Barbara Kruger (nacida el 26 de enero de 1945) es una artista conceptual y collagista estadounidense asociada con Pictures Generation . [1] Es más conocida por su estilo de collage que consiste en fotografías en blanco y negro, superpuestas con subtítulos declarativos, expresados en texto blanco sobre rojo Futura Bold Oblique o Helvetica Ultra Condensed . [2] Las frases en sus obras a menudo incluyen pronombres como "tú", "tu", "yo", "nosotros" y "ellos", abordando construcciones culturales de poder, identidad, consumismo y sexualidad . Los medios artísticos de Kruger incluyen fotografía, escultura, diseño gráfico, arquitectura, así como instalaciones de video y audio. [3]
Kruger vive y trabaja en Nueva York y Los Ángeles. [4] Es Profesora Distinguida Emérita de Nuevos Géneros en la Escuela de Artes y Arquitectura de UCLA . [5] En 2021, Kruger fue incluido en la lista anual de la revista Time de las 100 personas más influyentes . [6]
Kruger nació en una familia de clase trabajadora [7] [8] [9] en Newark, Nueva Jersey . Su padre trabajaba como técnico químico para Shell Oil [10] y su madre era secretaria jurídica.
Kruger se graduó de la escuela secundaria Weequahic . [11] Asistió a la Universidad de Syracuse , pero la abandonó después de un año debido a la muerte de su padre. [10] Después de su año en la Universidad de Syracuse, en 1965, asistió a la Escuela de Diseño Parsons en Nueva York durante un semestre. Durante los siguientes diez años, Kruger se estableció mientras se dedicaba al diseño gráfico para revistas y a la edición de fotografías independiente , además de diseñar cubiertas para libros. [12] A finales de la década de 1960, Kruger se interesó por la poesía y comenzó a asistir a lecturas de poesía , además de escribir su propia poesía. Mientras estaba en la Escuela de Diseño Parsons, Kruger estudió arte y diseño con Diane Arbus y Marvin Israel , y pronto obtuvo un trabajo de diseño en Publicaciones Condé Nast [4] cuando era adolescente. [13] Poco después, a Kruger se le concedió el puesto de diseñador jefe para el año siguiente. Inicialmente trabajó como diseñadora en Mademoiselle y luego pasó a trabajar a tiempo parcial como editora de imágenes para House and Garden , Aperture y otras publicaciones. [14] También escribió columnas de cine, televisión y música para Artforum y REALLIFE Magazine por sugerencia de su amiga Ingrid Sischy . [10]
Los primeros trabajos de Kruger se remontan a 1969, cuando comenzó a crear grandes tapices que incorporaban materiales como hilo, cuentas, lentejuelas, plumas y cintas. Estas piezas representaron la recuperación feminista de la artesanía durante este período. [15] Kruger tejió, cosió y pintó objetos de colores brillantes y eróticamente sugerentes, algunos de los cuales fueron incluidos por la curadora Marcia Tucker en la Bienal del Whitney de 1973 . [9] Se inspiró para estas piezas en la exposición de Magdalena Abakanowicz en el Museo de Arte Moderno. Aunque algunas de estas obras se incluyeron en la Bienal de Whitney, Kruger se volvió distante e insatisfecha con su producción. [12] En 1976, se tomó un descanso de lo que se había convertido en obras más abstractas, sintiendo que su trabajo se había vuelto sin sentido y sin sentido. [10] Luego se mudó a Berkeley, California, donde enseñó en la Universidad de California y se inspiró en los escritos de Walter Benjamin y Roland Barthes . [10] En 1977, volvió a hacer arte, trabajando con sus propias fotografías arquitectónicas y publicando un libro de arte, Picture/Readings , en 1979. [16] Se inspiró para fotografiar arquitectura en la práctica de su familia de recorrer "casas modelo que nunca podría permitirme". [17]
Al comienzo de su carrera artística, Kruger supuestamente se sintió intimidada al ingresar a las galerías de Nueva York debido a la atmósfera predominante en la escena artística que, para ella, no daba la bienvenida a "mujeres particularmente independientes y no masoquistas". [10] Sin embargo, recibió apoyo temprano para sus proyectos de grupos como el Public Art Fund, que la animó a seguir haciendo arte. [17] Pasó a su práctica moderna del collage a principios de la década de 1980.
