Sarah Lois Vaughan ( / v ɔː n / , 27 de marzo de 1924 - 3 de abril de 1990) fue una cantante y pianista de jazz estadounidense. Apodada "Sassy" y " The Divine One ", [1] ganó dos premios Grammy , incluido el Lifetime Achievement Award, y fue nominada a un total de nueve premios Grammy. [2] Recibió un premio NEA Jazz Masters en 1989. [3] El crítico Scott Yanow escribió que tenía "una de las voces más maravillosas del siglo XX". [4]
Vaughan nació en Newark, Nueva Jersey , de Asbury "Jake" Vaughan, un carpintero de profesión que tocaba la guitarra y el piano, y de Ada Vaughan, una lavandera que cantaba en el coro de la iglesia, inmigrantes de Virginia. [5] [6] Los Vaughan vivieron en una casa en Brunswick Street en Newark durante toda la infancia de Vaughan. [6] Jake era profundamente religioso. La familia participaba activamente en la Iglesia Bautista New Mount Zion en 186 Thomas Street. Vaughan comenzó a recibir lecciones de piano a la edad de siete años, cantó en el coro de la iglesia y tocó el piano en ensayos y servicios. Sarah y su familia eran todos demócratas registrados . [7]
Desarrolló un temprano amor por la música popular. En la década de 1930, veía con frecuencia bandas locales y de gira en la pista de patinaje de Montgomery Street. [6] A mediados de su adolescencia, se aventuró ilegalmente en los clubes nocturnos de Newark y actuó como pianista y cantante en el Piccadilly Club y en el aeropuerto de Newark .
Vaughan asistió a East Side High School , luego se transfirió a Newark Arts High School , [6] que abrió sus puertas en 1931. Cuando sus aventuras nocturnas como intérprete superaron sus actividades académicas, abandonó la escuela secundaria durante su tercer año para concentrarse más plenamente en su música.
Vaughan iba acompañada frecuentemente por una amiga, Doris Robinson, en sus viajes a la ciudad de Nueva York. En el otoño de 1942, cuando tenía 18 años, Vaughan sugirió que Robinson participara en el concurso Noche de aficionados del Teatro Apollo . Vaughan tocó el piano como acompañamiento de Robinson, quien ganó el segundo premio. Más tarde, Vaughan decidió regresar y competir como cantante. Cantó " Body and Soul " y ganó, aunque la fecha de esta actuación victoriosa es incierta. El premio, como Vaughan le recordó a Marian McPartland , era de 10 dólares y la promesa de una estancia de una semana en el Apollo. El 20 de noviembre de 1942 regresó al Apollo para abrir para Ella Fitzgerald . [8]
Durante su semana de actuaciones en el Apollo, Vaughan conoció al director de banda y pianista Earl Hines , aunque los detalles de esa presentación son controvertidos. Vaughan y otros le atribuyen a Billy Eckstine , el cantante de Hines en ese momento, haberla escuchado en el Apollo y haberla recomendado a Hines. Hines afirmó más tarde haberla descubierto él mismo y le ofreció un trabajo en el acto. Después de una breve prueba en el Apollo, Hines reemplazó a su cantante con Vaughan el 4 de abril de 1943. [6]
Vaughan pasó el resto de 1943 y parte de 1944 recorriendo el país con la big band de Earl Hines, en la que participaba Billy Eckstine . Fue contratada como pianista para que Hines pudiera contratarla bajo la jurisdicción del sindicato de músicos ( American Federation of Musicians ) en lugar del sindicato de cantantes ( American Guild of Variety Artists ). Pero después de que Cliff Smalls se uniera a la banda como trombonista y pianista, sus funciones se limitaron a cantar. La banda de Earl Hines en este período es recordada como una incubadora del bebop , ya que incluía al trompetista Dizzy Gillespie , al saxofonista Charlie Parker (que tocaba el saxofón tenor en lugar del alto) y el trombonista Bennie Green . Gillespie hizo los arreglos para la banda, aunque la prohibición de grabación contemporánea por parte del sindicato de músicos significó que no existen grabaciones comerciales.
Eckstine dejó la banda de Hines a finales de 1943 y formó una gran banda con Gillespie, dejando a Hines como director musical de la banda. Parker se unió a Eckstine y, durante los años siguientes, la banda incluyó a Gene Ammons , Art Blakey , Miles Davis , Kenny Dorham , Dexter Gordon y Lucky Thompson . Vaughan aceptó la invitación de Eckstine para unirse a su banda en 1944, dándole la oportunidad de grabar por primera vez el 5 de diciembre de 1944, la canción "I'll Wait and Pray" para De Luxe . El crítico y productor Leonard Feather le pidió que grabara ese mismo mes para Continental con un septeto que incluía a Dizzy Gillespie y Georgie Auld . Dejó la banda de Eckstine a finales de 1944 para seguir una carrera en solitario, aunque permaneció cerca de Eckstine y grabó con él frecuentemente.
