291 es el nombre comúnmente conocido de una galería de arte de fama internacional que estuvo ubicada en Midtown Manhattan en 291 Fifth Avenue en la ciudad de Nueva York de 1905 a 1917. Originalmente llamada " Pequeñas Galerías de la Foto-Secesión ", la galería fue establecida y administrada por el fotógrafo Alfred Stieglitz .
La galería es reconocida por dos logros: primero, sus exposiciones ayudaron a llevar la fotografía artística al mismo nivel en Estados Unidos que la pintura y la escultura. Fotógrafos artísticos pioneros como Stieglitz, Edward Steichen , Alvin Langdon Coburn , Gertrude Käsebier y Clarence H. White obtuvieron reconocimiento crítico a través de exposiciones en 291. Igualmente importante, Stieglitz utilizó este espacio para presentar a los Estados Unidos algunos de los artistas más vanguardistas. Artistas europeos de la época, entre ellos Henri Matisse , Auguste Rodin , Henri Rousseau , Paul Cézanne , Pablo Picasso , Constantin Brâncuși y los dadaístas Francis Picabia y Marcel Duchamp .
A principios del siglo XX, el lugar de la fotografía en el mundo de las bellas artes era todavía muy indefinido. [1] Aunque hubo importantes exposiciones de fotografía en Europa y Estados Unidos, todas ellas fueron juzgadas por pintores y escultores. Los fotógrafos no eran considerados artistas "reales", a pesar de que muchos fotógrafos habían ganado premios en salones internacionales. El propio Stieglitz había ganado más de 150 premios en todo el mundo a finales de la década de 1890.
Stieglitz esperaba elevar la posición de la fotografía convenciendo al Camera Club de Nueva York para que le permitiera formar un panel de fotógrafos que luego serían los únicos jueces de un concurso de fotografía. Después de más de un año de discutir con los directores del Camera Club, muchos de los cuales no tenían ninguna pasión por la fotografía como arte, Stieglitz se dio por vencido y comenzó a buscar otros foros.
A finales de 1900 conoció a Edward Steichen , que se había formado como pintor pero que también se había dedicado a la fotografía. Steichen compartía el entusiasmo y la pasión de Stieglitz, y pronto los dos estaban planeando cómo cambiar el curso de la fotografía en Estados Unidos. Al año siguiente, habían concebido una gran exposición de fotografía, la primera en ser juzgada por los propios fotógrafos, y habían encontrado un lugar en el National Arts Club de Nueva York. En marzo de 1902, se inauguró con gran éxito de crítica una exposición de "Fotografía pictórica estadounidense, organizada por The Photo-Secession ". Además, Stieglitz había cumplido su objetivo de que la exposición fuera juzgada por fotógrafos ya que, a pesar del título de la exposición, al parecer él era el único responsable de seleccionar a los expositores.
Al año siguiente, Stieglitz consolidó aún más su reputación como principal defensor de la fotografía artística al lanzar la famosa revista Camera Work con la ayuda de su amigo y colega fotógrafo Joseph Keiley . Esperaba que Camera Work pronto no sólo fuera financiado íntegramente por sus suscriptores, sino que los ingresos adicionales de las ventas de la revista le permitieran promover aún más "la fotografía como medio de expresión individual". [2] Si bien la revista le brindó un foro respetado para exhibir fotografías pictóricas y publicar sus puntos de vista, no fue un éxito financiero. En lugar de sentirse intimidado por este revés, Stieglitz se convenció aún más de que lograría convencer al mundo del arte del lugar que le correspondía a la fotografía si pudiera encontrar la plataforma adecuada para su mensaje.
