Stanley Earl Kramer (29 de septiembre de 1913 - 19 de febrero de 2001) fue un director y productor de cine estadounidense, responsable de realizar muchas de las " películas con mensaje " más famosas de Hollywood (llamó a sus películas dramas pesados ) y un ícono del cine liberal. [1] Como productor y director independiente, llamó la atención sobre problemas sociales de actualidad que la mayoría de los estudios evitaban. Entre los temas tratados en sus películas estaban el racismo (en The Defiant Ones y Guess Who's Coming to Dinner ), la guerra nuclear (en On the Beach ), la avaricia (en It's a Mad, Mad, Mad, Mad World ), el creacionismo frente a la evolución (en Inherit the Wind ) y las causas y efectos del fascismo (en Judgment at Nuremberg ). Sus otras películas incluyen High Noon (1952, como productor), The Caine Mutiny (1954, como productor) y Ship of Fools (1965).
El director Steven Spielberg lo describió como un "visionario increíblemente talentoso" y "uno de los cuatro grandes cineastas, no solo por el arte y la pasión que puso en la pantalla, sino por el impacto que ha tenido en la conciencia del mundo". Kramer fue reconocido por su feroz independencia como productor-director, y el autor Victor Navasky escribió que "entre los independientes... ninguno parecía más vocal, más liberal, más combativo que el joven Stanley Kramer". Su amigo Kevin Spacey , durante su discurso de aceptación en los Globos de Oro de 2015 , honró el trabajo de Kramer, llamándolo "uno de los grandes cineastas de todos los tiempos". [2] [3]
A pesar de la desigual recepción crítica, tanto entonces como ahora, el trabajo de Kramer ha recibido numerosos premios, incluidos 16 premios de la Academia y 80 nominaciones, y fue nominado nueve veces como productor o director. [4] En 1961, recibió el Premio Irving G. Thalberg Memorial . En 1963, fue miembro del jurado del 3er Festival Internacional de Cine de Moscú . [5] En 1998, recibió el primer Premio Vanguard de la NAACP en reconocimiento a "los fuertes temas sociales que recorrieron su trabajo". En 2002, se creó el Premio Stanley Kramer , que se otorgará a los destinatarios cuyo trabajo "ilustre dramáticamente problemas sociales provocadores". [6]
Kramer nació en la ciudad de Nueva York. Sus padres eran judíos y, habiéndose separado cuando era muy joven, recordaba poco de su padre. [7] : 102 Su madre trabajaba en una oficina de Nueva York de Paramount Pictures , tiempo durante el cual sus abuelos lo cuidaron en casa. [8] : 23 Su tío, Earl Kramer, trabajaba en distribución en Universal Pictures .
Kramer asistió a la escuela secundaria DeWitt Clinton en el Bronx, donde se graduó a los quince años. Luego se inscribió en la Universidad de Nueva York, donde se convirtió en miembro de la fraternidad Pi Lambda Phi [9] y escribió una columna semanal para el periódico Medley . Se graduó en 1933 a la edad de diecinueve años con un título en administración de empresas. Después de desarrollar un "entusiasmo por escribir" con un periódico, escribió el biógrafo Donald Spoto , a Kramer le ofrecieron una pasantía paga en el departamento de redacción de 20th Century Fox y se mudó a Hollywood. [8] : 23 Hasta que recibió ese trabajo de escritor, había planeado inscribirse en la facultad de derecho. [10]
En los años siguientes, durante el período de la Gran Depresión , Kramer aceptó trabajos ocasionales en la industria cinematográfica: trabajó como transportista de muebles y montador de películas en MGM , como escritor e investigador para Columbia Pictures y Republic Pictures , y como productor asociado en producciones de Loew - Lewin . Esos años como aprendiz de escritor y editor lo ayudaron a adquirir una "aptitud excepcional" en la edición y a desarrollar la capacidad de comprender la estructura general de las películas en las que trabajaba. Le permitieron luego componer y editar "en cámara", mientras filmaba escenas. [11]
Fue reclutado por el Ejército de los EE. UU. en 1943 durante la Segunda Guerra Mundial , donde ayudó a hacer películas de entrenamiento con el Cuerpo de Señales en Nueva York, junto con otros cineastas de Hollywood, incluidos Frank Capra y Anatole Litvak . [10] Dejó el ejército con el rango de primer teniente . [12]
Después de la guerra, Kramer pronto descubrió que no había trabajos disponibles en Hollywood en 1947, por lo que creó una compañía de producción independiente, Screen Plays Inc. Se asoció con el escritor Herbie Baker, el publicista George Glass y el productor Carl Foreman , un amigo del ejército de la unidad cinematográfica. Foreman justificó la compañía de producción señalando que los grandes estudios se habían convertido en "dinosaurios", que, sorprendidos por la avalancha de televisión, "descartaron prácticamente todo para sobrevivir". Pero no lograron desarrollar cuadros de talento creativo más jóvenes a su paso. [4]
