Stanley Newcomb Kenton (15 de diciembre de 1911 - 25 de agosto de 1979) fue un artista de jazz y música popular estadounidense . Como pianista , compositor , arreglista y director de banda, dirigió una innovadora e influyente orquesta de jazz durante casi cuatro décadas. Aunque Kenton tuvo varios éxitos pop desde principios de los años 1940 hasta los años 1960, su música siempre estuvo orientada al futuro. Kenton también fue un pionero en el campo de la educación del jazz, creando el Stan Kenton Jazz Camp en 1959 en la Universidad de Indiana . [2]
Stan Kenton nació el 15 de diciembre de 1911 en Wichita, Kansas ; tenía dos hermanas (Beulah y Erma Mae) nacidas tres y ocho años después de él, respectivamente. Sus padres, Floyd y Stella Kenton, trasladaron a la familia a Colorado y, en 1924, al área metropolitana de Los Ángeles , instalándose en los suburbios de Bell, California . [2]
Kenton asistió a la escuela secundaria Bell ; la foto de su anuario de la escuela secundaria tiene la notación profética "Old Man Jazz". Kenton comenzó a aprender piano cuando era adolescente con un pianista y organista local. Cuando tenía alrededor de 15 años y estaba en la escuela secundaria, el pianista y arreglista Ralph Yaw le presentó la música de Louis Armstrong y Earl Hines . Se graduó de la escuela secundaria en 1930.
A la edad de 16 años, Kenton ya tocaba regularmente un concierto de piano solo en una hamburguesería local por 50 centavos la noche más propinas; Durante ese tiempo tuvo su propio grupo llamado "The Bell-Tones". Su primer arreglo fue escrito durante este tiempo para una banda local de ocho integrantes que tocaba en la cercana Long Beach . [2]
Con muy poco dinero, Kenton viajó a bares clandestinos en San Diego y Las Vegas tocando el piano. [3] En 1932 tocaba con la banda Francis Gilbert Territory y hacía giras por Arizona; Continuaría trabajando con la Orquesta Everett Hoagland en 1933, que sería la primera vez que tocaría en el Rendezvous Ballroom. Luego tocaría con Russ Plummer, Hal Grayson y finalmente consiguió su gran oportunidad con Gus Arnheim . [3]
En abril de 1936, Arnheim estaba reorganizando su banda al estilo de los grupos de Benny Goodman y Kenton tomaría la silla del piano. Aquí es donde Kenton haría sus primeras grabaciones cuando Arnheim hizo 14 caras para el sello Brunswick en el verano de 1937. Una vez que dejó el grupo de Gus Arnheim , Kenton volvió a estudiar con profesores privados tanto de piano como de composición. En 1938 Kenton se uniría a Vido Musso en una banda de corta duración, pero una experiencia muy educativa para él.
Del núcleo de este grupo surgió la formación de los primeros grupos de Stan Kenton de la década de 1940. Kenton también trabajaría con NBC House Band y en varios estudios y clubes de Hollywood. El productor George Avakian se fijó en Kenton durante esta época mientras trabajaba como pianista y asistente del director musical en el restaurante Earl Carroll Theatre de Hollywood . A Kenton se le ocurrió la idea de dirigir su propia banda a partir de esta experiencia; Creó su propia banda de ensayo, que eventualmente se convirtió en su grupo en la década de 1940. [2]
En 1940, Kenton formó su primera orquesta. Kenton trabajó en los primeros días con sus propios grupos como más un arreglista que un pianista destacado. Aunque no había músicos "reconocidos" en su primera banda (con la posible excepción del bajista Howard Rumsey y el trompetista Chico Alvarez ), Kenton pasó el verano de 1941 tocando regularmente ante una audiencia en el Rendezvous Ballroom en la Península de Balboa en Newport Beach. CALIFORNIA. Influenciada por Benny Carter y Jimmie Lunceford , la Stan Kenton Orchestra tuvo problemas durante un tiempo después de su éxito inicial. Sus grabaciones de Decca no se vendieron mucho y un período como banda de radio de respaldo de Bob Hope durante la temporada 1943-1944 fue una experiencia infeliz; Les Brown ocupó permanentemente el lugar de Kenton. [4]
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La primera aparición de Kenton en Nueva York fue en febrero de 1942 en el Roseland Ballroom , con la marquesina con el respaldo de Fred Astaire . [5] A finales de 1943, con un contrato con la recién formada Capitol Records , un disco popular en "Eager Beaver" y un reconocimiento creciente, la Stan Kenton Orchestra se estaba poniendo de moda gradualmente; se convirtió en uno de los conjuntos de la costa oeste más conocidos de la década de 1940. Sus solistas durante los años de la guerra incluyeron a Art Pepper , brevemente Stan Getz , el contralto Boots Mussulli y la cantante Anita O'Day . En 1945, la banda había evolucionado. [4] El compositor Joe Greene proporcionó la letra de canciones exitosas como " And Her Tears Flowed Like Wine " y " Don't Let the Sun Catch You Cryin' ". [6] Pete Rugolo se convirtió en el arreglista principal (ampliando las ideas de Kenton), Bob Cooper y Vido Musso ofrecieron estilos de tenor muy diferentes y June Christy fue la nueva cantante de Kenton; sus éxitos (incluidos " Tampico " y " Across the Alley from the Alamo " de Greene ) hicieron posible que Kenton financiara sus proyectos más ambiciosos. [ cita necesaria ]
