Rainer Werner Fassbinder ( alemán: [ˈʁaɪnɐ ˈvɛʁnɐ ˈfasbɪndɐ] ⓘ ; 31 de mayo de 1945 – 10 de junio de 1982), a veces acreditado comoRW Fassbinder,[1]fue un cineasta, actor y dramaturgo alemán. Es ampliamente considerado como una de las principales figuras y catalizadores del movimiento delNuevo Cine Alemán. Versátiles y prolíficas, sus más de 40 películas abarcan una variedad de géneros, combinando con mayor frecuencia elementos delmelodrama de Hollywoodcon crítica social yde vanguardia. [2]Sus películas, según él, exploraban "la explotabilidad de los sentimientos". [3][4]Su obra estaba profundamente arraigada en la cultura alemana de la posguerra: las secuelas delnazismo, elmilagro económico alemány el terror de laFacción del Ejército Rojo. Trabajó con una compañía de actores y técnicos que aparecían frecuentemente en sus proyectos. [3]
Fassbinder comenzó a dirigir el grupo de actores Anti-Theater en 1967, con quien realizó algunas de sus primeras producciones. [3] Su primer largometraje fue una película de gánsteres llamada Love Is Colder Than Death (1969); Obtuvo su primer éxito comercial nacional con The Merchant of Four Seasons (1972) y su primer éxito internacional con Ali: Fear Eats the Soul (1974), ambos considerados obras maestras por la crítica contemporánea. Siguieron proyectos de gran presupuesto como Despair (1978), Lili Marleen y Lola (ambos de 1981). Su mayor éxito llegó con El matrimonio de Maria Braun (1979), que narra el ascenso y la caída de una mujer alemana tras la Segunda Guerra Mundial . Otras películas notables incluyen el drama de cámara lésbico The Bitter Tears of Petra von Kant (1972), Fox and His Friends (1975), Satan's Brew (1976), In a Year of 13 Moons (1978) y Querelle (1982), todas de los cuales trataban temas homoeróticos. También dirigió la serie de televisión World on a Wire (1973) y Berlin Alexanderplatz (1980).
Fassbinder murió el 10 de junio de 1982, a los 37 años, a causa de un cóctel letal de cocaína y barbitúricos . Su carrera duró menos de dos décadas, pero fue sumamente prolífica; Entre 1967 y 1982, completó más de 40 largometrajes, 24 obras de teatro, dos series de televisión, tres cortometrajes y cuatro producciones de vídeo, ganando cinco de los premios de largometraje más prestigiosos de Alemania, incluido el Oso de Oro y múltiples Premios del Cine Alemán. . Su muerte prematura se considera a menudo el fin del período del Nuevo Cine Alemán.
Fassbinder nació en la pequeña ciudad de Bad Wörishofen el 31 de mayo de 1945. [5] Nació tres semanas después de que el ejército estadounidense ocupara la ciudad y la rendición incondicional de Alemania . Las secuelas de la Segunda Guerra Mundial marcaron profundamente su infancia y la vida de su familia. [6] De conformidad con los deseos de su madre, Fassbinder afirmó más tarde que había nacido el 31 de mayo de 1946, para establecerse más claramente como un niño de la posguerra ; su edad real fue revelada poco antes de su muerte. [7] Era hijo único de Liselotte Pempeit (1922-1993), una traductora , y Helmut Fassbinder, un médico que trabajaba desde el apartamento de la pareja en Sendlinger Straße , [8] cerca del barrio rojo de Munich . [7] [7] [9] Cuando tenía tres meses, se quedó con un tío y una tía paternos en el campo, ya que sus padres temían que no sobreviviría el invierno con ellos. Tenía un año cuando fue devuelto a sus padres en Munich. [7] La madre de Fassbinder procedía de la ciudad libre de Danzig (ahora Gdańsk , Polonia ), de donde habían huido muchos alemanes después de la Segunda Guerra Mundial. Como resultado, algunos de sus familiares se fueron a vivir con ellos a Munich.
