Desde finales del siglo XVI se han representado miles de representaciones de las obras de William Shakespeare . Mientras Shakespeare estaba vivo, muchas de sus mejores obras fueron representadas por las compañías de actuación Lord Chamberlain's Men y King's Men en los teatros Globe y Blackfriars . [1] [2] Entre los actores de estas representaciones originales se encontraban Richard Burbage (quien interpretó el papel principal en las primeras representaciones de Hamlet , Otelo , Ricardo III y El rey Lear ), [3] Richard Cowley y William Kempe .
Las obras de Shakespeare continuaron representándose después de su muerte hasta el Interregno (1642-1660), cuando los gobernantes puritanos prohibieron la mayoría de las representaciones teatrales públicas . Después de la Restauración inglesa , las obras de Shakespeare se representaron en teatros, con decorados elaborados y con música, bailes, truenos, relámpagos, máquinas de olas y fuegos artificiales . Durante este tiempo los textos fueron "reformados" y "mejorados" para el escenario, una empresa que ha parecido sorprendentemente irrespetuosa a la posteridad.
Las producciones victorianas de Shakespeare a menudo buscaban efectos pictóricos en trajes y decorados históricos "auténticos". La puesta en escena de las peleas navales y la escena de barcazas en Antonio y Cleopatra fue un ejemplo espectacular. [4] Una escenografía tan elaborada para los lugares que cambiaban con frecuencia en las obras de Shakespeare a menudo conducía a una pérdida de ritmo. A finales del siglo XIX, William Poel encabezó una reacción contra este estilo pesado. En una serie de producciones "isabelinas" sobre un escenario de empuje , prestó nueva atención a la estructura del drama. A principios del siglo XX, Harley Granville-Barker dirigió textos en cuarto y folio con pocos cortes, [5] mientras que Edward Gordon Craig y otros pidieron una puesta en escena abstracta. Ambos enfoques han influido en la variedad de estilos de producción de Shakespeare que se ven hoy en día. [6]
No se conoce con certeza la compañía para la que Shakespeare escribió sus primeras obras; la portada de la edición de 1594 de Titus Andronicus revela que había sido actuado por tres compañías diferentes. [7] Después de las plagas de 1592-1593, las obras de Shakespeare fueron representadas por Lord Chamberlain's Men, una nueva compañía de la que Shakespeare fue miembro fundador, en The Theatre and the Curtain en Shoreditch , al norte del Támesis. [8] Los londinenses acudieron en masa para ver la primera parte de Enrique IV , y Leonard Digges recordó: "Que venga Falstaff, Hal, Poins, el resto... y apenas tendrás una habitación". [9] Cuando el propietario del teatro anunció que no renovaría el contrato de arrendamiento de la compañía, derribaron la casa y utilizaron las vigas para construir el Globe Theatre , la primera casa de teatro de Londres construida por actores para actores, en la orilla sur del Támesis en Southwark . [10] El Globo se inauguró en otoño de 1599, con Julio César como una de las primeras obras representadas. La mayoría de las mejores obras de Shakespeare posteriores a 1599 fueron escritas para el Globe, incluidas Hamlet , Otelo y El rey Lear . [11]
El Globe, al igual que otros teatros públicos de techo abierto de Londres, empleaba un escenario de empuje, cubierto por un dosel de tela. Una fachada de dos pisos en la parte trasera del escenario ocultaba la casa agotadora y, a través de ventanas cerca de la parte superior de la fachada, oportunidades para escenas de balcones como la de Romeo y Julieta . Las puertas en la parte inferior de la fachada pueden haber sido utilizadas para escenas de descubrimiento como la del final de La Tempestad . Una trampilla en el propio escenario podría usarse para actividades escénicas, como algunas de las que involucran al fantasma en Hamlet . Esta zona de la trampilla se llamaba "infierno", al igual que el dosel de arriba se llamaba "cielo".
Se sabe menos sobre otras características de la puesta en escena y la producción. Los accesorios escénicos parecen haber sido mínimos, aunque el vestuario fue lo más elaborado posible. El "tráfico de dos horas" mencionado en el prólogo de Romeo y Julieta no fue fantasioso; La hostilidad del gobierno de la ciudad significó que las representaciones se limitaran oficialmente a ese período de tiempo. Aunque no se sabe con qué seriedad las compañías tomaron tales mandatos, parece probable que las obras se representaran a una velocidad casi vertiginosa o que los textos de las obras que ahora existen fueran cortados para su representación, o ambas cosas.