Al pianista John Malachi se le atribuye haberle dado a Vaughan el apodo de "Sassy", un apodo que coincidía con su personalidad. A ella le gustó, y el nombre y su variante abreviada "Sass" quedaron grabados en los colegas y en la prensa. En las comunicaciones escritas, Vaughan solía escribirlo "Sassie".
Vaughan comenzó su carrera en solitario en 1945 trabajando independientemente en la calle 52 de la ciudad de Nueva York en Three Deuces, Famous Door, Downbeat y Onyx Club . Pasó un tiempo en Braddock Grill junto al Teatro Apollo en Harlem. El 11 de mayo de 1945 grabó " Lover Man " para Guild con un quinteto con Gillespie y Parker con Al Haig al piano, Curly Russell al contrabajo y Sid Catlett a la batería. Más tarde ese mes, entró al estudio con una formación de Gillespie / Parker ligeramente diferente y más grande y grabó tres caras más.
Después de ser invitada por el violinista Stuff Smith a grabar la canción "Time and Again" en octubre de 1945, el propietario Albert Marx le ofreció a Vaughan un contrato para grabar para Musicraft , aunque no comenzaría a grabar como líder de Musicraft hasta el 7 de mayo de 1946. Mientras tanto, grabó para Crown y Gotham y comenzó a actuar regularmente en Café Society Downtown, un club integrado en Sheridan Square de Nueva York .
Mientras estaba en Café Society, Vaughan se hizo amiga del trompetista George Treadwell , quien se convirtió en su manager. Ella delegó en él la mayor parte de las responsabilidades de dirección musical de sus sesiones de grabación, lo que le permitió concentrarse en el canto. Durante los años siguientes, Treadwell realizó cambios en la apariencia escénica de Vaughan. Además de un nuevo vestuario y peinado, le taparon los dientes , eliminando un espacio entre sus dos dientes frontales.
Sus grabaciones para Musicraft incluyeron " If You Could See Me Now " (escrita y arreglada por Tadd Dameron ), " Don't Blame Me ", " I've Got a Crush on You ", " Everything I Have Is Yours" y "Everything I Have Is Yours " y " Cuerpo y alma ". Con la relación profesional de Vaughan y Treadwell sobre una base sólida, la pareja se casó el 16 de septiembre de 1946.
En 1947, Vaughan actuó en el tercer concierto Cavalcade of Jazz celebrado en Wrigley Field en Los Ángeles y que fue producido por Leon Hefflin, Sr. el 7 de septiembre de 1947. The Valdez Orchestra , The Blenders, T-Bone Walker , Slim Gaillard , The Ese mismo día también actuaron Honeydrippers , Johnny Otis y su orquesta , Woody Herman y los Three Blazers . [9]
El éxito discográfico de Vaughan para Musicraft continuó durante 1947 y 1948. Su grabación de " Tenderly " (estaba orgullosa de ser la primera en haber grabado ese estándar de jazz [10] ) se convirtió en un éxito pop inesperado a finales de 1947. Su 27 de diciembre de 1947, La grabación de " It's Magic " (de la película Romance on the High Seas de Doris Day ) tuvo éxito en las listas a principios de 1948. Su grabación de " Nature Boy " del 8 de abril de 1948 se convirtió en un éxito en la época en que se publicó la popular versión de Nat King Cole. fue lanzado. Debido a una segunda prohibición de grabación por parte del sindicato de músicos, "Nature Boy" se grabó con un coro a capella .
La prohibición del sindicato de músicos llevó a Musicraft al borde de la quiebra. Vaughan aprovechó los pagos de regalías atrasados como una oportunidad para firmar con el sello discográfico más grande de Columbia . Después de resolver los problemas legales, sus éxitos en las listas continuaron con " Black Coffee " en el verano de 1949. Mientras estuvo en Columbia hasta 1953, se dedicó casi exclusivamente a baladas pop comerciales, varias de las cuales tuvieron éxito en las listas: " That Lucky Old Sun". ", "Haz creer (te alegras cuando lo sientes)", "Estoy loco por amarte", "Nuestro propio", "Amo al chico", "Pensando en ti" (con el pianista Bud Powell ), " Lloré por ti ", "Estas cosas te ofrezco", "Vanidad", "Corrí todo el camino a casa", "Santo o pecador", "Mi corazón atormentado" y "El tiempo".