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Cuando el compositor y arreglista Pete Rugolo se unió a la Stan Kenton Orchestra como arreglista personal a finales de 1945, trajo consigo su amor por el jazz, Stravinsky y Bartók . Kenton le dio rienda suelta y Rugolo experimentó. Aunque el propio Kenton ya estaba probando partituras experimentales antes del mandato de Rugolo, fue Rugolo quien aportó influencias clásicas y de jazz adicionales muy necesarias para hacer avanzar artísticamente a la banda. [ cita necesaria ]
Durante sus primeros seis meses en el personal, Rugolo intentó copiar el sonido de Kenton; animado por el líder, exploró su propia voz. Al incorporar técnicas de composición tomadas de la música clásica moderna que estudió, Rugolo fue una parte clave de uno de los períodos más fértiles y creativos de Kenton. [7]
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Después de una serie de arreglos en su mayoría, Rugolo produjo tres originales que Kenton incluyó en el primer álbum de la banda en 1946 ( Artistry in Rhythm ): "Artistry in Percussion", "Safranski" y "Artistry in Bolero". A esta mezcla se agregaron "Machito", "Rhythm Incorporated", "Monotony" e "Interlude" a principios de 1947 (aunque algunos no se grabaron hasta finales de ese año). Estas composiciones, junto con la voz de June Christy , llegaron a definir la banda Artistry in Rhythm . Se añadió escritura afrocubana al libro de Kenton con composiciones como "Machito" de Rugolo. La instrumentación resultante, que utilizaba cantidades significativas de metales, se describió como un " muro de sonido " (un término acuñado más tarde de forma independiente por Andrew Loog Oldham para los métodos de producción de Phil Spector ). [8]
El conjunto Artistry in Rhythm fue una banda formativa, con solistas destacados. A principios de 1947, la Orquesta Stan Kenton había alcanzado un punto culminante de éxito financiero y popular. Tocaron en los mejores teatros y salones de baile de Estados Unidos y obtuvieron numerosos discos de éxito. Los bailes en los salones de baile solían durar cuatro horas por noche y las fechas en el teatro generalmente incluían miniconciertos entre cada proyección de la película. A veces eran cinco o seis por día, desde la mañana hasta bien entrada la noche. La mayoría de los días que no jugaban los pasaba en autobuses o automóviles. Los días libres de actuación eran raros. Para Kenton, simplemente permitieron más firmas de discos, entrevistas en estaciones de radio y publicidad para Capitol Records . Debido a las demandas financieras y personales, después de una actuación en abril en Tuscaloosa , disolvió la encarnación Artistry in Rhythm de los conjuntos Kenton. [ cita necesaria ]
Después de una pausa de cinco meses, Kenton formó un conjunto nuevo y más grande para presentar Concerts in Progressive Jazz . Mantener el conjunto por sí solo resultó prácticamente alcanzable, pero la banda aún tenía que completar su agenda reservando bailes y trabajos en salas de cine, especialmente durante el verano. [ cita necesaria ]
Pete Rugolo compuso y arregló la mayor parte de la nueva música; Kenton declaró que estas obras eran Jazz Progresivo. Bob Graettinger , alumno del famoso compositor y educador Russ García , escribió numerosas obras para la banda, comenzando con su composición Thermopylae. Su innovadora composición City of Glass fue estrenada por la banda en Chicago en abril de 1948, pero no se grabó hasta pasados dos años y medio, en una versión reelaborada para la Innovations Orchestra. Ken Hanna , que comenzó la gira como trompetista, contribuyó con algunas composiciones a la nueva banda, incluida Somnambulism . Kenton no contribuyó con nuevas partituras a la banda de Jazz Progresivo , aunque varias de sus obras más antiguas se interpretaron en conciertos, incluido Concerto to End All Concertos , Eager Beaver , Opus in Pastels y Artistry in Rhythm . [ cita necesaria ]
Los títulos con inflexión cubana del período del Jazz Progresivo incluyen Introducción a un ritmo latino de Rugolo , Carnaval cubano , The Peanut Vendor , Viaje a Brasil y Pastoral cubana de Bob Graettinger . La incorporación de un bongó a tiempo completo y un guitarrista brasileño a la banda permitió al grupo de compositores de Kenton explorar los ritmos afrolatinos con posibilidades mucho mayores. [ cita necesaria ]
El período del Jazz Progresivo duró 14 meses, comenzando el 24 de septiembre de 1947, cuando la Orquesta Stan Kenton tocó un concierto en el Rendezvous Ballroom . Y terminó después del último espectáculo en el Paramount Theatre de la ciudad de Nueva York el 14 de diciembre de 1948. La banda produjo sólo un álbum y un puñado de sencillos, debido a una prohibición de grabación por parte de la Federación Estadounidense de Músicos que duró todo 1948. [9 ]
El único disco, " A Presentation of Progressive Jazz ", [10] recibió una calificación de 3 sobre 4 de Tom Herrick en DownBeat . [11] Metronome lo calificó con una "C", calificándolo de "una mezcla de efectos y contraefectos mal construidos" y "este álbum presenta muy poco que pueda justificadamente llamarse jazz o progresivo". [12] Billboard obtuvo una puntuación de 80 sobre 100, pero lo declaró "una colección de cacofonía tan palabrería como jamás se haya desatado ante un público desprevenido" .
