El cine de acción de Hong Kong es la principal fuente de fama mundial de la industria cinematográfica de Hong Kong . Las películas de acción de Hong Kong tienen raíces en las culturas china y de Hong Kong, incluidas la ópera china , la narración de cuentos y las tradiciones estéticas, que los cineastas de Hong Kong combinaron con elementos del cine de Hollywood y Japón junto con nuevas coreografías de acción y técnicas cinematográficas , para crear una forma culturalmente distintiva que llegó a tener un amplio atractivo transcultural. A su vez, las películas de acción de Hollywood han estado muy influenciadas por las convenciones del género de Hong Kong , desde la década de 1970 en adelante.
Las primeras películas de acción de Hong Kong favorecieron el estilo wuxia , enfatizando el misticismo y el manejo de la espada, pero esta tendencia fue reprimida políticamente en la década de 1930 y reemplazada por películas de kung fu que mostraban artes marciales desarmadas más realistas, a menudo con héroes populares como Wong Fei Hung . Los trastornos culturales de la posguerra llevaron a una segunda ola de películas wuxia con violencia altamente acrobática, seguida por el surgimiento de las películas de kung fu más crudas por las que el estudio Shaw Brothers se hizo más conocido.
El cine de acción de Hong Kong alcanzó su apogeo entre los años 1970 y 1990. En los años 1970 se produjo un resurgimiento de las películas de kung fu durante el ascenso y la muerte repentina de Bruce Lee . En los años 1980 le sucedieron Jackie Chan —que popularizó el uso de la comedia, las acrobacias peligrosas y los escenarios urbanos modernos en las películas de acción— y Jet Li , cuyas auténticas habilidades de wushu atrajeron tanto al público oriental como al occidental. El trabajo innovador de directores y productores como Tsui Hark y John Woo introdujo más variedad, con géneros como el derramamiento de sangre heroico y las películas de gun fu , y temas como las tríadas y lo sobrenatural. Sin embargo, un éxodo de muchas figuras destacadas a Hollywood en los años 1990 coincidió con una recesión de la industria.
La principal contribución del mundo de habla china al cine de acción es el cine de artes marciales , el más famoso de los cuales se desarrolló en Hong Kong. El género surgió primero en la literatura popular china . A principios del siglo XX se produjo una explosión de lo que se denominaba novelas wuxia (a menudo traducidas como "caballerosidad marcial"), generalmente publicadas en forma serializada en los periódicos. Se trataba de cuentos de guerreros heroicos que empuñaban espadas, a menudo con elementos místicos o fantásticos . Este género fue rápidamente adoptado por las primeras películas chinas , en particular en la capital cinematográfica de la época, Shanghái . A partir de la década de 1920, los títulos wuxia , a menudo adaptados de novelas (por ejemplo, La quema del monasterio del loto rojo de 1928 y sus dieciocho secuelas) fueron enormemente populares y el género dominó el cine chino durante varios años. [1]
El auge llegó a su fin en la década de 1930, causado por la oposición oficial de las élites culturales y políticas, especialmente el gobierno del Kuomintang , que lo veían como una promoción de la superstición y la anarquía violenta. [2] El cine wuxia se retomó en Hong Kong, en ese momento una colonia británica con una economía y una cultura altamente liberales y una industria cinematográfica en desarrollo. La primera película de artes marciales en cantonés , el idioma chino dominante hablado en Hong Kong, fue The Adorned Pavilion (1938). [ cita requerida ]
A finales de la década de 1940, las convulsiones en China continental ( la segunda guerra chino-japonesa , la guerra civil china y la victoria del Partido Comunista Chino ) habían desplazado el centro de la producción cinematográfica en lengua china a Hong Kong. La industria continuó la tradición wuxia en películas y series de serie B en cantonés, aunque el cine en mandarín, más prestigioso , generalmente ignoró el género. Se utilizaron animaciones y efectos especiales dibujados directamente en la película a mano para simular las habilidades de vuelo y otros poderes sobrenaturales de los personajes; títulos posteriores del ciclo incluyeron El señor de seis dedos del laúd (1965) y Fuego sagrado, viento heroico (1966). [2]
