Alfred Stieglitz HonFRPS (1 de enero de 1864 - 13 de julio de 1946) fue un fotógrafo y promotor del arte moderno estadounidense que jugó un papel decisivo a lo largo de sus 50 años de carrera para hacer de la fotografía una forma de arte aceptada. Además de su fotografía, Stieglitz era conocido por las galerías de arte de Nueva York que dirigió a principios del siglo XX, donde introdujo a muchos artistas europeos de vanguardia en Estados Unidos. Estaba casado con la pintora Georgia O'Keeffe .
Stieglitz nació en Hoboken, Nueva Jersey , el primer hijo de los inmigrantes judíos alemanes Edward Stieglitz (1833-1909) y Hedwig Ann Werner (1845-1922). [1] Su padre era teniente del ejército de la Unión y trabajaba como comerciante de lana. [2] Tenía cinco hermanos, Flora (1865–1890), los gemelos Julius (1867–1937) y Leopold (1867–1956), Agnes (1869–1952) y Selma (1871–1957). Alfred Stieglitz, al ver la estrecha relación de los gemelos, deseó tener un alma gemela durante su infancia. [1]
Stieglitz asistió al Instituto Charlier, una escuela cristiana en Nueva York, en 1871. Al año siguiente, su familia comenzó a pasar los veranos en Lake George en las montañas Adirondack , una tradición que continuó hasta la edad adulta de Stieglitz. [3]
Para poder calificar para la admisión al City College de Nueva York , Stieglitz se matriculó en una escuela pública para su primer año de escuela secundaria, pero encontró que la educación era inadecuada. En 1881, Edward Stieglitz vendió su empresa por 40.000 dólares y trasladó a su familia a Europa durante los siguientes años para que sus hijos recibieran una mejor educación. Alfred Stieglitz se matriculó en el Real Gymnasium de Karlsruhe . [3] Al año siguiente, Alfred Stieglitz estudió ingeniería mecánica en la Technische Hochschule de Berlín. Se matriculó en una clase de química impartida por Hermann Wilhelm Vogel , científico e investigador, que trabajaba en los procesos químicos para el revelado de fotografías. En Vogel, Stieglitz encontró tanto el desafío académico que necesitaba como una salida para sus crecientes intereses artísticos y culturales. Recibía una asignación de 1.200 dólares (equivalente a 37.887 dólares en 2023) al mes. [3] [4]
En 1884, sus padres regresaron a Estados Unidos, pero Stieglitz, de 20 años, permaneció en Alemania y coleccionó libros sobre fotografía y fotógrafos en Europa y Estados Unidos [5]. Compró su primera cámara, una cámara de película con placas de 8 × 10, y viajó. a través de Holanda, Italia y Alemania. Tomó fotografías de paisajes y trabajadores del campo. La fotografía, escribió más tarde, "me fascinaba, primero como juguete, luego como pasión y luego como obsesión". [6]
A través de su autoestudio, vio la fotografía como una forma de arte. En 1887, escribió su primer artículo, "Una palabra o dos sobre la fotografía amateur en Alemania", para la nueva revista The Amateur Photographer . [7]
Obtuvo el primer lugar por su fotografía, The Last Joke, Bellagio , en 1887, de manos de Amateur Photographer . Al año siguiente ganó el primer y segundo premio en el mismo concurso y su reputación comenzó a extenderse cuando varias revistas fotográficas alemanas y británicas publicaron su trabajo. [8]
En 1890, su hermana Flora murió mientras daba a luz y Stieglitz regresó a Nueva York. [3]
Stieglitz se consideraba un artista, pero se negaba a vender sus fotografías. Su padre le compró un pequeño negocio de fotografía para poder ganarse la vida con la profesión que había elegido. Debido a que exigía imágenes de alta calidad y pagaba altos salarios a sus empleados, la empresa de grabado fotocromo rara vez obtenía ganancias. [8]