Ganó el premio New Star de la revista Esquire en 1947, premios de la revista Down Beat de 1947 a 1952 y de la revista Metronome de 1948 a 1953. La grabación y el éxito de la crítica dieron lugar a oportunidades de actuación, con Vaughan cantando ante grandes multitudes en clubes de todo el país durante finales de los años cuarenta y principios de los cincuenta. En el verano de 1949, hizo su primera aparición con una orquesta sinfónica en un concierto benéfico para la Orquesta de Filadelfia titulado "100 hombres y una niña". Por esta época, el disc jockey de Chicago Dave Garroway acuñó un segundo apodo para ella, "The Divine One", que la seguiría a lo largo de su carrera. Una de sus primeras apariciones en televisión fue en el programa de variedades de DuMont Stars on Parade (1953-1954), en el que cantó " My Funny Valentine " y "Linger A while".
En 1949, con sus finanzas mejorando, Vaughan y Treadwell compraron una casa de tres pisos en 21 Avon Avenue en Newark, ocupando el piso superior durante sus horas libres cada vez más raras en casa y trasladando a los padres de Vaughan a los dos pisos inferiores. Sin embargo, las presiones comerciales y los conflictos de personalidad llevaron a un enfriamiento en la relación de Treadwell y Vaughan. Treadwell contrató a un administrador de carreteras para que se ocupara de sus necesidades de gira y abrió una oficina de administración en Manhattan para poder trabajar con otros clientes.
La relación de Vaughan con Columbia se agrió cuando ella quedó insatisfecha con el material comercial y su mediocre éxito financiero. Hizo algunas grabaciones para grupos pequeños en 1950 con Miles Davis y Bennie Green, pero fueron atípicas de lo que grabó para Columbia.
En 1949, Vaughan tenía un programa de radio, Songs by Sarah Vaughan , en WMGM en la ciudad de Nueva York. Los programas de 15 minutos se transmitieron por las noches de miércoles a domingo desde The Clique Club, descrito como "el encuentro de la multitud del bebop". [11] Estuvo acompañada por George Shearing al piano, Oscar Pettiford al contrabajo y Kenny Clarke a la batería. [11]
En 1953, Treadwell negoció un contrato para Vaughan con Mercury en el que grabaría material comercial para Mercury y material orientado al jazz para su filial, EmArcy . Fue emparejada con el productor Bob Shad , y su relación laboral produjo éxito comercial y artístico. Su primera sesión de grabación en Mercury tuvo lugar en febrero de 1954. Permaneció con Mercury hasta 1959. Después de grabar para Roulette de 1960 a 1963, regresó a Mercury de 1964 a 1967.
Su éxito comercial en Mercury comenzó con el éxito de 1954 "Make Yourself Cómodo", grabado en el otoño de 1954, y continuó con " How Importante Can It Be " (con Count Basie ), " Whatever Lola Wants ", " The Banana Boat Song". ", "Deberías tener una esposa" y " Misty ". Su éxito comercial alcanzó su punto máximo en 1959 con " Broken Hearted Melody ", una canción que consideraba "cursi" que, sin embargo, se convirtió en su primer disco de oro, [12] y en una parte habitual de su repertorio de conciertos en los años venideros. Vaughan se reunió con Billy Eckstine para una serie de grabaciones a dúo en 1957 que produjeron el éxito " Passing Strangers ". Sus grabaciones comerciales estuvieron a cargo de varios arreglistas y directores, principalmente Hugo Peretti y Hal Mooney .
La "pista" de jazz de su carrera discográfica avanzó rápidamente, respaldada por su trío de trabajo o por combinaciones de músicos de jazz. Uno de sus álbumes favoritos fue un sexteto de 1954 que incluía a Clifford Brown .
En la segunda mitad de la década de 1950, siguió un calendario de giras casi ininterrumpidas. Apareció en el primer Festival de Jazz de Newport en el verano de 1954 y protagonizó ediciones posteriores de ese festival en Newport y en la ciudad de Nueva York durante el resto de su vida. En el otoño de 1954, actuó en el Carnegie Hall con la Count Basie Orchestra en un cartel que también incluía a Billie Holiday , Charlie Parker, Lester Young y el Modern Jazz Quartet . Ese otoño, volvió a realizar una gira por Europa antes de embarcarse en una gira "Big Show" por Estados Unidos, una sucesión de actuaciones que incluyeron a Count Basie , George Shearing, Erroll Garner y Jimmy Rushing . En el Festival de Jazz de Nueva York de 1955 en Randalls Island , Vaughan compartió cartel con el cuarteto de Dave Brubeck , Horace Silver , Jimmy Smith y la orquesta Johnny Richards .
