La actuación es una actividad en la que se cuenta una historia mediante su puesta en escena por un actor que adopta un personaje —en teatro , televisión , cine , radio o cualquier otro medio que haga uso del modo mimético .
Actuar implica una amplia gama de habilidades, incluida una imaginación bien desarrollada , facilidad emocional , expresividad física, proyección vocal , claridad del habla y la capacidad de interpretar drama . Actuar también exige la capacidad de emplear dialectos , acentos , improvisación , observación y emulación, mímica y combate escénico . Muchos actores se capacitan extensamente en programas especializados o universidades para desarrollar estas habilidades. La gran mayoría de los actores profesionales han recibido una amplia formación. Los actores y actrices suelen tener muchos instructores y profesores para una gama completa de formación que incluye canto , trabajo escénico, técnicas de audición y actuación ante la cámara .
La mayoría de las primeras fuentes occidentales que examinan el arte de actuar ( griego : ὑπόκρισις , hipokrisis ) lo discuten como parte de la retórica . [1]
Uno de los primeros actores conocidos fue un antiguo griego llamado Tespis de Icaria en Atenas . Escribiendo dos siglos después del evento, Aristóteles en su Poética ( c. 335 a. C. ) sugiere que Tespis salió del coro ditirámbico y se dirigió a él como un personaje separado . Antes de Tespis, el coro narraba (por ejemplo, "Dioniso hizo esto, Dioniso dijo"). Cuando Tespis salió del coro, habló como si fuera el personaje (por ejemplo, "Soy Dioniso, hice esto"). Para distinguir entre estos diferentes modos de narración (a través de la representación) y la narración, Aristóteles utiliza los términos " mímesis " (a través de la actuación) y " diégesis " (a través de la narración). Del nombre de Tespis deriva la palabra "actor".
Los conservatorios y las escuelas de teatro suelen ofrecer formación de dos a cuatro años en todos los aspectos de la actuación. Las universidades ofrecen en su mayoría programas de tres a cuatro años, en los que un estudiante a menudo puede optar por centrarse en la actuación, mientras continúa aprendiendo sobre otros aspectos del teatro . Las escuelas varían en su enfoque, pero en América del Norte el método más popular que se enseña deriva del "sistema" de Konstantin Stanislavski , que fue desarrollado y popularizado en Estados Unidos como método de actuación por Lee Strasberg , Stella Adler , Sanford Meisner y otros.
Otros enfoques pueden incluir una orientación más basada en lo físico, como la promovida por profesionales del teatro tan diversos como Anne Bogart , Jacques Lecoq , Jerzy Grotowski o Vsevolod Meyerhold . Las clases también pueden incluir psicotecnia , trabajo con máscaras , teatro físico , improvisación y actuación para cámara.
Independientemente del enfoque de la escuela, los estudiantes deben esperar una formación intensiva en interpretación de textos, voz y movimiento. Las solicitudes a programas de teatro y conservatorios suelen implicar audiciones extensas . Por lo general, cualquier persona mayor de 18 años puede postularse. La formación también puede comenzar a una edad muy temprana. Las clases de actuación y las escuelas profesionales dirigidas a menores de 18 años están muy extendidas. Estas clases introducen a los actores jóvenes a diferentes aspectos de la actuación y el teatro, incluido el estudio de la escena.
Un mayor entrenamiento y exposición a hablar en público permite a las personas mantener una fisiología más tranquila y relajada . [2] Medir la frecuencia cardíaca de un orador público es quizás una de las formas más fáciles de evaluar los cambios en el estrés , ya que la frecuencia cardíaca aumenta con la ansiedad . A medida que los actores aumentan sus actuaciones, la frecuencia cardíaca y otros signos de estrés pueden disminuir. [3] Esto es muy importante en la formación de actores, ya que las estrategias adaptativas obtenidas a partir de una mayor exposición a hablar en público pueden regular la ansiedad implícita y explícita. [4] Al asistir a una institución que se especializa en actuación, la mayor oportunidad de actuar conducirá a una fisiología más relajada y a una disminución del estrés y sus efectos en el cuerpo. Estos efectos pueden variar desde la salud hormonal hasta la cognitiva y pueden afectar la calidad de vida y el rendimiento. [5]
.jpg/1280px-Taglia_Cantoni,_Fracasso_-_Gallica_2012_(adjusted).jpg)
Algunas formas clásicas de actuación implican un elemento sustancial de interpretación improvisada . Lo más notable es su uso por parte de las compañías de la commedia dell'arte , una forma de comedia de máscaras que se originó en Italia.