A finales de 1892, Stieglitz compró su primera cámara de mano, una cámara de película de placas Folmer and Schwing 4×5. [8] Stieglitz ganó reputación por su fotografía y sus artículos en revistas sobre cómo la fotografía es una forma de arte. En la primavera de 1893, se convirtió en coeditor de The American Amateur Photographer . Para evitar que sus opiniones dieran la impresión de parcialidad y porque Photochrome estaba imprimiendo los fotograbados para la revista, Stieglitz se negó a cobrar un salario. [1]
El 16 de noviembre de 1893, Stieglitz, de 29 años, se casó con Emmeline Obermeyer, de 20, hermana de su amigo cercano y socio comercial Joe Obermeyer y nieta del cervecero Samuel Liebmann . Se casaron en la ciudad de Nueva York. Stieglitz escribió más tarde que no amaba a Emmy, como se la conocía comúnmente, cuando estaban casados y que su matrimonio no se consumó durante al menos un año. [4] Hija de un rico propietario de una cervecería, había heredado dinero de su padre. [1] Stieglitz llegó a lamentar su decisión de casarse con Emmy, ya que ella no compartía sus intereses artísticos y culturales. El biógrafo de Stieglitz, Richard Whelan, resumió su relación diciendo que Stieglitz "resistía amargamente con ella por no convertirse en su gemela". A lo largo de su vida Stieglitz mantuvo el deseo por mujeres más jóvenes. [8]
Stieglitz fue elegido por unanimidad como uno de los dos primeros miembros estadounidenses de The Linked Ring . Stieglitz vio este reconocimiento como el impulso que necesitaba para intensificar su causa de promover la fotografía artística en Estados Unidos. [4]
En mayo de 1896, las dos organizaciones se unieron para formar The Camera Club of New York . Aunque le ofrecieron la presidencia de la organización, pasó a ser vicepresidente. Desarrolló programas para el club y participó en todos los aspectos de la organización. Le dijo al periodista Theodore Dreiser que quería "hacer el club tan grande, sus labores tan distinguidas y su autoridad tan definitiva que pueda utilizar satisfactoriamente su gran prestigio para obligar al reconocimiento de los artistas individuales dentro y fuera de sus muros". [9]
Stieglitz transformó el actual boletín del Camera Club en una revista, Camera Notes , y obtuvo control total sobre la nueva publicación. Su primer número se publicó en julio de 1897. Pronto fue considerada la mejor revista fotográfica del mundo. [10] Durante los siguientes cuatro años, Stieglitz utilizó Camera Notes para defender su creencia en la fotografía como forma de arte al incluir artículos sobre arte y estética junto a impresiones de algunos de los principales fotógrafos estadounidenses y europeos. El crítico Sadakichi Hartmann escribió: "Me parecía que la fotografía artística, el Camera Club y Alfred Stieglitz eran sólo tres nombres para una misma cosa". [11]
También continuó tomando sus propias fotografías. A finales de 1896, realizó a mano los fotograbados de una primera carpeta de su propio trabajo, Picturesque Bits of New York and Other Studies . [12] Continuó exponiendo en exposiciones en Europa y Estados Unidos, y en 1898 había ganado una sólida reputación como fotógrafo. Le pagaron 75 dólares (equivalentes a 2.747 dólares en 2023) por su impresión favorita, Invierno – Quinta Avenida . [5]
El 27 de septiembre de 1898 nació la hija de Stieglitz, Katherine "Kitty" . Utilizando la herencia de Emmy, la pareja contrató a una institutriz, una cocinera y una camarera. Stieglitz trabajó al mismo ritmo que antes del nacimiento de su hija y, como resultado, la pareja vivió predominantemente vidas separadas bajo el mismo techo. [4]