Una contra-tradición a las películas wuxia surgió en las películas de kung fu que también se produjeron en esta época. Estas películas enfatizaban el combate más "auténtico", realista y sin armas por sobre el manejo de la espada y el misticismo del wuxia . El ejemplo más famoso fue el artista marcial de la vida real Kwan Tak Hing ; se convirtió en una figura heroica paternal para al menos un par de generaciones de hongkoneses al interpretar al héroe popular histórico Wong Fei Hung en una serie de aproximadamente cien películas, desde La verdadera historia de Wong Fei Hung (1949) hasta Wong Fei Hung aplastando valientemente la formación de fuego (1970). [3] Una serie de elementos duraderos fueron introducidos o consolidados por estas películas: el personaje todavía popular del "Maestro Wong"; la influencia de la ópera china con sus artes marciales estilizadas y acrobacias ; y el concepto de héroes de artes marciales como exponentes de la ética confuciana . [4]
En la segunda mitad de la década de 1960, el estudio más grande de la época, Shaw Brothers , inauguró una nueva generación de películas wuxia, comenzando con El templo del loto rojo (1965) de Xu Zenghong, una nueva versión del clásico de 1928. Estas producciones en mandarín eran más suntuosas y coloridas; su estilo era menos fantástico y más intenso, con una violencia más fuerte y acrobática. Estaban influenciadas por las películas de samuráis importadas de Japón y por la ola de novelas wuxia de la "Nueva Escuela" de autores como Jin Yong y Liang Yusheng que comenzó en la década de 1950. [5] [6]
La ola wuxia de la Nueva Escuela marcó el paso de las películas de acción orientadas a los hombres al centro del cine de Hong Kong, que durante mucho tiempo había estado dominado por estrellas femeninas y géneros dirigidos al público femenino, como los romances y los musicales . Aun así, durante la década de 1960, las estrellas de acción femeninas como Cheng Pei-pei y Connie Chan Po-chu fueron prominentes junto a estrellas masculinas, como el ex campeón de natación Jimmy Wang Yu , y continuaron una vieja tradición de guerreras en las historias wuxia. Los directores de la época fueron Chang Cheh con One-Armed Swordsman (1967) y Golden Swallow (1968) y King Hu con Come Drink with Me (1966). Hu pronto dejó Shaw Brothers para perseguir su propia visión del wuxia con producciones independientes en Taiwán , como la enormemente exitosa Dragon Inn (1967, también conocida como Dragon Gate Inn ) y A Touch of Zen , que fue nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1975 . [7] Chang se quedó y continuó siendo el prolífico director estrella de los Shaw hasta principios de la década de 1980.
A principios de los años 70, el wuxia dio paso a una nueva versión más cruda y gráfica (y en mandarín ) de las películas de kung fu, que llegó a dominar durante la década y hasta principios de los 80. Artistas marciales muy entrenados , como Ti Lung y Gordon Liu, se convirtieron en algunas de las principales estrellas a medida que se dedicaban proporciones cada vez mayores de tiempo de metraje a escenas de combate. A Chinese Boxer (1970), protagonizada y dirigida por Jimmy Wang Yu, se le atribuye ampliamente el lanzamiento del auge del kung fu. Pero los que permanecieron a la vanguardia, al menos inicialmente, fueron Shaw Brothers y el director Chang Cheh. La venganza de Chang (1970) fue otra de las primeras que marcó tendencia y sus docenas de contribuciones incluyeron The Boxer from Shantung (1972), Heroes Two (1974), Five Deadly Venoms (1978) y Crippled Avengers (1979). El cine de kung fu estuvo particularmente influenciado por la preocupación de Chang por su visión de los valores masculinos y la amistad masculina; [8] las figuras guerreras femeninas que habían sido prominentes en el trabajo wuxia de finales de los años 1960 fueron marginadas, con excepciones prominentes como la popular Angela Mao .