Muchos acompañantes de la banda Artistry regresaron, pero hubo cambios significativos. [14] Laurindo Almeida en la guitarra clásica y Jack Costanzo en los bongos cambiaron dramáticamente el timbre de la banda. Ambos fueron los primeros para la banda Kenton, o para cualquier banda de jazz. La sección rítmica incluía a los regresados Eddie Safranski (bajo) y Shelly Manne (batería), ambos destinados a ganar el primer lugar en los premios Down Beat. [ cita necesaria ]
Los niños se vuelven locos por el puro ruido de esta banda... Existe el peligro de que toda una generación crezca con la idea de que el jazz y la bomba atómica son esencialmente el mismo fenómeno natural.
— Barry Ulanov, Metrónomo , 1948 [15]
Regresaron cuatro de los cinco trompetistas: Buddy Childers , Ray Wetzel , Chico Alvarez y Ken Hanna . Al Porcino se sumó a la ya poderosa sección. Conte Candoli se unió a la banda, reemplazando a Porcino, en febrero de 1948. [ cita necesaria ]
Kai Winding , trombonista estrella de la banda Artistry in Rhythm , no formaría parte de la era del Progressive Jazz , salvo algunas fechas en las que sustituyó. Milt Bernhart entró como trombón solista. Y Bart Varsalona volvió al trombón bajo. El primer gran solo de Bernhart con la banda Kenton resultó ser un gran éxito, The Peanut Vendor . [ cita necesaria ]
La sección de saxofón fue muy mejorada y modernizada. Los saxofonistas que regresaron incluyeron al barítono Bob Gioga, sosteniendo su silla desde el principio, y Bob Cooper en el tenor. Con la partida de Vido Musso , Cooper y su sonido modernista se convirtieron en el tenor solista destacado. Art Pepper entró como segundo contralto, la silla de "jazz". Y el nuevo contralto principal era George Weidler . [ cita necesaria ]
Esta era realmente una banda de estrellas. Recibieron cinco premios de primer lugar en la encuesta Down Beat de finales de 1947, [16] y premios similares de otras revistas. Los arreglistas continuaron superando los límites de estos magníficos instrumentistas en sus composiciones. Las obras de este período son más sofisticadas que las escritas para la banda Artistry y son algunas de las primeras y más exitosas composiciones de la " tercera corriente ". [ cita necesaria ]
La banda recorrió el país, presentándose en las principales salas de conciertos del país, incluidos el Carnegie Hall , el Boston Symphony Hall , la Chicago Civic Opera House , la Academia de Música (Filadelfia) y el Hollywood Bowl . Tuvieron estancias prolongadas en el Paramount Theatre y el Hotel Commodore de Nueva York, el Click de Filadelfia, los Eastwood Gardens de Detroit, el Radio City Theatre de Minneapolis y el Rendezvous Ballroom , un lugar especial en la vida musical de Kenton. [ cita necesaria ]
La banda de Kenton fue la primera en presentar un concierto en el famoso estadio al aire libre, el Hollywood Bowl. Su concierto allí el 12 de junio de 1948 atrajo a más de 15.000 personas y fue un éxito tanto artístico como comercial. Kenton se embolsó la mitad de la taquilla y se llevó 13.000 dólares (equivalentes a 158.341 dólares en 2022) por el concierto de esa noche. [17]
La banda rompió récords de asistencia en todo el país. Gracias a la perspicacia de Kenton en materia de relaciones públicas, pudo convencer a los asistentes a conciertos y a los compradores de discos de la importancia de su música. Los números de comedia y la voz de June Christy ayudaron a romper con la seriedad de la nueva música. [ cita necesaria ]
Los éxitos de Kenton no cayeron bien a todos. En un ensayo titulado Economía y raza en el jazz , Leslie B. Rout Jr. escribió:
"El verdadero flagelo del período 1946-1949 fue la banda exclusivamente blanca de Stan Kenton. Doblando su repertorio musical de jazz progresivo , Kenton vio a su orquesta convertirse en la primera en la historia del jazz en alcanzar una recaudación anual de 1.000.000 de dólares estadounidenses en 1948". (equivalente a $12,18 millones en 2022)
- Ruta de Leslie (1968) [18]
Rout contrastó esto con la relativa falta de reconocimiento público y crítico de otro destacado artista del jazz:
" Dizzy Gillespie, como el primer bopper, no podía transformarse en moneda del reino."
