La pintura rococó es la expresión pictórica de un movimiento estético que floreció en Europa entre principios y finales del siglo XVIII, emigró a América y sobrevivió en algunas regiones hasta mediados del siglo XIX. La pintura de este movimiento se divide en dos bandos claramente diferenciados. Uno constituye un documento visual íntimo y despreocupado del modo de vida y la cosmovisión de las élites europeas del siglo XVIII, y el otro, que adapta elementos constitutivos del estilo a la decoración monumental de iglesias y palacios, sirvió como medio de glorificación de la fe y el poder civil.
El rococó nació en París alrededor de 1700, como una reacción de la aristocracia francesa contra el barroco suntuoso, palaciego y solemne practicado en el período de Luis XIV . Se caracterizó sobre todo por su carácter hedonista y aristocrático, manifestado en la delicadeza, elegancia, sensualidad y gracia, y en la preferencia por los temas ligeros y sentimentales, donde la línea curva, los colores claros y la asimetría jugaron un papel fundamental en la composición de la obra. Desde Francia , donde asumió su rasgo más típico y donde luego fue reconocido como patrimonio nacional, el rococó pronto se extendió por Europa, pero cambiando significativamente sus propósitos y manteniendo solo la forma externa del modelo francés, con importantes centros de cultivo en Alemania , Inglaterra , Austria e Italia , con alguna representación también en otros lugares, como la península Ibérica , los países eslavos y nórdicos , llegando incluso a América . [1] [2] [3]
A pesar de su valor como obra de arte autónoma, la pintura rococó fue concebida a menudo como parte integrante de un concepto global de decoración de interiores. [4] Comenzó a ser criticada a partir de mediados del siglo XVIII, con el auge de la Ilustración , los ideales neoclásicos y burgueses , sobreviviendo hasta la Revolución Francesa , cuando cayó en completo descrédito, acusada de superficial, frívola, inmoral y puramente decorativa. [5] A partir de la década de 1830, volvió a ser reconocida como un testimonio importante de una determinada fase de la cultura europea y del estilo de vida de un estrato social específico, y como un activo valioso por su propio mérito artístico único, donde se plantearon cuestiones sobre la estética que luego florecerían y se convertirían en centrales para el arte moderno . [6] [7]
El rococó se desarrolló a partir de la creciente libertad de pensamiento que estaba naciendo en la Francia del siglo XVIII. [8] La muerte de Luis XIV en 1715 abrió espacio para una flexibilización de la cultura francesa, hasta entonces fuertemente ceremonial y dominada por representaciones que apuntaban sobre todo a la alabanza del rey y su poder y se manifestaban de manera grandilocuente y pomposa. La desaparición de la personificación misma del absolutismo permitió a la nobleza recuperar algo del poder e influencia que se habían centrado en la persona del monarca, y la corte de Versalles se vació, con muchos nobles trasladándose a sus propiedades en el campo, mientras que otros se mudaron a palacios de París, que se convirtieron en el centro de la " cultura de salón ", reuniones sociales sofisticadas, rutilantes y hedonistas que tenían lugar en medio de discusiones literarias y artísticas. Este empoderamiento de la nobleza la convirtió entonces en la principal mecenas de los artistas de la época. [9]
En estos salones se formó la estética rococó , que desplazó del centro de interés a la pintura histórica, que antes era el género más prestigioso y que invocaba un sentido ético, cívico y heroico típicamente masculino, poniendo en su lugar la pintura de escenas domésticas y campestres, o de suaves alegorías inspiradas en mitos clásicos , donde muchos identifican la prevalencia del universo femenino. En este sentido, el papel desempeñado por las mujeres en la sociedad de esta fase fue muy relevante, asumiendo una fuerza en la política en toda Europa y demostrando ser generosas mecenas del arte y modeladoras del gusto, caso de las amantes reales Madame de Pompadour y Madame du Barry , de las emperatrices Catalina la Grande y María Teresa de Austria , y organizando varios salones importantes, como el de Madame Geoffrin , Madame d'Épinay , y Madame de Lespinasse , entre muchos otros. [10] [11] Sin embargo, en muchos aspectos el rococó es una simple continuación, de hecho una culminación, de los valores barrocos – el gusto por lo espléndido, por el movimiento y la asimetría, la frecuente alusión a la mitología grecorromana , la inclinación emocional, la pretensión ostentosa y el convencionalismo, en el sentido de regirse por criterios