La nueva compañía de Kramer pudo aprovechar las instalaciones de producción que no se utilizaban alquilando tiempo, lo que le permitió crear películas independientes por una fracción del costo que exigían los estudios más grandes, y lo hizo sin el control de los estudios. Kramer también vio esto como una oportunidad para producir películas que abordaran temas que los estudios anteriormente evitaban, especialmente aquellos sobre temas controvertidos.
Sin embargo, Kramer pronto se dio cuenta de que financiar este tipo de películas independientes era un gran obstáculo, ya que se vio obligado a recurrir a bancos o a inversores privados. Hizo ambas cosas cuando fue necesario. [4] Pero como los estudios ya no estaban involucrados, se crearon empresas independientes rivales que compitieron por esos fondos limitados. Según Byman, "había no menos de noventa y seis" otras empresas en competencia durante ese período, e incluían a algunos de los nombres más importantes de Hollywood: Frank Capra , John Ford , William Wyler , Howard Hawks , Leo McCarey y George Stevens . [4] Kramer explicó cómo intentó diferenciar su nueva empresa de las demás, explicando que estaba menos interesado en el dinero que en tener la capacidad de hacer una declaración a través de sus películas:
En lugar de confiar en los nombres de las estrellas, depositamos nuestra fe en historias que tenían algo que decir. Si resultaba ser algo que otras películas no habían dicho antes, tanto mejor. La única base para la elección era el gusto personal. [4]
La primera película producida bajo su productora fue la comedia So This Is New York (1948), dirigida por Richard Fleischer y basada en The Big Town de Ring Lardner . Fracasó en taquilla. Le siguió Champion (1949), otra historia de Lardner, esta vez sobre un boxeador ambicioso y sin escrúpulos. Escrita por Foreman, estaba adaptada al talento de Kirk Douglas , un ex luchador amateur que ahora era actor. Filmada en solo 23 días con un presupuesto relativamente pequeño, se convirtió en un inmenso éxito de taquilla. Ganó un premio Óscar a la mejor edición, con otras cuatro nominaciones, incluida la de Douglas como mejor actor y la de Foreman como guionista.
Kramer produjo después Home of the Brave (también de 1949), dirigida de nuevo por Mark Robson , que se convirtió en un éxito incluso mayor que Champion . La historia fue adaptada de una obra de teatro de Arthur Laurents , originalmente sobre el antisemitismo en el ejército, pero revisada y convertida en película sobre la persecución de un soldado negro. Byman señala que fue la "primera película sonora sobre el racismo antinegro". [4] El tema era tan delicado en ese momento, que Kramer filmó la película en "total secreto" para evitar protestas de varias organizaciones. [4] A los críticos en general les gustó la película, que, como señala Nora Sayre , "tenía un sabor a coraje". [4]
Su compañía, rebautizada como Stanley Kramer, produjo The Men (1950), que incluía el debut en la pantalla de Marlon Brando , en un drama sobre veteranos de guerra parapléjicos. Fue la primera vez que Kramer y Foreman trabajaron con el director Fred Zinnemann , que llevaba veinte años dirigiendo y había ganado un Oscar. La película fue otro éxito para Kramer, que abordó un tema único que trataba sobre un mundo que pocos conocían. El crítico Bosley Crowther señaló que su "calidad documental sorprendente y auténtica se ha trasladado a toda la película en cada detalle, actitud y palabra". [4]
Zinnemann dijo que estaba impresionado con la compañía de Kramer y la eficiencia de sus producciones:
Me parecieron enormemente eficientes. Kramer fue muy inventivo a la hora de encontrar fuentes de financiación bastante improbables... Este método de financiación externa... era verdaderamente original y muy adelantado a su tiempo... No había oficinas lujosas, ni burocracia de grandes estudios, ni pequeños imperios internos con los que lidiar, ni pérdida de tiempo ni de esfuerzo... Me entusiasmó esta organización independiente y la energía que generó. [4]
También se estrenó en 1950 la producción de Kramer de Cyrano de Bergerac , la primera versión cinematográfica en inglés de la obra francesa de Edmond Rostand de 1897. Convirtió en estrella a José Ferrer , quien ganó su único Oscar al Mejor Actor.