A finales de 1904 Stieglitz se encontraba en una situación difícil. Curtis Bell, presidente de la Federación Estadounidense de Fotografía y crítico abierto de Stieglitz, organizó una exposición llamada "El primer salón fotográfico estadounidense" en las Galerías Clausen de Nueva York. Fue juzgada por un jurado de eminentes pintores americanos, entre ellos William Merritt Chase y Robert Henri , lo que le dio un prestigio considerable en el mundo del arte. Stieglitz y otros fotógrafos lo vieron como un desafío directo a la reputación de Stieglitz, que claramente estaba destinado a ser. [3]
Stieglitz contrarrestó esta medida intentando que algunos de los fotógrafos más conocidos de Europa se unieran a él como parte de un frente unido. Viajó a Londres para reunirse con algunos de los fundadores del importante grupo fotográfico The Linked Ring , entre ellos J. Crag Annan, Frederick H. Evans , Alvin Langdon Coburn y Alfred Horley Hinton. Esperaba convencerlos de iniciar un capítulo de Linked Ring en Estados Unidos, que él dirigiría. También se reunió con el dramaturgo George Bernard Shaw , que era un ávido fotógrafo aficionado, sobre formas de promover la fotografía como forma de arte. Stieglitz enfermó antes de que cualquiera de estas conversaciones condujera a algo y tuvo que regresar a casa. [4] Estaba cansado, frustrado y buscaba una nueva forma definitiva de llevar a cabo su misión de promover la fotografía por sí misma, independientemente de cualquier otra forma de arte.
Cuando Stieglitz regresó a Nueva York en 1905, Edward Steichen vivía en un estudio en el último piso (quinto) de un pequeño edificio en 291 de la Quinta Avenida, entre las calles 30 y 31 en el lado este de la avenida. Steichen notó que algunas habitaciones frente a él estaban vacías y pronto convenció a Stieglitz de que serían un espacio perfecto para exhibir fotografías y, en particular, las obras de la Foto-Secesión. [5] Stieglitz, que todavía estaba abatido por su viaje a Europa, se mostró reacio al principio, pero Steichen persistió. En verano, Stieglitz firmó un contrato de arrendamiento por un año para tres pequeñas salas que pronto se convertirían en una de las galerías de arte más famosas del mundo. Los dos comenzaron a planificar cómo utilizar el nuevo espacio de la manera más eficaz, no sólo como galería sino como centro educativo para artistas y fotógrafos y como lugar de encuentro para amantes del arte.
En octubre de 1905, Stieglitz envió una carta a todos los miembros de la Foto-Secesión, diciendo:
El Consejo de la Foto-Secesión había previsto celebrar en la ciudad de Nueva York, a principios de la próxima primavera, una exposición que recogiera lo mejor que se ha realizado en fotografía pictórica en todo el mundo, desde la época de Hill, el padre de la fotografía pictórica. Fotografía, actualizada. Muchas de las impresiones habían sido seleccionadas para este propósito, pero debido a la imposibilidad de conseguir a cualquier precio alojamiento adecuado en la galería durante la deseable temporada de Nueva York, esta exposición debe posponerse.
La Foto-Secesión, incapaz por el momento de celebrar la gran exposición propuesta, ha decidido presentar en detalle algunas de las obras que ya habían sido seleccionadas y que habrían sido incluidas en ella, y para ello ha alquilado salas en el 291 de la Quinta Avenida. Avenue, Nueva York, donde se mostrarán continuamente exposiciones quincenales de entre treinta y cuarenta grabados cada una. Estas pequeñas pero muy selectas muestras consistirán no sólo en fotografías americanas nunca antes expuestas públicamente en ninguna ciudad de este país, sino también en fotografías austriacas, alemanas, británicas, francesas y belgas, así como en otras producciones artísticas, distintas de las fotográficas, como la El Consejo de la Foto-Secesión puede asegurar de vez en cuando.
Está previsto convertir estas salas en sede de todos los secesionistas y abrirlas al público en general". [6]
Stieglitz y Steichen habían planeado la galería como un espacio comercial, diciendo que "negociaría las ventas en nombre de los propietarios de los cuadros expuestos, cobrando una comisión del 15 por ciento en beneficio del tesoro de Photo-Secession". [7] Se cree que esta premisa fue impulsada por Steichen, que tenía un sentido comercial mucho mejor, y con el paso de los años se convirtió en un punto de discordia entre los dos hombres. Stieglitz creía que era mejor para una obra expuesta ir a manos de alguien que la apreciara por su mérito artístico en lugar de por su potencial de inversión, y se sabía que había cotizado precios tremendamente inconsistentes para la misma pieza dependiendo de lo que él percibía como el verdadero interés. del posible comprador.
El 24 de noviembre de 1905, las Pequeñas Galerías de la Foto-Secesión abrieron formalmente sus puertas, casi sin previo aviso público. A la inauguración asistieron principalmente los miembros de Photo-Secession que se encontraban en Nueva York en ese momento. La primera exposición constaba de cien grabados de miembros de Photo-Secession, seleccionados en su totalidad por Stieglitz. Durante las siguientes semanas, cientos de neoyorquinos acudieron a la galería y Stieglitz fue elevado una vez más a la posición de abanderado del fotógrafo artístico en Estados Unidos.