Al abordar cuestiones de lenguaje y signos, Kruger a menudo ha sido agrupado con artistas posmodernos feministas como Jenny Holzer , Sherrie Levine , Martha Rosler y Cindy Sherman . [16] Al igual que Holzer y Sherman, en particular, utiliza las técnicas de comunicación de masas y publicidad para explorar el género y la identidad. [18] Ella analiza su interés en representar "cómo somos los unos para los otros" [19] y el "amplio alcance" [19] que esto proporciona a su trabajo. Kruger se considera parte de Pictures Generation . [20]
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Gran parte del trabajo de Kruger combina fotografías encontradas con texto conciso y asertivo que desafía al espectador, [9] conocido como arte de palabras . [21] [22] Su método incluye desarrollar sus ideas en una computadora y luego transferir los resultados (a menudo del tamaño de una valla publicitaria) a imágenes impresas. [9] Ejemplos de sus lemas reconocibles al instante incluyen "Compro, luego existo", "Tu cuerpo es un campo de batalla", [23] y "No eres tú mismo", que aparecen en sus distintivas letras blancas sobre un fondo rojo. La mayor parte de su trabajo trata temas provocativos como el feminismo , el consumismo y la autonomía y el deseo individuales, apropiándose con frecuencia de imágenes de revistas convencionales y utilizando sus frases atrevidas para enmarcarlas en un nuevo contexto.
Kruger ha dicho que "trabajo con imágenes y palabras porque tienen la capacidad de determinar quiénes somos y quiénes no somos". [24] Un elemento recurrente en su obra es la apropiación y alteración de imágenes existentes. Al describir su uso de la apropiación, Kruger afirma:
Las imágenes y las palabras parecen convertirse en puntos de unión de ciertas suposiciones. Hay suposiciones de verdad y falsedad y supongo que las narrativas de falsedad se llaman ficciones. Replico ciertas palabras y observo cómo se desvían o coinciden con las nociones de realidad y ficción. [25]
Su cartel para la Marcha de las Mujeres en Washington de 1989 en apoyo del aborto legal incluía el rostro de una mujer dividido en reproducciones fotográficas positivas y negativas, acompañado por el texto "Tu cuerpo es un campo de batalla". [9] Un año después, Kruger utilizó este lema en un cartel encargado por el Centro Wexner para las Artes . Doce horas más tarde, un grupo opuesto al aborto respondió al trabajo de Kruger reemplazando el cartel adyacente con una imagen que representaba a un feto de ocho semanas. [26]
Los primeros trabajos monocromáticos predigitales de Kruger , conocidos como 'pegados', revelan la influencia de la experiencia de la artista como diseñadora editorial de revistas durante los inicios de su carrera. Estas obras a pequeña escala, la más grande de las cuales mide 28 x 33 cm (11 x 13 pulgadas), se componen de imágenes encontradas alteradas y textos seleccionados de los medios o inventados por el artista. Luego se produjo un negativo de cada obra y se utilizó para hacer versiones ampliadas de estos "pegajos" iniciales. [27] Entre 1978 y 1979, completó "Picture/Readings", fotografías sencillas de casas modestas que se alternan con paneles de palabras. [9] A partir de 1992, Kruger diseñó portadas para varias revistas, incluidas Ms. , Esquire , Newsweek y The New Republic . [28] Su estilo de fuente característico, Futura Bold, probablemente esté inspirado en el estilo publicitario de "Gran Idea" o "Revolución Creativa" de la década de 1960 al que estuvo expuesta durante su experiencia en Mademoiselle . [10]
En 1990, Kruger despertó a la comunidad japonesa americana de Little Tokyo, Los Ángeles , con su propuesta de pintar el Juramento a la Bandera , bordeado de preguntas provocativas, en el costado de un almacén en el corazón del barrio del centro histórico. [9] MOCA le había encargado a Kruger que pintara un mural para "Un bosque de signos: arte en la crisis de representación", una exposición de 1989 que también incluía obras de Barbara Bloom , Jenny Holzer , Jeff Koons , Sherrie Levine y Richard. Príncipe . Pero antes de que se levantara el mural, la propia Kruger y la curadora Ann Goldstein lo presentaron en varias reuniones comunitarias durante un período de 18 meses. [29] Después de que los participantes expresaron protestas sobre su diseño, la artista se ofreció a eliminar la promesa de su propuesta mural, manteniendo al mismo tiempo una serie de preguntas pintadas con los colores y el formato de la bandera estadounidense: "¿Quién se compra y se vende? ¿Quién es?" más allá de la ley? ¿Quién es libre de elegir? ¿Quién sigue las órdenes? ¿Quién saluda más fuerte? ¿Quién muere primero? [9] Un año después del cierre de la exposición, el mural reconfigurado de Kruger finalmente se exhibió durante dos años. [29]