El único competidor de Chang como el cineasta más influyente del género fue su coreógrafo de acción de toda la vida , Lau Kar Leung (también conocido como Liu Chia Liang en mandarín). Lau comenzó a dirigir sus propias películas para los hermanos Shaw en 1975 con The Spiritual Boxer , un progenitor de la comedia de kung fu. En títulos posteriores como Executioners from Shaolin (1977), The 36th Chamber of Shaolin (1978) y Legendary Weapons of China (1982), Lau enfatizó las tradiciones y la filosofía de las artes marciales y se esforzó por dar a la lucha en pantalla una mayor autenticidad y una velocidad y complejidad cada vez mayores. [3]
El auge del kung fu se vio impulsado en parte por su enorme popularidad internacional, y no sólo en el este de Asia. En Occidente, las importaciones de kung fu, dobladas y a menudo reeditadas y retituladas, exhibidas como películas de serie B en los cines urbanos y en la televisión, hicieron que el cine de Hong Kong fuera ampliamente conocido, aunque no ampliamente respetado, por primera vez. Los afroamericanos en particular acogieron el género (como lo ejemplificó el popular grupo de hip-hop , el Wu-Tang Clan ) tal vez como una fuente casi sin precedentes de historias de aventuras con héroes no blancos, que además a menudo mostraban una fuerte veta de orgullo racial y/o nacionalista. [9]
La popularidad de estas películas en Norteamérica se prolongó hasta la década de 1980, cuando se introdujeron las películas de ninjas. En la cultura popular, las películas de esta época se conocían coloquialmente como Kung Fu Theater o Black Belt Theater , nombres que muchas estaciones independientes usaban para su franja horaria de emisión semanal.
The Brothers (1979), una producción de Shaw Brothers, fue un cambio significativo con respecto a las películas de kung fu por las que el estudio era conocido. The Brothers era un drama criminal de acción, sobre dos hermanos en lados opuestos de la ley. Fue una nueva versión del drama criminal indio Deewaar (1975), escrito por Salim-Javed . [10] A su vez, The Brothers sentó las bases para el género de derramamiento de sangre heroico del cine de Hong Kong de la década de 1980, inspirandola película revolucionaria de John Woo A Better Tomorrow (1986). [11]
Ninguna figura fue más responsable de este perfil internacional que Bruce Lee , un artista marcial y actor nacido en Estados Unidos y criado en Hong Kong. Lee completó solo cuatro películas antes de su muerte a la edad de 32 años: The Big Boss (1971), Fist of Fury y Way of the Dragon (ambas de 1972) y Enter the Dragon (1973). El historiador de cine oriental Patrick Macias atribuye su éxito a "(traer) el espíritu guerrero de antaño al presente... desarrollar su propio estilo de lucha... y poseer un carisma sobrehumano". [12] Sus primeras tres películas rompieron récords de taquilla locales y tuvieron éxito en gran parte del mundo. Fist of Fury y Way of the Dragon recaudaron aproximadamente US$100 millones y US$130 millones en todo el mundo, respectivamente. [13]
La película en inglés Enter the Dragon , la primera coproducción entre Estados Unidos y Hong Kong, recaudó aproximadamente 350 millones de dólares en todo el mundo, [14] lo que la convirtió en la película de mayor éxito internacional de la región. Además, su decisión inicial de trabajar para el joven y emergente estudio Golden Harvest , en lugar de aceptar el contrato estándar notoriamente tacaño de los Shaw, fue un factor en el ascenso meteórico de Golden Harvest y el declive final de Shaw. [3] [15]
El único intérprete chino que ha rivalizado con la fama mundial de Bruce Lee es Jackie Chan . Como muchos intérpretes de kung fu de la época, Chan salió de la formación en la ópera de Pekín y empezó en el cine como especialista , sobre todo en algunas de las películas de Lee. Durante un tiempo, el director de The Big Boss y Fist of Fury , Lo Wei, lo preparó como otro clon de Lee, en varias películas, incluida New Fist of Fury (1976), con poco éxito. Pero en 1978, Chan se asoció con el coreógrafo de acción Yuen Woo Ping en el debut como director de Yuen, Snake in the Eagle's Shadow . La mezcla resultante de comedia física y acción de kung fu proporcionó a Chan su primer éxito y los rudimentos de lo que se convertiría en su estilo característico. La siguiente película de Chan con Yuen, Drunken Master (también de 1978), y su debut como director, The Fearless Hyena (1979), también fueron grandes éxitos y cimentaron su popularidad. [3]
Aunque estas películas no fueron las primeras comedias de kung fu, iniciaron una moda que ayudó a revitalizar el género del kung fu, que estaba en decadencia. Especialmente notables en este sentido fueron dos de los compañeros de clase de la Escuela de Ópera de Pekín de la infancia de Chan , Sammo Hung y Yuen Biao , quienes también hicieron carrera en esta especialidad, a veces coprotagonizando con Chan. Hung, conocido por la aparente paradoja de su físico con sobrepeso y su agilidad física, también se hizo un nombre como director y coreógrafo de acción desde el principio, con títulos como Enter the Fat Dragon (1978). [ cita requerida ]
Las payasadas de Chan pueden haber ayudado a prolongar la vida de la ola de kung fu durante varios años. Sin embargo, se convirtió en una estrella hacia el final del boom y pronto ayudaría a que la colonia avanzara hacia un nuevo tipo de acción. En la década de 1980, él y muchos colegas forjarían un cine pop de Hong Kong más sofisticado y espectacular que competiría con éxito con los éxitos de taquilla del verano posteriores a La guerra de las galaxias en Estados Unidos.