La exposición inaugural fue seguida en enero de 1906 por uno de los fotógrafos franceses, entre ellos Robert Demachy , Constant Puyo y René Le Bégue, todos los cuales mostraron impresiones realizadas mediante el proceso de bicromato de goma . A continuación se realizó una exposición a dos de las obras de Gertrude Käsebier y Clarence H. White . En 1906 se llevaron a cabo cuatro exposiciones más, incluida una de fotógrafos británicos, las primeras impresiones de Steichen, una exposición dedicada a fotógrafos alemanes y austriacos y otra exposición de grabados de miembros de la Foto-Secesión.
Después de un primer año de gran éxito, Stieglitz y Steichen sintieron que habían dejado claro su punto sobre la importancia de la fotografía artística. Estaban tan seguros de su éxito que su colega Joseph Keily escribió: "Hoy en Estados Unidos la verdadera batalla por el reconocimiento de la fotografía pictórica ha terminado. El objetivo principal para el cual se creó la Foto-Secesión se ha cumplido: el reconocimiento serio de la fotografía como un medio adicional de expresión pictórica." [8] Irónicamente, Stieglitz comenzó a sentir que había logrado transformar la Foto-Secesión en algo que antes no le gustaba: una institución establecida, fija en sus costumbres y complaciente en su enfoque del arte. Si había algo de verdad en esta afirmación, se reflejaba directamente en Stieglitz, ya que era conocido por su control autoritario de la Foto-Secesión y por la selección de lo que se exhibía en la galería. Hasta ahora, el malestar de Stieglitz estaba controlado por la naturaleza más conservadora de Steichen, pero en el verano de 1906 Steichen decidió trasladarse a París para dedicar más tiempo a la fotografía y la pintura. Sin el ojo empresarial de Steichen vigilándolo, Stieglitz comenzó a recuperar algunas de sus raíces radicales.
Stieglitz decidió cambiar las cosas y lo hizo organizando la primera exposición no fotográfica en la galería en enero de 1907. Esto es notable porque marcó el comienzo del papel de Stieglitz como promotor pionero del arte moderno en Estados Unidos. La muestra, dibujos de la artista Pamela Colman Smith , inicialmente atrajo poca atención, pero después de que un destacado crítico elogiara la obra, se convirtió en la exposición más concurrida hasta la fecha. Se vendió una parte importante de las obras y el interés por la muestra fue tan fuerte que hubo que prolongarla ocho días. [5]
Stieglitz comenzó a planificar futuras exposiciones no fotográficas, pero durante el resto de 1907 las paredes se llenaron de exposiciones de fotógrafos como Adolf de Meyer , Alvin Langdon Coburn y, una vez más, miembros de la Foto-Secesión.
Mientras tanto, Steichen se había hecho amigo del famoso escultor Auguste Rodin en París, y convenció a Rodin para que le prestara algunos de sus dibujos para una exposición en la galería de Nueva York. La temporada de galerías de 1908 comenzó con la exposición "Dibujos de Auguste Rodin", la primera exposición en Estados Unidos de sus obras sobre papel. La muestra causó una gran controversia en la prensa, y un crítico dijo que "no son el tipo de cosas que se pueden ofrecer al público ni siquiera en una galería". [9]
Poco después de que terminara el espectáculo, se notificó a Stieglitz que el propietario quería duplicar el alquiler y exigiría un contrato de arrendamiento de cuatro años. En aquel momento, la Foto-Secesión como grupo tenía sólo unos ingresos pequeños, no más de 400 dólares estadounidenses al año. A pesar de éxitos menores, el plan original de que las cuotas y comisiones de los miembros apoyarían a la galería no se había realizado. Aunque apeló a aquellos miembros que conocía, la economía estaba en una recesión significativa y no apareció ninguna oferta de ayuda. Como no había otra fuente de ingresos, Stieglitz decidió cerrar la galería con tristeza. En abril de ese año se había vaciado el espacio original de la galería. Inmediatamente pasó a manos de una sastrería de señoras. [10]
Stieglitz pensó que su galería estaba terminada, pero sin que él lo supiera, un conocido reciente llamado Paul Haviland salió de sus estudios en Harvard, se enteró del cierre de la galería y utilizó parte de la riqueza de su familia para firmar un contrato de arrendamiento de tres años por un pequeño espacio. directamente al otro lado del pasillo de la antigua galería. Después de que Haviland convenciera a Haviland de que el nuevo espacio era viable, Stieglitz reunió a otros amigos y consiguió fondos adicionales para servicios públicos, suministros, impresión y marcos. [11]
El nuevo espacio de la galería, que medía sólo quince pies cuadrados, en realidad estaba ubicado en el edificio contiguo en la cuadra 293 de la Quinta Avenida. Sin embargo, la pared entre los dos edificios se había eliminado durante una renovación anterior, por lo que, según todas las apariencias, la nueva galería parecía compartir la misma dirección que la antigua.
