelación del drama. [118] [39]
Los artistas japoneses también utilizan otras técnicas de composición para dinamizar una historia y marcar el ritmo: los mismos personajes se representan en una serie de decorados variados (normalmente al aire libre), una técnica conocida como repetición ( hampuku byōsha ). [119] En el Gosannen Kassen Ekotoba , una composición centrada en el castillo de Kanazawa muestra gradualmente la captura del castillo por las tropas de Minamoto no Yoshiie , creando un efecto gradual y dramático. [120] En el Kibi Daijin Nittō Emaki , la torre a la que se asigna Kibi no Makibi (o Kibi Daijin) está pintada para representar cada desafío ganado por el protagonista. [121]
Otra técnica narrativa característica del emakimono se llama iji-dō-zu : consiste en representar varias veces al mismo personaje en una misma escena, con el fin de sugerir una secuencia de acciones (luchas, discusiones, viajes) con un gran ahorro de espacio. [105] El movimiento de la mirada es entonces la mayoría de las veces circular, y las escenas retratan diferentes momentos. El iji-dō-zu puede sugerir igualmente un momento largo en una escena, como la monja del Shigisan Engi Emaki que permanece en retiro en Tōdai-ji durante varias horas, o una serie de acciones breves pero intensas, como las luchas en el Ban Dainagon Ekotoba y el Ippen Shōnin Eden . [119] [105] En el Kegon Engi Emaki , el artista ofrece una sucesión de planos casi "cinematográficos" que muestran alternativamente la angustia de Zenmyō, una joven china, y el barco que lleva a su amado lejos en el horizonte. [122]
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Como se señaló en la sección de historia anterior, la aparición del silabario kana contribuyó al desarrollo de la literatura de la corte femenina y, por extensión, a la ilustración de novelas en pergaminos. Por lo tanto, los kana se utilizaron en emakimono , aunque los caracteres chinos también se siguieron utilizando en gran medida. En algunos pergaminos en particular, se pueden encontrar otros alfabetos, en particular el sánscrito en el Hakubyō Ise Monogatari Emaki . [113]
En Asia oriental , la caligrafía es un arte predominante que los aristócratas aprenden a dominar desde la infancia, y los estilos y disposiciones de los caracteres están ampliamente codificados, aunque son variados. En el contexto del emakimono , los textos caligráficos pueden tener varios propósitos: introducir la historia, describir las escenas pintadas, transmitir enseñanzas religiosas o presentarse en forma de poemas ( la poesía waka sigue siendo la más representativa del Japón antiguo). Para las pinturas de estilo cortesano ricamente decoradas ( onna-e ), como el Genji Monogatari Emaki , los papeles se preparaban cuidadosamente y se decoraban con polvo de oro y plata. [123]
El texto de un emakimono tenía más que una función de decoración y narración; también podía influir en la composición de las pinturas. Los Genji Monogatari Emaki han sido ampliamente estudiados en este punto: los historiadores del arte han demostrado un vínculo entre el sentimiento transmitido por un texto y el color dominante de la pintura que lo acompaña, un color que también se utiliza para el papel decorado. [31] [124] Además, la composición de las pinturas puede permitir comprenderlas de acuerdo con el texto: por ejemplo, los personajes de la historia pueden haber sido pintados en una escena en un palacio en el orden de su aparición en el texto. Otros especialistas a su vez han insistido en la importancia del texto en la colocación de las pinturas, un punto importante en el emakimono budista , en el que la transmisión de dogmas y enseñanzas religiosas seguía siendo un objetivo esencial del artista.