El otro teatro principal donde se representaron las obras originales de Shakespeare fue el segundo Teatro Blackfriars , un teatro cubierto construido por James Burbage , padre de Richard Burbage y empresario de Lord Chamberlain's Men. Sin embargo, las protestas del vecindario impidieron que Burbage usara el teatro para las presentaciones de Lord Chamberlain's Men durante varios años. Después de que los Hombres de Lord Chamberlain pasaran a llamarse Hombres del Rey en 1603, entablaron una relación especial con la nueva corte del Rey James . Los registros de actuaciones son irregulares, pero se sabe que los Hombres del Rey representaron siete obras de Shakespeare en la corte entre el 1 de noviembre de 1604 y el 31 de octubre de 1605, incluidas dos representaciones de El mercader de Venecia . [12] En 1608, los King's Men (como se conocía entonces a la compañía) tomaron posesión del Teatro Blackfriars . Después de 1608, la compañía actuó en el interior del Blackfriars Theatre durante el invierno y en el Globe durante el verano. [13] El escenario interior, combinado con la moda jacobea de máscaras lujosamente escenificadas , creó nuevas condiciones para la actuación que permitieron a Shakespeare introducir recursos escénicos más elaborados. En Cimbelino , por ejemplo, Júpiter desciende "entre truenos y relámpagos, sentado sobre un águila: lanza un rayo. Los fantasmas caen de rodillas". [14] Las obras producidas en el teatro interior presumiblemente también hicieron un mayor uso de efectos de sonido y música.
Sobrevive un fragmento del diario del capitán naval William Keeling , en el que detalla las actuaciones de su tripulación a bordo de Hamlet (frente a la costa de Sierra Leona , 5 de septiembre de 1607, y en Socotra , 31 de marzo de 1608), [15] y Ricardo II. (Sierra Leona, 30 de septiembre de 1607). [15] Durante un tiempo después de su descubrimiento, se sospechó que el fragmento era una falsificación, pero ahora se acepta generalmente como genuino. [16] Estas son las primeras representaciones amateur registradas de cualquier obra de Shakespeare. [15]
El 29 de junio de 1613, el Globe Theatre se incendió durante una representación de Enrique VIII . Un cañón teatral, disparado durante la representación, falló, incendiando las vigas de madera y el techo de paja. Según uno de los pocos documentos que se conservan del suceso, nadie resultó herido excepto un hombre que apagó sus pantalones en llamas con una botella de cerveza. [17] El evento señala la fecha de una obra de Shakespeare con rara precisión. Sir Henry Wotton registró que la obra "se presentó con muchas circunstancias extraordinarias de pompa y ceremonia". [18] El teatro fue reconstruido pero, como todos los demás teatros de Londres, el Globe fue cerrado por los puritanos en 1642.
Los actores de la compañía de Shakespeare incluían a Richard Burbage , Will Kempe , Henry Condell y John Heminges . Burbage desempeñó el papel principal en las primeras representaciones de muchas de las obras de Shakespeare, incluidas Ricardo III , Hamlet , Otelo y El rey Lear . [19] El popular actor cómico Will Kempe interpretó a Peter en Romeo y Julieta y a Dogberry en Much Ado About Nothing , entre otros papeles. Fue reemplazado a principios del siglo XVI por Robert Armin , quien interpretó papeles como Touchstone en Como gustéis y el tonto en King Lear . [20] Ciertamente, se sabe poco sobre los estilos de actuación. Los críticos elogiaron a los mejores actores por su naturalidad. Se despreció a los desvariadores y a aquellos que "hacían pedazos una pasión", como dice Hamlet. También en el caso de Hamlet, los dramaturgos se quejan de los payasos que improvisan en el escenario (los críticos modernos a menudo culpan a Kemp en particular a este respecto). En la antigua tradición de la comedia, que alcanzó su cúspide con Richard Tarlton , los payasos, a menudo el dibujo principal de una compañía, eran responsables de crear comedias. En la era jacobea, ese tipo de humor había sido suplantado por el ingenio verbal.
