Noh (能, Nō , derivado de la palabra chino-japonesa que significa "habilidad" o "talento") es una forma importante de danza- drama clásica japonesa que se ha representado desde el siglo XIV. Desarrollado por Kan'ami y su hijo Zeami , es el arte teatral importante más antiguo que todavía se representa regularmente en la actualidad. [1] Aunque los términos Noh y nōgaku a veces se usan indistintamente, nōgaku abarca tanto Noh como kyōgen . Tradicionalmente, un programa completo de nōgaku incluía varias obras de Noh con obras cómicas de kyōgen en el medio; Hoy en día se ha vuelto común un programa abreviado de dos obras de Noh con una pieza de kyōgen . Opcionalmente, la actuación ritual Okina se puede presentar al comienzo de la presentación del nōgaku .
Noh a menudo se basa en cuentos de la literatura tradicional con un ser sobrenatural transformado en forma humana como un héroe que narra una historia. Noh integra máscaras, disfraces y diversos accesorios en una actuación basada en danza, que requiere actores y músicos altamente capacitados. Las emociones se transmiten principalmente mediante gestos convencionales estilizados, mientras que las máscaras icónicas representan roles como fantasmas, mujeres, deidades y demonios. Escrito en japonés medio tardío , el texto "describe vívidamente a la gente corriente de los siglos XII al XVI". [ atribución necesaria ] [2] Con un fuerte énfasis en la tradición más que en la innovación, el Noh está extremadamente codificado y regulado por el sistema iemoto .
,_Edo_period,_18th_century,_bamboo_and_chrysanthemum_design_on_red_and_white_checkered_ground_-_Tokyo_National_Museum_-_DSC06159.JPG/1280px-thumbnail.jpg)
El kanji de Noh (能) significa "habilidad", "artesanía" o "talento", particularmente en el campo de las artes escénicas en este contexto. La palabra Noh puede usarse sola o con gaku (楽; entretenimiento, música) para formar la palabra nōgaku . Noh es una tradición clásica muy valorada por muchos hoy en día. Cuando se usa solo, Noh se refiere al género histórico de teatro que se originó en el sarugaku a mediados del siglo XIV y continúa representándose en la actualidad. [3]
Uno de los precursores más antiguos del Noh y el kyōgen es el sangaku , que se introdujo en Japón desde China en el siglo VIII. En ese momento, el término sangaku se refería a varios tipos de actuaciones con acróbatas, canciones y danzas, así como sketches cómicos. Su posterior adaptación a la sociedad japonesa condujo a su asimilación de otras formas de arte tradicionales." [2] Varios elementos artísticos escénicos en sangaku , así como elementos de dengaku (celebraciones rurales realizadas en relación con la plantación de arroz), sarugaku (entretenimiento popular que incluye acrobacias, malabares y pantomima), shirabyōshi (danzas tradicionales interpretadas por bailarinas en la Corte Imperial en el siglo XII), gagaku (música y danza interpretadas en la Corte Imperial a partir del siglo VII) y kagura (antiguas danzas sintoístas en los cuentos populares ). ) evolucionó en Noh y kyōgen . [1]
Los estudios sobre la genealogía de los actores Noh del siglo XIV indican que eran miembros de familias especializadas en las artes escénicas. Según la leyenda, la escuela Konparu, considerada la tradición más antigua del Noh, fue fundada por Hata no Kawakatsu en el siglo VI. Sin embargo, el fundador de la escuela Konparu, ampliamente aceptada entre los historiadores, fue Bishaō Gon no Kami (Komparu Gonnokami) durante el período Nanboku-chō en el siglo XIV. Según el cuadro genealógico de la escuela Konparu, Bishaō Gon no Kami es descendiente de 53 generaciones de Hata no Kawakatsu. La escuela Konparu descendía del grupo sarugaku que había desempeñado papeles activos en Kasuga-taisha y Kofuku-ji en la provincia de Yamato . [4] [5] [6]