En 1995, con los arquitectos Henry Smith-Miller y Laurie Hawkinson y el arquitecto paisajista Nicholas Quennell, diseñó las letras escultóricas Picture This de 200 pies de largo (60 m) para un escenario y un anfiteatro al aire libre en el Museo de Arte de Carolina del Norte , Raleigh. [9]
Para una pieza de sitio específico que produjo en el Museo de Arte Parrish en 1998, Kruger colocó en el rango superior de la fachada románica del museo letras rojas que decían: "Tú perteneces aquí"; abajo, en columnas que separan tres portales de entrada arqueados, letras apiladas escritas "Dinero" y "Sabor". [30] Como parte de la Bienal de Venecia en 2005, Kruger instaló un mural de vinilo impreso digitalmente en toda la fachada del pabellón italiano, dividiéndolo así en tres partes: verde a la izquierda, rojo a la derecha y blanco en el medio. En inglés e italiano, las palabras "dinero" y "poder" trepaban por las columnas del pórtico; la pared izquierda decía: "Finge que las cosas van según lo planeado", mientras que "Dios está de mi lado; él me lo dijo" llenaba la derecha. [31] En 2012, su instalación Belief+Doubt , que cubre 6,700 pies cuadrados (620 m 2 ) de superficie y fue impresa en hojas similares a papel tapiz en los colores característicos del artista: rojo, negro y blanco, se instaló en el Museo y jardín de esculturas Hirshhorn . [32]
En 2022, como posiblemente la voz más importante en el arte para los movimientos por el derecho al aborto , Kruger creó una serie de nuevas obras en respuesta a los documentos filtrados de la Corte Suprema que anularían Roe v. Wade . Kruger dijo: "El fin de Roe fue claramente el resultado de la campaña llena de ira de la derecha para deshacer la salud reproductiva y la agencia de las mujeres. Han sido implacables, mientras que el centro y la izquierda con demasiada frecuencia guardaron silencio, viendo el tema como el tercer carril de la guerra". La política estadounidense, independientemente de las cifras de las encuestas que favorecen a Roe, durante décadas, el aborto estuvo ausente o marginado en los debates de campaña". [33] [34]
En 1994, L'empathie peut changer le monde ( La empatía puede cambiar el mundo ) de Kruger se instaló en el andén de una estación de tren en Estrasburgo , Francia. Para un espectáculo de 1997 en Nueva York, Kruger envolvió autobuses urbanos con citas de figuras como Malcolm X , Courtney Love y HL Mencken . Para promover la primera retrospectiva de Kruger, en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles , creó 15 vallas publicitarias e innumerables publicaciones extravagantes, ejecutadas e instaladas tanto en inglés como en español. [9] En apoyo de una campaña de concientización pública para promover la instrucción artística en el Distrito Escolar Unificado de Los Ángeles , Kruger cubrió un autobús con frases como: "Dale a tu cerebro tanta atención como te peinas y serás mil veces Mejor sin"; "de aquí para allá"; "No seas idiota"; y "Lo quieres. Lo compras. Lo olvidas". [35] En 2017, la obra de arte de Kruger apareció en 50.000 MetroCards de edición limitada publicadas por la Autoridad de Tránsito Metropolitano de Nueva York . [36]
En 1984, Kruger creó un diseño de camiseta que presentaba una imagen ampliada del rostro de una mujer con un texto en los ojos y la boca de la figura que decía: "No puedo mirarte... y respirar al mismo tiempo". " La camiseta fue producida como un proyecto de colaboración con el diseñador de moda Willi Smith para su marca WilliWear Productions. [37]
En 2017, Kruger colaboró con la marca de ropa Volcom por su contribución a la bienal Performa 17 en Nueva York. Creó una tienda temporal en el barrio SoHo de la ciudad donde se vendían camisetas, gorros, sudaderas y patinetas. [38]
Entre 1998 y 2008, Kruger creó instalaciones permanentes para el Fisher College of Business , el Broad Contemporary Art Museum de LACMA y el Price Center de la Universidad de California en San Diego . [39] Desde 2008 hasta 2011, el Moderna Museet de Estocolmo mostró una obra site-specific que constaba de tres grandes collages montados en la pared en la zona de entrada del museo. [40] En 2012, Kruger creó la instalación permanente de su obra Belief+Doubt en el nivel inferior del Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn en Washington, DC.