Las obras de Shakespeare continuaron representándose después de su muerte hasta el Interregno (1642-1660), cuando los gobernantes puritanos prohibieron la mayoría de las representaciones teatrales públicas . Si bien se les negó el uso del escenario, el vestuario y la escenografía, los actores aún lograron ejercer su oficio interpretando " drolls " o piezas cortas de obras más grandes que generalmente terminaban con algún tipo de jig. Shakespeare fue uno de los muchos dramaturgos cuyas obras fueron saqueadas para estas escenas. Entre las bromas tomadas de Shakespeare se encuentran Bottom the Weaver ( las escenas de Bottom de El sueño de una noche de verano ) [21] y The Grave-makers (la escena del sepulturero de Hamlet ). [22]
Durante la Restauración de 1660, las obras de Shakespeare se dividieron entre las dos compañías recién autorizadas: la King's Company de Thomas Killigrew y los Duke 's Men de William Davenant . El sistema de licencias prevaleció durante dos siglos; De 1660 a 1843, sólo dos compañías principales presentaron regularmente a Shakespeare en Londres. Davenant, que había conocido a actores de los primeros Stuart como John Lowin y Joseph Taylor , fue la figura principal que estableció cierta continuidad con las tradiciones anteriores; sus consejos a sus actores son, por tanto, de interés como posibles reflejos de prácticas originales.
Sin embargo, en general, la innovación estuvo a la orden del día para las empresas de Restauración. John Downes informa que King's Men inicialmente incluía algunos actores de Caroline; sin embargo, la ruptura forzada del Interregno dividió a ambas empresas del pasado. Los actores de la restauración actuaban en los escenarios del proscenio , a menudo por la noche, entre las seis y las nueve. La escenografía y la utilería se volvieron más elaboradas y variables. Quizás lo más notable fue que los jugadores masculinos fueron reemplazados por actrices. El público de los teatros cubiertos, comparativamente caros, era más rico, mejor educado y más homogéneo que las multitudes diversas y a menudo rebeldes del Globe. La compañía de Davenant comenzó en el Salisbury Court Theatre , luego se trasladó al teatro de Lincoln's Inn Fields , y finalmente se instaló en el Dorset Garden Theatre . Killigrew comenzó en la cancha de tenis de Gibbon antes de instalarse en el nuevo teatro de Christopher Wren en Drury Lane . Los patrocinadores de ambas compañías esperaban tarifas bastante diferentes de las que habían complacido a los isabelinos. En cuanto a la tragedia, sus gustos se inclinaban hacia el drama heroico ; para la comedia, a la comedia costumbrista . Aunque les gustaba Shakespeare, parece que deseaban que sus obras se ajustaran a estas preferencias.
Los escritores de la Restauración los obligaron adaptando libremente las obras de Shakespeare. Escritores como William Davenant y Nahum Tate reescribieron algunas de las obras de Shakespeare para adaptarlas a los gustos de la época, que favorecían la comedia cortesana de Beaumont y Fletcher y las reglas neoclásicas del drama . [23] En 1681, Tate proporcionó La historia del rey Lear , una versión modificada de la tragedia original de Shakespeare con un final feliz. Según Stanley Wells, la versión de Tate "suplantó la obra de Shakespeare en todas las representaciones realizadas entre 1681 y 1838", [24] cuando William Charles Macready interpretó a Lear a partir de una versión abreviada y reorganizada del texto de Shakespeare. [25] "Tuve la buena suerte", dijo Tate, "de encontrar un recurso para rectificar lo que faltaba en la regularidad y probabilidad de la historia, que era transmitir a través de todo un amor entre Edgar y Cordelia que nunca cambió las palabras. entre sí en el original". [26]