En mayo de 1899, Stieglitz recibió una exposición individual, compuesta por ochenta y siete grabados, en el Camera Club. La tensión de la preparación para este programa, junto con los continuos esfuerzos para producir Camera Notes , afectaron la salud de Stieglitz. Para aliviar su carga, trajo a sus amigos Joseph Keiley y Dallet Fugeut, ninguno de los cuales era miembro del Camera Club, como editores asociados de Camera Notes . Molestos por esta intrusión de personas ajenas, por no mencionar su propia presencia cada vez menor en las publicaciones del Club, muchos de los miembros más antiguos del Club comenzaron a hacer campaña activamente contra la autoridad editorial de Stieglitz. Stieglitz pasó la mayor parte de 1900 buscando maneras de superar estos esfuerzos, enredándolo en prolongadas batallas administrativas. [8]
Debido a la continua tensión de gestionar el Camera Club, al año siguiente colapsó en el primero de varios colapsos mentales. [8] Pasó gran parte del verano en la casa de la familia en Lake George, Oaklawn, recuperándose. Cuando regresó a Nueva York, anunció su dimisión como editor de Camera Notes . [1]
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La fotógrafa Eva Watson-Schütze le instó a crear una exposición que fuera juzgada únicamente por fotógrafos [13] que, a diferencia de los pintores y otros artistas, conocían la fotografía y sus características técnicas. En diciembre de 1901, Charles DeKay, del National Arts Club, lo invitó a montar una exposición en la que Stieglitz tendría "pleno poder para seguir sus propias inclinaciones". [14] En dos meses Stieglitz había reunido una colección de grabados de un círculo cercano de sus amigos, que, en homenaje a los fotógrafos de Munich, llamó la Foto-Secesión . Stieglitz no sólo declaraba una secesión de las restricciones artísticas generales de la época, sino específicamente de la supervisión oficial del Camera Club. [15]
Comenzó a formular un plan para publicar una revista completamente independiente de fotografía pictórica para llevar a cabo los estándares artísticos del Foto-Secesionista. En julio, había dimitido por completo como editor de Camera Notes y un mes después publicó un prospecto para una nueva revista a la que llamó Camera Work . Estaba decidido a que fuera "la mejor y más suntuosa de las publicaciones fotográficas". [1] El primer número se imprimió cuatro meses después, en diciembre de 1902, y como todos los números posteriores, contenía fotograbados hechos a mano, escritos críticos sobre fotografía, estética y arte, y reseñas y comentarios sobre fotógrafos y exposiciones. Camera Work fue "la primera revista fotográfica enfocada visualmente". [dieciséis]
Stieglitz era un perfeccionista y lo demostraba en todos los aspectos del trabajo con la cámara . Avanzó en el arte de la impresión en fotograbado exigiendo estándares sin precedentes para las impresiones en Camera Work . La calidad visual de los huecograbados era tan alta que cuando un conjunto de copias no llegó para una exposición de Photo-Secession en Bruselas, se colgó en su lugar una selección de huecograbados de la revista. La mayoría de los espectadores asumieron que estaban mirando las fotografías originales. [1]
A lo largo de 1903, Stieglitz publicó Camera Work y trabajó para exhibir su propio trabajo y el de los fotosecesionistas [8] mientras lidiaba con las tensiones de su vida hogareña. El fotógrafo luxemburgués-estadounidense Edward Steichen , quien más tarde sería curador de la histórica exposición The Family of Man , fue el fotógrafo que apareció con más frecuencia en la revista. Fuguet, Keiley y Strauss, los tres editores asociados de Stieglitz en Camera Notes , los trajo consigo a Camera Work . Más tarde, dijo que él solo envolvió y envió individualmente por correo unas 35.000 copias de Camera Work durante el transcurso de su publicación. [8]