La improvisación como enfoque de la actuación formó una parte importante del "sistema" de formación de actores del practicante de teatro ruso Konstantin Stanislavski , que desarrolló a partir de la década de 1910. A finales de 1910, el dramaturgo Maxim Gorky invitó a Stanislavski a unirse a él en Capri , donde discutieron sobre la formación y la emergente "gramática" de actuación de Stanislavski. [6] Inspirado por una representación de teatro popular en Nápoles que utilizaba las técnicas de la commedia dell'arte , Gorky sugirió que formaran una compañía, inspirada en los actores ambulantes medievales , en la que un dramaturgo y un grupo de jóvenes actores idearían nuevas obras. juntos mediante la improvisación. [7] Stanislavski desarrollaría este uso de la improvisación en su trabajo con su Primer Estudio del Teatro de Arte de Moscú . [8] El uso de Stanislavski se amplió aún más en los enfoques de actuación desarrollados por sus alumnos, Michael Chekhov y Maria Knebel .
En el Reino Unido, el uso de la improvisación fue iniciado por Joan Littlewood a partir de la década de 1930 y, más tarde, por Keith Johnstone y Clive Barker. En Estados Unidos, fue promovido por Viola Spolin , después de trabajar con Neva Boyd en una Hull House en Chicago, Illinois (Spolin fue alumno de Boyd de 1924 a 1927). Al igual que los practicantes británicos, Spolin sentía que jugar era un medio útil para entrenar a los actores y ayudaba a mejorar su actuación. Con la improvisación, argumentó, las personas pueden encontrar libertad de expresión, ya que no saben cómo resultará una situación improvisada. La improvisación exige una mente abierta para mantener la espontaneidad, en lugar de planificar previamente una respuesta. Un personaje es creado por el actor, a menudo sin referencia a un texto dramático, y un drama se desarrolla a partir de interacciones espontáneas con otros actores. Este enfoque para crear nuevos dramas ha sido desarrollado de manera más sustancial por el cineasta británico Mike Leigh , en películas como Secrets & Lies (1996), Vera Drake (2004), Another Year (2010) y Mr. Turner (2014).
La improvisación también se utiliza para encubrir si un actor o actriz comete un error.
Actuar frente a una audiencia muchas veces puede causar "miedo escénico", una forma de estrés en la que alguien se vuelve ansioso frente a una audiencia. Esto es común entre los actores, especialmente los nuevos, y puede causar síntomas como aumento del ritmo cardíaco, aumento de la presión arterial y sudoración. [9] [10]
En un estudio de 2017 sobre estudiantes universitarios estadounidenses, actores de diversos niveles de experiencia mostraron frecuencias cardíacas igualmente elevadas a lo largo de sus actuaciones; esto concuerda con estudios previos sobre la frecuencia cardíaca de actores profesionales y aficionados. [11] Si bien todos los actores experimentaron estrés, lo que provocó una frecuencia cardíaca elevada, los actores más experimentados mostraron menos variabilidad de la frecuencia cardíaca que los actores menos experimentados en la misma obra. Los actores más experimentados experimentaron menos estrés mientras actuaban y, por lo tanto, tuvieron un menor grado de variabilidad que los actores menos experimentados y más estresados. Cuanto más experimentado sea un actor, más estable será su frecuencia cardíaca mientras actúa, pero seguirá experimentando frecuencia cardíaca elevada.
_(20226745749).jpg/1280px-Brehms_Tierleben_-_allgemeine_Kunde_des_Tierreichs_(1911-1921)_(20226745749).jpg)
La semiótica de la actuación implica un estudio de las formas en que los aspectos de una actuación llegan a operar para su audiencia como signos . Este proceso implica en gran medida la producción de significado, mediante el cual los elementos de la actuación de un actor adquieren significado, tanto dentro del contexto más amplio de la acción dramática como en las relaciones que cada uno establece con el mundo real.
Sin embargo, siguiendo las ideas propuestas por el teórico surrealista Antonin Artaud , también es posible entender la comunicación con una audiencia que ocurre "debajo" de la significación y el significado (que el semiólogo Félix Guattari describió como un proceso que involucra la transmisión de "un significado"). señales"). En El teatro y su doble (1938), Artaud comparó esta interacción con la forma en que un encantador de serpientes se comunica con una serpiente, proceso que identificó como " mimesis ", el mismo término que Aristóteles en su Poética ( c. 335). BCE ) solía describir el modo en que el drama comunica su historia, en virtud de su encarnación por el actor que la representa, a diferencia de la " diégesis ", o la forma en que un narrador puede describirla. Estas "vibraciones" que pasan del actor al público no necesariamente se precipitan en elementos significativos como tales (es decir, "significados" conscientemente percibidos), sino que pueden operar por medio de la circulación de " afectos ".