- Ruta de Leslie (1968) [18]
A finales de 1948, mientras la banda cumplía un compromiso prolongado en el Paramount Theatre de la ciudad de Nueva York, el líder notificó a sus acompañantes, a sus bookers y a la prensa que se disolvería una vez más. La banda de mayor éxito artístico y comercial de Kenton dejó de estar en la cima de su juego. El 14 de diciembre de 1948, la Stan Kenton Orchestra tocó sus últimas notas durante más de un año. Regresarían con caras nuevas, música nueva y una sección de cuerdas. [ cita necesaria ]
Después de una pausa de un año, en 1950 Kenton reunió la gran Orquesta de Innovaciones en Música Moderna de 39 integrantes que incluía 16 cuerdas, una sección de instrumentos de viento y dos trompas. La música fue una extensión de las obras compuestas y grabadas desde 1947 por Bob Graettinger , Manny Albam , Franklyn Marks y otros. Músicos de jazz de renombre como Maynard Ferguson , Shorty Rogers , Milt Bernhart , John Graas , Art Pepper , Bud Shank , Bob Cooper , Laurindo Almeida , Shelly Manne y June Christy formaron parte de estos conjuntos musicales. Los grupos realizaron dos giras durante 1950-1951; desde un punto de vista comercial, sería el primer gran fracaso de Stan Kenton. Kenton pronto volvió a una alineación más estándar de 19 piezas. [2]
Para ser más viable comercialmente, Kenton reformó la banda en 1951 con una instrumentación mucho más estándar: cinco saxos, cinco trombones, cinco trompetas, piano, guitarra, bajo y batería. Las listas de arreglistas como Gerry Mulligan , Johnny Richards y, en particular, Bill Holman y Bill Russo comenzaron a dominar el repertorio. La música fue escrita para reflejar mejor el estilo de las big bands de vanguardia orientadas al be-bop, como las de Dizzy Gillespie o Woody Herman . Jugadores jóvenes y talentosos y destacados solistas de jazz como Maynard Ferguson , Lee Konitz , Conte Candoli , Sal Salvador y Frank Rosolino hicieron grandes contribuciones al nivel de la banda de 1952-1953. La música compuesta y arreglada durante esta época se adaptaba mucho más a los gustos del jazz contemporáneo; El álbum de 1953 New Concepts of Artistry in Rhythm se considera uno de los puntos culminantes en la carrera de Kenton como líder de la banda. Aunque la banda iba a tener un "libro de conciertos" muy sólido, Kenton también se aseguró de que el libro de danza fuera nuevo, fresco y contemporáneo. El álbum Sketches on Standards de 1953 es un excelente ejemplo de cómo Kenton atrae a una audiencia más amplia mientras utiliza la banda y las habilidades de arreglo de Bill Russo en su máximo potencial. Aunque el personal cambió con bastante rapidez, el enfoque de Kenton era muy claro sobre hacia dónde conduciría las cosas musicalmente. En ese momento, el productor Lee Gillette trabajó bien en conjunto con Kenton para crear un conjunto equilibrado de grabaciones que fueran comercialmente viables y de vanguardia musicalmente.
Podría decirse que la banda más "swinging" que Kenton presentó fue cuando el legendario baterista Mel Lewis se unió a la orquesta en 1954. Los álbumes Contemporary Concepts (1955) y Kenton in Hi-Fi (1956) de Kenton durante este tiempo son muy impresionantes como be-bop. grabación y luego una grabación de baile estándar (respectivamente). [2] La gran popularidad y las ventas de Kenton en Hi-Fi se beneficiaron del hecho de que sus grandes éxitos de diez años antes fueron regrabados en estéreo con una banda contemporánea de mucho más alto nivel. El álbum subió hasta el puesto 22 en las listas de álbumes de Billboard y proporcionó ingresos muy necesarios en un momento en que el Rock n Roll había comenzado a convertirse en la música pop dominante en los Estados Unidos . [2] Sería cada vez más difícil para Kenton alternar entre álbumes de 'dance' y álbumes serios de 'jazz' sin dejar de ser financieramente solvente.