Otra teoría, de Shinhachirō Matsumoto, sugiere que el Noh se originó a partir de marginados que luchaban por reclamar un estatus social más alto atendiendo a quienes estaban en el poder, es decir, la nueva clase samurái gobernante de la época. El traslado del shogunato de Kamakura a Kioto al comienzo del período Muromachi marcó el creciente poder de la clase samurái y fortaleció la relación entre el shogunato y la corte. Cuando el Noh se convirtió en la forma de arte favorita del shōgun , el Noh pudo convertirse en una forma de arte cortesano a través de esta relación recién formada. En el siglo XIV, con el fuerte apoyo y patrocinio del shōgun Ashikaga Yoshimitsu , Zeami pudo establecer el Noh como la forma de arte teatral más destacada de la época. [3]
En el siglo XIV, durante el período Muromachi (1336 a 1573), Kan'ami Kiyotsugu y su hijo Zeami Motokiyo reinterpretaron varias artes escénicas tradicionales y completaron el Noh en una forma significativamente diferente de la tradicional, esencialmente trayendo el Noh a la forma actual. [7] Kan'ami era un actor reconocido con gran versatilidad interpretando papeles desde mujeres elegantes y niños de 12 años hasta hombres fuertes. Cuando Kan'ami presentó por primera vez su trabajo a Ashikaga Yoshimitsu , de 17 años , Zeami era un niño actor en su obra, alrededor de los 12 años. Yoshimitsu se enamoró de Zeami y su posición de favor en la corte hizo que Noh se representara con frecuencia. para Yoshimitsu a partir de entonces. [3]
Konparu Zenchiku , bisnieto de Bishaō Gon no Kami, fundador de la escuela Konparu y esposo de la hija de Zeami, incorporó elementos de waka (poesía) al Noh de Zeami y lo desarrolló aún más. [8] [6]
En este período, entre las cinco escuelas principales de Noh, se establecieron cuatro: la escuela Kanze , establecida por Kan'ami y Zeami; la escuela Hōshō establecida por el hermano mayor de Kan'ami; la escuela Konparu; y la escuela Kongō. Todas estas escuelas eran descendientes del grupo sarugaku de la provincia de Yamato. El Shogunato Ashikaga apoyó sólo a la escuela Kanze entre las cuatro escuelas. [5] [9]
Durante el período Edo , el Noh continuó siendo una forma de arte aristocrática apoyada por los shōgun , los señores feudales ( daimyōs ), así como por los plebeyos ricos y sofisticados. Mientras que el kabuki y el joruri, populares entre la clase media, se centraban en el entretenimiento nuevo y experimental, el Noh se esforzaba por preservar sus altos estándares establecidos y su autenticidad histórica y se mantuvo prácticamente sin cambios a lo largo de la época. Para capturar la esencia de las actuaciones de los grandes maestros, cada detalle de los movimientos y posiciones fue reproducido por otros, lo que generalmente resultó en un tempo ceremonial cada vez más lento con el tiempo. [3]
En esta época, el shogunato Tokugawa nombró a la escuela Kanze como directora de las cuatro escuelas. Kita Shichidayū (Shichidayū Chōnō), un actor Noh de la escuela Konparu que sirvió a Tokugawa Hidetada , fundó la escuela Kita, que fue la última de las cinco escuelas principales establecidas. [5] [9]
La caída del shogunato Tokugawa en 1868 y la formación de un gobierno nuevo y modernizado provocaron el fin del apoyo financiero por parte del estado, y todo el campo de Noh experimentó una importante crisis financiera. Poco después de la Restauración Meiji, tanto el número de intérpretes de Noh como de escenarios de Noh disminuyeron considerablemente. El apoyo del gobierno imperial finalmente se recuperó en parte debido al llamamiento de Noh a los diplomáticos extranjeros. Las compañías que permanecieron activas durante la era Meiji también ampliaron significativamente el alcance de Noh al atender al público en general, actuando en teatros de las principales ciudades como Tokio y Osaka . [10]
En 1957, el gobierno japonés designó al nōgaku como un importante bien cultural intangible , lo que brinda cierto grado de protección legal a la tradición y a sus practicantes más destacados. El Teatro Nacional Noh, fundado por el gobierno en 1983, presenta representaciones periódicas y organiza cursos para formar actores en los papeles principales del nōgaku . Noh fue inscrito en 2008 en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO como teatro Nōgaku. [2]
Aunque los términos nōgaku y Noh a veces se usan indistintamente, la definición del gobierno japonés de teatro " nōgaku " abarca tanto las obras de Noh como las de kyōgen . [11] Kyōgen se realiza entre obras de Noh en el mismo espacio. Comparado con Noh, " el kyōgen se basa menos en el uso de máscaras y se deriva de las obras humorísticas del sangaku , como se refleja en sus diálogos cómicos". [2]