Desde mediados de la década de 1990, Kruger ha creado instalaciones inmersivas de vídeo y audio a gran escala. Envolviendo al espectador con las seducciones del discurso directo, la obra continúa su cuestionamiento del poder, el control, el afecto y el desprecio: las imágenes fijas ahora se mueven, hablan y espacializan su comentario. [41] En 1997, Kruger produjo una serie de esculturas de fibra de vidrio de figuras públicas comprometidas, incluidos John F. y Robert F. Kennedy levantando a Marilyn Monroe sobre sus hombros. [9] En 2016, Kruger creó una obra de protesta por la elección de Donald Trump para la portada de la revista New York y participó en un boicot de inauguración el 20 de enero de 2017. [42] [43] Para la edición 2020 de Frieze Art Fair en Los Ángeles, presentó una serie de 20 preguntas, entre ellas "¿Quién te crees que eres?" y "¿Quién muere primero? ¿Quién ríe último?", que se muestran en vallas publicitarias digitales, carteles callejeros, puntos de referencia y espacios públicos de toda la ciudad. [44]
Kruger ha impartido un Programa de Estudios Independientes en el Museo Whitney , en el Instituto de las Artes de California en Valencia, en la Universidad de California, Berkeley y en Chicago. Después de enseñar durante cinco años en UCSD , se unió al cuerpo docente de la Escuela de Artes y Arquitectura de UCLA , donde es Profesora Emérita Distinguida de Nuevos Géneros. En 1995-1996, fue artista residente en el Centro Wexner para las Artes , donde creó Anuncios de Servicio Público que abordaban el tema de la violencia doméstica. [45] En 2000, fue artista residente de la Fundación Wiegand en Scripps College , Claremont. [46] Ha escrito sobre televisión, cine y cultura para Artforum , Esquire , The New York Times y The Village Voice .
Kruger estuvo involucrada con un grupo de artistas que se habían graduado de CalArts y gravitaron hacia la ciudad de Nueva York en la década de 1970, incluidos Ross Bleckner y David Salle , y los incluyó como su primer grupo de pares. Consideraba a Diane Arbus como su "primer modelo femenino a seguir... que no lavaba el piso seis veces al día". También se asoció con Julian Schnabel , Marilyn Lerner, Sherrie Levine , Cindy Sherman , James Welling , Nancy Dwyer , Louise Lawler , Sarah Charlesworth , Laurie Simmons , Carol Squiers, Judith Barry , Jenny Holzer , Richard Prince , Becky Johnston y Lynne Tillman . Kruger se unió al grupo llamado Encuentro de Artistas para el Cambio Cultural en la década de 1970, pero señaló sobre la experiencia: "No era un orador activo real [sic]; me sentía intimidado pero también tenía curiosidad". [17] En la misma entrevista, Kruger explicó que, aunque era amiga de una amplia gama de artistas, en realidad no estaba influenciada por ellos porque estaba trabajando para mantenerse. A principios de la década de 1980, Kruger también se asoció y expuso con artistas de Colab , como en la exposición Island of Negative Utopia en The Kitchen en 1984.
En 1979, Barbara Kruger expuso sus primeras obras combinando fotografías apropiadas y fragmentos de texto superpuesto en el PS 1 Contemporary Art Center , en Long Island City, Queens. Su primera exposición institucional se realizó en Londres, cuando Iwona Blazwick decidió exponer su obra en el Instituto de Arte Contemporáneo en 1983. [47] En 1999, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles montó la primera exposición retrospectiva para ofrecer una visión general completa. de la carrera de Kruger desde 1978; la muestra viajó al Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York en 2000. [48] Desde entonces, Kruger ha sido objeto de muchas exposiciones individuales, incluidas muestras organizadas por el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres (1983), el Musée d 'art contemporain de Montréal (1985), Serpentine Gallery de Londres (1994), Palazzo delle Papesse Centro Arte Contemporanea de Siena (2002), Museum of Contemporary Art San Diego (2005) y Moderna Museet de Estocolmo (2008).
En 2009, Kruger fue incluido entre los artistas fundamentales cuyo trabajo se exhibió en " The Pictures Generation , 1974-1984" en el Museo Metropolitano de Arte . Kruger también ha participado en la Bienal del Whitney (1983, 1985 y 1987) y en la Documenta 7 y 8 (1982 y 1987). [49] Representó a los Estados Unidos en la Bienal de Venecia en 1982 y participó en 2005 y 2022. [50] Recibió el prestigioso Leone d'Oro ( premio León de Oro ) por su trayectoria.