El 25 de noviembre de 1905 se inauguraron las "Pequeñas Galerías de la Foto-Secesión " en el 291 de la Quinta Avenida con cien impresiones de treinta y nueve fotógrafos. Steichen había recomendado y alentado a Stieglitz, a su regreso de Europa, a alquilar tres habitaciones frente al apartamento de Steichen que la pareja consideró perfectas para exhibir fotografías. La galería se convirtió en un éxito instantáneo, con casi quince mil visitantes durante su primera temporada y, lo que es más importante, ventas impresas que ascendieron a casi 2.800 dólares, [17] más de la mitad de las ventas de la obra de Steichen. [1]
Stieglitz siguió centrando sus esfuerzos en la fotografía, a expensas de su familia. Emmy, que esperaba algún día ganarse el amor de Stieglitz, continuó dándole una asignación de su herencia. [8]
En la edición de octubre de 1906 de Camera Work , su amigo Joseph Keiley dijo: "Hoy en Estados Unidos se ha logrado la verdadera batalla por la que se estableció la Foto-Secesión: el reconocimiento serio de la fotografía como un medio adicional de expresión pictórica". [18]
Dos meses más tarde, Stieglitz, de 42 años, conoció a la artista Pamela Colman Smith , de 28 , que deseaba exponer sus dibujos y acuarelas en su galería. Decidió mostrar su trabajo porque pensó que sería "muy instructivo comparar dibujos y fotografías para juzgar las posibilidades y limitaciones de la fotografía". [17] Su exposición se inauguró en enero de 1907, con muchos más visitantes a la galería que cualquiera de las exposiciones de fotografía anteriores, y pronto todas sus obras expuestas se vendieron. Stieglitz, con la esperanza de capitalizar la popularidad de la exposición, tomó fotografías de su obra de arte y publicó un portafolio separado con sus impresiones en platino de su obra. [1]
A finales de la primavera de 1907, Stieglitz colaboró en una serie de experimentos fotográficos con su amigo Clarence H. White . Tomaron varias docenas de fotografías de dos modelos vestidas y desnudas e imprimieron una selección utilizando técnicas inusuales, como tonificar, encerar y dibujar sobre impresiones de platino. Según Stieglitz, superó "la imposibilidad de la cámara de hacer determinadas cosas". [1]
Ganó menos de 400 dólares al año debido a la disminución de las suscripciones a Camera Work y al bajo margen de beneficio de la galería. [8]
Mientras se dirigía a Europa, Stieglitz tomó lo que se reconoce no sólo como su imagen distintiva sino también como una de las fotografías más importantes del siglo XX. [19]
Stieglitz intercaló deliberadamente exposiciones de lo que sabía que sería arte controvertido, como los dibujos sexualmente explícitos de Rodin, con lo que Steichen llamó "arte comprensible" y con fotografías. La intención era "establecer un diálogo que permitiera a 291 visitantes ver, discutir y reflexionar sobre las diferencias y similitudes entre artistas de todos los rangos y tipos: entre pintores, dibujantes, escultores y fotógrafos; entre artistas europeos y americanos; entre artistas mayores o Figuras más establecidas y practicantes más jóvenes y nuevos". [20] Durante este mismo período, el Club Nacional de las Artes montó una "Exposición especial de arte contemporáneo" que incluía fotografías de Stieglitz, Steichen, Käsebier y White junto con pinturas de Mary Cassatt , William Glackens , Robert Henri , James McNeill Whistler y otros. Se cree que esta fue la primera exposición importante en los EE. UU. en la que los fotógrafos recibieron la misma clasificación que los pintores. [20]
Durante la mayor parte de 1908 y 1909, Stieglitz pasó su tiempo creando espectáculos en 291 y publicando Camera Work . No hubo fotografías tomadas durante este período que aparezcan en el catálogo definitivo de su obra, Alfred Stieglitz: The Key Set . [20]