Durante el período Edo , el sistema gremial se fue endureciendo gradualmente, lo que excluyó en gran medida a las mujeres del Noh, a excepción de algunas mujeres (como las cortesanas ) que interpretaban canciones en situaciones marginales. [12] Más tarde, en la era Meiji , los intérpretes de Noh enseñaron a personas ricas y nobles, y esto generó más oportunidades para las intérpretes porque las mujeres insistían en tener maestras. [12] A principios de 1900, después de que a las mujeres se les permitió unirse a la Escuela de Música de Tokio , se relajaron las reglas que prohibían a las mujeres unirse a varias escuelas y asociaciones en Noh. [12] En 1948, las primeras mujeres se unieron a la Asociación de Artistas de Nohgaku. [12] [13] En 2004, las primeras mujeres se unieron a la Asociación de Obras Japonesas de Noh. [13] En 2007, el Teatro Nacional Noh comenzó a presentar anualmente programas regulares de artistas femeninas. [13] En 2009, había alrededor de 1200 hombres y 200 mujeres intérpretes profesionales de Noh. [14]
El concepto de jo-ha-kyū dicta prácticamente todos los elementos del Noh, incluida la compilación de un programa de obras, la estructuración de cada obra, las canciones y bailes dentro de las obras y los ritmos básicos dentro de cada actuación de Noh. Jo significa comienzo, ha significa romper y kyū significa rápido o urgente. El término se originó en gagaku , antigua música cortesana, para indicar un tempo que aumenta gradualmente y fue adoptado en varias tradiciones japonesas, incluido el Noh, la ceremonia del té, la poesía y los arreglos florales. [15]
Jo-ha-kyū está incorporado en el programa tradicional de cinco obras de Noh. La primera obra es jo , la segunda, tercera y cuarta son ha , y la quinta es kyū . De hecho, las cinco categorías que se analizan a continuación se crearon para que el programa representara jo-ha-kyū cuando se selecciona y representa una obra de cada categoría en orden. Cada obra se puede dividir en tres partes, la introducción, el desarrollo y la conclusión. Una obra comienza con un tempo lento en jo , se vuelve un poco más rápido en ha y luego culmina en kyū . [dieciséis]
Los actores comienzan su formación desde pequeños, tradicionalmente a la edad de tres años.
Zeami aisló nueve niveles o tipos de Noh que actúan desde grados inferiores que ponen énfasis en el movimiento y la violencia hasta grados superiores que representan la apertura de una flor y la destreza espiritual. [17]
En 2012, existen cinco escuelas de actuación Noh llamadas Kanze (観世), Hōshō (宝生), Komparu (金春), Kongō (金剛) y Kita (喜多) que capacitan a actores de mierda . Cada escuela tiene su propia familia iemoto que lleva el nombre de la escuela y es considerada la más importante. El iemoto tiene el poder de crear nuevas obras o modificar letras y modos de interpretación. [18] Los actores de Waki se forman en las escuelas Takayasu (高安), Fukuou (福王) y Hōshō (宝生). Hay dos escuelas que forman kyōgen , Ōkura (大蔵) e Izumi (和泉). Once escuelas forman instrumentistas, cada una de las cuales se especializa en uno a tres instrumentos. [19]
La Asociación de Artistas de Nohgaku ( Nōgaku Kyōkai ), en la que están registrados todos los profesionales, protege estrictamente las tradiciones transmitidas por sus antepasados (ver iemoto ). Sin embargo, varios documentos secretos de la escuela Kanze escritos por Zeami, así como materiales de Konparu Zenchiku , se han difundido entre la comunidad de estudiosos del teatro japonés. [19]
Hay cuatro categorías principales de intérpretes de Noh: shite , waki , kyōgen y hayashi . [5] [20] [21]
Una obra típica de Noh siempre involucra al coro, la orquesta y al menos un actor de shite y un waki . [22]
La interpretación de Noh combina una variedad de elementos en un todo estilístico, siendo cada elemento particular el producto de generaciones de refinamiento de acuerdo con los aspectos centrales budistas, sintoístas y minimalistas de los principios estéticos de Noh.