El enfoque de la actuación adoptado por otros profesionales del teatro implica diversos grados de preocupación por la semiótica de la actuación. Konstantin Stanislavski , por ejemplo, aborda las formas en que un actor, basándose en lo que él llama la "experiencia" de un papel, también debe dar forma y ajustar una actuación para apoyar la significación general del drama, un proceso que él llama estableciendo la "perspectiva del rol". La semiótica de la actuación juega un papel mucho más central en el teatro épico de Bertolt Brecht , en el que un actor se preocupa por resaltar claramente el significado sociohistórico del comportamiento y la acción mediante elecciones de actuación específicas, un proceso que él describe como establecer el elemento " no/pero " en un " gestus " físico realizado dentro del contexto del " Fabel " general de la obra. Eugenio Barba sostiene que los actores no deberían preocuparse por la importancia de su comportamiento interpretativo; este aspecto es responsabilidad, afirma, del director , quien entrelaza los elementos significativos de la actuación de un actor en el "montaje" dramatúrgico del director .
El semiólogo teatral Patrice Pavis , en alusión al contraste entre el "sistema" de Stanislavski y el intérprete demostrador de Brecht —y, más allá de eso, al ensayo fundacional de Denis Diderot sobre el arte de actuar, La paradoja del actor ( c. 1770-1778 )— sostiene que:
Durante mucho tiempo, la actuación se consideró en términos de la sinceridad o la hipocresía del actor: ¿debería creer en lo que dice y sentirse conmovido por ello, o debería distanciarse y transmitir su papel de manera objetiva? La respuesta varía según cómo se vea el efecto que se producirá en el público y la función social del teatro. [12]
Los elementos de una semiótica de la actuación incluyen los gestos del actor, las expresiones faciales, la entonación y otras cualidades vocales, el ritmo y las formas en que estos aspectos de una actuación individual se relacionan con el drama y el evento teatral (o película, programa de televisión o radio). radiodifusión, cada uno de los cuales involucra diferentes sistemas semióticos) considerados en su conjunto. [12] Una semiótica de la actuación reconoce que todas las formas de actuación implican convenciones y códigos mediante los cuales la conducta escénica adquiere importancia, incluidos aquellos enfoques, como el de Stanislvaski o el método de actuación estrechamente relacionado desarrollado en los Estados Unidos, que se ofrecen como " una forma natural de actuar que puede prescindir de convenciones y ser recibida como evidente y universal". [12] Pavis continúa argumentando que:
Cualquier actuación se basa en un sistema codificado (incluso si el público no lo ve como tal) de comportamiento y acciones que se consideran creíbles y realistas o artificiales y teatrales. Defender lo natural, lo espontáneo y lo instintivo es sólo intentar producir efectos naturales, regidos por un código ideológico que determina, en un momento histórico particular y para una audiencia determinada, lo que es natural y creíble y lo que es declamatorio y teatral. [12]
Las convenciones que rigen el actuar en general están relacionadas con formas estructuradas de juego , que implican, en cada experiencia concreta, " reglas del juego ". [13] Este aspecto fue explorado por primera vez por Johan Huizinga (en Homo Ludens , 1938) y Roger Caillois (en Man, Play and Games , 1958). [14] Caillois, por ejemplo, distingue cuatro aspectos del juego relevantes para la actuación: mimesis ( simulación ), agon ( conflicto o competición), alea ( oportunidad ) e ilinx ( vértigo o "situaciones psicológicas vertiginosas" que implican la identificación o catarsis ). [13] Esta conexión con el juego como actividad fue propuesta por primera vez por Aristóteles en su Poética , en la que define el deseo de imitar en el juego como parte esencial del ser humano y nuestro primer medio de aprendizaje cuando somos niños :
Porque es un instinto de los seres humanos, desde la infancia, dedicarse a la mimesis (de hecho, esto los distingue de otros animales: el hombre es el más mimético de todos, y es a través de la mimesis como desarrolla su comprensión más temprana); e igualmente natural que todo el mundo disfrute de los objetos miméticos. (IV, 1448b) [15]
Esta conexión con el juego también influyó en las palabras utilizadas en inglés (como era el caso análogo en muchos otros idiomas europeos) para el teatro : la palabra " play " o "game" (traduciendo del anglosajón plèga o del latín ludus ) era el término estándar. utilizado hasta la época de William Shakespeare para un entretenimiento dramático; así como su creador era un "creador de obras de teatro" en lugar de un "dramatista", la persona que actuaba era conocida como un "jugador" y, cuando en la era isabelina, los edificios específicos Para la actuación se construyeron, se los conocía como "casas de juego" en lugar de " teatros ". [dieciséis]