Durante el verano de 1955 (julio-septiembre), Kenton se convertiría en el presentador de la serie de televisión CBS Music 55. Si bien ofreció 10 semanas de gran exposición a una audiencia televisiva en rápida expansión, el programa fracasó. Estuvo plagado de técnicas de producción deficientes y una extraña combinación de invitados que no encajaba bien con lo que Kenton había imaginado. Terminó mostrándose rígido y fuera de lugar con lo que los productores intentaron lograr. [19] Kenton tuvo que quemar la vela en ambos extremos, volando para hacer el espectáculo y luego volando de regreso para encontrarse con su banda en el camino. El equipo de producción de Nueva York se limitó a utilizar una lista de músicos locales de la Federación Estadounidense de Músicos ; Kenton quería que su propia banda hiciera el espectáculo. Habría otro intento por parte de la organización Kenton de colocar a la banda en la programación televisiva programada regularmente en 1958. Después de seis episodios financiados por Kenton en KTTV en Los Ángeles, no habría patrocinadores que respaldaran el programa. [2]
Uno de los proyectos y grabaciones más destacados de la banda de mediados de la década de 1950 es Cuban Fire! álbum lanzado en 1956. Aunque Stan Kenton había grabado éxitos anteriores como The Peanut Vendor en 1947 con el percusionista latino Machito , así como muchos otros sencillos con sabor latino, Cuban Fire! suite y LP representan un hito en la carrera de Johnny Richards y un logro comercial/artístico sobresaliente para la orquesta de Kenton, y un hito singular en las grabaciones de grandes conjuntos de jazz latino . [20] [2] "CUBAN FIRE es completamente auténtico, la forma en que combina el jazz de big band con ritmos latinoamericanos genuinos". [21] ¡El éxito del Fuego Cubano! El álbum puede evaluarse en parte por el ascenso inmediato de la estrella de Johnny Richards después de su lanzamiento; De repente , Bethlehem Records le ofreció un contrato para grabar lo que sería la primera de varias grabaciones con sus propios grupos. [2]
En un momento, Kenton enfrentó una controversia en 1956 con comentarios que hizo cuando la banda regresó de una gira europea. La actual encuesta de críticos de Down Beat estaba ahora dominada por músicos afroamericanos en prácticamente todas las categorías. La banda de Kenton estaba tocando en Ontario, Canadá , en ese momento, y Kenton envió un telegrama lamentando "una nueva minoría, los músicos de jazz blancos", y manifestando su "disgusto [con los llamados] genios literarios del jazz". El crítico de jazz Leonard Feather respondió en la edición del 3 de octubre de 1956 de Down Beat con una carta abierta que cuestionaba las opiniones raciales de Kenton. Feather dio a entender que el hecho de que Kenton no ganara la encuesta de críticos era probablemente el verdadero motivo de la queja y se preguntó si había prejuicios raciales involucrados. Menos del 2% de los más de 600 acompañantes de la banda Kenton eran afroamericanos. [ cita necesaria ]
A finales de la década, Kenton estaba con la última encarnación de una orquesta Kenton de 19 músicos al estilo de los años cincuenta. Muchas bandas han sido llamadas "las mejores" de sus líderes; Esta última encarnación de Kenton 1959 de las bandas de los años 50 bien puede ser la mejor. El grupo realizaría una de las grabaciones más artísticas, sutiles e introspectivas de Kenton, Standards in Silhouette . Como recordó el trombonista Archie LeCoque sobre este álbum de baladas muy lentas, "... fue difícil, pero en ese momento todos éramos jóvenes y directos, lo superamos y (dos) álbumes salieron bien". [2] En 1959, la grabación de sonido estereofónico se utilizaba plenamente en los principales sellos discográficos. Uno de los grandes triunfos del álbum Standards in Silhouette es la escritura madura, la combinación de la sala utilizada, un grupo en vivo con muy pocas sobregrabaciones y la grabación en total fidelidad estéreo (y luego remasterizada a digital). [22] Bill Mathieu se mostró muy escéptico ante la decisión de grabar su música como Cuban Fire! en un salón de baile cavernoso. Mathieu añade: "Stan y el productor Lee Gillette tenían toda la razón: la banda suena viva y despierta (lo cual no es fácil cuando se graban muchas horas de música a ritmo lento en un estudio) y, lo más importante, los músicos podían oírse bien a sí mismos en el sala en vivo. El resultado final es que la banda suena fuerte y cohesiva, y el álbum está bien grabado". [23] Este es el último conjunto de fechas de estudio antes de que Kenton reestructurara toda la orquesta en 1960.
La orquesta de Kenton había experimentado un lento declive en ventas y popularidad a finales de la década de 1950 al tener que competir con artistas de música popular más nuevos como Elvis Presley , Bobby Darin y The Platters . El punto más bajo de esta caída se produjo alrededor de 1958 y coincidió con una recesión que afectaba a todo el país. [2] Había muchas menos bandas grandes en la carretera y era difícil reservar lugares de música en vivo para la orquesta de Kenton. La banda terminaría 1959 golpeada por la escasa asistencia a los conciertos y teniendo que recurrir mucho más a las salas de baile que a los verdaderos conciertos de jazz. [23] La banda se reformaría en 1960 con una nueva apariencia, un nuevo sonido, un grupo más grande con una sección de ' melofonio ' agregada y un aumento en la popularidad de Kenton. [2] [23]
Kenton utilizó el nuevo instrumento para "cerrar la brecha" en rango, color y tonalidad entre sus secciones de trompeta y trombón. Básicamente, crea un sonido cónico de rango medio que es común en un entorno sinfónico con una trompa ( trompa ), pero la campana del instrumento mira hacia adelante. La grabación de Kenton de 1961, The Romantic Approach for Capitol , es el primero de 11 LP que incluirían a la " banda de mellophonium ". Kenton arregló él mismo todo el primer álbum de melofonio y fue muy bien recibido en una reseña de septiembre de 1961 en Down Beat . [24]
Me encantaba tocar la música de Johnny , y también a Stan. West Side Story fue probablemente el álbum más difícil que jamás grabé...