_e_spirito_ubriaco_(himi_muneda,_XIX_sec.).JPG/1280px-Maschere_no,_giovane_donna_(XVIII-XIX_sec)_e_spirito_ubriaco_(himi_muneda,_XIX_sec.).JPG)
Las máscaras Noh (能面nō-men o 面omote ) están talladas en bloques de ciprés japonés (檜 " hinoki ") y pintadas con pigmentos naturales sobre una base neutra de pegamento y conchas marinas trituradas. Hay aproximadamente 450 máscaras diferentes, en su mayoría basadas en sesenta tipos, [23] : 14, todas las cuales tienen nombres distintivos. Algunas máscaras son representativas y se usan con frecuencia en muchas obras diferentes, mientras que otras son muy específicas y solo pueden usarse en una o dos obras. Las máscaras Noh indican el género, la edad y la clasificación social de los personajes, y al usar máscaras los actores pueden representar personajes jóvenes, ancianos, femeninos o no humanos ( divinos o demoníacos ). [23] : 13 Sólo el mierda , el actor principal, usa una máscara en la mayoría de las obras, aunque el tsure también puede usar una máscara en algunas obras. [23] : 13, 260
Aunque la máscara cubre las expresiones faciales de un actor, el uso de la máscara en Noh no significa un abandono total de las expresiones faciales. Más bien, su intención es estilizar y codificar las expresiones faciales mediante el uso de la máscara y estimular la imaginación del público. Al utilizar máscaras, los actores pueden transmitir emociones de una manera más controlada a través de movimientos y lenguaje corporal. Algunas máscaras utilizan efectos de iluminación para transmitir diferentes emociones mediante una ligera inclinación de la cabeza. Mirar ligeramente hacia arriba, o "iluminar" la máscara, permitirá que la máscara capture más luz, revelando más rasgos que parecen reír o sonreír. Mirar hacia abajo o "nublarla" hará que la máscara parezca triste o enojada. [dieciséis]
Las familias e instituciones Noh atesoran las máscaras Noh, y las poderosas escuelas Noh mantienen las máscaras Noh más antiguas y valiosas en sus colecciones privadas, rara vez vistas por el público. La máscara más antigua supuestamente se guarda como un tesoro escondido en la escuela más antigua, la Konparu. Según el actual director de la escuela Konparu, la máscara fue tallada por el legendario príncipe regente Shōtoku (572-622) hace más de mil años. Si bien se puede cuestionar la exactitud histórica de la leyenda de la máscara del príncipe Shōtoku, la leyenda en sí es antigua, ya que se registró por primera vez en Zeami's Style and the Flower, escrito en el siglo XIV. [23] : 11 Algunas de las máscaras de la escuela Konparu pertenecen al Museo Nacional de Tokio , y se exhiben allí con frecuencia. [24]
El escenario tradicional Noh ( butai ) tiene una apertura total que proporciona una experiencia compartida entre los artistas y el público durante toda la actuación. Sin ningún proscenio ni cortinas que obstruyan la vista, el público ve a cada actor incluso durante los momentos antes de entrar (y después de salir) del "escenario" central ( honbutai , "escenario principal"). El teatro en sí se considera simbólico y es tratado con reverencia tanto por los artistas como por el público. [dieciséis]
Una de las características más reconocibles del escenario Noh es su techo independiente que cuelga sobre el escenario incluso en teatros cubiertos. Sostenido por cuatro columnas, el techo simboliza la santidad del escenario, con su diseño arquitectónico derivado del pabellón de adoración ( haiden ) o del pabellón de danza sagrada ( kagura-den ) de los santuarios sintoístas . El techo también unifica el espacio del teatro y define el escenario como una entidad arquitectónica. [dieciséis]
Los pilares que sostienen el techo se llaman Shitebashira (pilar del personaje principal), metsukebashira (pilar de la mirada), wakibashira (pilar del personaje secundario) y fuebashira (pilar de la flauta), en el sentido de las agujas del reloj desde el fondo del escenario a la derecha, respectivamente. Cada pilar está asociado con los artistas y sus acciones. [25]