Quizás para ahorrar dinero en la impresión y quizás debido a su afecto por la antigua galería, Stieglitz quería que la nueva dirección siguiera siendo "291". Sin embargo, tanto Haviland como él coincidieron en que el nombre anterior de "Pequeñas galerías de la fotosecesión" ya no era apropiado. Querían que el nuevo espacio fuera más que fotografía. Más tarde, Stieglitz escribiría: "Estamos tratando no con una sociedad, no con una organización, sino más bien con un movimiento. La Secesión no es tanto una escuela o un seguimiento como una actitud ante la vida; y su lema parece ser : "Dad a cada hombre que dice tener un mensaje para el mundo la oportunidad de ser escuchado". " [12]
A partir de entonces, Stieglitz se refirió a la galería como "291", sin el nombre de la calle ni ningún otro título descriptivo. Sin embargo, algunos de los miembros originales de la Foto-Secesión no apreciaron el cambio de nombre y especialmente el pensamiento que condujo a él. Los viejos amigos de Stieglitz, Gertrude Käsebier y Clarence H. White, lo vieron como el colmo de una serie de movimientos autocráticos de Stieglitz, y pronto estallaron una serie de discusiones cada vez más amargas entre los tres. En un momento dado, Stieglitz escribió: "Para mi consternación, los celos pronto se volvieron rampantes entre los fotógrafos que me rodeaban, una repetición exacta de la situación contra la que me rebelé en el Camera Club. Varios secesionistas estaban en peligro no sólo de dañarse entre sí sino también de lo que yo intentaba hacer". "Construir y demostrar. También descubrí que el institucionalismo, el comercialismo y el egoísmo a los que más me oponía eran en realidad favorecidos por ciertos miembros". [13] Estas diferencias de opinión aumentaron durante los dos años siguientes, exacerbadas en parte por la terquedad de Stieglitz y su negativa a incluir a muchos de sus viejos amigos fotógrafos en las decisiones sobre la dirección de la nueva galería.
Mientras tanto, Steichen regresó a los Estados Unidos en febrero de 1908 con un nuevo grupo de fotografías para una exposición que se celebraría en la galería el mes siguiente. Más importante aún, trajo consigo un grupo de grabados que le prestó Henri Matisse, quien en ese momento era poco conocido fuera de Francia. Stieglitz rápidamente reunió las impresiones para una exposición en el nuevo espacio. Fue la primera exposición de una obra de Matisse en los Estados Unidos y la primera exposición individual del artista fuera de París, y marcó un punto de inflexión en el enfoque de la galería. Después de esta exposición, 291 era mucho menos conocido por la fotografía y mucho más como una fuerza líder del arte moderno en Estados Unidos. Además, Stieglitz siguió asegurándose de que la galería no fuera sólo un espacio de exposición; creía firmemente en su misión original de ser un centro educativo y un lugar de encuentro para quienes tenían ideas de vanguardia. Al describir la exposición de Matisse, escribió: "Aquí estaba el trabajo de un hombre nuevo, con nuevas ideas, muy anarquista, al parecer, en el arte. La exposición generó muchas controversias acaloradas; resultó estimulante". [3]
Además de marcar el comienzo de un nuevo camino para 291, el año 1909 fue significativo para Stieglitz por la muerte de su padre en mayo. Los dos no eran muy cercanos, pero en su testamento, el padre de Stieglitz le dejó la entonces sustancial cantidad de 10.000 dólares. Stieglitz utilizó esta cantidad durante los siguientes años para ayudar a mantener a 291 en el negocio.