preestablecidos aceptados por consenso. La pintura rococó ilustra también, en su primera versión, el cisma social que desembocaría en la Revolución Francesa , y representa el último bastión simbólico de resistencia de una élite alejada de los problemas e intereses del pueblo llano, y que se veía cada vez más amenazada por el ascenso de la clase media, que se educaba y comenzaba a dominar la economía e incluso sectores importantes del mercado del arte y de la cultura en general. Con ello, determinó el surgimiento paralelo de una corriente estilística mucho más realista y austera, cuya temática era toda burguesa y popular, ejemplificada por los artistas Jean-Baptiste Greuze y Jean-Baptiste Chardin , y que fue prácticamente ignorada por el universo rococó, salvo contadas excepciones, pero que a la postre acabaría siendo una de las fuerzas de su derrumbe a finales del siglo XVIII. [12]
En una época en la que las viejas tradiciones empezaban a disolverse, la pintura rococó representa una oposición a la doctrina académica , que intentó, ya durante el alto Barroco y sobre todo en Francia, imponer un modelo artístico clasicista como principio atemporal y de validez universal, cuya autoridad se situaba por encima de todo cuestionamiento, del mismo modo que la teoría política validaba el absolutismo. En esta oleada de liberalismo y relativismo , el arte empezó a ser visto como una cosa más entre tantas que estaban sujetas a los vaivenes de la moda y de los tiempos, una visión que habría sido inconcebible hasta hace poco. Como resultado, las inclinaciones de la época tendieron hacia lo humano y lo sentimental, dirigiendo la producción no hacia héroes o semidioses , sino hacia gente corriente, con sus debilidades, y que buscaba el placer. Se abandona la representación del poder y la grandeza, y el público de la pintura rococó busca ver en ella más bien la belleza, el amor y la gracia relajada y cautivadora, excluyendo toda retórica y dramatismo . [13] Para ello seguía siendo útil la tradición clásica, que ofrecía a los artistas una serie de temas muy atractivos y adecuados a la mentalidad hedonista y refinada de las élites, que rechazaban toda austeridad y reinterpretaban el pasado clásico a la luz de la Arcadia ideal y bucólica, de la fantasía de una Edad de Oro en la que se identificaban armoniosamente naturaleza y civilización, sensualidad e inteligencia, belleza y espiritualidad. Ni este tema ni esta interpretación eran, de hecho, nuevos; existían desde el Imperio Romano y permanecieron presentes en la cultura occidental casi sin interrupción desde su origen, tanto como simple artificio romántico y poético como recurso de evasión psicológica cuando los tiempos se mostraban hostiles o excesivamente sofisticados, convirtiéndose así en un poderoso símbolo de libertad. [14] [15]En el Rococó, la nota innovadora fue la del mundo de los pastores arcádicos y de los dioses del panteón grecolatino; prácticamente sólo quedó como telón de fondo el entorno natural, siendo este "natural" la mayoría de las veces un jardín cultivado, y los protagonistas del momento fueron los aristócratas y los mismos burgueses enriquecidos, con todo su aparato de moda, enzarzados en brillantes conversaciones y cuyo heroísmo se resumía en conquistas amorosas, encarnando la idea pastoral más acorde con las convenciones de un teatro social. En la representación, así como el Barroco fue prolijo, el Rococó pastoral es sucinto; a pesar de la singularidad del escenario, formalmente el cuadro es una acumulación de discontinuidades, y lo que más confiere el efecto de unidad es la atmósfera más que la descripción. De esta manera, el Rococó aparece como el vínculo entre el clasicismo ceremonioso del Barroco tardío y el preromanticismo sentimental de la clase media. [16] [17]
Este universo fantástico también estaba en consonancia con las concepciones de la época sobre la naturaleza ilusionista del arte. Para los críticos de esa época, el placer que el arte puede proporcionar solo es posible cuando el espectador acepta los términos del juego y se somete a ser ilusionado por una especie de magia. [18] La problemática involucrada en la ilusión artística no era inédita, y la cuestión de si una actividad basada en la imitación y el señuelo de los sentidos podía estar moralmente justificada o ser digna de atención intelectual ha acompañado al pensamiento europeo desde el cuestionamiento de Platón , Sócrates y Aristóteles en la Antigua Grecia . [19] Durante el siglo XVIII, este tópico adquirió un nuevo color en la búsqueda deliberada de confundir y desorientar de alguna manera al público, sacándolo de lo circunstancial y concreto para arrojarlo