-Jerry McKenzie [23]
La Kenton Orchestra de 1960 a 1963 obtuvo numerosos éxitos; La banda tenía una agenda de grabación implacable. Los álbumes Kenton's West Side Story (arreglos de Johnny Richards ) y Adventures In Jazz ganaron premios Grammy en 1962 y 1963 respectivamente. Ralph Carmichael escribió un magnífico conjunto de listas navideñas para Kenton que se tradujeron en una de las grabaciones más populares del líder de la banda hasta la fecha: ¡Feliz Navidad! . Además, la suite Adventures in Time de Johnny Richards (grabada en 1962) fue la culminación de todo lo que la banda de melofonio era capaz de hacer. [2] [25] Después de que la gira de otoño de 1963 por Estados Unidos y el Reino Unido terminara en noviembre, se realizó la encarnación del melofonio de las bandas de Kenton. Las condiciones del divorcio de Stan de la cantante de jazz Ann Richards fueron que un juez ordenó a Stan tomarse un año de ausencia para ayudar a criar a sus dos hijos o perder la custodia por completo. [26] Kenton no reformaría otra banda de gira para una gira hasta 1965.
Kenton tenía vínculos con la escritura anterior de canciones country/western que fueron un éxito con Capitol y nuevamente probó suerte en ese género a principios de la década de 1960. En un mercado musical cada vez más ajustado, en 1962 grabó el exitoso sencillo " Mama Sang a Song "; su último Top-40 ( N° 32 Billboard , N°22 Music Vendor). La canción fue una narración escrita por el cantante de country Bill Anderson y hablada por Kenton. El sencillo también recibió una nominación al Grammy al año siguiente en la categoría de Mejor Documental o Grabación de Palabras Habladas. ¡El otro intento que hizo en ese mercado fue el mucho menos exitoso Stan Kenton! ¡Tex Ritter! , lanzado en 1962 como LP completo.
Después de la disolución de la banda de mellophonium , Kenton / Wagner (1964) fue un importante proyecto discográfico que el propio Kenton arregló, avanzando nuevamente hacia el "jazz progresivo" o música de tercera corriente . Este álbum no fue un éxito financiero, pero mantuvo a Kenton a la vanguardia de la interpretación de la "música artística" en el mundo de la música comercial. Stan Kenton dirige la Orquesta Neofónica de Los Ángeles (1965) fue un éxito artístico que le valió otra nominación al Grammy para el líder de la banda. Durante este tiempo, Kenton también coescribió el tema musical de la breve serie de televisión de NBC Mister Roberts (1965-1966).
Los lanzamientos de Stan Kenton en Capitol de 1966-1969 fueron un punto bajo para su carrera discográfica. El productor de Capitol, Lee Gillette, estaba tratando de explotar las posibilidades de hacer dinero de numerosos éxitos populares para incluir el musical Hair de 1968, que incluía música rock contemporánea . [2] Debido a la falta de promoción por parte de Capitol , cuatro LP fueron fracasos financieros; Estos serían los últimos lanzamientos de Kenton bajo los auspicios del productor de Kenton, Lee Gillette y Capitol . [2] De hecho, en el momento en que se grabó, Kenton no tenía ninguna participación en el LP Hair , excepto el nombre de Kenton colocado en la portada; Ralph Carmichael y Lennie Niehaus quedaron a cargo del proyecto. Dos excepciones a este período de finales de la década de 1960 son el sencillo de Billboard, la versión de la banda del tema Dragnet (1967) y otro lanzamiento de Kenton presenta la música del compositor y ex miembro de la banda Dee Barton : The Jazz Compositions of Dee Barton (1967). El álbum con la música de Barton fue otro éxito artístico no reconocido para la banda de Kenton, aunque no fue visto comercialmente por el público que escucha música. [2]
La transición de Capitol a Creative World Records en 1970 estuvo plagada de dificultades en una época en la que el negocio de la música estaba cambiando rápidamente. Como artista de jazz viable que intentaba mantener un público leal pero cada vez menor, Kenton recurrió a arreglistas como Hank Levy y Bob Curnow para escribir material que atrajera a un público más joven. [2] Los primeros lanzamientos para el sello Creative World fueron conciertos en vivo y Kenton tenía el control que quería sobre el contenido, pero carecía de recursos sustanciales para diseñar, mezclar y promover lo que Capitol financió en el pasado. Kenton haría un gran riesgo para evitar la industria discográfica actual y confiar mucho más en las listas de correo directo de fanáticos del jazz que el recién formado sello Creative World necesitaría para vender discos. [27] Kenton también puso su música impresa a disposición de bandas de teatro de universidades y escuelas secundarias con varias editoriales. Kenton continuó liderando y haciendo giras con su big band hasta su última actuación el 20 de agosto de 1978, cuando disolvió el grupo debido a su mala salud. [28]
En junio de 1973, Bob Curnow comenzó como nuevo artista y director de repertorio, supervisando todo el funcionamiento de Creative World Records. [29] Fue justo el año anterior (en 1972) que la orquesta de Kenton grabó el LP doble National Anthems of the World con 40 arreglos, todos realizados por Curnow. [30] Según el propio Curnow:
"Ese fue un momento notable y muy difícil para mí. Estaba administrando la compañía discográfica (de Stan) sin ninguna experiencia en el negocio, escribiendo música como un loco, viviendo en un lugar y una cultura nuevos ( Los Ángeles era otro mundo), viajando MUCHO ( salgo con la banda al menos una semana al mes) y trato de mantenerlo unido en casa".