El nuevo arte y las reacciones del público fueron muy vitalizantes para Stieglitz; le dio un nuevo grupo de admiradores y seguidores en un momento en el que se sentía cada vez menos conectado con sus antiguos colegas de Photo-Secession. A partir de entonces quedó fijado el rumbo de la galería. Desde 1909 hasta su cierre en 1917, 291 presentaron sólo seis muestras de fotografía de un total de 61 exposiciones realizadas. [14]
El cambio en el enfoque de la galería condujo a la fusión de un grupo de intelectuales y artistas que simpatizaban con los objetivos de Stieglitz y que a su vez se sentían vigorizados por la atmósfera allí. Tras el éxito artístico de la exposición de Matisse, la galería cobró una nueva vida. Un día cualquiera, Stieglitz podría haber estado rodeado de los artistas John Marin , Max Weber , Arthur Dove , Marsden Hartley o Marius de Zayas ; los autores y críticos de arte Sadakichi Hartmann y Benjamin De Casseres ; los patrocinadores financieros Paul Haviland y Agnes Ernst Meyer; y los editores y colaboradores Joseph Keiley y John Kerfoot.
De Zayas tenía tanto una pasión como una visión que coincidían con la personalidad de Stieglitz, y pronto estaba ayudando a definir cuál sería la estética de esta nueva generación de arte. Su trabajo se exhibió en la galería, escribió varios artículos para Camera Work y presentó a Stieglitz a algunos de los artistas europeos más nuevos, sirviendo como guía e intérprete cuando Stieglitz viajaba a Europa. Su interés por el arte tribal africano y su admiración por la obra cubista de Picasso convencieron a Stieglitz de realizar exposiciones innovadoras de estos temas en el número 291.
Para el contexto histórico, prácticamente ninguna otra galería en los Estados Unidos mostraba obras con un contenido tan abstracto y dinámico en ese momento. Ya se tratara de artistas europeos ya controvertidos como Picasso, Matisse o Cézanne, o de estadounidenses relativamente desconocidos pero pronto famosos como Marin, Weber, Dove o Hartley, Stieglitz tuvo tanto el sentido estético como el descaro de mostrar a individuos que ahora son Reconocido haber estado a la vanguardia del arte moderno.
De hecho, cuanto más confundía un artista al público, más justificados se sentía Stieglitz en sus esfuerzos. Cuando presentó la primera exposición de Picasso en este país en 1911, Stieglitz se deleitaba al decir a los críticos que las obras que llamaban “los farfulleos de un lunático” le parecían “tan perfectas como una fuga de Bach”. [3]
Entre las exposiciones importantes que tuvieron lugar durante este período se encuentran las primeras exposiciones de Alfred Maurer , John Marin y Marsden Hartley , las segundas exposiciones de Rodin y Matisse, e importantes exposiciones de los artistas más nuevos Arthur Carles , Arthur Dove y Max Weber .
A partir de 1913, Stieglitz comenzó a expresar una creciente frustración por los cambios que estaban ocurriendo en el mundo en ese momento. Escribió: "Gran parte del entusiasmo que había existido en 291 desapareció gradualmente debido a la guerra que se avecinaba. Los amigos cercanos parecieron quedarse en el camino". [10] Stieglitz estaba especialmente preocupado porque sus padres procedían de Alemania y todavía tenía muchos amigos cercanos allí. Si bien no simpatizaba con los esfuerzos bélicos alemanes, "no podía ver que Alemania estuviera completamente equivocada y que los Aliados estuvieran bien". [10] Al mismo tiempo, debido a la economía deprimida, la asistencia a la galería disminuyó drásticamente y las suscripciones a Camera Work disminuyeron. Para empeorar aún más las cosas, el pequeño grupo de trabajadores voluntarios de la galería prácticamente desapareció cuando la gente se unió a las fuerzas armadas o tuvo que aceptar otros trabajos para ayudar a llegar a fin de mes.
Una vez más fue Haviland quien acudió al rescate. A principios de 1915 le dijo a Stieglitz que 291 estaba estancado y que se necesitaba algo audaz para recuperarlo. Reunió un círculo cercano de amigos relativamente acomodados, entre ellos Agnes Meyer y Dorothy Norman, y junto con Stieglitz se les ocurrió la idea de publicar una nueva revista. Decidieron que esta vez no sería sólo una revista sobre arte sino una obra de arte en sí misma, impresa en una edición limitada con papel y reproducciones de muy alta calidad. La nueva revista, que todos acordaron que debería llamarse 291 , apareció en marzo de 1915 con gran éxito de crítica. Durante los siguientes catorce meses se imprimieron doce números de 291 , que muestran algunas de las obras de arte y diseño más vanguardistas de la época.