Aunque la relación profesional entre Vaughan y Treadwell fue bastante exitosa durante la década de 1950, su relación personal finalmente llegó a un punto de ruptura y ella solicitó el divorcio en 1958. Vaughan había delegado por completo los asuntos financieros a Treadwell y, a pesar de las importantes cifras de ingresos reportadas durante la década de 1950, , en el acuerdo, Treadwell dijo que sólo quedaban 16.000 dólares. La pareja dividió en partes iguales la cantidad y sus bienes personales, poniendo fin a su relación comercial.
Hizo su debut en el Reino Unido en 1958 el domingo por la noche en el London Palladium con varias canciones, entre ellas "Who's Got the Last Laugh Now". [13]
La salida de Treadwell de la vida de Vaughan fue precipitada por la entrada de Clyde "CB" Atkins, un hombre de origen incierto a quien conoció en Chicago y con quien se casó el 4 de septiembre de 1958. [14] Aunque Atkins no tenía experiencia en gestión de artistas o música, Vaughan deseaba tener una relación mixta profesional y personal como la que tenía con Treadwell. Nombró a Atkins su manager, aunque todavía sentía el dolor de los problemas que tenía con Treadwell e inicialmente vigiló más de cerca a Atkins. Vaughan y Atkins se mudaron a una casa en Englewood, Nueva Jersey . [6]
Cuando el contrato de Vaughan con Mercury terminó a finales de 1959, firmó con Roulette, un pequeño sello propiedad de Morris Levy , quien era uno de los patrocinadores de Birdland , donde aparecía con frecuencia. Comenzó a grabar para Roulette en abril de 1960, haciendo una serie de álbumes de gran tamaño arreglados o dirigidos por Billy May , Jimmy Jones , Joe Reisman , Quincy Jones , Benny Carter , Lalo Schifrin y Gerald Wilson . Tuvo éxito en las listas de éxitos en 1960 con "Serenata" en Roulette y "Eternally" y "You're My Baby", un par de temas residuales de su contrato con Mercury. Grabó After Hours (1961) con el guitarrista Mundell Lowe y el contrabajista George Duvivier y Sarah + 2 (1962) con el guitarrista Barney Kessel y el contrabajista Joe Comfort .
En 1961, Vaughan y Atkins adoptaron una hija, Deborah Lois Atkins, conocida profesionalmente como Paris Vaughan. Sin embargo, la relación con Atkins resultó difícil y violenta. Después de varios incidentes, solicitó el divorcio en noviembre de 1963. Recurrió a dos amigos para que la ayudaran a resolver los asuntos financieros del matrimonio. El propietario del club, John "Preacher" Wells, un conocido de la infancia, y Clyde "Pumpkin" Golden Jr. descubrieron que el juego y los gastos de Atkins habían endeudado a Vaughan alrededor de 150.000 dólares. La casa de Englewood fue confiscada por el IRS por falta de pago de impuestos. Vaughan retuvo la custodia de su hijo y Golden tomó el lugar de Atkins como representante y amante de Vaughan durante el resto de la década.
Cuando terminó su contrato con Roulette en 1963, Vaughan regresó a los confines más familiares de Mercury. En el verano de 1963, viajó a Dinamarca con el productor Quincy Jones para grabar Sassy Swings the Tivoli , un álbum de actuaciones en directo con su trío. Durante el año siguiente, hizo su primera aparición en la Casa Blanca para el presidente Lyndon Johnson y luego bailó con el presidente. [15] La grabación de Tivoli sería el momento más brillante de su segunda etapa con Mercury. Los cambios demográficos y de gustos en la década de 1960 dejaron a los músicos de jazz con audiencias cada vez más reducidas y material inapropiado. Aunque conservó un número de seguidores lo suficientemente grande y leal como para mantener su carrera, la calidad y cantidad de su producción grabada disminuyó a medida que su voz se oscureció y su habilidad permaneció intacta. Al concluir su contrato con Mercury en 1967, carecía de contrato discográfico para el resto de la década.