al mundo ambiguo y fluido del teatro de la representación, una práctica que de otro modo no encontró un apoyo unánime y fue criticada por muchos moralistas, preocupados por la disolución concomitante del sentido de la realidad y la firmeza de los valores éticos alentados por estas pinturas. De la misma manera, no todos los artistas tenían este objetivo. Pintores importantes de la época, más comprometidos con una idea de reformar y moralizar el arte, como Hogarth y Goya , se esforzaron por superar las convenciones del ilusionismo y ayudar al público a restaurar, como dice Matthew Craske, "la claridad de su visión". [20] Así, uno encuentra posiciones con diversos grados de cercanía o lejanía respecto de la realidad objetiva, en una dialéctica que proporcionó gran parte de la fuerza para la creatividad de este período. También es importante señalar que, según la sofisticada cultura de la aristocracia, la civilización era un fenómeno necesariamente artificial, y se esperaba que un espectador educado y pulido fuera capaz de hacer las sutiles distinciones entre lo real y lo ficticio, que fuera capaz de lidiar con las complejidades del arte y que fuera capaz de defenderse de la charlatanería burda y la ilusión barata, lo que indica el cultivo de su intelecto y su bagaje erudito. [21]
Otro aporte importante a la formulación de la estética rococó fue el establecimiento del concepto del arte por el arte iniciado por Alexander Baumgarten en 1750 y desarrollado por Kant en la década siguiente. Afirmó que el fin principal del arte era el placer, no la utilidad, concibiendo la experiencia estética como proveniente de la contemplación de la belleza de un objeto, y entendida como la estimulación sensual de pensamientos indiferenciados, carentes de utilidad o propósito y desligados de la moralidad . Para Kant, la belleza ideal no se declara por completo, sino que permanece constantemente suscitando ideas sin agotarlas. Así, el significado no está en la determinación de ningún concepto, sino en el diálogo incesante entre la imaginación y el entendimiento. Por eso calificó el arte como un "juego serio", viendo en él aspectos de lo lúdico como la libertad y el desinterés. [22] [23] De este modo, el Rococó plantea definitivamente en el arte occidental la cuestión del esteticismo, en la ambigüedad misma que rodea su método de representación y sus fines esenciales, dejando clara la convención primordial de que si la pintura existe, existe para un observador y para ser mirada, pero entregando a las generaciones futuras el grave problema de, según Stephen Melville, "decir que lo que le sucede a un espectador frente a un cuadro es fundamentalmente diferente de lo que le sucede a una persona que mira un papel pintado o un paisaje a través de una ventana", un elemento dialéctico que se volvería crucial para la discusión y validación modernas del arte mismo, de la realización y comprensión artística, y de la autonomía de la Estética, y que aún no ha sido resuelto satisfactoriamente. [24]
Técnicamente, la pintura rococó tiende a una mayor libertad que en la pintura barroca o académica. Las pinceladas son claras y ágiles, con creación de texturas y un efecto a veces similar al de las pinturas impresionistas , dando a muchas composiciones un aspecto de boceto, de inacabado, que involucraba al espectador de manera más eficiente, pidiéndole que completara mentalmente lo que se había presentado esquemáticamente. Se niegan los detalles realistas y la primacía de la línea, se acorta la perspectiva del espacio, creando un escenario más cerrado, los fondos se simplifican más, favoreciendo el primer plano, y se buscan efectos sugerentes de atmósfera. La representación de la vestimenta, sin embargo, tiende a ser lo suficientemente real como para mostrar la suntuosidad de los tejidos y la riqueza de las joyas y adornos que lucen los modelos. [25] [26] En cuanto al color, aspecto central en el rococó, la preocupación de sus artistas alcanzó extremos de complejidad. Los manuales para aficionados y principiantes escritos en la época, en lugar de dar instrucciones graduales sobre combinaciones de colores primarios , saltaban directamente a esquemas de mezcla con decenas y decenas de gradaciones, y el refinamiento en este ámbito, a nivel de profesionales, era naturalmente mucho más agudo, desarrollándose incluso un simbolismo propio que involucraba a cada tipo de tono. [27]