El escenario está realizado íntegramente en hinoki , ciprés japonés sin terminar, casi sin elementos decorativos. El poeta y novelista Tōson Shimazaki escribe que "en el escenario del teatro Noh no hay decorados que cambien con cada pieza. Tampoco hay telón. Sólo hay un simple panel ( kagami-ita ) con una pintura de un pino verde". árbol. Esto crea la impresión de que todo lo que podría proporcionar sombra ha sido desterrado. Romper tal monotonía y hacer que algo suceda no es cosa fácil." [dieciséis]
Otra característica única del escenario es el hashigakari , un puente estrecho en el fondo del escenario, a la derecha, utilizado por los actores para entrar al escenario. Hashigakari significa "puente colgante", lo que significa algo aéreo que conecta dos mundos separados en un mismo nivel. El puente simboliza la naturaleza mítica de las obras de Noh en las que frecuentemente aparecen fantasmas y espíritus de otro mundo. Por el contrario, hanamichi en los teatros Kabuki es literalmente un camino ( michi ) que conecta dos espacios en un solo mundo, por lo que tiene un significado completamente diferente. [dieciséis]
_with_Checks_and_Conch_Shells.jpg/1280px-%E8%83%BD%E8%A1%A3%E8%A3%85_%E7%8B%A9%E8%A1%A3_%E7%B4%BA%E5%9C%B0%E7%9F%B3%E7%95%B3%E6%B3%95%E8%9E%BA%E8%B2%9D%E6%A8%A1%E6%A7%98,_Noh_Costume_(Kariginu)_with_Checks_and_Conch_Shells.jpg)
Los actores de Noh visten trajes de seda llamados shozoku (túnicas) junto con pelucas, sombreros y accesorios como el abanico. Con colores llamativos, texturas elaboradas y tejidos y bordados intrincados, las túnicas Noh son verdaderas obras de arte por derecho propio. Los trajes para la mierda en particular son brocados de seda extravagantes y relucientes, pero cada vez son menos suntuosos para los tsure, los wakizure y los aikyōgen . [dieciséis]
Durante siglos, de acuerdo con la visión de Zeami, los trajes Noh emulaban la vestimenta que genuinamente usarían los personajes, como las túnicas formales de un cortesano y la ropa de calle de un campesino o plebeyo. Pero a finales del siglo XVI, los trajes se estilizaron con ciertas convenciones simbólicas y estilísticas. Durante el período Edo (Tokugawa), las elaboradas túnicas que los nobles y samuráis regalaban a los actores en el período Muromachi se desarrollaron como vestuario. [26]
Los músicos y el coro suelen vestir un kimono montsuki formal (negro y adornado con cinco escudos familiares) acompañado de hakama (una prenda parecida a una falda) o kami-shimo , una combinación de hakama y un chaleco con hombros exagerados. Finalmente, los asistentes de escena están vestidos con prendas negras prácticamente sin adornos, de manera muy similar a los tramoyistas del teatro occidental contemporáneo. [10]
El uso de accesorios en Noh es minimalista y estilizado. El accesorio más utilizado en Noh es el abanico , ya que lo llevan todos los intérpretes independientemente de su rol. Los cantantes de coro y músicos pueden llevar su abanico en la mano al subir al escenario o llevarlo metido en el obi (la faja). El abanico suele colocarse al lado del intérprete cuando éste toma posición, y muchas veces no se vuelve a levantar hasta que abandona el escenario. Durante las secuencias de baile, el abanico se utiliza normalmente para representar todos y cada uno de los accesorios de mano, como una espada, una jarra de vino, una flauta o un pincel para escribir. El aficionado puede representar varios objetos a lo largo de una misma obra. [dieciséis]