En 1971, en el Tropicana de Las Vegas, Marshall Fisher era empleado de un puesto de comida y fanático cuando le presentaron a Sarah Vaughan. Se sintieron atraídos el uno por el otro de inmediato. Fisher se mudó con ella a Los Ángeles. Aunque era blanco y siete años mayor, se llevaba bien con sus amigos y familiares. Aunque no tenía experiencia en el negocio de la música, se convirtió en su road manager y luego en su manager personal. Pero a diferencia de otros hombres y gerentes, Fisher se dedicó a ella y administró meticulosamente su carrera y la trató bien. Le escribió poemas de amor. [8] : 277
En 1971, Bob Shad , que había trabajado con ella como productor en Mercury, le pidió que grabara para su sello, Mainstream , que había fundado tras dejar Mercury. Rompiendo una pausa de cuatro años, Vaughan firmó un contrato con Mainstream y regresó al estudio para A Time in My Life , un paso del jazz a la música pop con canciones de Bob Dylan , John Lennon y Marvin Gaye arregladas por Ernie Wilkins . No se quejó de este ecléctico cambio de dirección, pero eligió el material para su próximo álbum después de admirar el trabajo de Michel Legrand . Dirigió una orquesta de más de cien músicos para Sarah Vaughan con Michel Legrand , un álbum de composiciones de Legrand con letras de Alan y Marilyn Bergman . Las canciones hicieron llorar a algunos de los músicos durante las sesiones. Pero Shad quería un éxito y el álbum no dio ninguno. [8] : 278–280 Cantó una versión del éxito pop " Rainy Days and Mondays " de los Carpenters para Feelin' Good . [8] : 283 A esto le siguió Live in Japan , su primer álbum en vivo desde 1963. [8] : 293 Sarah Vaughan and the Jimmy Rowles Quintet (1974) fue más experimental, conteniendo improvisación libre y algo de scatting poco convencional. [8] : 294
Send in the Clowns fue otro intento de aumentar las ventas irrumpiendo en el mercado de la música pop. A Vaughan no le gustaban las canciones y odiaba la portada del álbum que mostraba a un payaso con afro. Presentó una demanda contra Shad en 1975 por considerar que la portada no concordaba con la imagen formal y sofisticada que proyectaba en el escenario. También sostuvo que el álbum Sarah Vaughan: Live at the Holiday Inn Lesotho tenía un título incorrecto y que Shad había estado dañando su carrera. [8] : 295–296 Aunque no le gustó el álbum, le gustó la canción " Send in the Clowns " escrita por Stephen Sondheim para el musical A Little Night Music . La aprendió en el piano, hizo muchos cambios con la ayuda del pianista Carl Schroeder y se convirtió en su canción distintiva. [8] : 300–305
En 1974, interpretó música de George Gershwin en el Hollywood Bowl con la Filarmónica de Los Ángeles . La orquesta estaba dirigida por Michael Tilson Thomas , quien era fanático de Vaughan y la invitó a actuar. [8] : 306–307 Thomas y Vaughan repitieron la actuación con la orquesta local de Thomas en Buffalo, Nueva York, seguida de apariciones en 1975 y 1976 con otras orquestas sinfónicas en los Estados Unidos. [8] : 310
Después de dejar Mainstream, firmó con Atlantic y trabajó en un álbum de canciones de John Lennon y Paul McCartney arregladas por Marty Paich y su hijo, David Paich de la banda de rock Toto. Estaba entusiasmada por participar más en la realización de un álbum, pero Atlantic lo rechazó alegando que no contenía ningún éxito. "No sé cómo pueden reconocer los golpes de antemano", dijo. Atlantic canceló su contrato. Ella dijo: "Ya me importan un comino las compañías discográficas". [8] : 297
En 1977, el cineasta Thomas Guy siguió a Vaughan de gira para filmar el documental Listen to the Sun. Viajó por toda Sudamérica: Argentina, Colombia, Chile, Ecuador y Perú. Estaba enamorada de Brasil, ya que ésta era su tercera gira por Brasil en seis años. En el documental, llamó a la ciudad de Río "el mejor lugar que creo que he estado en la tierra". El público estaba tan entusiasmado que ella dijo: "No creo que les guste tanto". [8] : 315 Después del rechazo de Atlantic, quiso intentar producir su propio álbum de música brasileña. Le pidió a Aloísio de Oliveira que dirigiera las sesiones y grabó I Love Brazil! con Milton Nascimento , José Roberto Bertrami , Dorival Caymmi y Antonio Carlos Jobim . [8] : 315–316
Tenía un álbum pero ningún sello para lanzarlo, por lo que firmó con Pablo, dirigido por Norman Granz . Conocía a Granz desde 1948, cuando actuó en una de sus giras de Jazz at the Philharmonic. Fue el productor discográfico y manager de Ella Fitzgerald y propietario de Verve . Después de vender Verve, fundó Pablo . Se dedicaba al jazz acústico, convencional y había grabado a Count Basie, Duke Ellington y Clark Terry . En 1978 grabó How Long Has This Been Going On? de Vaughan. , un conjunto de estándares de jazz con los veteranos músicos de jazz Oscar Peterson , Joe Pass , Ray Brown y Louis Bellson . El álbum fue nominado a un premio Grammy. Pablo lanzó ¡Amo Brasil! y también fue nominado al Grammy. [8] : 317–319
En el verano de 1980, recibió una placa en la calle 52, frente al edificio CBS (Black Rock), en conmemoración de los clubes de jazz que alguna vez había frecuentado en "Swing Street" y que hacía mucho tiempo habían sido reemplazados por edificios de oficinas. Una actuación de su programa sinfónico Gershwin con la Sinfónica de Nueva Jersey en 1980 fue transmitida por PBS y le valió un premio Emmy al año siguiente por logros individuales, clase especial. Se reunió en 1982 con Tilson Thomas para una versión modificada del programa de Gershwin, interpretada nuevamente por la Filarmónica de Los Ángeles, pero esta vez en su sala de origen, el Dorothy Chandler Pavilion ; la grabación de CBS del concierto Gershwin Live! Ganó un Grammy a la Mejor Interpretación Vocal de Jazz Femenina .