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La pintura rococó no fue un fenómeno exclusivamente doméstico, y encontró terreno fértil también en la decoración de edificios públicos e iglesias. En estos ambientes, la pintura rococó entró como un elemento importante en la composición de una "obra de arte total", integrando la arquitectura con el mobiliario y los objetos decorativos accesorios, como platería y estucos, y señalando la funcionalidad del espacio. [28] En Francia e Inglaterra, el rococó adoptó una forma principalmente profana, pero en otras regiones de la Europa católica, especialmente en el sur de Alemania, dejó admirables monumentos religiosos, [29] ocurriendo lo mismo en Brasil , donde pintores de la región de Minas Gerais , liderados por el maestro Ataíde , formularon a través de un rococó tardío y de sabor naif la primera escuela de pintura nacional, y constituyendo, en opinión de Victor-Lucien Tapié, uno de los frutos más felices del estilo en el ámbito religioso. [30]
La preocupación de las élites ilustradas, pero desocupadas, por la felicidad y el placer, acompañada de un declive de la influencia de la religión, que dibuja la atmósfera rococó, podría, a primera vista, problematizar la aplicación del estilo al arte religioso, que atendía más bien a las necesidades de las clases bajas y cuya devoción no se había visto afectada en absoluto por las costumbres desarraigadas de las élites. Las aparentes contradicciones fueron resueltas de inmediato por los moralistas cristianos al asociar la felicidad deseada por los sentidos con la felicidad proporcionada por una vida virtuosa, afirmando que el placer humano es uno de los dones de Dios y sugiriendo que el amor divino es también la fuente de una especie de lujuria sensorial. Con esta acomodación, la religión, previamente lastrada por la noción de culpa y las amenazas del fuego y la condenación eterna, adquiere un tono optimista y positivo, y genera una pintura ante la cual los fieles pueden rezar "con esperanza y alegría" y que sirve de puente entre la felicidad terrena y la celestial. [31] El rococó, empleado en la decoración eclesiástica, fue parte del movimiento de secularización que la Iglesia Católica había estado experimentando desde el Barroco, eliminando varios obstáculos entre lo sagrado y lo profano, y sirvió como una forma nueva y más atractiva de celebrar los misterios de la fe, pero su ornamentalismo también fue visto por algunos como una distracción de los propósitos principales de la reunión sacramental. [32]
En Francia, el rococó mostró su cara más característica, en un tratamiento ligero, galante y sensual de sus temas privilegiados, la pastoral , seguida de escenas alegóricas y retratos. Sus figuras están ricamente vestidas, situadas sobre fondos campestres, jardines o parques, un modelo tipificado en la Fête galante (fiesta elegante), tan bien ilustrada en la obra de Watteau , donde los aristócratas pasan su tiempo en sofisticados entretenimientos en una atmósfera de ensueño no exenta de connotaciones eróticas , reminiscente del mundo idílico que se supone existía en la antigüedad clásica . La pintura rococó es sobre todo intimista, no destinada al gran público, sino al consumo de la nobleza ilustrada y ociosa y de la burguesía más adinerada , y tuvo un carácter eminentemente decorativo, tomando mucha inspiración de la literatura clásica . La técnica es ágil y tiende al virtuosismo, con pinceladas libres que en cierto modo prefiguran el impresionismo y una paleta de colores rica, pero con predominio de tonos claros, buscando efectos sutiles y evocadores de atmósfera. [33]
El decorativismo de la pintura rococó toma su sustancia de la rica ornamentación común a muchas obras, la profusión de detalles representados con todo detalle, el sofisticado cromatismo, la riqueza de trajes y escenarios, hasta el punto de convertirse en un valor en sí mismo, en composiciones que incluso pierden su foco narrativo en medio de la voluptuosidad de la pura plasticidad, el atractivo sensorial inmediato. [34] Hablando de una obra importante de Watteau, El embarque para Citera , considerada un paradigma de la estética del placer propia del rococó, siendo la isla la cuna de Venus , Norman Bryson dice que el estilo del pintor aporta el contenido narrativo justo para sugerir una lectura particular de la obra, pero no para agotarla, estableciendo un "vacío semántico" que inicia una práctica de disociación entre el texto de referencia y la pintura que lo ilustra que prefigura la modernidad, minimizando la dependencia de la fuente literaria para la creación artística en otros campos, [35] y, según Catherine Cusset , sustituyendo el contenido psicológico o metafísico por una "plétora de ideas". [36]