En 1951, el presidente de Columbia Pictures, Harry Cohn, ofreció a la compañía de Kramer la oportunidad de formar una unidad de producción que trabajara con su estudio. [13] Kramer recibió libertad total para decidir qué películas quería hacer, junto con un presupuesto de casi un millón de dólares para cada una. Kramer aceptó un contrato de cinco años durante el cual produciría 20 películas. [7] : 116 [12] Sin embargo, Kramer declaró más tarde que el acuerdo fue "uno de los movimientos más peligrosos y temerarios de toda mi carrera". [12] Aceptó el compromiso debido a su "profundo deseo de dirigir", afirma, junto con la seguridad de contar con financiación del estudio. [12]
Su última producción independiente fue High Noon (1952), un drama western dirigido por Fred Zinnemann . La película fue bien recibida, ganando cuatro premios Oscar, así como otras tres nominaciones. Desafortunadamente, la producción y el lanzamiento de High Noon se cruzaron con el macartismo . El escritor, productor y socio Carl Foreman fue llamado ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara mientras escribía la película. Foreman había sido miembro del Partido Comunista diez años antes, pero se negó a "dar nombres" y fue tildado de "testigo no cooperativo" por el HUAC, y luego incluido en la lista negra por las compañías de Hollywood, después de lo cual vendió su participación en la compañía. [4] Kramer, un viejo amigo y socio comercial de Carl Foreman, eliminó el nombre de Foreman de los créditos como coproductor. [14]
Kramer continuó produciendo películas en Columbia, entre ellas Muerte de un viajante (1951), El francotirador (1952), El miembro de la boda (1952), El malabarista (1953), Salvaje (1953) y Los 5.000 dedos del Dr. T (1953). Con un presupuesto mayor, sus películas adquirieron un aspecto más "brillante" y pulido, pero sus siguientes diez películas perdieron dinero, aunque algunas recibieron, no obstante, grandes elogios.
En 1953, Cohn y Kramer acordaron rescindir el contrato de cinco años por 20 películas que Kramer había firmado. Sin embargo, su última película para Columbia, The Caine Mutiny (1954), recuperó todas las pérdidas que había sufrido Columbia como resultado de sus proyectos anteriores. The Caine Mutiny fue una adaptación del libro escrito por Herman Wouk y fue dirigida por Edward Dmytryk .
Kramer observó que durante las décadas de 1940 y 1950, "el cine era el medio del productor":
Era la época de Selznick, Thalberg y Goldwyn. Eran los poderes encarnados porque el productor era el jefe. [15] : 583
Después de El motín del Caine , Kramer dejó Columbia y reanudó sus producciones independientes, esta vez en el papel de director. Durante las dos décadas siguientes, Kramer restableció su reputación dentro de la industria cinematográfica al dirigir una serie continua de películas, a menudo exitosas, que trataban temas sociales y controvertidos, como el racismo, la guerra nuclear, la avaricia y las causas y efectos del fascismo. El crítico Charles Champlin describió más tarde a Kramer como "un tipo que libró algunas batallas duras. Se ocupó de temas sociales cuando no era popular hacerlo en Hollywood". [12]
Entre algunas de esas películas controvertidas se encuentran Not as a Stranger (1955), The Pride and the Passion (1957), The Defiant Ones (1958), On the Beach (1959), Inherit the Wind (1960), Judgment at Nuremberg (1961) y Guess Who's Coming to Dinner (1967). Además de dramas, dirigió El mundo está loco, loco, loco, loco (1963).