Tras finalizar su contrato con Pablo en 1982, se comprometió con un número limitado de grabaciones de estudio. Hizo una aparición especial en 1984 en 2:00 AM Paradise Cafe de Barry Manilow , un álbum de composiciones pastiche con músicos de jazz consagrados. En 1984 participó en The Planet is Alive, Let It Live, una pieza sinfónica compuesta por Tito Fontana y Sante Palumbo sobre traducciones al italiano de poemas polacos de Karol Wojtyla, más conocido como el Papa Juan Pablo II . La grabación se realizó en Alemania con una traducción al inglés del escritor Gene Lees y fue lanzada por Lees en su sello privado después de que la grabación fuera rechazada por los principales sellos.
En 1985, Vaughan se volvió a conectar con su público europeo de larga data y en continuo crecimiento durante un concierto de celebración en el Teatro Chatelet de París. Lanzado póstumamente con el sello Justin Time, In the City of Lights es una grabación de dos discos del concierto, que cubre los aspectos más destacados de la carrera de Vaughan mientras captura a una querida cantante en la cima de sus poderes. Gracias en parte al firme apoyo telepático del pianista Frank Collett (quien responde a cada uno de sus desafíos y luego le pide que haga lo mismo), Sarah repite "If You Could See Me Now" de Tad Dameron con un poder poco común, y su respiración afecta una conexión perfecta entre coro y puente. Para el Gershwin Medley, el baterista Harold Jones cambia sus pinceles por baquetas para igualar la energía y contundencia que no cesa hasta el último de muchos bises. El 16 de junio de 1985, Vaughan se presentó en el Playboy Jazz Festival .
En 1986, Vaughan cantó "Happy Talk" y "Bali Ha'i" en el papel de Bloody Mary en una grabación de estudio de Kiri Te Kanawa y José Carreras de la partitura del musical de Broadway South Pacific , mientras estaba sentado en el suelo del estudio. El último álbum de Vaughan fue Romance brasileño , producido por Sérgio Mendes con canciones de Milton Nascimento y Dori Caymmi . Se grabó principalmente a principios de 1987 en Nueva York y Detroit. En 1988, contribuyó con la voz a un álbum de villancicos grabados por el Coro del Tabernáculo Mormón con la Orquesta Sinfónica de Utah y vendidos en las tiendas Hallmark Cards. En 1989, el álbum de Quincy Jones, Back on the Block, incluyó a Vaughan en un breve dúo con Ella Fitzgerald. Esta fue su última grabación de estudio. Fue su única grabación de estudio con Fitzgerald en una carrera que había comenzado 46 años antes como telonero de Fitzgerald en el Apollo.
El vídeo Sarah Vaughan Live from Monterey fue grabado en 1983 o 1984 con su trío y solistas invitados. Sass and Brass fue grabado en 1986 en Nueva Orleans con los invitados Dizzy Gillespie y Maynard Ferguson. Sarah Vaughan: The Divine One fue parte de la serie American Masters en PBS. También en 1986, el Día de la Independencia en un programa televisado a nivel nacional por la PBS actuó con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Mstislav Rostropovich , en un popurrí de canciones compuestas por George Gershwin. [dieciséis]
En 1989, la salud de Vaughan comenzó a deteriorarse, aunque rara vez reveló indicios de ello en sus actuaciones. Canceló una serie de compromisos en Europa en 1989, citando la necesidad de buscar tratamiento para la artritis de la mano, aunque pudo completar una serie de actuaciones en Japón. Durante una actuación en el Blue Note Jazz Club de Nueva York en 1989, le diagnosticaron cáncer de pulmón y estaba demasiado enferma para terminar el último día de lo que resultaría ser su última serie de actuaciones públicas.