Según Peter C. Swann, la producción de emakimono fue el primer movimiento artístico verdaderamente original de Japón desde la llegada de influencias extranjeras. [125] La influencia de China en el emakimono y las técnicas pictóricas permaneció tangible al principio, tanto que los historiadores han trabajado para formalizar lo que realmente constituye el arte emakimono como arte japonés. Además del estilo yamato-e , los especialistas a menudo proponen varios elementos de respuesta: la composición diagonal muy típica, la perspectiva dependiendo del tema, el proceso de izi-dō-zu , la sensibilidad de los colores (esencial en yamato-e ), los rostros estereotipados de los personajes (impersonales, realistas o caricaturizados) y, finalmente, la atmósfera brumosa. [93] K. Chino y K. Nishi también señalaron la técnica del fukinuki yatai (literalmente, 'techo quitado'), sin precedentes en todo el arte asiático. [112] Saint-Marc comentó que algunos de estos elementos ya existían previamente en la pintura china, y que la originalidad del emakimono estaba en el enfoque general y los temas establecidos por los artistas japoneses. [126]
La originalidad del arte también hay que buscarla en su espíritu, «la vida de una época traducida al lenguaje formal». [127] Las pinturas de estilo cortesano ( onna-e ) forman parte de la estética del mono no awareness (literalmente «el patetismo de las cosas»), un estado mental difícil de expresar, pero que puede considerarse como una inclinación por la belleza triste, la melancolía nacida del sentimiento de que todo lo bello es impermanente. D. y V. Elisseeff definen este aspecto del emakimono como el oko , el sentimiento de inadecuación, a menudo materializado por un humor propiamente japonés. Pero fuera de la corte, el emakimono de estilo popular ( otoko-e ), el arte de la vida cotidiana, se acerca al estado mental humano y universal. [127]
La producción sostenida de emakimono durante los períodos Heian , Kamakura y Muromachi (alrededor de los siglos XII al XIV) creó una fuente invaluable de información sobre la civilización japonesa contemporánea. Los historiadores han estudiado mucho el emakimono en ese sentido; [128] ninguna otra forma de arte japonés ha estado tan íntimamente vinculada a la vida y la cultura del pueblo japonés. [129]
Un gran proyecto de la Universidad de Kanagawa realizó un estudio muy exhaustivo de las pinturas más interesantes a través de quince categorías principales de elementos, incluyendo viviendas, elementos de la vida doméstica y elementos de la vida fuera del hogar, según edades (niños, trabajadores, ancianos) y clase social. [b] [130] [131] Aunque los personajes principales son la mayoría de las veces nobles, monjes famosos o guerreros, la presencia de gente común es más o menos tangible en una inmensa mayoría de obras, lo que permite un estudio de una gran variedad de actividades cotidianas: campesinos, artesanos, comerciantes, mendigos, mujeres, ancianos y niños pueden aparecer por turnos. [132] [133] En el Shigisan Engi Emaki , la actividad de las mujeres es particularmente interesante, el artista las muestra preparando comidas, lavando ropa o amamantando. [130] El Sanjūni-ban Shokunin Uta-awase Emaki presenta a 142 artesanos del período Muromachi, que van desde un herrero hasta un fabricante de sake . [128]
La vestimenta de los personajes de emakimono es típicamente fiel a la realidad y representa con precisión la vestimenta contemporánea y su relación con las categorías sociales de la época. [134] En los pergaminos de temática militar, las armas y armaduras de los guerreros también se representan con precisión; el Heiji Monogatari Emaki , por ejemplo, muestra muchos detalles, en particular la armadura y los arneses de los caballos, [135] mientras que el Mōko Shūrai Ekotoba representa los estilos de lucha de los japoneses durante las invasiones mongolas de Japón , cuyas tácticas todavía estaban dominadas por el uso del arco. [136] [133] Finalmente, el Ban Dainagon Ekotoba ofrece una visión única de ciertos detalles de los uniformes de los oficiales de policía (conocidos como kebiishi ).
La estética, junto con la representación de las emociones y las expresiones de los sentimientos de las personas, también muestra una clara división entre la gente común y la aristocracia. En los emakimono que representan a la gente común, emociones como el miedo, la angustia, la excitación y la alegría se representan de forma directa y clara, mientras que los emakimono aristocráticos enfatizan temas refinados, pero menos directos, como el romance clásico, la celebración de ceremonias y la nostalgia por el período Heian.