En esta estética del placer, la sensualidad tenía un atractivo especial, pero no como componente narrativo del erotismo puro, sino como pretexto para que los artistas exploraran los límites de la representación, buscando una tangibilidad que suscitara una respuesta sensorial global más inmediata e intensa, que era uno de los parámetros para la calificación de una obra de arte en aquella época, y que se inscribía en una concepción más amplia de la vida donde el placer despreocupado de vivir era la tónica. Más sugerente que explicativo, más invitador a la fantasía complementaria del público que presentándola en su totalidad, lo que sería considerado ofensivo, el erotismo en la pintura rococó es más penetrante y eficaz que en composiciones donde el significado se agota de entrada en la obviedad de las referencias directas. [37] Aun con esta aura dominante más de sugerencia e insinuación, se encuentran también ejemplos de erotismo más crudo, sobre todo en la obra de François Boucher , uno de los grandes maestros del rococó, quien, según Arnold Hauser , hizo su fama y fortuna "pintando pechos y nalgas" y se acercó así a un universo más popular, aunque igualmente fue capaz de mantenerse dentro de los límites de la decencia pública en otras épocas y crear piezas de gran dignidad y delicado encanto. [38]
La otra gran figura francesa es Jean-Honoré Fragonard , alumno de Boucher y consumado colorista que continuó la tradición de alegorías poéticas y sensuales de sus predecesores, pero que también fue apreciado por sus contemporáneos por la enorme versatilidad que mostró, adaptándose a las necesidades de una gran variedad de temas y géneros, amasando una enorme fortuna con la venta de sus obras pero enfrentándose a la pobreza después de la Revolución. [39] En la rehabilitación del rococó en el siglo XIX, fue llamado "el Cherubino [40] de la pintura erótica", y elogiado en altos términos por su capacidad para crear efectos de suspensión emocional y tensión sensual sin caer en lo indecoroso. [41] Finalmente, varios otros nombres en rococó francés merecen atención: Jean-Marc Nattier , los tres Van Loo ( Jean-Baptiste , Louis-Michel y Charles-André ), Maurice Quentin de La Tour , Jean-Baptiste Perronneau , François Lemoyne , Elisabeth Vigée Le Brun , Jean-Baptiste Pater , Alexander Roslin y Nicolas Lancret , entre muchos otros.
El sistema social inglés se diferenciaba en varios puntos del modelo continental. La aristocracia formada por los nobles y los ricos comerciantes también dominaba allí el poder, pero se esforzaba por implantar un sistema plenamente capitalista que solicitaba –y obtenía– el concurso de la burguesía, que sabía que sus objetivos eran comunes e identificados con los del Estado, en beneficio propio y de la nación. No había un aura mítica en torno al nacimiento nobiliario, la estratificación social era más elástica, vinculando a menudo a los plebeyos con la nobleza a través del matrimonio, y sus estratos inferiores mostraban un grupo bastante homogéneo que en la práctica se diferenciaba poco de la clase media. Otro rasgo distintivo era que en Inglaterra eran los nobles quienes pagaban la mayor parte de los impuestos, pero en Francia estaban exentos de todos los impuestos. Además, en Inglaterra se estaba formando un considerable público lector entre los plebeyos, que estaban mejor informados sobre hechos generales, política e incluso arte que en otras regiones, gracias a la creciente difusión de libros y la circulación de diversas publicaciones periódicas populares. Estos factores dieron a la sociedad inglesa una libertad de expresión desconocida en otros países europeos y convirtieron al país en el líder mundial en el siglo siguiente. [42]
El rococó inglés fue importado de Francia, y desde su introducción se convirtió en una moda, pero la recepción del estilo en Inglaterra no estuvo exenta de contradicciones, ya que históricamente las relaciones entre ambos países estuvieron marcadas por el conflicto. Las élites, sin embargo, aprovechando un periodo de paz, supieron separar las cuestiones políticas de las estéticas, visitando Francia como turistas, fomentando la migración de artesanos franceses e importando grandes cantidades de objetos decorativos y piezas de arte rococó, mientras el resto de la población tendía a ver con desdén todo lo francés. Sobre esta base popular aparecieron escritores satíricos como Jonathan Swift , y artistas como William Hogarth , con series de lienzos y grabados de fuerte crítica social como La carrera del libertino y Matrimonio a la moda , exponiendo crudamente en una pintura robusta y francamente narrativa los vicios de la élite francófila. En términos temáticos fue un caso aislado, y la reacción a sus obras por parte de la élite fue, previsiblemente, negativa, pero como síntoma de los tiempos, formalmente su estilo