El Lear de Tate sigue siendo famoso como ejemplo de una adaptación mal concebida que surge de la insensibilidad a la visión trágica de Shakespeare. El genio de Tate no estaba en el lenguaje (muchas de sus líneas interpoladas ni siquiera se escanean) sino en la estructura; Su Lear comienza brillantemente con el primer discurso que llama la atención de Edmund el Bastardo y termina con la heroica salvación de Cordelia en la prisión por parte de Lear y la restauración de la justicia en el trono. La visión del mundo de Tate, y la del mundo teatral que abrazó (y exigió) sus versiones de "final feliz" de las obras trágicas del Bardo (como El rey Lear y Romeo y Julieta ) durante más de un siglo, surgieron de un sentido de moralidad profundamente diferente en sociedad y del papel que el teatro y el arte deben desempeñar dentro de esa sociedad. Las versiones de Shakespeare de Tate ven la responsabilidad del teatro como un agente transformador para un cambio positivo al presentar un espejo moral ante nuestros instintos más básicos. Las versiones de Tate de lo que ahora consideramos algunas de las mejores obras del Bardo dominaron el escenario durante todo el siglo XVIII precisamente porque los Siglos de la Ilustración y la Razón encontraron inmoral la "visión trágica" de Shakespeare y sus obras trágicas inescenificadas. Tate rara vez se representa hoy en día, aunque en 1985, la Riverside Shakespeare Company montó una exitosa producción de La Historia del Rey Lear en el Centro Shakespeare , anunciada por algunos como un "Lear para la era de Ronald Reagan". [27]
Quizás un ejemplo más típico del propósito de las revisiones de la Restauración sea La ley contra los amantes , de Davenant , una comedia de 1662 que combina la trama principal de Medida por medida con la trama secundaria de Mucho ruido y pocas nueces . El resultado es una instantánea de los gustos cómicos de la Restauración. Beatrice y Benedick se ponen en paralelo con Claudio y Hero; el énfasis está en la conversación ingeniosa, y el enfoque temático de Shakespeare sobre la lujuria se minimiza constantemente. La obra termina con tres matrimonios: el de Benedick con Beatriz, el de Claudio con Hero y el de Isabel con un Angelo cuyo atentado contra la virtud de Isabel fue una estratagema. Davenant escribió muchas de las escenas puente y reformuló gran parte de los versos de Shakespeare como coplas heroicas .
Una última característica del arte escénico de la Restauración impactó las producciones de Shakespeare. El gusto por la ópera que los exiliados habían desarrollado en Francia dejó su huella también en Shakespeare. Davenant y John Dryden convirtieron La Tempestad en una ópera, La Tempestad o La Isla Encantada ; en su trabajo figuraba una hermana de Miranda, un hombre, Hipólito, que nunca había visto a una mujer, y al final otro matrimonio en pareja. También incluía muchas canciones, una espectacular escena de naufragio y una máscara de cupidos voladores. Otras obras de Shakespeare a las que se les dio tratamiento operístico incluyeron El sueño de una noche de verano (como La reina de las hadas en 1692) y Medida por medida de Charles Gildon (a través de una elaborada mascarada).
Por muy equivocadas que puedan parecer ahora tales revisiones, tenían sentido para los dramaturgos y el público de la época. Los dramaturgos se acercaron a Shakespeare no como bardoladores , sino como profesionales del teatro. A diferencia de Beaumont y Fletcher, cuyas "obras son ahora el entretenimiento más agradable y frecuente del escenario", según Dryden en 1668, "dos de las suyas se representaban durante el año para una de Shakespeare o Jonson", [ 28] Shakespeare parecía que se hayan vuelto anticuados. Sin embargo, casi universalmente consideraron que valía la pena actualizarlo. Aunque la mayoría de estas piezas revisadas fracasaron en el escenario, muchas permanecieron vigentes en el escenario durante décadas; La adaptación romana de Romeo y Julieta de Thomas Otway , por ejemplo, parece haber expulsado al original de Shakespeare de los escenarios entre 1680 y 1744. Fue en gran parte el Shakespeare revisado el que ocupó el primer lugar en el repertorio a principios del siglo XVIII. mientras que la participación de Beaumont y Fletcher disminuyó constantemente. [29]
El siglo XVIII fue testigo de tres cambios importantes en la producción de las obras de Shakespeare. En Inglaterra, el desarrollo del star system transformó tanto la actuación como la producción; A finales de siglo, la revolución romántica afectó a la actuación como a todas las artes. Al mismo tiempo, actores y productores comenzaron a volver a los textos de Shakespeare, eliminando lentamente las revisiones de la Restauración. Finalmente, a finales de siglo las obras de Shakespeare se habían establecido como parte del repertorio fuera de Gran Bretaña: no sólo en Estados Unidos sino en muchos países europeos.