Dependiendo de los temas abordados, los emakimono también constituyen una importante fuente historiográfica de información sobre algo más que la vida cotidiana, incluyendo eventos históricos, cultura y religión. Entre estos tipos de emakimono , el Nenjū Gyōji Emaki viene en forma de un calendario de varias ceremonias y ritos anuales celebrados en la corte. Por su importancia simbólica y la complejidad de sus códigos, estos eventos, así como algunos festivales más populares, absorbieron gran parte de la energía de la aristocracia del período Heian. Durante el posterior período Kamakura, los cuarenta y ocho pergaminos del Hōnen Shōnin Eden formaron un catálogo inédito de la cultura y la sociedad de la época, al tiempo que relataban, de manera proselitista, el establecimiento de la primera escuela de la Tierra Pura en Japón. [137]
La arquitectura de los lugares utilizados como escenario para un emakimono puede presentar un gran nivel de detalle visual en relación con las estructuras de la época. El Murasaki Shikibu Nikki Emaki ofrece así una visión del estilo arquitectónico shinden-zukuri , marcado por una mezcla de influencia de la China Tang y el Japón tradicional, como los tejados de corteza. [138] Más interesante aún, el Ippen Shōnin Eden detalla una amplia variedad de edificios (templos, santuarios, palacios, viviendas) tomados de la vida con un realismo sin precedentes por el monje pintor En'i , de modo que los edificios conservados hoy en día son fácilmente reconocibles. [139] El emakimono también puede incluir varios elementos de la vida en la ciudad o en el campo, como el mercado en el distrito comercial de Osaka . [140] Otro ejemplo notable, el Shigisan Engi Emaki da un boceto único del gran Buda original de Tōdai-ji , que se quemó en 1180. [141]
Los emakimono suelen tomar como fuente de inspiración acontecimientos históricos o religiosos: el valor narrativo de la historia (la historia verdadera) informa a los historiadores contemporáneos tanto sobre la historia como sobre la forma de percibir esta historia en ese momento (a veces hay una brecha de varios siglos entre el tiempo de la historia y el tiempo del pintor). Entre la información más interesante en un emakimono pueden estar los detalles de la construcción de templos antiguos, de prácticas religiosas [142] y finalmente del desarrollo de batallas y eventos históricos importantes, como las invasiones mongolas , la Guerra Genpei o incluso la conspiración política de Ōtenmon .
Los historiadores del arte, en sus escritos, han enfatizado repetidamente las técnicas específicas del arte emakimono a través de algunos pergaminos característicos.
El Genji Monogatari Emaki , fechado aproximadamente entre los años 1120 y 1140, ilustra La historia de Genji en el estilo refinado e íntimo de la corte ( onna-e ), pero solo quedan hoy unos pocos fragmentos de cuatro pergaminos. [143] La escena que se muestra aquí representa la última visita del príncipe Genji a su amada moribunda, Lady Murasaki. En la composición, las diagonales revelan la emoción de los personajes. Primero, Lady Murasaki aparece en la parte superior derecha, luego las líneas guían la vista hacia el príncipe en el centro inferior, que parece estar aplastado por el dolor. Luego, la lectura continúa y, a la izquierda, han pasado varios meses, mostrando el jardín de los amantes devastado por el tiempo, haciendo eco de la amada perdida. [106] Los colores son más oscuros de lo habitual. En esta escena son visibles todos los elementos pictóricos clásicos del emakimono del género onna-e : las diagonales que guían la mirada, el fukinuki yatai , el hikime kagibana y los colores fijados uniformemente sobre toda la superficie, con la técnica tsukuri-e . [143]
El Shigisan Engi Emaki ofrece una narración popular y humorística de tres episodios de la vida del monje budista Myōren (fundador de Chōgosonshi-ji ), haciendo hincapié en la línea y los colores claros del otoko-e . Las estimaciones más precisas lo sitúan entre 1157 y 1180, y la calidad de las descripciones de los templos y del palacio sugiere que el artista está familiarizado tanto con los círculos eclesiásticos como con los aristocráticos. [130] Myōren, que vivía como ermitaño en las montañas de Kioto, solía enviar un cuenco mágico por el aire a la aldea cercana, para poder recibir su ofrenda de arroz. Un día, un rico comerciante se cansó de este ritual y encerró el cuenco en su ático. Para castigarlo, Myōren hizo estallar todo el granero que contenía la cosecha de la aldea, como se pinta en la escena que aquí se muestra; [144] en esa escena, conocida como el granero volador, el artista representa plenamente los sentimientos populares, el miedo y el pánico al ver desaparecer la cosecha. Los movimientos de la multitud y los rostros expresivos, casi burlescos, de los paisajes contrastan con la contención tangible del Genji Monogatari Emaki . [145] Así pues, este emakimono encaja en el género otoko-e , marcado por líneas de tinta dinámicas, colores claros que revelan el papel y temas de la vida cotidiana.