personal debe mucho a Francia. [43] El mercado del arte estaba completamente sometido a las modas extranjeras, y los artistas locales tuvieron que aceptar la situación adoptando en gran medida los principios del rococó francés. Los géneros más populares en Inglaterra fueron el retrato [44] y las "pinturas de conversación", escenas que mostraban grupos de amigos o familiares conversando, una tipología que combinaba el retrato con la pintura de paisajes, introducida por el inmigrante Philippe Mercier y posiblemente inspirada en las Fêtes galantes de Watteau . El género también fue cultivado por Francis Hayman , Arthur Devis y Thomas Gainsborough , quizás el pintor más típico y brillante del rococó inglés. [45] Gainsborough también practicó la pintura pura de paisajes, donde desarrolló un estilo de simplificación del escenario, de descripción inespecífica y teatralizada, y de alteración de sus colores básicos y sentido de la perspectiva , artificialismos propios del rococó, además de haber dejado tras de sí una importante obra en el campo del retrato. [46] También cabe mencionar al inmigrante alemán Johan Zoffany , dueño de un estilo original, creador de complejos ambientes interiores atiborrados de obras de arte y retratos de grupo, [47] y a Thomas Lawrence , representante tardío del rococó y célebre retratista, cuya carrera se extiende hasta el Romanticismo, pero que inicialmente dejó obras de extraordinario encanto y gracia jovial. [48]
Aunque gran parte del rococó germánico debe directamente a Francia, su principal fuente es el desarrollo del barroco italiano, y en estos países la distinción entre rococó y barroco es más difícil y subjetiva. [49] En Italia, cuna del barroco, este estilo siguió satisfaciendo las necesidades de la sensibilidad local, y no se siguió en esencia el modelo del rococó francés, sino que cambió su alcance temático y sus énfasis significativos, expresándose principalmente en la decoración monumental. En el campo de la pintura el mayor florecimiento rococó tuvo lugar en Venecia, en torno a la figura dominante de Giovanni Battista Tiepolo , célebre muralista que dejó importantes obras también al norte de los Alpes y en España. Su estilo personal fue una continuación del barroco autóctono, pero adoptó una paleta de colores ligera y luminosa, y construyó formas vivaces, ágiles y llenas de gracia y movimiento, que lo sitúan perfectamente en la órbita del rococó, aunque su tono es siempre elevado, cuando no apoteósico, y su temática siempre o bien sagrada o bien glorificante. Otros nombres italianos dignos de recordar son Sebastiano Ricci , Francesco Guardi , Francesco Zugno , Giovanni Antonio Pellegrini , Giovanni Domenico Tiepolo , Michele Rocca y Pietro Longhi , con una temática variada que abarcaba desde la escena doméstica hasta el paisaje urbano, pasando por alegorías mitológicas y obras sacras. [50]
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Una de las principales figuras germánicas es Franz Anton Maulbertsch , activo en una vasta región de Europa central y oriental decorando numerosas iglesias, considerado uno de los grandes maestros del fresco del siglo XVIII. De talento original, técnica brillante y gran colorista, rompió los cánones académicos y desarrolló un estilo fuertemente personal y difícil de categorizar, a veces comparado con Tiepolo por la alta calidad de su obra. [51] Hacia finales del siglo se desarrolló en Alemania una repulsión hacia el modelo francés supuestamente sobreartificial, tal como ocurrió en algunos sectores del mundo del arte en Inglaterra -e incluso en la propia Francia-. Los nacionalistas alemanes recomendaban la adopción de los modales sobrios, naturales y laboriosos de los ingleses como antídoto a las "afectaciones teatrales" francesas y la "suavidad de las falsas gracias". [52] También hay que incluir como maestros importantes del rococó germánico monumental a Johann Baptist Zimmermann , Antoine Pesne , Joseph Ignaz Appiani , Franz Anton Zeiller , Paul Troger , Franz Joseph Spiegler , Johann Georg Bergmüller , Carlo Carlone , entre muchos otros, que dejaron su huella en tantas iglesias y palacios. [53]
En la pintura de otros países el impacto del rococó fue más limitado, pero merecen destacarse algunos casos más o menos aislados: en España, Goya en su primera fase y Ramón Bayeu y Subías ; en Estados Unidos, John Singleton Copley ; en Rusia, Dmitry Levitsky , Ivan Argunov y Fyodor Rokotov ; en Países Bajos, Rachel Ruysch y Jan van Huysum ; en Escandinavia, Carl Gustaf Pilo y Georg Desmarées ; [54] [55] [53] en Portugal Vieira Portuense y Pedro Alexandrino de Carvalho, y en Brasil el ya mencionado Maestro Ataíde .