Su primera película como director fue Not as a Stranger (1955), la historia de unos estudiantes de medicina y su carrera, algunos de los cuales pierden su idealismo y sucumben a la ambición ciega, el adulterio y la conducta inmoral. La película fue un "éxito rotundo", pero las críticas fueron mixtas. Pauline Kael afirmó que "carecía de ritmo y desarrollo". [11]
Orgullo y pasión (1957) es una adaptación de La pistola , novela de C. S. Forester . Retrata con detalle cómo un grupo de guerrilleros españoles arrastró un cañón gigantesco por medio país en un esfuerzo por derrotaral ejército de Napoleón que avanzaba. Está protagonizada por Frank Sinatra , Cary Grant y Sophia Loren .
Al año siguiente, Kramer dirigió The Defiant Ones (1958), la historia de dos convictos fugados del sur profundo, uno negro, interpretado por Sidney Poitier , y otro blanco, Tony Curtis . Para añadir intensidad al drama, ambos hombres están encadenados, lo que los obliga, a pesar de sus deseos, a vivir una sensación de hermandad, sufrimiento y miedo.
El crítico de cine del New York Times, Bosley Crowther, elogió la producción y la actuación de la película, calificándola de "una visualización notablemente apta y dramática de una idea social -la idea de hombres de diferentes razas reunidos para enfrentar la desgracia en un vínculo de hermandad- lograda por el productor Stanley Kramer en su nueva película". [16] Fue nominada a ocho premios de la Academia , ganando dos.
Cinco años después del estreno de la película, el productor George Stevens Jr. ayudó a organizar una proyección de esta, junto con otras películas de Kramer, en el Festival de Cine de Moscú , al que asistieron Kramer y su coprotagonista Sidney Poitier . Stevens escribe que las proyecciones de sus películas, especialmente The Defiant Ones , fueron un "gran éxito en Moscú". Recuerda que "los cineastas aplaudieron sus películas, a menudo cantando Kraaaamer, Kraaaaamer, Kraaaaamer ", al concluir. Kramer habló con el público después de cada película, "dejando una buena impresión para su país". [15] Sin embargo, Stevens atribuye a The Defiant Ones el mayor impacto:
La proyección fue una de las más emotivas que he vivido. Después de la película, el público se puso de pie –muchos con lágrimas en los ojos– y ovacionó a Poitier y Kramer, pero sólo se calmó cuando salimos del auditorio. La visita de Stanley a Moscú marcó el punto culminante del intercambio cultural entre los dos países durante esos largos años de distanciamiento. [15]
Con On the Beach (1959), Kramer intentó abordar el delicado tema de la guerra nuclear. La película se desarrolla después de que la Tercera Guerra Mundial haya aniquilado la mayor parte del hemisferio norte, con polvo radiactivo en trayectoria hacia Australia. Kramer le dio a la película una mirada documental "efectiva y espeluznante" a las ciudades despobladas. [11] Protagonizada por Gregory Peck , Ava Gardner , Fred Astaire y Anthony Perkins .