Los actores y actrices deben hacer un currículum al solicitar papeles. El currículum de actuación es muy diferente a un currículum normal; generalmente es más corto, con listas en lugar de párrafos, y debe tener una fotografía en la parte posterior. [17] A veces, un currículum también contiene un breve carrete de 30 segundos a 1 minuto que muestra las habilidades del actor, de modo que el director de casting pueda ver actuaciones anteriores, si las hubiera. El currículum de un actor debe enumerar los proyectos en los que ha actuado anteriormente, como obras de teatro, películas o programas, así como sus habilidades especiales y su información de contacto. [18]
Una audición es el acto de realizar un monólogo o lados (líneas para un personaje) [19] según lo enviado por el director de casting . La audición implica mostrar las habilidades del actor para presentarse como una persona diferente; puede ser tan breve como dos minutos. Para las audiciones de teatro puede durar más de dos minutos, o pueden interpretar más de un monólogo, ya que cada director de casting puede tener diferentes requisitos para los actores. Los actores deben ir a las audiciones vestidos para el papel, para que al director de casting le resulte más fácil visualizarlos como el personaje. Para televisión o cine tendrán que pasar por más de una audición. A menudo, los actores son llamados a otra audición en el último minuto y se les envía esa mañana o la noche anterior. Hacer una audición puede ser una parte estresante de la actuación, especialmente si uno no ha sido entrenado para hacer una audición.
El ensayo es un proceso en el que los actores preparan y practican una actuación, explorando las vicisitudes del conflicto entre personajes , probando acciones específicas en la escena y encontrando medios para transmitir un sentido particular. Algunos actores continúan ensayando una escena durante todo el espectáculo para mantener la escena fresca en sus mentes y emocionante para la audiencia. [20]
Se sabe que una audiencia crítica con espectadores evaluativos induce estrés en los actores durante la actuación [21] (ver Bode y Brutten). Estar frente a una audiencia compartiendo una historia hará que los actores sean intensamente vulnerables. Sorprendentemente, un actor normalmente valorará la calidad de su actuación más que sus espectadores. [11] Las frecuencias cardíacas generalmente son siempre más altas durante una actuación con una audiencia en comparación con el ensayo; sin embargo, lo interesante es que esta audiencia también parece inducir una mayor calidad de la actuación. En pocas palabras, mientras que las actuaciones públicas causan niveles extremadamente altos de estrés en los actores (más aún en los aficionados), el estrés en realidad mejora la actuación, apoyando la idea de "estrés positivo en situaciones desafiantes" [22]
Dependiendo de lo que esté haciendo un actor, su frecuencia cardíaca variará. Esta es la forma en que el cuerpo responde al estrés. Antes de un espectáculo, uno verá un aumento en la frecuencia cardíaca debido a la ansiedad. Mientras actúa, un actor tiene una mayor sensación de exposición, lo que aumentará la ansiedad escénica y la excitación fisiológica asociada, como la frecuencia cardíaca. [23] La frecuencia cardíaca aumenta más durante los espectáculos en comparación con los ensayos debido al aumento de la presión, lo que se debe al hecho de que una actuación tiene un impacto potencialmente mayor en la carrera de un actor. [23] Después del espectáculo se puede observar una disminución en la frecuencia cardíaca debido a la conclusión de la actividad que induce estrés. A menudo, el ritmo cardíaco volverá a la normalidad una vez finalizado el espectáculo o la actuación; [24] sin embargo, durante los aplausos después de la actuación hay un rápido aumento en la frecuencia cardíaca. [25] Esto se puede ver no sólo en los actores sino también en los oradores y músicos . [24]
Existe una correlación entre la frecuencia cardíaca y el estrés cuando los actores actúan frente a una audiencia. Los actores afirman que tener público no supone ningún cambio en su nivel de estrés, pero en cuanto suben al escenario su ritmo cardíaco aumenta rápidamente. [26] Un estudio de 2017 realizado en una universidad estadounidense que analizó el estrés de los actores midiendo la frecuencia cardíaca mostró que la frecuencia cardíaca individual aumentó justo antes de que comenzara la actuación para los actores que actuaban como teloneros. Hay muchos factores que pueden aumentar el estrés de los actores. Por ejemplo, la duración de los monólogos, el nivel de experiencia y las acciones realizadas en el escenario, incluido el movimiento del escenario. A lo largo de la actuación, la frecuencia cardíaca aumenta más antes de que el actor hable. El estrés y, por tanto, el ritmo cardíaco del actor disminuyen considerablemente al final de un monólogo, una gran escena de acción o una actuación. [9]