El espíritu del rococó comenzó a ser atacado a mediados del siglo XVIII, tras el auge de la crítica ilustrada y de los ideales puritanos de la clase media. Las principales críticas que se le hicieron desde entonces y que se siguen haciendo al estilo se dirigieron principalmente a su versión francesa o a sus derivaciones más literales. El rococó francés era un estilo esencialmente aristocrático, derivado de una sociedad que aún arrastraba una rígida estratificación social y representaba la fase final del antiguo sistema económico feudal . La Ilustración cuestionó los fundamentos de esta sociedad y el modelo de civilización y cultura que proponía, disolviendo las jerarquías y modos de mecenazgo que nutrían la pintura rococó, vista ya como frívola, afeminada, elitista y excesivamente ornamental, pensando el mundo desde un punto de vista más igualitario, al margen de tradiciones, mitos y religiones , derribando privilegios de cuna y estableciendo nuevos criterios para la adquisición del conocimiento, donde la claridad de la razón y la demostración lógica y científica prevalecieran sobre las sutilezas ambiguas y oscuras de la opinión, el sentimiento y lo metafísico. [56] [57]
La clase media, a su vez, identificó fácilmente el estilo rococó como el rostro de la élite corrupta y disoluta que deseaba derrocar, y el arte que cultivaba y apreciaba, especialmente el de Chardin y Greuze , era diametralmente opuesto a él tanto en forma como en contenido. Este proceso culminó en la Revolución Francesa y el surgimiento del Neoclasicismo , con un retorno de los ideales artísticos basados en valores de austeridad, piedad, civilidad y ética, en una reafirmación de los principios masculinos y la rehabilitación de la pintura histórica moralizante a expensas de la feminidad grácil, íntima y sensual del rococó. [58] [59]
Pero el eclipse del estilo fue breve. Una vez superada la fase más rigurosa del Neoclasicismo y restablecida en cierta medida la estabilidad política europea tras la Revolución y el fracaso final de Napoleón Bonaparte , en la década de 1830 el arte rococó volvió a la escena a través de la literatura de Gérard de Nerval , Théophile Gautier y otros autores, desilusionados con el énfasis excesivo, según ellos, en la concepción de que el arte debía producirse invariablemente con un fin cívico o didáctico, y con el mundo que para ellos había llegado a estar dominado por una burguesía inculta y sin gusto. El grupo comenzó a desarrollar un estilo revivalista y nostálgico, inspirado en la literatura y la pintura del siglo XVIII, y a seguir un modo de vida similar al de la antigua aristocracia, con sus salones y hábitos sofisticados, atrayendo la atención de otros escritores y poetas. Pronto su número llegaría a ser considerable, dando lugar a una corriente romántica subyacente en la literatura y las artes visuales, llamada Romanticismo Fantástico, que tendría gran aceptación popular entre las décadas de 1840 y 1850. [60]
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A finales del siglo XIX, el rococó francés fue plenamente recuperado y establecido como patrimonio cultural nacional de Francia, junto con la rehabilitación de las artes decorativas en general. Durante esta fase, la literatura crítica sobre el estilo se multiplicó, se establecieron museos para las artes decorativas, se restauraron varios monumentos del siglo XVIII y la pintura rococó volvió a ser entendida como parte integrante de una concepción global de la decoración de interiores, tal como se entendía en su origen. Este renovado entusiasmo por el rococó culminó con su consagración en el Museo del Louvre en 1894, con la asignación de un ala enteramente dedicada al arte del siglo XVIII, donde se recrearon ambientes completos. También estimuló una moda de objetos decorativos y paneles de estilo revivalista, y fue uno de los factores para el desarrollo de las artes aplicadas y la artesanía de alta calidad del Art Nouveau , además de haber tenido un carácter simbólico de acercamiento entre las élites heredadas de la nobleza y la burguesía de la Tercera República . [61] En el mismo período se rescató la importancia de Tiepolo como uno de los muralistas más destacados del siglo XVIII, [62] y a principios del siglo XX Oswald Spengler hizo un elogio del arte rococó en su obra La decadencia de Occidente . [63]