Las críticas fueron en su mayoría positivas, no sólo de los críticos sino también de los científicos. Linus Pauling , ganador de dos premios Nobel (Química y Paz), comentó:
Es posible que dentro de unos años podamos mirar atrás y decir que On the Beach es la película que salvó al mundo. [11]
Los críticos Arthur Knight y Hollis Alpert también elogiaron la película y admiraron a Kramer por mostrar "coraje al intentar abordar un tema así". [11]
La herencia del viento (1960) se convirtió en la siguiente película desafiante de Kramer, esta vez abordando temas altamente sensibles como el creacionismo y la evolución , y cómo se enseñan en la escuela. La película, una adaptación de la obra de teatro del mismo nombre, escrita por Jerome Lawrence y Robert Edwin Lee , fue un relato ficticio del juicio Scopes de 1925 , que se refería a una violación de la Ley Butler de Tennessee. Esta ley había hecho ilegal enseñar la evolución humana en cualquier escuela financiada por el estado en Tennessee. Fue protagonizada por Spencer Tracy , interpretando al verdadero Clarence Darrow , defendiendo al maestro, y Fredric March como su abogado rival, William Jennings Bryan , quien insistió en que el creacionismo era el único tema válido que se debía enseñar a los niños. Fue nominada a cuatro premios Oscar. [17]
Para Tracy, que fue nominado como Mejor Actor, la película se convirtió en la primera de las cuatro que hizo para Kramer. "Todo el mundo me dice lo bueno que soy", dijo, "pero sólo Stanley me da trabajo". [12] La película recibió "críticas extravagantes", pero fracasó en taquilla debido a su mala distribución y publicidad. [8] : 220 Además, los grupos fundamentalistas etiquetaron la película como "anti-Dios" y llamaron a Kramer "anticristo". [8] : 220 Sin embargo, Kramer explica que estos grupos no entendieron el tema real de la película y el juicio judicial real que retrataba:
El espíritu del juicio sigue vivo, porque las cuestiones reales de ese juicio fueron el derecho del hombre a pensar y el derecho del hombre a enseñar... el verdadero tema de La herencia del viento. [8] : 223
Kramer también señala que la película fue la tercera parte de una "trilogía de lo que algunos han llamado 'películas controvertidas'", de las cuales las dos primeras fueron The Defiant Ones y On the Beach . "He intentado, y espero haberlo logrado, hacer películas que llamen la atención", dijo Kramer. [8] : 223
Al igual que su película anterior, Juicio de Núremberg (1961) fue un relato ficticio de un juicio real, en este caso sobre los Juicios de Núremberg celebrados tras la derrota de los nazis en la Segunda Guerra Mundial. También contó con la participación de Spencer Tracy como juez principal, junto con otras numerosas estrellas. Richard Widmark interpretó al fiscal militar estadounidense y Maximilian Schell al abogado defensor. La película fue nominada a 11 premios de la Academia y ganó dos: Schell como Mejor Actor y Abby Mann como Mejor Guion. [18] Las críticas fueron extremadamente positivas. El crítico Hollis Alpert escribió en su reseña:
Stanley Kramer ha vuelto a utilizar el cine de forma importante y continúa siendo el único cineasta verdaderamente responsable de Hollywood. [11]
De manera similar, Arthur Knight atribuyó a Kramer la importancia de la película: "De principio a fin, el director domina su material... no solo ha contribuido enormemente a su prestigio como productor-director, sino también al prestigio del cine estadounidense". [11]
Sin embargo, a pesar de las críticas en su mayoría favorables en los EE. UU. y muchos países de Europa, el biógrafo Spoto señala que durante sus diversos estrenos en el extranjero, "sorprendió a muchos, enfureció a algunos, disgustó a otros. Pero no aburrió a nadie". [8] : 225 Kramer describió su estreno mundial, en Berlín, como "la noche más aterradora de mi vida". [8] : 229 Asistieron cientos de dignatarios de toda Alemania.
[El alcalde] Willy Brandt se puso de pie y advirtió al público que tal vez no encontraran la película agradable, pero que si Berlín iba a considerarse alguna vez una ciudad capital, entonces esta película debería proyectarse allí porque trataba de todos ellos. "Puede que nos gusten o no nos gusten muchas cosas o que no estemos de acuerdo con ellas", dijo, "pero aquí está".