Cuando se utilizan accesorios manuales distintos de los fanáticos, generalmente son introducidos o recuperados por kuroko , quien cumple un papel similar al del equipo de escenario en el teatro contemporáneo. Al igual que sus homólogos occidentales, los asistentes de escena del Noh tradicionalmente se visten de negro, pero a diferencia del teatro occidental, pueden aparecer en el escenario durante una escena o permanecer en el escenario durante toda una actuación, en ambos casos a la vista del público. El traje completamente negro de Kuroko implica que no son parte de la acción en el escenario y son efectivamente invisibles. [10]
Las piezas escenificadas en Noh, como los barcos, los pozos, los altares y las campanas, normalmente se llevan al escenario antes del comienzo del acto en el que se necesitan. Estos accesorios normalmente son sólo contornos para sugerir objetos reales, aunque la gran campana, una eterna excepción a la mayoría de las reglas Noh para accesorios, está diseñada para ocultar al actor y permitir un cambio de vestuario durante el interludio del kyōgen . [23] [ página necesaria ]
El teatro Noh está acompañado por un coro y un conjunto hayashi ( Noh-bayashi能囃子). El noh es un drama cantado y algunos comentaristas lo han denominado " ópera japonesa ". Sin embargo, el canto en Noh implica un rango tonal limitado, con pasajes largos y repetitivos en un rango dinámico estrecho. Los textos son poéticos y se basan en gran medida en el ritmo japonés siete-cinco común a casi todas las formas de poesía japonesa , con economía de expresión y abundancia de alusiones. Las partes cantadas del Noh se llaman " Utai " y las partes habladas " Kataru ". [27] La música tiene muchos espacios en blanco ( ma ) entre los sonidos reales, y estos espacios en blanco negativos de hecho se consideran el corazón de la música. Además de utai , el conjunto Noh hayashi consta de cuatro músicos, también conocidos como "hayashi-kata", incluidos tres bateristas, que tocan el shime-daiko , ōtsuzumi (tambor de cadera) y kotsuzumi (tambor de hombro) respectivamente, y un flautista nohkan . [dieciséis]
El canto no siempre se realiza "con carácter"; es decir, a veces el actor dirá líneas o describirá eventos desde la perspectiva de otro personaje o incluso de un narrador desinteresado. Lejos de romper el ritmo de la actuación, esto en realidad está en consonancia con la sensación de otro mundo de muchas obras de Noh, especialmente en aquellas caracterizadas como mugen .
De las aproximadamente 2.000 obras creadas para Noh que se conocen hoy en día, unas 240 constituyen el repertorio actual interpretado por las cinco escuelas de Noh existentes. El repertorio actual está fuertemente influenciado por el gusto de la clase aristocrática del período Tokugawa y no refleja necesariamente la popularidad entre la plebe. [3] Hay varias formas de clasificar las obras de Noh.
Todas las obras de Noh se pueden clasificar en tres categorías amplias. [10]
Mientras que Genzai Noh utiliza conflictos internos y externos para impulsar historias y sacar a relucir emociones, Mugen Noh se centra en utilizar flashbacks del pasado y de los fallecidos para invocar emociones. [10]
Además, todas las obras de Noh pueden clasificarse por su estilo.
Todas las obras de Noh se dividen por temas en las siguientes cinco categorías. Esta clasificación se considera la más práctica y todavía se utiliza en la actualidad en opciones de programación formal. [3] Tradicionalmente, un programa formal de 5 obras se compone de una selección de cada uno de los grupos. [10]
Además de los cinco anteriores, Okina (翁) (o Kamiuta ) se representa con frecuencia al comienzo del programa, especialmente en Año Nuevo, días festivos y otras ocasiones especiales. [28] Combinando la danza con el ritual sintoísta , se considera el tipo más antiguo de juego Noh. [10]
La siguiente categorización es la de la escuela Kanze . [18]
Muchos artistas occidentales han sido influenciados por el Noh.
Zeami y Zenchiku describen una serie de cualidades distintas que se consideran esenciales para la comprensión adecuada del Noh como forma de arte.