En 1910, Stieglitz fue invitado por el director de la Albright Art Gallery para organizar una gran exposición de lo mejor de la fotografía contemporánea. Aunque en Camera Work se publicó un anuncio de un concurso abierto para el espectáculo , el hecho de que Stieglitz estaría a cargo del mismo generó una nueva ronda de ataques en su contra. Un editorial de la revista American Photography afirmó que Stieglitz ya no podía "percibir el valor de un trabajo fotográfico de mérito artístico que no se ajusta a un estilo particular que es tan característico de todas las exposiciones bajo sus auspicios. Hace media generación esta escuela [la Foto -Secesión] fue progresista y muy adelantada a su tiempo. Hoy no está progresando, pero es una fuerza reaccionaria del tipo más peligroso". [21]
Stieglitz le escribió a su colega fotógrafo George Seeley: "La reputación, no sólo de la Foto-Secesión, sino de la fotografía está en juego, y tengo la intención de reunir todas las fuerzas disponibles para ganarnos". [1]
A lo largo de 1911 y principios de 1912, Stieglitz organizó innovadoras exhibiciones de arte moderno en 291 y promovió el arte nuevo junto con la fotografía en las páginas de Camera Work . En el verano de 1912, estaba tan cautivado por el arte no fotográfico que publicó un número de Camera Work (agosto de 1912) dedicado exclusivamente a Matisse y Picasso. [dieciséis]
A finales de 1912, los pintores Walter Pach , Arthur B. Davies y Walt Kuhn organizaron una exposición de arte moderno, y Stieglitz prestó algunas obras de arte moderno de 291 para la exposición. También aceptó figurar como vicepresidente honorario de la exposición junto con Claude Monet , Odilon Redon , Mabel Dodge e Isabella Stewart Gardner . En febrero de 1913, se inauguró el histórico Armory Show en Nueva York, y pronto el arte moderno se convirtió en un tema importante de discusión en toda la ciudad. Vio la popularidad del programa como una reivindicación del trabajo que había estado patrocinando en 291 durante los últimos cinco años. [22] Montó una exposición de sus propias fotografías en 291 para que se realizara al mismo tiempo que el Armory Show. Más tarde escribió que permitir que la gente viera fotografías y pinturas modernas al mismo tiempo "brindó la mejor oportunidad para que el estudiante y el público tuvieran una comprensión más clara del lugar y el propósito de los dos medios". [23]
En enero de 1916, la sufragista Anita Pollitzer le mostró a Stieglitz una serie de dibujos al carboncillo de Georgia O'Keeffe . Stieglitz quedó tan cautivado por su arte que sin conocer a O'Keeffe ni siquiera obtener su permiso para mostrar sus obras, hizo planes para exhibir su trabajo en 291. La primera vez que O'Keeffe se enteró de algo de esto fue por medio de otro amigo que la vio. dibujos en la galería a finales de mayo de ese año. Finalmente conoció a Stieglitz después de ir al 291 y reprenderlo por mostrar su trabajo sin su permiso. [1]
Poco después, O'Keeffe conoció a Paul Strand y durante varios meses ella y Strand intercambiaron cartas cada vez más románticas. Cuando Strand le contó a su amigo Stieglitz sobre su nuevo anhelo, Stieglitz respondió contándole a Strand sobre su propio enamoramiento por O'Keeffe. Poco a poco, el interés de Strand disminuyó y el de Stieglitz aumentó. En el verano de 1917, él y O'Keeffe se escribían "sus pensamientos más privados y complicados". [24]
A principios de junio de 1918, O'Keeffe se mudó a Nueva York desde Texas después de que Stieglitz le prometiera que le proporcionaría un estudio tranquilo donde pudiera pintar. Al cabo de un mes, tomó la primera de muchas fotografías de ella desnuda en el apartamento de su familia mientras su esposa Emmy estaba fuera, pero ella regresó mientras la sesión aún estaba en curso. Ella había sospechado por un tiempo que algo estaba pasando entre los dos y le dijo que dejara de verla o que se fuera. [8] Stieglitz se fue e inmediatamente encontró un lugar en la ciudad donde él y O'Keeffe podrían vivir juntos. Durmieron separados durante más de dos semanas. A finales de julio estaban juntos en la misma cama, y a mediados de agosto, cuando visitaron Oaklawn, "eran como dos adolescentes enamorados. Varias veces al día subían corriendo las escaleras hasta su dormitorio, ansiosos por hacer el amor". que empezarían a quitarse la ropa mientras corrían". [1]