Bueno, la película continuó, y cuando terminó hubo un silencio ensordecedor... La película fue rechazada por completo: nunca hizo ni un centavo en Alemania. Se proyectó en tantas salas vacías que simplemente se detuvo. [8] : 229
William Shatner , que tuvo un papel secundario, recuerda que antes de rodar, Kramer y la guionista Abby Mann exigieron a todos los implicados en la producción, actores y equipo técnico, que vieran algunas películas grabadas por soldados americanos en la liberación de los campos de concentración. "Querían que entendiéramos de qué trataba esta película":
Estas películas aún no se habían estrenado al público; muy poca gente las había visto. No sabíamos qué esperar... Vimos escenas de excavadoras que empujaban pilas de cadáveres hacia fosas comunes. Vimos a los supervivientes, con los ojos desorbitados, con los huesos prácticamente sobresaliendo de sus cuerpos. Vimos los crematorios y las pilas de zapatos. La gente se quedó boquiabierta, otros empezaron a llorar. Sin duda fue lo más horrible que había visto en mi vida... Pero desde esa noche comprendimos la importancia de la película que estábamos haciendo. [19]
Después de la seriedad de sus películas anteriores, Kramer "se sintió obligado a responder" por la "falta de ligereza" en sus películas anteriores, escribe Spoto. Como resultado, dirigió It's a Mad, Mad, Mad, Mad World (1963), una película con un "equipo de comediantes talentosos y estrafalarios". [8] : 257 Kramer la describe como una "comedia sobre la avaricia". [8] : 257 Según un escritor, la dirigió "para demostrar que también podía manejar la comedia" y contrató a muchos de los principales actores cómicos de las décadas anteriores, desde la estrella del cine mudo Buster Keaton hasta el talento emergente Jonathan Winters . Winters escribió más tarde que "Kramer era un hombre que se arriesgaba; como dicen, trabajaba sin red". [7]
La película recibió críticas mixtas, y algunos criticaron su comedia excesiva con demasiados comediantes, lo que la hizo perder su foco. No obstante, fue el mayor éxito de taquilla de Kramer, y el público disfrutó de su historia y actuación "socialmente disruptivas y tontas". [10] El crítico de cine Dwight Macdonald escribe que su "pequeño ejército de actores (105 papeles con diálogo) se causan estragos entre sí con autos, aviones, explosivos y otros dispositivos... es simplemente demasiado para que el ojo y el oído humanos reaccionen, y mucho menos para el sentido del humor", y la calificó de "bufonería dura". [11] Fue nominada a seis premios de la Academia, y ganó el de Mejor Edición de Sonido. [20]
Ship of Fools (1965) ha sido descrita como un " Gran Hotel flotante ", una película anterior que también contaba con un elenco estelar. Su narrativa de múltiples hilos trata sobre las relaciones personales fallidas entre los pasajeros a bordo de un transatlántico que regresa a Alemania en 1933, durante el ascenso del nazismo . Spoto describe su tema como uno de "significado social y psicológico consciente". [8] : 266 Ganó dos premios Oscar y fue nominada a otros seis. [21]
Algunos escritores describen la película como un "microcosmos" que muestra una "debilidad del mundo que permitió el ascenso de Hitler". [11] Kramer no está en desacuerdo y escribió: "Aunque nunca lo mencionamos [a Hitler] en la película, su ascendencia es un factor siempre presente. La mayoría de los pasajeros del barco son alemanes que regresan a su patria en un momento en que millones de otros alemanes están buscando formas de escapar". [7] : 204 En una escena señalada por Spoto, un pasajero nazi está "gritando tonterías" sobre cómo los alemanes deberían purificar su raza, a lo que un pasajero judío alemán responde: "Hay casi un millón de judíos en Alemania. ¿Qué van a hacer? ¿Matarnos a todos?" [8] : 268
Para su cuarta película sobre el delicado tema del racismo, dirigió y produjo Adivina quién viene a cenar (1967), una historia innovadora sobre el matrimonio interracial. Protagonizada por Spencer Tracy, Sidney Poitier y Katharine Hepburn , ganó dos premios Óscar con ocho nominaciones. Ha sido incluida entre las 100 mejores películas de los últimos 100 años por el American Film Institute . Sin embargo, a pesar de su popularidad entre el público y su éxito de taquilla, muchos críticos le dieron críticas negativas.