En el siglo XVIII, Shakespeare dominó los escenarios de Londres, mientras que las producciones de Shakespeare se convirtieron cada vez más en la creación de turnos de estrellas para actores estrella. Después de la Ley de Licencias de 1737, una cuarta parte de las obras representadas fueron de Shakespeare, y en al menos dos ocasiones teatros rivales de Londres representaron la misma obra de Shakespeare al mismo tiempo ( Romeo y Julieta en 1755 y El Rey Lear el año siguiente) y todavía dominaba al público. Esta ocasión fue un ejemplo sorprendente de la creciente prominencia de las estrellas de Shakespeare en la cultura teatral, siendo la gran atracción la competencia y rivalidad entre los protagonistas masculinos de Covent Garden y Drury Lane, Spranger Barry y David Garrick . En la década de 1740, Charles Macklin , en papeles como Malvolio y Shylock , y David Garrick , que ganó fama como Ricardo III en 1741, ayudaron a que Shakespeare fuera verdaderamente popular. [30] Garrick pasó a producir 26 de las obras en el Drury Lane Theatre entre 1747 y 1776, y celebró un gran Jubileo de Shakespeare en Stratford en 1769. [31] Sin embargo, adaptó libremente la obra de Shakespeare, diciendo de Hamlet : "Yo Había jurado que no abandonaría el escenario hasta haber rescatado esa noble obra de toda la basura del quinto acto. La he presentado sin el truco del sepulturero, Osrick y el combate de esgrima. [32] Aparentemente no se percibió ninguna incongruencia en que Barry y Garrick, de casi treinta años, interpretaran al Romeo adolescente una temporada y al Rey Lear geriátrico la siguiente. Las nociones de verosimilitud del siglo XVIII generalmente no requerían que un actor fuera físicamente apropiado para un papel, un hecho resumido en una producción de Romeo y Julieta de 1744 en la que Theophilus Cibber , entonces de cuarenta años, interpretó a Romeo para la Julieta de su hija adolescente Jennie.
Algunas de las obras de Shakespeare se representaron en Europa continental incluso durante su vida; Ludwig Tieck señaló versiones alemanas de Hamlet y otras obras, de procedencia incierta, pero ciertamente bastante antiguas. [33] pero no fue hasta después de mediados del siglo siguiente que Shakespeare apareció regularmente en los escenarios alemanes. [34] En Alemania , Lessing comparó a Shakespeare con la literatura popular alemana. Goethe organizó un jubileo de Shakespeare en Frankfurt en 1771, afirmando que el dramaturgo había demostrado que las unidades aristotélicas eran "tan opresivas como una prisión" y eran "grilletes gravosos para nuestra imaginación". Herder proclamó asimismo que la lectura de la obra de Shakespeare abre "hojas del libro de los acontecimientos, de la providencia, del mundo, que flotan en las arenas del tiempo ". [35] Esta afirmación de que la obra de Shakespeare traspasa todas las fronteras creativas para revelar un mundo caótico, repleto y contradictorio se volvió característica de la crítica romántica, y más tarde fue expresada por Victor Hugo en el prefacio de su obra Cromwell , en la que elogiaba a Shakespeare como artista. de lo grotesco , un género en el que lo trágico, lo absurdo, lo trivial y lo serio estaban inseparablemente entrelazados. [36]
Los teatros y la escenografía teatral se volvieron cada vez más elaborados en el siglo XIX, y las ediciones actorales utilizadas fueron progresivamente cortadas y reestructuradas para enfatizar cada vez más los soliloquios y las estrellas, a expensas del ritmo y la acción. [37] Las actuaciones se vieron aún más ralentizadas por la necesidad de pausas frecuentes para cambiar el escenario, creando una necesidad percibida de aún más cortes para mantener la duración de la actuación dentro de límites tolerables; se convirtió en una máxima generalmente aceptada que las obras de Shakespeare eran demasiado largas para representarse sin cortes sustanciales. La plataforma, o plataforma, escenario sobre la cual los actores del siglo XVII se adelantaban para establecer contacto con el público, ya no estaba, y los actores permanecían permanentemente detrás de la cuarta pared o arco del proscenio , más separados del público por la orquesta (ver imagen en bien).