Vaughan regresó a su casa en California para comenzar la quimioterapia y pasó sus últimos meses alternando estancias en el hospital y en casa. Se cansó de la lucha y exigió que la llevaran a casa, donde a la edad de 66 años murió la tarde del 3 de abril de 1990, mientras veía Laker Girls , una película para televisión protagonizada por su hija. [17] [18]
Su funeral se llevó a cabo en la Iglesia Bautista Mount Zion en Newark, Nueva Jersey . Después de la ceremonia, un carruaje tirado por caballos transportó su cuerpo al cementerio de Glendale, Bloomfield . [19] [20]
Se han establecido paralelos entre la voz de Vaughan y la de los cantantes de ópera . La cantante de jazz Betty Carter dijo que con entrenamiento Vaughan podría haber "llegado tan lejos como Leontyne Price ". [21] Bob James , director musical de Vaughan en la década de 1960, dijo que "el instrumento estaba ahí. Pero el conocimiento, la legitimidad de todo ese mundo no eran para ella... Pero si el aria estuviera en el alcance de Sarah, ella podría aportar algo a algo que un cantante con formación clásica no podría". [22]
En un capítulo dedicado a Vaughan en su libro Visions of Jazz (2000), el crítico Gary Giddins la describió como la "voz eterna del jazz moderno, de vertiginoso virtuosismo de posguerra, ingenio mordaz y capricho intrépido". [23] Concluyó diciendo que "No importa cuán de cerca analicemos los detalles de su talento... inevitablemente debemos terminar contemplando con asombro silencioso el más fenomenal de sus atributos, el que le fue entregado al nacer, la voz que sucede una vez en la vida, tal vez una vez en varias vidas". [23]
Su voz tenía alas: deliciosa y tensa, disciplinada y matizada, era tan espesa como el coñac, pero se alejaba de los caminos trillados como un solo instrumental... que su voz fuera un músculo de cuatro octavas de infinita flexibilidad la hacía desarmar todo. cuanto más irónico." – Gary Giddins
Su obituario en The New York Times la describió como una "cantante que aportó esplendor operístico a sus interpretaciones de estándares populares y jazz". [1] La cantante de jazz Mel Tormé dijo que tenía "el mejor instrumento vocal de cualquier cantante que trabaje en el campo popular". Su habilidad fue envidiada por Frank Sinatra, quien dijo: "Sassy es tan buena ahora que cuando la escucho quiero cortarme las muñecas con una navaja sin filo". [24] El crítico del New York Times, John S. Wilson, dijo en 1957 que ella poseía "la que bien podría ser la mejor voz jamás aplicada al jazz". [1] Estuvo cerca de su apogeo hasta poco antes de su muerte a la edad de 66 años. Al final de su vida, conservó una "flexibilidad juvenil y un timbre notablemente delicioso" y fue capaz de proyectar pasajes de coloratura descritos como "delicados y resonantes". alto". [1]
Vaughan tenía un amplio rango vocal desde soprano hasta barítono femenino , cuerpo, volumen, variedad de texturas vocales excepcionales y un control vocal excelente y muy personal. Su oído y su sentido del tono eran casi perfectos y no hubo intervalos difíciles. [25]
En sus últimos años, su voz fue descrita como una "contralto bruñida" y, a medida que su voz se hizo más profunda con la edad, se describió que su registro más bajo tenía "tonos de un barítono brusco a una contralto rica y jugosa". [26] Su uso de su registro de contralto se comparó con "sumergir en un pozo profundo y misterioso para sacar un tesoro de riquezas enterradas". [27] El musicólogo Henry Pleasants señaló: "Vaughan, que canta fácilmente hasta un re bajo de contralto, asciende a un do alto [soprano] puro y preciso". [28]
El vibrato de Vaughan fue descrito como "un adorno de tamaño, forma y duración excepcionalmente flexibles", [25] además de "voluptuoso" y "pesado". [1] Vaughan destacó en su capacidad para "deshilachar" o "doblar" notas en los extremos de su rango vocal. [25] En una interpretación de 1972 de " Where Is Love? " de Lionel Bart se observó que "A mitad de la melodía, ella comenzó a torcer la canción, balanceándose desde los increíbles tonos de violonchelo de su registro inferior, elevándose hasta los tenues pianissimos de su blusa." [24]
Sostuvo un micrófono en una actuación en vivo y utilizó su ubicación como parte de su actuación. [25] La ubicación del micrófono le permitió complementar su volumen y textura vocal, a menudo sosteniendo el micrófono con el brazo extendido y moviéndolo para alterar su volumen. [25]
Con frecuencia usaba la canción " Send in the Clowns " para demostrar sus habilidades vocales en presentaciones en vivo. La actuación fue calificada por The New York Times como un "tour de force de tres octavas de pirotecnia semi-improvisada en la que los lados jazz, pop y operístico de su personalidad musical se unieron y encontraron completa expresión" . [1]
Los cantantes influenciados por Vaughan incluyen a Phoebe Snow , Anita Baker , Sade y Rickie Lee Jones . [1] Las cantantes Carmen McRae y Dianne Reeves grabaron álbumes tributo a Vaughan después de su muerte; Sarah: Dedicada a ti (1991) y The Calling: Celebrating Sarah Vaughan (2001) respectivamente.