—Bob Curnow (2013) [31]
Cuando Kenton salió de gira a principios de la década de 1970 (una en Londres en 1972) y hasta su última gira, llevó consigo a músicos veteranos (John Worster, Willie Maiden, Warren Gale, Graham Ellis y otros) formando equipo con ellos. Se utilizaron artistas jóvenes relativamente desconocidos y nuevos arreglos (incluidos los de Hank Levy , Bill Holman , Bob Curnow , Willie Maiden y Ken Hanna). Muchos ex alumnos asociados con Kenton de esta época se convirtieron en educadores (Mike Vax, John Von Ohlen, Chuck Carter, Lisa Hittle y Richard Torres), y algunos llevaron sus carreras musicales al siguiente nivel, [se necesita aclaración ] como Peter Erskine , Douglas Purviance y Tim Hagans . [ cita necesaria ]
Kenton fue una figura destacada en la escena musical estadounidense y dejó una huella indeleble en la forma arreglada de big band jazz. La música de Kenton evolucionó con los tiempos desde 1940 hasta la década de 1970. Estuvo a la vanguardia de la promoción del jazz y la improvisación del jazz a través de su servicio como educador a través de sus Clínicas Stan Kenton Band . El "estilo Kenton" sigue impregnando las grandes bandas de nivel secundario y universitario, y el marco que diseñó para la " clínica de jazz " todavía se utiliza ampliamente en la actualidad.
A partir de los últimos días de la era de las big band, Kenton encontró una multitud de formas de progresar en su forma de arte. En sus manos el tamaño de la orquesta de jazz creció enormemente, superando en ocasiones los cuarenta músicos. El rango de frecuencia (notas altas y bajas) también se incrementó con el uso de trombones bajos y tubas, y saxofones barítonos y bajos. El rango dinámico fue empujado en ambos extremos; la banda podía tocar más suave y más fuerte que cualquier otra big band. Kenton fue el principal líder de la banda responsable de trasladar la big band del salón de baile a la sala de conciertos; uno de los actores más importantes y exitosos del movimiento de la Tercera Corriente .
El interés por su música ha experimentado un cierto resurgimiento, con un "redescubrimiento" crítico de su música y muchas reediciones de sus grabaciones. Una banda de ex alumnos que lleva su nombre realiza giras, dirigida por el trompetista principal Mike Vax, que interpreta no solo arreglos clásicos de Kenton, sino también música nueva escrita e interpretada por los miembros de la banda (muy parecida a los propios grupos de Kenton). Kenton donó toda su biblioteca a la biblioteca de música de la Universidad Estatal del Norte de Texas [32] (ahora la Universidad del Norte de Texas ), y el Stan Kenton Jazz Recital Hall recibió su nombre en su honor, aunque recientemente se cambió debido a preocupaciones sobre su historia. de conducta sexual inapropiada. Sus arreglos ahora son publicados por Sierra Music Publications. [33]
En comparación con las cuatro orquestas de jazz en gira más antiguas (Stan Kenton, Woody Herman , Count Basie y Duke Ellington ), la banda de Kenton tuvo la mayor rotación de personal: Bob Gioga, Buddy Childers y Dick Shearer se encuentran entre los pocos que tocaron. para Kenton durante más de una década. Otros solistas importantes como Lennie Niehaus , Bill Perkins y Chico Alvarez también tuvieron largas estancias en la banda. La lista completa de músicos de jazz, músicos de estudio y otros destacados. quien cumplió un período es en sí mismo impresionante, al igual que la consistencia del grupo como empresa en funcionamiento desde 1941 hasta la década del fallecimiento de Kenton (en 1979). El liderazgo y la visión musical de Kenton reunieron las numerosas fuerzas de un conjunto diverso de intérpretes y arreglistas en evolución y transitorio durante casi cuatro décadas; Kenton está solo en ese respeto.