O'Keeffe era la musa que Stieglitz siempre había deseado. Fotografió a O'Keeffe obsesivamente entre 1918 y 1925 en lo que fue el período más prolífico de toda su vida. Durante este período produjo más de 350 grabados montados de O'Keeffe que retrataban una amplia gama de su carácter, estados de ánimo y belleza. Realizó muchos estudios en primer plano de partes de su cuerpo, especialmente sus manos, ya sea aisladas o cerca de su cara o cabello. La biógrafa de O'Keeffe, Roxanna Robinson, afirma que su "personalidad era crucial para estas fotografías; era esto, tanto como su cuerpo, lo que Stieglitz estaba registrando". [24]
En 1920, Stieglitz fue invitado por Mitchell Kennerly de las Anderson Galleries de Nueva York para montar una importante exposición de sus fotografías. A principios de 1921, realizó la primera exposición individual de sus fotografías desde 1913. De las 146 copias que exhibió, sólo 17 habían sido vistas antes. Cuarenta y seis eran de O'Keeffe, incluidos muchos desnudos, pero ella no fue identificada como modelo en ninguna de las impresiones. [1] Fue en el catálogo de esta exposición donde Stieglitz hizo su famosa declaración: "Nací en Hoboken. Soy estadounidense. La fotografía es mi pasión. La búsqueda de la Verdad es mi obsesión". Lo que es menos conocido es que condicionó esta afirmación siguiéndola con estas palabras:
TENGA EN CUENTA: En la DECLARACIÓN anterior no aparecen los siguientes términos, que rápidamente se están volviendo "obsoletos": ARTE, CIENCIA, BELLEZA, RELIGIÓN, cada ISM, ABSTRACCIÓN, FORMA, PLASTICIDAD, OBJETIVIDAD, SUBJETIVIDAD, ANTIGUOS MAESTROS, ARTE MODERNO, PSICOANÁLISIS, ESTÉTICA, FOTOGRAFÍA PICTÓRICA, DEMOCRACIA, CEZANNE, “291”, PROHIBICIÓN. El término VERDAD se introdujo, pero cualquiera puede eliminarlo. [25]
En 1922, Stieglitz organizó una gran exposición de pinturas y grabados de John Marin en las Galerías Anderson, seguida de una enorme subasta de casi doscientas pinturas de más de cuarenta artistas estadounidenses, incluido O'Keeffe. Energizado por esta actividad, comenzó una de sus tareas más creativas e inusuales: fotografiar una serie de estudios de nubes simplemente por su forma y belleza. Él dijo:
Quería fotografiar nubes para descubrir lo que había aprendido en cuarenta años sobre fotografía. A través de las nubes para dejar mi filosofía de vida – para mostrar que (el éxito de) mis fotografías no (se debía) al tema – no a árboles o rostros especiales, o interiores, a privilegios especiales – las nubes estaban ahí para todos… [ 26]
La madre de Stieglitz, Hedwig, murió en noviembre de 1922 y, al igual que él con su padre, enterró su dolor en su trabajo. Pasó tiempo con Paul Strand y su esposa, la pintora Rebecca Salsbury , revisó el trabajo de otro recién llegado llamado Edward Weston y comenzó a organizar una nueva muestra del trabajo de O'Keeffe. Su exposición se inauguró a principios de 1923 y Stieglitz pasó gran parte de la primavera promocionando su trabajo. Finalmente, veinte de sus pinturas se vendieron por más de 3.000 dólares. En el verano, O'Keeffe partió una vez más hacia el aislamiento del suroeste, y durante un tiempo Stieglitz estuvo solo con Salsbury en Lake George. Le tomó una serie de fotos desnuda y pronto se enamoró de ella. Tuvieron una breve relación física antes de que O'Keeffe regresara en el otoño. O'Keeffe se dio cuenta de lo que había sucedido, pero como no veía al nuevo amante de Stieglitz como una amenaza seria para su relación, dejó pasar las cosas. Seis años después tendría su propio romance con Beck Strand en Nuevo México. [27]