Los padres de Fassbinder eran miembros cultos de la burguesía . Su padre se concentró en su carrera , que veía como un medio para inspirar su pasión por escribir poesía . Su madre también lo ignoró en gran medida y pasó la mayor parte del tiempo con su esposo trabajando en su carrera. En 1951, Liselotte Pempeit y Helmut Fassbinder se divorciaron. Helmut se mudó a Colonia mientras Liselotte crió a su hijo como madre soltera en Munich. [9] Para mantenerse a sí misma y a su hijo, Pempeit acogió a huéspedes y encontró empleo como traductora de alemán a inglés. Cuando trabajaba, solía enviar a su hijo al cine para pasar el tiempo. Más adelante en su vida, Fassbinder afirmó que veía al menos una película al día, a veces hasta cuatro por día. Durante este período, Pempeit estuvo a menudo alejada de su hijo durante largos períodos mientras se recuperaba de la tuberculosis . [10] En ausencia de su madre, Fassbinder fue atendido por los inquilinos y amigos de su madre. Como a menudo lo dejaban solo, se acostumbró a la independencia y así se convirtió en un delincuente juvenil . Se enfrentó con el amante más joven de su madre, Siegfried, que vivía con ellos cuando Fassbinder tenía alrededor de ocho o nueve años. Tuvo una relación difícil similar con el periodista mucho mayor Wolff Eder (c.1905-1971), quien se convirtió en su padrastro en 1959. [11] Al principio de su adolescencia, Fassbinder se declaró bisexual. [12]
Cuando era adolescente, Fassbinder fue enviado a un internado . Su estancia allí se vio empañada por sus repetidos intentos de fuga y, finalmente, abandonó la escuela antes de los exámenes finales. A los 15 años se mudó con su padre a Colonia. [13] Aunque discutían constantemente, Fassbinder se quedó con su padre durante un par de años mientras asistía a la escuela nocturna . Para ganar dinero, realizaba pequeños trabajos ; También ayudó a su padre, que alquilaba apartamentos a trabajadores inmigrantes . Durante este tiempo, Fassbinder comenzó a sumergirse en el mundo cultural de su padre, escribiendo poemas, obras de teatro breves e historias. [14]
En 1963, a la edad de 18 años, Fassbinder regresó a Munich con planes de asistir a la escuela nocturna con la idea de eventualmente estudiar teatro . Siguiendo el consejo de su madre, tomó lecciones de actuación y de 1964 a 1966 asistió al estudio de actores Fridl-Leonhard en Munich. [14] Allí conoció a Hanna Schygulla , quien se convertiría en una de sus actrices más importantes. [15] Durante este tiempo, a los 20 años, realizó sus primeros cortometrajes en 8 mm , trabajó como sonidista en películas estudiantiles y como asistente de dirección o en pequeños papeles actorales en teatro . [14] Durante este período, también escribió la obra trágico-cómica: Gotas sobre piedras calientes . Para poder acceder a la Escuela de Cine de Berlín , Fassbinder presentó una versión cinematográfica de su obra Parallels . También participó en varias películas de 8 mm, incluida Esta noche (ahora considerada perdida ), [16] pero su admisión fue rechazada, al igual que Werner Schroeter y Rosa von Praunheim , quienes también tendrían carreras como directores de cine. [17]
Regresó a Munich donde continuó escribiendo. También realizó dos cortometrajes, The City Tramp ( Der Stadtstreicher , 1966) y The Little Chaos ( Das Kleine Chaos , 1967). Rodadas en blanco y negro , fueron financiadas por el amante de Fassbinder, Christoph Roser, un aspirante a actor de familia adinerada, a cambio de papeles protagonistas. [18] Fassbinder actuó en ambas películas, en las que también apareció Irm Hermann . En este último, su madre –bajo el nombre de Lilo Pempeit– interpretó el primero de muchos papeles en las películas de su hijo. [19]