A principios de los años 1980, Jackie Chan comenzó a experimentar con elaboradas secuencias de acrobacias en películas como El joven maestro (1980) [16] y especialmente El señor de los dragones (1982), [17] que incluía una escena de lucha en pirámide que tiene el récord de la mayor cantidad de tomas necesarias para una sola escena, con 2900 tomas, [18] y la escena de lucha final en la que realiza varias acrobacias, incluida una en la que hace una voltereta hacia atrás desde un desván y cae al suelo. [19] En 1983, Chan se diversificó en películas de acción que, aunque todavía utilizaban artes marciales, estaban menos limitadas en alcance, ambientación y trama, con énfasis en secuencias de acrobacias elaboradas pero peligrosas. Su primera película en esta línea, Proyecto A (1983), vio la formación oficial del Equipo de acrobacias de Jackie Chan y agregó acrobacias elaboradas y peligrosas a las peleas y el típico humor de payasadas (en un momento, Chan cae desde lo alto de una torre de reloj a través de una serie de marquesinas de tela). La nueva fórmula ayudó a que Project A recaudara más de 19 millones de dólares de Hong Kong en Hong Kong, [20] y significativamente más en otros países asiáticos como Japón, donde recaudó 2.950 millones de yenes y se convirtió en una de las películas más taquilleras de 1984. [21] Winners and Sinners (1983) también presentó una elaborada secuencia de acción que involucra a Chan patinando por una carretera muy transitada, incluido un truco arriesgado en el que se desliza debajo de un camión.
Chan siguió llevando el enfoque –y los presupuestos– a nuevas alturas en éxitos como Police Story (1985), que se considera una de las mejores películas de acción de todos los tiempos. [22] Aquí estaba Chan colgando de un autobús a toda velocidad, destruyendo grandes partes de un barrio de chabolas en la ladera de una colina, peleando en un centro comercial mientras rompía muchos paneles de vidrio y deslizándose por un poste cubierto de bombillas que explotaban. Esta última se considera una de las mayores acrobacias en la historia del cine de acción. [23] La secuela de 1988 requirió explosiones a una escala similar a muchas películas de Hollywood y la protagonista femenina Maggie Cheung resultó gravemente herida , un riesgo laboral al que Chan ya se había acostumbrado. De este modo, Jackie Chan creó el modelo para la comedia de acción urbana contemporánea de la década de 1980, combinando policías, kung fu y todo el potencial destructor de cuerpos de la ciudad moderna con su vidrio, metal y vehículos a toda velocidad. [24]
El paso de Chan hacia películas de acción a mayor escala fue acompañado por el trabajo que surgió de Cinema City , la productora fundada en 1980 por los comediantes Raymond Wong , Karl Maka y Dean Shek . Con películas como la parodia de espías Aces Go Places (1982) y sus secuelas, Cinema City ayudó a hacer que los efectos especiales modernos, los artilugios tipo James Bond y las grandes acrobacias vehiculares fueran parte de la jerga de la industria. [25] El director/productor Tsui Hark participó en la configuración del estilo de Cinema City mientras trabajó allí entre 1981 y 1983 [15] , pero tuvo un impacto aún mayor después de irse. En películas como Zu Warriors from the Magic Mountain (1983) y A Chinese Ghost Story (1987, dirigida por Ching Siu-tung ), siguió ampliando los límites de los efectos especiales de Hong Kong. Fue pionero en la sustitución del estilo rudo y sencillo de cámara del kung fu de los años 70 por imágenes más brillantes y sofisticadas y una edición cada vez más furiosa. [ cita requerida ]
Como productor, Tsui Hark facilitó la creación de la película heroica y sangrienta de John Woo, A Better Tomorrow (1986), que marcó un hito. La saga de Woo sobre policías y tríadas (gánsteres chinos) combinaba tiroteos (llamados gun fu ) con una coreografía extravagante (y extremadamente violenta) y un melodrama emocional intenso, que a veces recordaba a una versión moderna de las películas de kung fu de los años 70 del mentor de Woo, Chang Cheh . La fórmula rompió otro récord de taquilla de todos los tiempos. También impulsó la carrera vacilante de su coprotagonista Chow Yun-fat , que de la noche a la mañana se convirtió en uno de los ídolos más populares de la colonia y en el protagonista favorito de Woo. [3]