En 1924, un juez finalmente aprobó el divorcio de Stieglitz y, al cabo de cuatro meses, él y O'Keeffe se casaron en una pequeña ceremonia privada en la casa de Marin. Se fueron a casa sin recepción ni luna de miel. O'Keeffe dijo más tarde que se casaron para ayudar a aliviar los problemas de Kitty, la hija de Stieglitz, que en ese momento estaba siendo tratada en un sanatorio por depresión y alucinaciones. [24] Durante el resto de sus vidas juntos, su relación fue, como la caracterizó la biógrafa Benita Eisler , "una colusión... un sistema de acuerdos y compensaciones, tácitamente acordados y llevados a cabo, en su mayor parte, sin el intercambio de una palabra. Prefiriendo evitar la confrontación en la mayoría de los temas, O'Keeffe fue el principal agente de colusión en su sindicato ". [27]
En los años siguientes, O'Keeffe pasaría gran parte de su tiempo pintando en Nuevo México , mientras que Stieglitz rara vez salía de Nueva York excepto para los veranos en la finca familiar de su padre en Lake George en las Adirondacks , su lugar de vacaciones favorito. O'Keeffe dijo más tarde que "Stieglitz era hipocondríaco y no podía estar a más de 50 millas de un médico". [28]
A finales de 1924, Stieglitz donó 27 fotografías al Museo de Bellas Artes de Boston . Fue la primera vez que un museo importante incluyó fotografías en su colección permanente. Ese mismo año recibió la Medalla de Progreso de la Royal Photographic Society por el avance de la fotografía y recibió una beca honoraria de la sociedad. [29]
En 1925, Stieglitz fue invitado por las Galerías Anderson a organizar una de las mayores exposiciones de arte estadounidense, titulada Alfred Stieglitz presenta siete estadounidenses: 159 pinturas, fotografías y cosas recientes y nunca antes mostradas públicamente por Arthur G. Dove, Marsden. Hartley, John Marin, Charles Demuth, Paul Strand, Georgia O'Keeffe y Alfred Stieglitz. Sólo se vendió una pequeña pintura de O'Keeffe durante las tres semanas de exposición. [17]
O'Keeffe aceptó una oferta de Mabel Dodge para ir a Nuevo México durante el verano. Stieglitz aprovechó su tiempo libre para empezar a fotografiar a Dorothy Norman y también comenzó a enseñarle los aspectos técnicos de la impresión. Cuando Norman tuvo un segundo hijo, ella estuvo ausente de la galería durante unos dos meses antes de regresar regularmente. [8]
A principios de 1929, le dijeron a Stieglitz que el edificio que albergaba la Sala sería derribado más adelante ese mismo año. Después de una última exposición del trabajo de Demuth en mayo, se retiró a Lake George durante el verano, exhausto y deprimido. The Strands recaudó casi dieciséis mil dólares para una nueva galería para Stieglitz, quien reaccionó con dureza, diciendo que era hora de que los "jóvenes" hicieran parte del trabajo que él había estado asumiendo durante tantos años. [17]
A finales del otoño, Stieglitz regresó a Nueva York. El 15 de diciembre, dos semanas antes de cumplir sesenta y cinco años, inauguró "An American Place", la galería más grande que jamás había dirigido. Tenía el primer cuarto oscuro que había tenido en la ciudad. Anteriormente, había tomado prestados otros cuartos oscuros o trabajaba solo cuando estaba en Lake George. Continuó mostrando espectáculos grupales o individuales de sus amigos Marin, Demuth, Hartley, Dove y Strand durante los siguientes dieciséis años. O'Keeffe recibió al menos una exposición importante cada año. Controló ferozmente el acceso a sus obras y la promovió incesantemente incluso cuando los críticos le dieron críticas poco favorables. A menudo, durante esta época, solo se veían durante el verano, cuando hacía demasiado calor en su casa de Nuevo México, pero se escribían casi todas las semanas con el fervor de almas gemelas. [27]