Las producciones victorianas de Shakespeare a menudo buscaban efectos pictóricos en trajes y decorados históricos "auténticos". La puesta en escena de las peleas navales y la escena de barcazas en Antonio y Cleopatra fue un ejemplo espectacular. [4] Con demasiada frecuencia, el resultado fue una pérdida de ritmo. Hacia finales de siglo, William Poel encabezó una reacción contra este estilo pesado. En una serie de producciones "isabelinas" sobre un escenario de empuje , prestó nueva atención a la estructura del drama.
A lo largo del siglo XIX, una lista de nombres de actores legendarios prácticamente ahoga las obras en las que aparecen: Sarah Siddons (1755–1831), John Philip Kemble (1757–1823), Henry Irving (1838–1905) y Elena Terry (1847-1928). Ser estrella del drama legítimo pasó a significar ser ante todo un "gran actor de Shakespeare", con una famosa interpretación de Hamlet, para los hombres, y de Lady Macbeth, para las mujeres, y sobre todo con una interpretación llamativa de los grandes soliloquios. . El apogeo del espectáculo, la estrella y el soliloquio de la interpretación de Shakespeare llegó con el reinado del actor y director Henry Irving y su coprotagonista Ellen Terry en sus producciones elaboradamente escenificadas, a menudo con música orquestal incidental , en el Lyceum Theatre de Londres de 1878 a 1902. Al mismo tiempo, la Elizabethan Stage Society de William Poel estaba efectuando un regreso revolucionario a las raíces de los textos originales de Shakespeare y al escenario de la plataforma, la ausencia de escenario y los cambios fluidos de escena del teatro isabelino . [38]
A principios del siglo XX, Harley Granville-Barker dirigió textos en cuarto y folio con pocos cortes, [5] mientras que Edward Gordon Craig y otros pidieron una puesta en escena abstracta. Ambos enfoques han influido en la variedad de estilos de producción de Shakespeare que se ven hoy en día. [6]
El siglo XX también vio una multiplicidad de interpretaciones visuales de las obras de Shakespeare .
El diseño de Gordon Craig para Hamlet en 1911 fue innovador por su influencia cubista . Craig definió el espacio con pisos simples: lienzos monocromáticos estirados sobre marcos de madera, que estaban unidos entre sí para ser autoportantes. Aunque la construcción de estos pisos no fue original, su aplicación a Shakespeare fue completamente nueva. Los pisos se podían alinear en muchas configuraciones y proporcionaban una técnica para simular estructuras líticas arquitectónicas o abstractas a partir de materiales y métodos comunes a cualquier teatro en Europa o América.
El segundo cambio importante en la escenografía de Shakespeare del siglo XX se produjo en la producción de Cymbeline de Barry Vincent Jackson de 1923 en el Birmingham Rep . Esta producción fue innovadora porque reintrodujo la idea de la vestimenta moderna en Shakespeare. No fue la primera producción de vestidos modernos ya que hubo algunos ejemplos menores antes de la Primera Guerra Mundial , pero Cymbeline fue la primera en llamar la atención sobre el dispositivo de manera descarada. Iachimo estaba vestido de noche para la apuesta, la corte vestía uniformes militares y la disfrazada Imogen con pantalones cortos y gorra. Fue para esta producción que los críticos inventaron el eslogan "Shakespeare en plus-fours". [39] El experimento tuvo un éxito moderado y el director, HK Ayliff , dos años más tarde representó Hamlet con vestimenta moderna. Estas producciones allanaron el camino para las producciones de Shakespeare con vestimenta moderna que conocemos hoy.