El Heiji Monogatari Emaki relata los acontecimientos históricos de la rebelión Heiji , un episodio de la guerra civil entre los clanes Taira y Minamoto al final de la era Heian. De los numerosos pergaminos originales, formados en la segunda mitad del siglo XIII, probablemente a lo largo de varias décadas, solo quedan tres, junto con varios fragmentos. [146] El primer pergamino, que representa el asedio del palacio Sanjō , es uno de los más famosos en el arte del emakimono , debido a su dominio del movimiento y la puesta en escena de la narración hasta el clímax: el fuego, que se extiende por casi toda la altura del pergamino en la escena mostrada aquí. En el foco del fuego, soldados representados de manera extremadamente realista, equipados con armas y armaduras, luchan violentamente, mientras que los aristócratas que intentan huir son masacrados salvajemente (aquí, uno es asesinado por un soldado peludo). [147] El incendio del palacio se hace eco del de otro pergamino más antiguo, el Ban Dainagon Ekotoba , famoso por su mezcla de escenas coloridas y refinadas. [96]
Los doce pergaminos del Ippen Shōnin Eden narran la biografía del monje santo Ippen , fundador de la escuela Ji-shū budismo de la Tierra Pura . Fueron pintados en 1299 por el monje pintor En'i , discípulo de Ippen, sobre seda, probablemente por la importancia del personaje. Ippen, cantor de la salvación de todas las almas y de las oraciones danzadas ( nenbutsu odori ), viajó por todo Japón para transmitir su doctrina a hombres, campesinos, habitantes de las ciudades y nobles. El emakimono es famoso por sus numerosas y fuertes escenas de paisajes típicos de Japón, tan realistas que todavía hoy se pueden reconocer perfectamente. [148] La escena que se muestra aquí, en la que Ippen y sus discípulos llegan a Kioto por el puente sobre el río Kamo , ilustra el singular estilo emakimono , que se inspira tanto en el realismo clásico yamato-e del arte de Kamakura como en la pintura al agua de la dinastía Song . El resultado, tan admirado por los especialistas, parece muy cercano a los profundos y espirituales paisajes chinos con trazos de tinta ásperos, aunque conserva una iconografía japonesa a través de la libertad tomada con la perspectiva (los caracteres en particular son desproporcionados) y los elementos de la vida cotidiana. [105]
El Kegon Engi Emaki , pintado alrededor de 1218-1230, ilustra la leyenda de dos monjes coreanos que fundaron la secta Kegon en su país en el siglo XII. [149] Uno de ellos, Gishō, hizo una peregrinación a China en su juventud para completar su educación budista. Allí, conoció a una joven china, Zenmyō, que se enamoró de él. Por desgracia, el día en que debía partir, esta última llegó tarde al puerto y, desesperada, se arrojó al agua, jurando proteger a su amada para siempre. Luego se transformó en un dragón y se convirtió en una deidad protectora de la escuela Kegon, según la leyenda. La conocida escena que se muestra aquí, en la que Zenmyō, transformada en dragón, lleva el barco de Gishō sobre su espalda, presenta líneas suaves y finas, así como colores discretos que no enmascaran las pinceladas; Este estilo también parece inspirado en la pintura al aguada de la dinastía Song, a la que se ha añadido la sensibilidad muy japonesa por los colores. De hecho, el patrocinador del rollo, el monje Myōe de Kōzan-ji , apreciaba el arte del continente asiático y trajo a Japón varias obras chinas contemporáneas, que probablemente inspiraron a los artistas de su taller de pintura. [122]