Noh todavía se presenta regularmente hoy en día en teatros públicos, así como en teatros privados ubicados principalmente en las principales ciudades. Hay más de 70 teatros Noh en todo Japón, que presentan producciones tanto profesionales como amateurs. [53]
Los teatros públicos incluyen el Teatro Nacional Noh (Tokio), el Teatro Nagoya Noh , el Teatro Osaka Noh y el Teatro Fukuoka Noh. Cada escuela Noh tiene su propio teatro permanente, como el Teatro Kanze Noh (Tokio), el Teatro Hosho Noh (Tokio), el Teatro Kongo Noh (Kyoto ) , el Teatro Nara Komparu Noh ( Nara ) y el Taka no Kai ( Fukuoka ). Además, hay varios teatros municipales y prefecturales ubicados en todo Japón que presentan compañías profesionales en gira y compañías de aficionados locales. En algunas regiones, Noh regionales únicos, como Ogisai Kurokawa Noh, se han desarrollado para formar escuelas independientes de cinco escuelas tradicionales. [dieciséis]
La etiqueta del público es generalmente similar a la del teatro occidental formal: el público observa en silencio. No se utilizan sobretítulos , pero algunos miembros de la audiencia siguen el libreto . Como no hay telones en el escenario, la actuación comienza cuando los actores entran al escenario y termina cuando salen del escenario. Las luces de la casa generalmente se mantienen encendidas durante las presentaciones, creando una sensación íntima que brinda una experiencia compartida entre los artistas y el público. [10]
Al final de la obra, los actores desfilan lentamente (lo más importante primero, con espacios entre los actores), y mientras están en el puente ( hashigakari ), el público aplaude moderadamente. Entre los actores, el aplauso cesa y luego comienza de nuevo cuando el siguiente actor se va. A diferencia del teatro occidental, no hay reverencias ni los actores regresan al escenario después de haber salido. Una obra puede terminar con el personaje de mierda abandonando el escenario como parte de la historia (como en Kokaji, por ejemplo), en lugar de terminar con todos los personajes en el escenario, en cuyo caso se aplaude cuando el personaje sale. [18]
Durante el intervalo, se podrá servir té , café y wagashi (dulces japoneses) en el vestíbulo. En el período Edo, cuando el Noh duraba todo el día, se servía makunouchi ' bentō (幕の内弁当, "lonchera entre actos") más sustancioso. En ocasiones especiales, cuando finaliza la actuación, se puede servir お神酒 ( o-miki, sake ceremonial ) en el vestíbulo a la salida, como ocurre en los rituales sintoístas .
El público está sentado frente al escenario, al lado izquierdo del escenario y en la esquina frontal izquierda del escenario; estos están en orden de deseabilidad decreciente. Si bien el pilar metsuke-bashira obstruye la vista del escenario, los actores se encuentran principalmente en las esquinas, no en el centro, y por lo tanto los dos pasillos están ubicados donde las vistas de los dos actores principales quedarían oscurecidas, asegurando una visión generalmente clara independientemente. de asientos. [10]
,_Tokyo_National_Museum_C-1530.jpg/1280px-Akobuj%C5%8D_(Noh_mask),_Tokyo_National_Museum_C-1530.jpg)
,_Tokyo_National_Museum.jpg/1280px-Ayakashi_(Noh_mask),_Tokyo_National_Museum.jpg)
,_Tokyo_National_Museum_C-1560.jpg/1280px-Chorei-beshimi_(Noh_mask),_Tokyo_National_Museum_C-1560.jpg)
,_Tokyo_National_Museum_C-1528.jpg/1280px-Hakushiki-j%C5%8D_(Noh_mask),_Tokyo_National_Museum_C-1528.jpg)
,_Tokyo_National_Museum_C-1535.jpg/1280px-Sh%C5%8Dj%C5%8D_(Noh_mask),_Tokyo_National_Museum_C-1535.jpg)
,_Tokyo_National_Museum.jpg/1280px-Shikami_(Noh_mask),_Tokyo_National_Museum.jpg)
,_Tokyo_National_Museum_C-1559.jpg/1280px-Uba_(Noh_mask),_Tokyo_National_Museum_C-1559.jpg)
,_Tokyo_National_Museum.jpg/1280px-Wakaotoko_(Noh_mask),_Tokyo_National_Museum.jpg)