Durante el resto de la década de 1980 y principios de la de 1990, una avalancha de películas de Woo y otros exploraron un territorio similar, a menudo con un estilo visual y una tendencia temática similares. Por lo general, se caracterizaban por un énfasis en los lazos fraternales de deber y afecto entre los protagonistas criminales. El otro autor más notable de estos temas fue Ringo Lam , que ofreció una visión menos romántica en películas como City on Fire , Prison on Fire (ambas de 1987) y Full Contact (1992), todas protagonizadas por Chow Yun-Fat. El género y sus creadores fueron acusados en algunos sectores de glorificar cobardemente a las tríadas de la vida real, cuya participación en el negocio del cine era notoria. [26]
A principios de los años 90, cuando las películas de tríadas fueron perdiendo fuerza, las artes marciales de época volvieron a ser el género de acción favorito. Pero se trataba de un nuevo cine de artes marciales que aprovechaba al máximo los avances técnicos y los mayores presupuestos que se produjeron con el dominio de Hong Kong en las pantallas de la región. Estas fastuosas producciones solían ser adaptaciones de las novelas wuxia más fantásticas , en las que aparecían guerreros voladores en combate en pleno vuelo. Los actores eran elevados sobre cables ultrafinos para poder realizar secuencias de acción que desafiaban la gravedad, una técnica conocida por los fans occidentales, a veces despectivamente, como wire fu . [12]
Como suele suceder, Tsui Hark abrió el camino. Produjo Swordsman (1990), que restableció las novelas wuxia de Jin Yong como fuentes favoritas de la pantalla grande (las adaptaciones televisivas habían sido omnipresentes durante mucho tiempo). Dirigió Once Upon a Time in China (1991), que resucitó al héroe popular Wong Fei Hung , a menudo filmado . Ambas películas fueron seguidas por secuelas y una serie de imitaciones, a menudo protagonizadas por el campeón de wushu continental Jet Li . Recibió un premio especial para una persona de China continental en el Festival de Cine del Caballo Dorado de Taipei de 1995. La otra estrella emblemática del subgénero fue la actriz taiwanesa Brigitte Lin . Hizo una especialidad improbable de tipos de mujeres guerreras andróginas, como el eunuco villano que cambia de sexo en The Swordsman 2 (1992), que personifica la fascinación a menudo notada de la fantasía de las artes marciales con la inestabilidad de género. [27]
El impacto internacional de Hong Kong llegó inicialmente en forma de películas de artes marciales , especialmente las películas de kung fu de la década de 1970 y, más notablemente, las de Bruce Lee . [28] Sus primeros intentos de introducir su marca de cine de artes marciales de Hong Kong en Occidente llegaron en forma de programas de televisión estadounidenses , como The Green Hornet (debut en 1966) y Kung Fu (debut en 1972). [29] La "locura del kung fu" comenzó en 1973, con el éxito sin precedentes de las películas de artes marciales de Hong Kong en la taquilla norteamericana. King Boxer ( Five Fingers of Death ), protagonizada por el actor nacido en Indonesia Lo Lieh, fue la primera película de Hong Kong en encabezar la taquilla estadounidense, allanando el camino para el avance de Bruce Lee con The Big Boss ( Fists of Fury ) encabezando la taquilla estadounidense. En mayo de 1973, el cine de acción de Hong Kong hizo historia en la taquilla estadounidense, con tres películas extranjeras ocupando los tres primeros puestos por primera vez: Fists of Fury , Lady Whirlwind ( Deep Thrust ) y Five Fingers of Death . Lee continuó su éxito con Fist of Fury ( The Chinese Connection ), que también encabezó la taquilla estadounidense el mes siguiente. [28]
Los estrenos de películas de kung fu en los Estados Unidos inicialmente apuntaban al público asiático-estadounidense , antes de convertirse en un gran éxito entre el público afroamericano e hispano más amplio , [30] y luego entre los estadounidenses blancos de clase trabajadora . [31] Las películas de kung fu también se convirtieron en un éxito mundial, en Asia , Europa y el tercer mundo . [31] Esto eventualmente allanó el camino para el gran avance cinematográfico póstumo de Lee en Hollywood con la coproducción de Hong Kong y Estados Unidos Enter the Dragon (1973). El cine de artes marciales de Hong Kong posteriormente inspiró una ola de películas y programas de televisión de artes marciales occidentales a lo largo de los años 1970-1990 (lanzando las carreras de estrellas de las artes marciales occidentales como Jean-Claude Van Damme , Steven Seagal y Chuck Norris ), así como la integración más general de las artes marciales asiáticas en películas de acción y programas de televisión occidentales en la década de 1990. [29]