Para Kramer y otros involucrados en la producción, "fue uno de los eventos más importantes de sus vidas", escribe Spoto. [8] : 273 En parte porque fue la primera película que tocó el tema desde la era del cine mudo de los años 1920. "Nadie tocaría este tema social tan explosivo" hasta que Kramer aceptó el desafío. El coprotagonista Sidney Poitier calificó la película de "revolucionaria" y explicó por qué:
Ningún productor, ningún director podría conseguir el dinero, ni los cines norteamericanos podrían contratarla. Pero Kramer hizo que la gente se planteara el tema por primera vez... Trató el tema con humor, pero con tanta delicadeza, con tanta humanidad, con tanto cariño, que hizo que todo el mundo se planteara la cuestión por primera vez en la historia del cine. [8] : 227
La película también fue importante porque fue el último papel cinematográfico de Spencer Tracy, quien, mientras hacía la película, era consciente de que se estaba muriendo y, de hecho, murió unas semanas después de que se completara. Fue su cuarta película dirigida por Kramer y la novena con Hepburn, quien quedó tan conmocionada por la muerte de Tracy que se negó a ver la película una vez que se terminó. Kramer llamó a Tracy "el mejor actor con el que he trabajado". [8] : 280
Como resultado del éxito comercial de esta película, Kramer ayudó a impulsar a Hollywood a reformar sus prácticas de marketing cinematográfico cuando se observó que la película estaba haciendo excelentes negocios en todas partes de los EE. UU., incluidos los estados del sur donde se suponía que las películas con actores principales afroamericanos nunca serían aceptadas. Como resultado, la presencia prominente de actores negros en películas nunca más se consideró un factor en el marketing y la distribución de películas de Hollywood. [22] : 374 Sin embargo, Kramer, molesto por las críticas negativas de la película y queriendo respeto como un artista cinematográfico importante como François Truffaut y Jean-Luc Godard , emprendió una gira de conferencias por nueve universidades para proyectar la película y discutir la integración racial. El esfuerzo resultó ser una vergüenza desalentadora para él, ya que los estudiantes universitarios en gran medida descartaron su película y prefirieron discutir temas menos convencionales como Bonnie y Clyde dirigida por Arthur Penn . [22] : 398–400
La película fue el último gran éxito de Kramer, y sus películas posteriores no fueron rentables, y muchas tuvieron críticas mixtas. Entre esas películas estaban El secreto de Santa Vittoria (1968), RPM (1970), Bendice a las bestias y a los niños (1971), Oklahoma Crude (1973), El principio del dominó (1977) y El corredor tropieza (1979). Oklahoma Crude se presentó al 8º Festival Internacional de Cine de Moscú , donde Kramer ganó el Premio de Oro a la Dirección. [23] En el momento de su retiro, estaba intentando llevar a la pantalla un guion titulado Tres bebedores solitarios , una película sobre un trío de alcohólicos que esperaba que fuera interpretado por Sidney Poitier, Jack Lemmon y Walter Matthau . [24]
En la década de 1980, Kramer se retiró a Bellevue, Washington y escribió una columna sobre películas para The Seattle Times de 1980 a 1996. [25] Durante este tiempo, presentó su propio programa de cine semanal en la entonces estación de televisión independiente KCPQ .
En 1986, firmó un acuerdo con Columbia Pictures para producir o dirigir dos películas, Chernobyl y Beirut , pero el acuerdo fracasó cuando David Puttnam dejó Columbia. [26] Tres años después, aceptó hacer ERN protagonizada por Robert Guillaume, pero el proyecto se estancó. En 1991, firmó un acuerdo con Trimark para dirigir y producir Bubble Man , un proyecto en el que había estado trabajando desde 1972, pero no se realizó. [27]
En 1997, Kramer publicó su autobiografía A Mad Mad Mad Mad World: A Life in Hollywood .