Aunque generalmente se la considera una cantante de jazz, Vaughan evitó clasificarse como tal. Habló del término en una entrevista de 1982 para Down Beat :
No sé por qué la gente me llama cantante de jazz, aunque supongo que la gente me asocia con el jazz porque crecí en él desde hace mucho tiempo. No estoy menospreciando el jazz, pero no soy un cantante de jazz... He grabado todo tipo de música, pero (para ellos) o soy un cantante de jazz o un cantante de blues. No puedo cantar blues, sólo un blues puro, pero puedo poner blues en todo lo que canto. Podría cantar 'Send In the Clowns' y podría ponerle una pequeña parte de blues, o cualquier canción. Lo que quiero hacer, en cuanto a música, es todo tipo de música que me guste, y me gusta todo tipo de música. [29]
Vaughan estuvo casado tres veces: con George Treadwell (1946-1958), con Clyde Atkins (1958-1961) y con Waymon Reed (1978-1981). Incapaz de tener hijos propios, Vaughan adoptó una niña (Debra Lois) en 1961. Debra trabajó en las décadas de 1980 y 1990 como actriz bajo el nombre de Paris Vaughan. [30] Como resultado del matrimonio de su hija, Vaughan era la suegra de la ex estrella de la NHL Russ Courtnall .
En 1977, Vaughan puso fin a su relación personal y profesional con Marshall Fisher. Aunque en ocasiones se hace referencia a Fisher como el tercer marido de Vaughan, nunca se casaron legalmente. Vaughan comenzó una relación con Waymon Reed, un trompetista 16 años menor que ella que tocaba con la banda Count Basie. Reed se unió a su trío de trabajo como directora musical y trompetista y se convirtió en su tercer marido en 1978.
Era miembro de la hermandad de mujeres Zeta Phi Beta . [31]
El álbum Sarah Vaughan con Clifford Brown y el sencillo " If You Could See Me Now " fueron incluidos en el Salón de la Fama de los Grammy , un premio establecido en 1973 para honrar las grabaciones que tienen al menos veinticinco años de antigüedad y tienen características "cualitativas o históricas". significado." [32] En 1985 recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood , y en 1988 fue incluida en el Salón de la Fama del Jazz Americano.
En 1978, Berklee College of Music le otorgó un Doctorado Honoris Causa en Música . [33] La Universidad de Howard otorgó a Vaughan un Doctorado Honoris Causa en Música en 1982. https://secretary.howard.edu/resources/sarah-lois-vaughan
En 2012, fue incluida en el Salón de la Fama de Nueva Jersey . [34] En 2004-2006, New Jersey Transit rindió homenaje a Vaughan en el diseño de sus estaciones de tren ligero de Newark . Los pasajeros que paran en cualquier estación de esta línea pueden leer la letra de "Body and Soul" a lo largo del borde del andén de la estación. [35]
Recibió el premio George e Ira Gershwin por su trayectoria musical en el UCLA Spring Sing . [36]
En 2003, San Francisco y Berkeley, California , proclamaron el 27 de marzo el Día de Sarah Lois Vaughan. [37]
El Festival de Jazz James Moody organiza una competencia anual de vocalistas de jazz que lleva el nombre de Vaughan. El Concurso Internacional Vocal de Jazz Sarah Vaughan también se conoce como los Premios SASSY por el apodo de Vaughan. [38] [39]
Sarah Vaughan fue interpretada por Pamela McPherson-Cornelius en el episodio seis de la segunda temporada de The Deuce (serie de televisión) de HBO . [40]
Álbumes de estudio
Emitido en Estados Unidos el 3 de abril de 1990.
Dos caballos blancos, adornados con plumas negras sobre las orejas, arrastraron el coche fúnebre un poco más de tres millas hasta el cementerio de Glendale, en el cercano Bloomfield.