A los 22 años, Fassbinder se unió al ahora desaparecido Munich Action-Theater en 1967; allí trabajó activamente como actor, director y guionista. Después de dos meses se convirtió en el director del teatro. En abril de 1968, ahora con 23 años, dirigió la producción de su obra Katzelmacher , que cuenta la historia de un trabajador extranjero procedente de Grecia que se convierte en objeto de un intenso odio racial , sexual y político entre un grupo de "vagos" bávaros. Unas semanas más tarde, en mayo de 1968, el Action-Theater se disolvió después de que uno de sus fundadores destrozara su teatro, celoso de la creciente influencia de Fassbinder dentro del grupo. [20] Rápidamente se reformó como Antiteatro bajo la dirección de Fassbinder . [20] La compañía vivió y actuó junta. En este grupo muy unido de jóvenes actores se encontraban Fassbinder, Peer Raben , Harry Baer y Kurt Raab , quienes junto con Hanna Schygulla e Irm Hermann se convirtieron en los miembros más importantes de su sociedad anónima cinematográfica. [20] Trabajando con el Anti-Theater, Fassbinder continuó escribiendo, dirigiendo y actuando. En el lapso de 18 meses dirigió 12 obras de teatro. De estas 12 obras, cuatro fueron escritas por Fassbinder; reescribió otros cinco.
El estilo de su dirección escénica se parecía mucho al de sus primeras películas, una mezcla de movimientos coreografiados y poses estáticas, inspirándose no en las tradiciones del teatro escénico, sino en los musicales, el cabaret, las películas y el movimiento de protesta estudiantil.
Después de realizar sus primeros largometrajes a los 24 años en 1969, Fassbinder centró los esfuerzos de su carrera como director de cine , pero mantuvo una presencia intermitente en el teatro hasta su muerte. Trabajó en diversas producciones por toda Alemania y a principios de los años 1970 realizó varias obras de radio . En 1974, a la edad de 29 años, Fassbinder tomó el control de la dirección del Theatre am Turm (TAT) de Frankfurt; Cuando este proyecto terminó en fracaso y controversia, Fassbinder se interesó menos por el teatro.
En honor a Rosa von Praunheim , Fassbinder puso en escena la obra Dedicada a Rosa von Praunheim .
Fassbinder utilizó su obra teatral como trampolín para realizar películas; y muchos de los actores y el equipo de Anti-Theater trabajaron con él a lo largo de toda su carrera (por ejemplo, hizo 20 películas cada una con las actrices Hanna Schygulla e Irm Herrmann). Estuvo fuertemente influenciado por el Verfremdungseffekt (efecto de alienación) de Brecht y el cine francés de la Nueva Ola , particularmente las obras de Jean-Luc Godard . [21] [22] También elogió Los condenados (1969) de Luchino Visconti como su película favorita. Otros cineastas que influyeron en Fassbinder fueron Howard Hawks , Michael Curtiz , Raoul Walsh y Nicholas Ray . [23]
Fassbinder desarrolló tempranamente sus rápidos métodos de trabajo. Como conocía tan bien a sus actores y técnicos, Fassbinder pudo realizar hasta cuatro o cinco películas al año con presupuestos extremadamente bajos. Esto le permitió competir con éxito por las subvenciones gubernamentales necesarias para seguir haciendo películas.
A diferencia de otros grandes autores del nuevo cine alemán, Volker Schlöndorff , Werner Herzog y Wim Wenders , que empezaron haciendo películas, la experiencia escénica de Fassbinder era evidente en toda su obra. Además, aprendió a manejar todas las fases de la producción, desde la escritura y la actuación hasta la dirección y gestión teatral. Esta versatilidad también surgió en sus películas donde, además de algunas de las responsabilidades antes mencionadas, Fassbinder se desempeñó como compositor, diseñador de producción, director de fotografía, productor y editor. También apareció en 30 proyectos de otros directores.