La revista hizo poco para revivir el estatus de la galería. Stieglitz siguió presentando algunos espectáculos destacados, pero el efecto general de la creciente tensión bélica sobre la economía no pudo superarse. En 1916 Stieglitz conoció a Georgia O'Keeffe . En los primeros años de su relación, O'Keeffe fue una inspiración para la fotografía de Stieglitz y una fuente de energía creativa. [15] Otros propietarios de galerías masculinos en este momento no buscaban ni exhibían obras de arte de mujeres; sin embargo, Stieglitz creía en la legitimidad de las mujeres como artistas [15] e incluyó el trabajo de Georgia en muchas exposiciones grupales y en exposiciones individuales de su trabajo. el 3 de abril de 1917. [16] Sin embargo, su publicidad del trabajo de O'Keeffe en su galería y su representación de ella como artista se debió en gran parte a su feminidad y su presencia en su trabajo.
En junio de 1917, sólo dos meses después de que Estados Unidos declarara la guerra a Alemania, Stieglitz cerró 291 . Hizo una fotografía llamada Los últimos días de 291 (Galería Nacional de Arte, Colección Alfred Stieglitz) que simbolizaba sus sentimientos en ese momento. Representa un modelo de un joven soldado, armado con una espada y una escoba, protegiendo obras de arte detrás de él. A su lado hay un guerrero mayor y vendado que observa, posiblemente representando al propio Stieglitz como alguien que había sido herido en la batalla para proteger el arte que ahora debe ser custodiado por una nueva generación. [3]
Posteriormente Stieglitz regresaría a Nueva York para dirigir dos galerías más. Desde 1925 hasta 1929 dirigió la Intimate Gallery, que exhibía el trabajo de artistas estadounidenses, entre ellos Marsden Hartley, Arthur Dove , John Marin , Paul Strand , Charles Demuth y Georgia O'Keeffe , quien para entonces se había convertido en su esposa. En 1929 inauguró "An American Place", donde presentó la obra de los Siete Americanos (Hartley, Marin, Dove, Demuth, O'Keeffe, Strand y Stieglitz) hasta su muerte en 1946. [17]
En 1914 Stieglitz publicó una serie de respuestas a la pregunta "¿Qué es 291?" en una edición de Camera Work . [18] He aquí algunos de esos escritos:
Eugene Meyer respondió con un poema de forma libre. Para él 291 representaban:
Un oasis de libertad real
Un islote robusto de independencia duradera en los mares acosadores del comercialismo y la convención
Un descanso - cuando está cansado
Un estimulante - cuando está aburrido
Un alivio
Una negación de las ideas preconcebidas
Un foro para la sabiduría y la locura
Una válvula de seguridad para las ideas reprimidas
Un ojo Abridor
Una prueba:
un disolvente,
una víctima y un vengador
JB Kerfoot: "291 es mayor que la suma de todas sus definiciones. Porque es una fuerza viva que trabaja tanto para el bien como para el mal. Para mí, 291 ha significado un antídoto intelectual contra el siglo XIX...":
William Zorach : "He visitado 291 muy a menudo y para mí es un lugar maravilloso para vivir, palpitante de sangre roja, un lugar al que la gente trae lo mejor y que saca a relucir lo mejor que hay dentro de todos aquellos que entran en contacto real con él. ".
Marsden Hartley : "Un instrumento puro ciertamente producirá un sonido puro. Este instrumento de 291 se ha mantenido lo más puro posible para que, por lo tanto, produzca una expresión pura".
Durante los 13 años de existencia de la galería, las exposiciones celebradas allí incluyeron una impresionante lista de novedades tanto en fotografía como en arte moderno. [19]
En 1917, Francis Picabia fundó en Barcelona la revista 391 , cuyo título se inspira en 291 .
El libro de referencia definitivo para 291 y las exposiciones celebradas allí es el enorme Modern Art and America: Alfred Stieglitz and His New York Galleries de Sarah Greenough (Washington: National Gallery of Art, 2000). Esta lista se encuentra en las páginas 543–547.
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40°44′47.21″N 73°59′09.79″O / 40.7464472°N 73.9860528°W / 40.7464472; -73.9860528