En 1936, Orson Welles fue contratado por el Federal Theatre Project para dirigir una producción innovadora de Macbeth en Harlem con un elenco exclusivamente afroamericano . La producción se conoció como Voodoo Macbeth , ya que Welles cambió el escenario a un Haití del siglo XIX gobernado por un rey malvado completamente controlado por la magia africana. [40] Inicialmente hostil, la comunidad negra se dedicó a la producción a fondo, asegurando un lleno total durante diez semanas en el Teatro Lafayette y provocando un pequeño éxito en Broadway y una gira nacional. [41]
Otras producciones notables del siglo XX que siguen esta tendencia de reubicar las obras de Shakespeare son Macbeth de HK Ayliff de 1928 ambientada en los campos de batalla de la Primera Guerra Mundial , Julio César de Welles de 1937 basada en las manifestaciones nazis en Nuremberg , y Coriolano de Thacker de 1994 disfrazado a la manera de la Revolución Francesa . [42]
En 1978, se representó en el Royal Shakespeare Theatre una versión deconstructiva de La fierecilla domada . [43] El personaje principal caminó entre la audiencia hacia el escenario, actuando borracho y gritando comentarios sexistas antes de proceder a derribar (es decir, deconstruir) el escenario. Incluso después de la cobertura de la prensa, algunos miembros del público huyeron de la actuación, pensando que estaban presenciando un asalto real. [43]
La Royal Shakespeare Company del Reino Unido ha producido dos importantes festivales de Shakespeare en el siglo XXI. El primero fue el Complete Works (festival RSC) en 2006-2007, que presentó producciones de todas las obras de teatro y poemas de Shakespeare. [44] El segundo es el Festival Mundial de Shakespeare en 2012, que forma parte de la Olimpiada Cultural de Londres 2012 y presenta casi 70 producciones en las que participan miles de artistas de todo el mundo. [45] Más de la mitad de estas producciones forman parte del Festival Globe to Globe . Cada una de las producciones de este festival ha sido revisada por académicos, profesionales del teatro y blogueros de Shakespeare en un proyecto llamado Año de Shakespeare.
En mayo de 2009, Hamlet abrió con Jude Law en el papel principal en la temporada de Donmar Warehouse West End en Wyndham's . A él se unieron Ron Cook , Peter Eyre , Gwilym Lee , John MacMillan , Kevin R McNally , Gugu Mbatha-Raw , Matt Ryan , Alex Waldmann y Penelope Wilton . La producción se inauguró oficialmente el 3 de junio y se prolongó hasta el 22 de agosto de 2009. [46] [47] La producción también se montó en Elsinore Castle en Dinamarca del 25 al 30 de agosto de 2009 [48] y en Broadway en el Broadhurst Theatre de Nueva York .
La compañía Propeller ha llevado producciones con reparto exclusivamente masculino a todo el mundo. [49] Phyllida Lloyd ha presentado continuamente versiones exclusivamente femeninas de Shakespeare en Londres. [50] [51] [52]
Desde principios del siglo XX se han producido más de 420 versiones cinematográficas de las obras de Shakespeare, lo que convierte a Shakespeare en el autor más filmado de todos los tiempos. [53] Algunas de las adaptaciones cinematográficas, especialmente las películas de Hollywood dirigidas a un público adolescente, utilizan sus tramas en lugar de sus diálogos, mientras que otras son simplemente versiones filmadas de sus obras.
Durante siglos hubo un estilo aceptado de cómo se debía representar a Shakespeare que fue etiquetado erróneamente como "isabelino", pero que en realidad reflejaba una tendencia de diseño de un período poco después de la muerte de Shakespeare. Las representaciones de Shakespeare se realizaron originalmente con vestimenta contemporánea. Los actores iban vestidos con ropa que podrían usar fuera del escenario. Esto continuó hasta el siglo XVIII, el período georgiano, donde los disfraces eran la vestimenta de moda actual. No fue hasta siglos después de su muerte, principalmente en el siglo XIX, que las producciones comenzaron a mirar hacia atrás y trataron de ser "auténticas" al estilo de Shakespeare. La época victoriana tenía una fascinación por la precisión histórica y esto se adaptó al escenario para atraer a la clase media educada. Charles Kean estaba particularmente interesado en el contexto histórico y pasó muchas horas investigando la vestimenta y el escenario histórico de sus producciones. Este estilo falso shakesperiano se mantuvo hasta el siglo XX. En el siglo XXI, hay muy pocas producciones de Shakespeare, tanto en el escenario como en el cine, que todavía se representen con vestimenta "auténtica" de la época, mientras que en 1990, prácticamente todas las versiones cinematográficas verdaderas de una obra de Shakespeare eran realizado con el traje de época correcto.