Sascha Matuszak de Vice dijo que Enter the Dragon "tiene referencias en todo tipo de medios, la trama y los personajes siguen influyendo en los narradores de historias de hoy, y el impacto se sintió particularmente en la forma revolucionaria en que la película retrataba a los afroamericanos , los asiáticos y las artes marciales tradicionales". [32] Kuan-Hsing Chen y Beng Huat Chua citaron escenas de lucha en películas de Hong Kong como Enter the Dragon como influyentes por la forma en que presentaron "una historia elemental del bien contra el mal de una manera tan saturada de espectáculo". [33]
En Japón, las franquicias de manga y anime El puño de la Estrella del Norte (1983-1988) y Dragon Ball (1984-1995) fueron influenciadas por las películas de artes marciales de Hong Kong, particularmente las películas de kung fu de los años 70 como Operación Dragón de Bruce Lee y El maestro borracho de Jackie Chan (1978). [34] [35] A su vez, a El puño de la Estrella del Norte y especialmente a Dragon Ball se les atribuye el establecimiento de las tendencias para el manga y anime shōnen populares a partir de los años 80. [36] [37]
De manera similar, en la India, las películas de artes marciales de Hong Kong tuvieron una influencia en las películas masala de Bollywood . [38] Después del éxito de las películas de Bruce Lee (como Enter the Dragon ) en la India, [39] Deewaar (1975) y posteriores películas de Bollywood incorporaron escenas de lucha inspiradas en las películas de artes marciales de Hong Kong de los años 70 hasta los años 90. [40] Las escenas de acción de Bollywood emularon a Hong Kong en lugar de Hollywood, enfatizando las acrobacias y las acrobacias y combinando el kung fu (tal como lo perciben los indios) con las artes marciales indias como el pehlwani . [41]
Las películas de artes marciales de Hong Kong como Enter the Dragon fueron la base de los juegos de lucha . [42] La franquicia de videojuegos Street Fighter (debut en 1987) se inspiró en Enter the Dragon , con una jugabilidad centrada en un torneo de lucha internacional y cada personaje con una combinación única de etnia, nacionalidad y estilo de lucha. Street Fighter pasó a establecer la plantilla para todos los juegos de lucha que siguieron. [43] El primer juego de lucha Kung-Fu Master (1984) también se basó en Game of Death (1972) de Bruce Lee y Wheels on Meals (1984) de Jackie Chan . [44]
El éxito de las películas de Bruce Lee ayudó a popularizar el concepto de las artes marciales mixtas (MMA) en Occidente a través de su sistema Jeet Kune Do. En 2004, el fundador de Ultimate Fighting Championship (UFC), Dana White, llamó a Lee el "padre de las artes marciales mixtas". [45] El parkour también estuvo influenciado por las acrobacias de Jackie Chan en sus películas de acción de Hong Kong, [46] [47] así como por la filosofía de Bruce Lee. [48]
Los innovadores avances del cine de acción de Hong Kong en la década de 1980 no solo habían establecido a Hong Kong como el cine dominante en el este de Asia , sino que también despertaron el interés occidental . En la década de 1990, hubo una segunda "invasión asiática" del cine de acción de Hong Kong, que influyó y revitalizó en gran medida el cine de acción de Hollywood . Hubo una importante transición de estrellas, cineastas y coreógrafos de acción de Hong Kong a Hollywood, además de la amplia adopción de técnicas de realización de películas de acción de Hong Kong en Hollywood. [49] La amplia adopción de las convenciones del cine de acción de Hong Kong se denominó la "hongkongificación" de Hollywood. [50]
Partiendo de la reducida pero duradera subcultura de las películas de kung fu, Jackie Chan y películas como Peking Opera Blues (1986) de Tsui Hark ya estaban creando un culto cuando The Killer (1989) de Woo tuvo un estreno limitado pero exitoso en los EE. UU. y abrió las compuertas. En la década de 1990, los occidentales con la mirada puesta en la cultura "alternativa" se convirtieron en espectadores habituales de las tiendas de video y los cines de Chinatown , y gradualmente las películas se hicieron más disponibles en el mercado de video general e incluso, ocasionalmente, en los cines generales. Los críticos y los estudiosos del cine occidentales también comenzaron a tomar en serio el cine de acción de Hong Kong e hicieron que muchas figuras y películas clave formaran parte de su canon del cine mundial.