Kenton nació el 15 de diciembre de 1911, según su certificado de nacimiento, según el biógrafo británico Michael Sparke. [21]
Kenton fue concebido fuera del matrimonio y sus padres le dijeron que nació el 19 de febrero de 1912, dos meses después de la fecha real, para ocultar este hecho. Kenton creyó hasta bien entrada la edad adulta que la fecha de febrero era su cumpleaños y grabó el álbum del concierto Birthday In Britain el 19 de febrero de 1973. [34]
La verdadera fecha sigue siendo un secreto muy bien guardado, y su lápida muestra la fecha de nacimiento incorrecta en febrero. [21]
Kenton estuvo casado tres veces. De los dos primeros matrimonios nacieron tres hijos. Su primer matrimonio fue con Violet Rhoda Peters en 1935 y duró 15 años. La pareja tuvo una hija en 1941, Leslie . En sus memorias de 2010 Love Affair , Leslie Kenton escribió que, de 1952 a 1954, cuando tenía entre 11 y 13 años, su padre abusó sexualmente de ella. [35] Ella, no obstante, mantuvo una relación cercana con él durante su vida, aunque afirma que la experiencia la marcó emocionalmente. [36] [37] [38] [39] Dijo que los incidentes ocurrieron bajo la influencia del alcohol; no era plenamente consciente de sus acciones. 20 años después se disculpó profusamente. [40] [36] [37]
En 1955, Stan Kenton se casó con la cantante Ann Richards, nacida en San Diego , que era 23 años menor que él. La relación produjo dos hijos: su hija Dana Lynn y su hijo Lance. En 1961, Richards posó para un diseño desnudo en la edición de junio de 1961 de la revista Playboy . [41] Firmó un contrato para grabar con Atco Records , sin el conocimiento de su marido. [42] La sesión fotográfica de Playboy se realizó sin el conocimiento de Kenton; se enteró mientras tocaba en el Aragon Ballroom de Chicago cuando Charles Suter, quien era el editor de la revista Down Beat en ese momento, le entregó la revista . [43] Richards no solía estar de gira con la banda, aunque había grabado el álbum Two Much! con Kenton en 1960. Richards solicitó el divorcio en agosto de 1961; [44] se finalizó en 1962. Conservaría la custodia de sus dos hijos. [45] [2]
El tercer matrimonio de Kenton fue con la asistente de producción de KABC, Jo Ann Hill, en 1967. Esto también terminó en una separación en 1969 y el divorcio se produjo en 1970. [2]
En sus últimos años vivió con su secretaria de relaciones públicas y última gerente comercial, Audree Coke Kenton, aunque nunca se casaron formalmente. [ cita necesaria ]
El elevado consumo de alcohol de Kenton contribuyó a los frecuentes accidentes y a las dificultades físicas que enfrentó durante los últimos 10 años de su vida. [46] [40]
El hijo de Kenton, Lance, se convirtió en miembro de la controvertida comunidad de la nueva era Synanon en California y sirvió como uno de sus "Marines Imperiales", un grupo encargado de cometer violencia contra antiguos miembros y otros considerados enemigos de la comunidad. En 1978 fue arrestado por ayudar a poner una serpiente de cascabel en el buzón de un abogado contrario a Synanon y condenado a un año de prisión. [47] [48]
Kenton tuvo dos caídas accidentales graves, una a principios de la década de 1970 y otra en mayo de 1977, mientras estaba de gira en Reading, Pensilvania , [49] la segunda de las cuales le fracturó el cráneo. Los últimos dos años de su vida se volvieron mucho más desafiantes físicamente para Kenton debido a los efectos de estos dos accidentes.
El 17 de agosto de 1979 ingresó en el Hospital Midway cerca de su casa en Los Ángeles después de un derrame cerebral; Murió ocho días después, el 25 de agosto. Al momento de su muerte tenía tres nietos. Kenton fue enterrado en el cementerio Westwood Village Memorial Park, Los Ángeles. [47] [3]
Discos de oro
(Canciones que alcanzaron la cima de las listas de EE. UU. o Reino Unido)
Entre 1944 y 1967, Stan Kenton obtuvo numerosos éxitos en las listas de Billboard. [50]
(Álbumes que marcan la historia con la revista Billboard)
Salón de la fama de los Grammy
Premios EMPixx – Premio Platino en la Categoría Documental/Premio Platino en la Categoría Uso de Música.
Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos
Las composiciones de Stan Kenton incluyen "Artistry in Rhythm", lanzado como V-Disc No. 285B, "Opus in Pastels", "Artistry Jumps", "Reed Rapture", "Eager Beaver", lanzado en V-Disc 285B, "Fantasy" , "Southern Scandal", que se lanzó como V-Disc No. 573B, "Monotony", lanzado como V-Disc No. 854B, en 1948, con una introducción hablada de Kenton, "Harlem Folk Dance", "Painted Rhythm" , "Concierto para poner fin a todos los conciertos", "Easy Go", "Concierto para Doghouse", "Shelly Manne", "Balboa Bash", "Flamenco" y "Sunset Tower". [58]
Muchas composiciones son colaboraciones entre Stan Kenton y Pete Rugolo, como "Artistry in Boogie", "Collaboration" y "Theme to the West". Kenton fue acreditado como coautor del clásico de jazz de 1944 " And Her Tears Flowed Like Wine ".
Muchos de los arreglos de la banda Kenton han sido populares entre los grupos de tambores , donde la dinámica contrastante y la exigente interpretación de los metales se adaptan particularmente a la naturaleza competitiva de la actividad. [59] De particular interés son la interpretación de Malagueña ganadora del campeonato de los Madison Scouts en 1988, el repertorio de Suncoast Sound de 1986 basado en Adventures in Time y la suite de 1992 de Blue Devils Drum and Bugle Corps de Cuban Fire .
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