En 2007, Kruger fue una de los muchos artistas que formaron parte de la Bienal de Artistas Femeninas de Incheon de Corea del Sur en Seúl . Esto marcó la primera bienal de mujeres de Corea del Sur . [51] Ese mismo año, diseñó "Consider This...", una exposición en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles . [52] En septiembre de 2009, Between Being Born and Dying de Kruger , una importante instalación encargada por la Colección de Arte Lever House, se inauguró en el hito arquitectónico de la ciudad de Nueva York Lever House . En 2012, como miembro de la junta directiva del Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA) , Kruger se ofreció como voluntario para ser el principal financiador de la exposición académica del museo Ends of the Earth: Land Art to 1974 y para crear una nueva obra sobre vinilo para vender, y las ganancias se destinarán íntegramente al presupuesto de 1 millón de dólares del programa. [53] Modern Art Oxford organizó una exposición de trabajos nuevos y recientes de Kruger en 2014. [54] En 2016, como parte de la celebración de la reapertura de la East Building Tower Gallery después de años de renovación, la Galería Nacional de Art creó una exposición que muestra 13 obras de Barbara Kruger. [55]
Del 19 de septiembre de 2021 al 24 de enero de 2022, Barbara Kruger: Thinking of You , I Mean Me , I Mean You es una exposición amplia, integral e inmersiva en el Art Institute of Chicago, que viaja al Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA ) del 20 de marzo de 2022 al 17 de julio de 2022. [56]
Las palabras e imágenes de Kruger se han exhibido tanto en galerías como en espacios públicos, y también se han ofrecido como fotografías enmarcadas y sin marco, carteles, postales, camisetas, letreros electrónicos, pancartas en fachadas y vallas publicitarias.
Kruger vive en el barrio de Beachwood Canyon de Los Ángeles. [57] [58]
El Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles otorgó a Kruger el Premio MOCA a Mujeres Distinguidas en las Artes en 2001. [59] En 2005, fue incluida en La experiencia del arte en la Bienal de Venecia [60] y recibió el Premio Leone. d'Oro por su trayectoria. [61] En la gala del décimo aniversario en el jardín del Museo Hammer en 2012, Kruger fue honrado por la presentadora de televisión Rachel Maddow . [62] En 2012, Kruger se unió a John Baldessari y Catherine Opie para abandonar la junta directiva del Museo de Arte Contemporáneo en protesta, [63] pero luego regresó en apoyo del nuevo director del museo, Philippe Vergne , en 2014. [64] En En 2021, Kruger fue incluido en la lista anual de la revista Time de las 100 personas más influyentes . [6]
El primer marchante de Kruger fue Gagosian Gallery , con la que realizó dos exposiciones en Los Ángeles a principios de los años 1980. [47] En 1988, se convirtió en la primera mujer en unirse a la galería de arte de Mary Boone ; [65] ha tenido nueve exposiciones individuales allí. Tras el cierre de la galería, se mudó a la Galería David Zwirner en 2019. [66] Kruger también está representada por Rhona Hoffman Gallery, Chicago; y Sprüth Magers Berlin Londres (desde 1985) [66] y L&M Arts en Los Ángeles.
A finales de 2011, la fotografía de Kruger de 1985 del muñeco de un ventrílocuo , Sin título (Cuando escucho la palabra cultura, saco mi chequera) , se vendió en Christie's por un récord de 902.500 dólares. [32]
Supreme , una marca de ropa y patinetas establecida en 1994, ha sido acusada de tomar su logotipo (la palabra blanca "Supreme" en un cuadro rojo) del estilo característico de Kruger. James Jebbia , fundador de Supreme, ha admitido que el logo fue tomado del trabajo de Kruger. [67] La propia Kruger no había comentado sobre este tema hasta una reciente demanda entre Supreme y Leah McSweeney , fundadora de Married to the Mob (MTTM), una marca de ropa urbana para mujeres. MTTM usó el logo de Supreme para hacer un logo de "Supreme Bitch" que se imprimió en camisetas y gorras. En respuesta, Kruger dijo: "Qué ridículo grupo de bromistas totalmente fuera de onda. Hago mi trabajo sobre este tipo de farsa tristemente tonta. Estoy esperando que todos me demanden por infracción de derechos de autor". [68] Finalmente, las demandas se abandonaron cuando las partes llegaron a un acuerdo de que McSweeney podría continuar usando la frase "Supreme Bitch" siempre que "no fuera de la forma en que lo hace Barbara Kruger". [69] [70]