A partir de aquí, Hong Kong llegó a definir un nuevo vocabulario para el cine de acción mundial, con la ayuda de una nueva generación de cineastas norteamericanos. Reservoir Dogs (1992) de Quentin Tarantino se inspiró en City on Fire y su película de dos partes Kill Bill (2003-04) fue en gran parte un homenaje a las artes marciales, tomando prestado a Yuen Woo-Ping como coreógrafo de lucha y actor. Desperado (1995) de Robert Rodríguez y su secuela de 2003 Once Upon a Time in Mexico imitaron los manierismos visuales de Woo. La trilogía Matrix (1999-2003) de las hermanas Wachowski de éxitos de taquilla de ciencia ficción y acción tomó prestado de Woo y las películas de wire fu, y también empleó a Yuen detrás de escena. Varias estrellas de acción de Hollywood también adoptaron la práctica de Hong Kong de entrenarse en artes marciales y realizar sus propias acrobacias, como Keanu Reeves , Uma Thurman y Jason Statham . [49] La película policial de Martin Scorsese The Departed (2006) fue una nueva versión de la trilogía Infernal Affairs (2002-2003) de Andrew Lau y Alan Mak .
El género del derramamiento de sangre heroico tuvo un impacto considerable en el cine mundial , especialmente en Hollywood . [51] La acción, el estilo, los tropos y los manierismos establecidos en las películas de derramamiento de sangre heroico de Hong Kong de la década de 1980 fueron ampliamente adoptados por Hollywood en la década de 1990, remodelando la forma en que se hacían las películas de acción de Hollywood. [11] City on Fire (1987) de Lam inspiró Reservoir Dogs (1992) de Quentin Tarantino ; [52] Tarantino era un admirador del género del derramamiento de sangre heroico. [53] The Killer también influyó mucho en Léon: The Professional (1994) de Luc Besson . [51] Finalmente, el propio John Woo introdujo su marca de derramamiento de sangre heroico en Hollywood en la década de 1990. A fines de la década de 1990, el estilo de cine de Woo se había establecido firmemente en Hollywood. [54]
Debido a la nueva conciencia internacional de las películas de Hong Kong durante la década de 1980 y principios de la de 1990 y una recesión en la industria a medida que avanzaba la década de 1990, muchas de las principales estrellas del cine de Hong Kong se fueron a Hollywood , que ofrecía presupuestos y salarios que las compañías de producción de Hong Kong no podían igualar.
John Woo se fue a Hollywood después de su película de 1992 Hard Boiled . Su película de 1997 Face/Off fue el gran avance que estableció su estilo único en Hollywood. Este esfuerzo fue inmensamente popular tanto entre los críticos como entre el público (recaudó más de 240 millones de dólares en todo el mundo). Misión: Imposible 2 (2000) recaudó más de 560 millones de dólares en todo el mundo. Desde estas dos películas, Woo ha luchado por revisitar sus éxitos de la década de 1980 y principios de la de 1990. [55]
Después de más de quince años de éxito en el cine de Hong Kong y un par de intentos de entrar en el mercado estadounidense, la película de Jackie Chan de 1995 Rumble in the Bronx finalmente le trajo reconocimiento en los EE. UU. Desde entonces, ha hecho varias películas de gran éxito para estudios estadounidenses, incluyendo Rush Hour (1998), Shanghai Noon (2000) y sus respectivas secuelas Rush Hour 2 (2001), Shanghai Knights (2003) y Rush Hour 3 (2007). Entre sus películas para estudios estadounidenses, todavía hace películas para estudios de Hong Kong, a veces en inglés ( Mr. Nice Guy y Who Am I? ), a menudo ambientadas en países occidentales como Australia o los Países Bajos , y a veces en cantonés ( New Police Story de 2004 y Rob-B-Hood de 2006 ). Debido a su enorme popularidad en los EE. UU., estas películas generalmente se estrenan en los EE. UU., una rareza para las películas de Hong Kong, y generalmente atraen números respetables de audiencia.