Sin embargo, otros autores como Egon Friedell , escribiendo entre guerras, continuaron considerando el estilo en planteamientos poco favorecedores. [64] Un nuevo interés por el rococó surgió en la década de 1940 cuando Fiske Kimball publicó su importante estudio The Creation of the Rococo (1943), que intentó delimitar y describir el estilo sobre una base crítica curiosamente ahistórica, pero que sirvió para plantear una serie de nuevas preguntas que sacaron a la luz inconsistencias en su definición, destacaron su complejidad y alimentaron debates académicos posteriores, [65] con importantes contribuciones de Arnold Hauser en la década de 1950, en la década de 1950, apreciando el estilo de una manera más profunda y completa a la luz del marxismo , y de Philippe Minguet y Russell Hitchcock en la década de 1960, este último centrándose más en los conjuntos arquitectónicos, [66] pero Victor Tapiè y Myriam Oliveira creen que a partir de la década de 1970 hubo incluso una regresión en la investigación hacia conceptos ya obsoletos, Señala particularmente los enfoques de Germain Bazin , Anthony Blunt , Yves Bottineau y Georges Cattaui , quienes lo delimitan pero lo someten al Barroco, remitiéndose a visiones anteriores a Kimball. [67] [68]
Lo que sí está claro es que todavía hay mucha controversia y contradicciones en los estudios sobre el rococó, pero hoy en día los críticos coinciden más o menos en ver en la filosofía que subyace a la pintura rococó elementos de superficialidad, elitismo, hedonismo puro y alienación, pero dice que estos aspectos no cuentan toda la historia y que aferrarse a ellos desde presupuestos morales modernos puede impedir al público reconocer su valor como arte por derecho propio y como vehículo de significados importantes para la clase que gobernó Europa en el siglo XVIII, hecho que es suficiente en sí mismo para otorgarle un gran interés histórico y documental. También se admite ampliamente que en sus mejores momentos, la pintura rococó alcanza niveles muy altos de excelencia técnica, y es difícil incluso para el moralista más empedernido permanecer insensible a su encanto y su riqueza plástica, y a la habilidad de sus autores. [69] [70] [71] Otro punto positivo de la pintura rococó se detectó en la reformulación y suavización de la iconografía cristiana, traduciendo los elementos de la fe y retratando a sus mártires y santos dentro de un marco formal menos pesado y opresivo que el producido durante el Barroco, permitiendo el nacimiento de una devoción más jovial y optimista, menos cargada de culpa y reconciliadora de la naturaleza con lo divino. [72] Al mismo tiempo, su carácter personalista, su curiosidad por las novedades y el exotismo, y su rechazo del academicismo oficial representaron un movimiento hacia la libertad creativa y la espontaneidad, tan apreciadas hoy, y que se consideraban criterios legítimos para evaluar una obra de arte en aquellos tiempos. Así lo pensaba Alexander Pope cuando afirmaba que «algunas bellezas no pueden todavía explicarse con preceptos», y que «hay gracias sin nombre que ningún método enseña, y que sólo la mano de un maestro puede alcanzar», cualidades que sólo pueden juzgarse por el «gusto», un elemento sutil que en palabras de Voltaire es «un discernimiento rápido, una percepción repentina que, como las sensaciones del paladar, anticipa la reflexión, y acepta lo que da una impresión voluptuosa y rara y rechaza lo que parece grosero y repugnante». [70]
En suma, para una mejor comprensión de la pintura rococó es necesario que percibamos primero con claridad que no se limita a Francia, aunque allí apareció más plena, típica y esencialmente, y es la referencia básica de todo el estilo, sino que se manifestó en una gran variedad de formas en una vasta zona de Occidente, adaptándose a otras exigencias y reflejando experiencias vitales y visiones del mundo muy diversas, y segundo, cuando analizamos sus aspectos más difíciles, más paradójicos y más proclives a la crítica, que tratemos de penetrar en la filosofía que guió ese arte de encantos y fantasías, de juegos visuales e intelectuales y alusiones veladas, que elogiaba la educación y el refinamiento frente a lo que juzgaba rudo y zafio, y expresaba una voluptuosidad y una alegría auténticas por el simple hecho de vivir en una situación cómoda, que, si bien fue prerrogativa de unos pocos en su tiempo, como sabemos, hoy se ha convertido en patrimonio de todos a través de su legado artístico. [73]