Murió el 19 de febrero de 2001 en Woodland Hills, Los Ángeles, a los 87 años, tras contraer neumonía. Se casó tres veces y se divorció dos veces. Le sobreviven su tercera esposa, la actriz Karen Sharpe , y cuatro hijos: Casey (1955-2023) [28] y Larry (con Anne Pearce), y Katharine y Jennifer (con Karen Sharpe). [29]
Se ha dicho que Kramer es un cineasta "genuino y original". Hizo películas en las que creía y "se mantuvo a caballo entre el arte y el comercio durante más de 30 años". [30] La mayoría de sus películas se destacaron por involucrar al público en cuestiones políticas y sociales de la época. Cuando se le preguntó por qué gravitaba hacia ese tipo de temas, afirmó: "emocionalmente me siento atraído por estos temas", [10] y pensó que producciones independientes como la suya podrían ayudar a "devolver vitalidad a la industria cinematográfica... Si nuestra industria va a florecer, debemos romper con el pensamiento basado en fórmulas". [10]
El autor de películas Bill Nichols afirma que "las películas de Kramer continúan una larga tradición hollywoodense de unir temas de actualidad con una forma dramática, una tradición en la que encontramos muchas de las películas más abiertamente progresistas de Hollywood". [31] Entre sus temas, Kramer fue uno de los pocos cineastas que se adentró en temas relacionados con los derechos civiles y, según su esposa, Karen Kramer, "puso su reputación y sus finanzas en juego para presentar un tema que significara algo". Renunció a su salario para asegurarse de que Adivina quién viene a cenar se completara. [32] Sin embargo, no ha sido aclamado universalmente. El crítico de cine David Thomson ha escrito que las películas de Kramer "son mediocres y exageradas; en el peor de los casos, se encuentran entre las producciones más tediosas y desalentadoras que el cine estadounidense tiene para ofrecer. El comercialismo, del tipo más burdo y confuso... desvitalizó todos [sus] proyectos". [33]
Los críticos han calificado las películas de Kramer como "películas con mensajes". Algunos, como Pauline Kael , a menudo criticaron sus temas por ser "melodramas" y "irritantemente moralistas", pero ella atribuye a sus películas su "importancia social redentora... [con] situaciones y escenarios, sin embargo, emocionantemente modernos y relevantes". [4] : 44 Kramer, sin embargo, se veía a sí mismo como "un narrador con un punto de vista":
Tal vez estoy fuera de sintonía con los tiempos, porque hoy en día se hacen muchas películas sin ningún mensaje, sólo conmoción y sensación, o un enfoque sin motivación de una historia, un crimen sin sentido, una historia de amor sin sentido... Como muchos niños en los años 30, quería corregir todos los errores de la humanidad... No me interesa cambiar la opinión de nadie, sólo contar una historia. [8] : 18
En la década de 1960, Kramer culpó a la creciente "cultura juvenil" de haber cambiado el "paisaje artístico" tal como lo recordaba de su propia juventud. "Ya no estaban interesados", dijo, "los escritores y los cineastas en crear la Gran Novela Americana o la Gran Película Americana, o incluso en explorar lo que significaba ser americano". [10]
En casos extremos, Kramer fue acusado de ser "antiamericano" debido a los temas de sus películas, muchas de ellas relacionadas con problemas sociales o patologías. Pero Kramer señala que lo que las distingue es su capacidad para producir esas películas en una democracia:
Toda película estadounidense que contenga críticas sobre el estilo de vida estadounidense es aceptada, tanto por la crítica como por el público masivo en el extranjero, como algo que nunca se habría podido producir en un estado totalitario. Esto, en sí mismo, genera un enorme respeto por la sociedad estadounidense entre los extranjeros, un respeto que siempre he querido fomentar. [8] : 17
Kramer produjo y dirigió a 23 actores diferentes en actuaciones nominadas al Oscar, con José Ferrer , Gary Cooper , Maximilian Schell y Katharine Hepburn ganando por sus actuaciones. La de Kramer fue una de las primeras estrellas en completarse en el Paseo de la Fama de Hollywood el 28 de marzo de 1960, [34] [35] de las 1550 estrellas originales creadas e instaladas como una unidad en 1960.
Una de sus hijas, Kat Kramer, es coproductora de documentales de relevancia social, como parte de su serie Películas que cambian el mundo . [36]
El Producers Guild of America creó el Premio Stanley Kramer en 2002 para honrar una producción o individuos cuya contribución ilumine y aumente la conciencia pública sobre cuestiones sociales importantes. [37]