En 1932, Stieglitz montó una retrospectiva de cuarenta años de 127 de sus obras en The Place. Incluyó todas sus fotografías más famosas, pero también eligió deliberadamente incluir fotografías recientes de O'Keeffe, quien, debido a sus años bajo el sol del suroeste, parecía mayor de sus cuarenta y cinco años, en comparación con los retratos de Stieglitz de su joven amante normando. Fue una de las pocas veces que actuó con rencor hacia O'Keeffe en público, y podría haber sido el resultado de sus discusiones cada vez más intensas en privado sobre su control sobre su arte. [27]
Más tarde ese año, montó una muestra de las obras de O'Keeffe junto a algunas pinturas de aficionado sobre vidrio de Rebecca Salsbury. No publicó un catálogo del espectáculo, lo que los Strands tomaron como un insulto. Paul Strand nunca perdonó a Stieglitz por eso. Dijo: "El día que entré en Photo-Secession 291 [sic] en 1907 fue un gran momento en mi vida... pero el día que salí de An American Place en 1932 no fue menos bueno. Fue aire fresco y personal. liberación de algo que se había vuelto, al menos para mí, de segunda categoría, corrupto y sin sentido." [27]
En 1936, Stieglitz volvió brevemente a sus raíces fotográficas al montar una de las primeras exposiciones de fotografías de Ansel Adams en la ciudad de Nueva York. El espectáculo fue un éxito y David McAlpin compró ocho fotografías de Adams. [30] También realizó una de las primeras exhibiciones del trabajo de Eliot Porter dos años después. Stieglitz, considerado el "padrino de la fotografía moderna", animó a Todd Webb a desarrollar su propio estilo y sumergirse en el medio. [31]
En el verano de 1946, Stieglitz sufrió un derrame cerebral mortal y entró en coma. O'Keeffe regresó a Nueva York y encontró a Dorothy Norman en su habitación del hospital. Ella se fue y O'Keeffe estaba con él cuando murió. [27] Según sus deseos, a un funeral sencillo asistieron veinte de sus amigos y familiares más cercanos. Stieglitz fue incinerado y, con su sobrina Elizabeth Davidson, O'Keeffe llevó sus cenizas al lago George y "las puso donde pudiera oír el agua". [27] El día después del funeral, O'Keeffe tomó el control de An American Place. [1]
Stieglitz produjo más de 2.500 fotografías montadas a lo largo de su carrera. Después de su muerte, O'Keeffe reunió un conjunto de las que ella consideraba las mejores fotografías suyas que él mismo había montado. En algunos casos incluyó versiones ligeramente diferentes de la misma imagen, y estas series son invaluables por sus conocimientos sobre la composición estética de Stieglitz. En 1949, donó la primera parte de lo que llamó el "conjunto clave" de 1.317 fotografías de Stieglitz a la Galería Nacional de Arte en Washington, DC. En 1980, añadió al conjunto otras 325 fotografías que le tomó Stieglitz, incluidos muchos desnudos. Ahora cuenta con 1.642 fotografías y es la colección más grande y completa de la obra de Stieglitz. En 2002, la Galería Nacional publicó un catálogo de dos volúmenes y 1.012 páginas que reproducía el conjunto de claves completo junto con anotaciones detalladas sobre cada fotografía. [20]
En 2019, la Galería Nacional publicó una edición en línea actualizada del juego de llaves Alfred Stieglitz . [32]
Webb pronto desarrolló su propio estilo único de fotografía y Alfred Stieglitz, a menudo considerado el "padrino de la fotografía moderna", lo animó a sumergirse en el medio.
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