Jet Li ha reducido su producción en Hong Kong desde Hitman (1998) para centrarse en Hollywood. Después de un papel menor en Lethal Weapon 4 (1998), ha protagonizado varias películas de Hollywood que han tenido un rendimiento respetable y le han dado un nombre entre el público estadounidense. Hasta ahora, ha vuelto al cine chino sólo para dos películas: Hero (2002) y Fearless (2006). Afirmó que Fearless sería su última película de kung fu tradicional.
Chow Yun-fat también se ha mudado a Hollywood. Después de su película Peace Hotel de 1995 , ha hecho un puñado de películas en Hollywood que no han tenido tanto éxito como las de las figuras antes mencionadas. Entre ellas se incluyen The Replacement Killers (1998), The Corruptor (1999), Anna and the King (1999) y Bulletproof Monk (2003). Regresó a China para Crouching Tiger, Hidden Dragon ( 2000) y Curse of the Golden Flower ( 2006) .
La industria cinematográfica de Hong Kong ha estado en una profunda recesión desde mediados de los años 1990. La cantidad de películas locales producidas y sus ingresos en taquilla se han reducido drásticamente; las importaciones estadounidenses dominan ahora de una manera que no lo habían hecho durante décadas, o tal vez nunca. Esta crisis y el mayor contacto con el cine occidental probablemente hayan sido las mayores influencias recientes en el cine de acción de Hong Kong. [56]
Atraer a los jóvenes de Hollywood a su público local y regional es una preocupación constante. Las películas de acción ahora suelen estar encabezadas por ídolos de la música pop cantonesa con cara de bebé , como Ekin Cheng y Nicholas Tse , mejorados con cables y efectos digitales, una tendencia que también está impulsada por la decadencia de una generación anterior de estrellas entrenadas en artes marciales. A fines de la década de 1990, se produjo una moda de estrellas del pop cantonés en películas de acción de alta tecnología y estilo más estadounidense, como Downtown Torpedoes (1997), Gen-X Cops y Purple Storm (ambas de 1999).
La adaptación de cómic wuxia de Andrew Lau , The Storm Riders (1998), obtuvo una recaudación récord y marcó el comienzo de una era de imágenes generadas por computadora , poco utilizadas anteriormente en el cine de Hong Kong. Sin embargo, los fastuosos esfuerzos mejorados con CGI de Tsui Hark, Time and Tide (2000) y The Legend of Zu (2001), fueron sorprendentemente infructuosos. [ aclaración necesaria ] La megaestrella de la comedia y director Stephen Chow utilizó efectos digitales para llevar su típica parodia afectuosa de las convenciones de las artes marciales a niveles caricaturescos en Shaolin Soccer (2001) y Kung Fu Hustle (2004), cada una de las cuales también estableció un nuevo récord de taquilla. [ cita requerida ]
En cambio, una serie de películas policiales más sobrias y con un mayor protagonismo de los actores que las anteriores, inspiradas en John Woo, se situaron en una posición de vanguardia. La productora Milkyway Image estuvo a la vanguardia con películas como Expect the Unexpected (1998) de Patrick Yau , The Mission (1999) de Johnnie To y Running Out of Time (1999). La exitosa trilogía Infernal Affairs (2002-2003) de Andrew Lau y Alan Mak ha desencadenado una minitendencia de thrillers policiales inquietantes. [ cita requerida ]
La colaboración con otras industrias, en particular la de China continental , es otra estrategia de supervivencia y recuperación cada vez más común. Las estrellas de Hong Kong y otros miembros del personal han participado en éxitos internacionales del wuxia como El tigre y el dragón (2000), Héroe (2002) y La casa de las dagas voladoras (2004).
Operación Dragón tuvo una gran repercusión en todo el mundo. Realizada por una minúscula suma de 850.000 dólares, recaudó 90 millones de dólares en todo el mundo en 1973 y recaudó unos 350 millones de dólares durante los siguientes cuarenta y cinco años.