Los rollos originales del Kitano Tenjin Engi Emaki , que relatan los hechos sobre la vida y la muerte de Sugawara no Michizane , erudito ministro del Emperador durante su vida, y deificado según la leyenda como un kami de los estudios y las letras, demuestran una sensibilidad a la hora de mezclar el budismo y, sobre todo, el sintoísmo. Los rollos estaban destinados en realidad al santuario sintoísta de Kitano Tenmangū en Kioto; los dos últimos de los ocho rollos narran la fundación y los milagros. [51] Sin embargo, la división temática de la obra parece inacabada, habiéndose sacado a la luz el boceto de un noveno rollo. En la escena que se muestra aquí, Michizane, injustamente condenado al exilio, invoca a los dioses en su desgracia. La composición de la pintura da testimonio de una sensibilidad muy japonesa; Michizane está representado desproporcionadamente para subrayar su grandeza y determinación frente al deshonor, mientras que el paisaje de colores vivos y casi sin contornos ( mokkotsu ) está imbuido de animismo sintoísta. [150] Las nieblas que se asemejan a largas cintas opacas son otras características del emakimono , aunque también están presentes en una forma diferente en el arte chino. [105]
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![Paisaje montañoso escarpado y ermita, Kiyomizu-dera Engi Emaki [fr], 1517](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a7/Kiyomizudera_engi_emaki_-_Scroll1_Pic3.jpg/1280px-Kiyomizudera_engi_emaki_-_Scroll1_Pic3.jpg)
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![Pintura a tinta libre, Shōgun-zuka Emaki [fr], siglo XIII](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/2/23/Sh%C5%8Dgun-zuka_emaki,_detail_A.jpg/1280px-Sh%C5%8Dgun-zuka_emaki,_detail_A.jpg)
![Paisaje pintado a mano. Versión monocromática de Saigyō Monogatari Emaki [fr], siglo XV](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/b/b4/Habukyo_Saigyo_Monogatari_Emaki_-_travel.jpg/1280px-Habukyo_Saigyo_Monogatari_Emaki_-_travel.jpg)
![Pintura en friso sobre el texto, una forma de origen chino que fue rápidamente abandonada, Sutra ilustrado de causa y efecto [fr], siglo VIII](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/e/e7/E_innga_kyo.jpg/1280px-E_innga_kyo.jpg)
![Texto antes de la pintura, Obusuma Saburo Emaki [fr], siglo VIII](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/70/Obusuma_Saburo_emaki_-_part_13.jpg/1280px-Obusuma_Saburo_emaki_-_part_13.jpg)
![Texto ubicado en un recuadro en la parte superior del pergamino, Kegon Gojūgo-sho Emaki [fr], siglo XII](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/7f/Kegon_Goj%C5%ABgo-sho_Emaki_(Todaiji).jpg/1280px-Kegon_Goj%C5%ABgo-sho_Emaki_(Todaiji).jpg)
![Escena en la que se utiliza la técnica iji-dō-zu: el grupo de demonios se representa primero ardiendo en la parte inferior, luego escuchando los sermones del Buda histórico en el medio y, finalmente, bebiendo y alcanzando los cielos. Gaki Zōshi [fr], siglo XII](http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c3/Hungry_Ghosts_Scroll_Kyoto_5.jpg/1280px-Hungry_Ghosts_Scroll_Kyoto_5.jpg)
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