En 1976, Fassbinder había ganado prominencia internacional, premios en los principales festivales de cine , estrenos y retrospectivas en París, Nueva York y Los Ángeles, y se había publicado un estudio de su obra realizado por Tony Rayns . Todos estos factores ayudaron a convertirlo en un nombre familiar entre los cinéfilos y el público universitario de todo el mundo. Cuando no viajaba, vivía en Munich y alquilaba una casa en París con su ex esposa Ingrid Caven. [24] A menudo se le veía en bares gay de Nueva York, lo que le valió el estatus de héroe de culto, pero también una reputación controvertida dentro y fuera de sus películas. Sus películas fueron un elemento fijo en los cines de arte de la época después de que se hiciera conocido internacionalmente con Ali: Fear Eats the Soul . En 1977 fue miembro del jurado del 27º Festival Internacional de Cine de Berlín . [25]
A partir de los 21 años, Fassbinder realizó cuarenta y cuatro películas y dramas televisivos en 15 años, además de dirigir 15 obras de teatro. Estas películas fueron escritas o adaptadas para la pantalla en gran parte por Fassbinder. También fue director de arte en la mayoría de las primeras películas, editor o coeditor de muchas de ellas (a menudo acreditado como Franz Walsh, aunque la ortografía varía), y actuó en 19 de sus propias películas, así como para otros directores. [26] Escribió 14 obras de teatro, creó nuevas versiones de seis obras clásicas y dirigió o codirigió 25 obras de teatro. Escribió y dirigió cuatro obras de radio y escribió letras de canciones. Además, escribió 33 guiones y colaboró con otros guionistas en 13 más. Además de esto, ocasionalmente desempeñó muchos otros roles, como director de fotografía y productor en un pequeño número de ellos. Trabajando con un conjunto regular de actores y técnicos, pudo completar películas antes de lo previsto y, a menudo, por debajo del presupuesto y así competir con éxito por las subvenciones gubernamentales. Trabajó rápido, normalmente omitiendo los ensayos y optando por la primera toma. [26]
Se decía que las diez primeras películas de Fassbinder (1969-1971) eran una extensión de su trabajo en el teatro, filmadas generalmente con una cámara estática y con diálogos deliberadamente antinaturales. [27]
Entre 1971 y 1977, sus películas atrajeron la atención internacional, con películas inspiradas, con un efecto irónico, en los melodramas que Douglas Sirk realizó en Hollywood en la década de 1950. En estas películas, Fassbinder exploró cómo los prejuicios profundamente arraigados sobre raza, sexo, orientación sexual , política y clase son inherentes a la sociedad, al mismo tiempo que abordó su tema característico del fascismo cotidiano de la vida familiar y la amistad. [27]
Las películas finales, desde alrededor de 1977 hasta su muerte, fueron más variadas: en ocasiones se utilizaron actores internacionales y la sociedad anónima se disolvió, aunque los elencos de algunas películas todavía estaban llenos de clientes habituales de Fassbinder. [27] Se volvió cada vez más idiosincrásico en términos de trama, forma y tema en películas como El matrimonio de Maria Braun (1979), La tercera generación (1979) y Querelle (1982). También articuló sus temas en el medio burgués con su trilogía sobre las mujeres en la Alemania posfascista : The Marriage of Maria Braun (1979), The Angst of Veronica Voss and Lola .
"Me gustaría construir una casa con mis películas", comentó una vez Fassbinder. "Algunos son los sótanos, otros las paredes, otros las ventanas. Pero espero que al final sea una casa". [28]
El trabajo de Fassbinder como cineasta fue homenajeado en la exposición Fassbinder: Berlin Alexanderplatz de 2007 , organizada por Klaus Biesenbach en el Museo de Arte Contemporáneo junto con el Instituto Kunst-Werke de Arte Contemporáneo de Berlín. [29] Por su exposición en el MoMA, Klaus Biesenbach recibió el premio de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA).
Trabajando simultáneamente en teatro y cine, Fassbinder creó su propio estilo a partir de una fusión de las dos formas de arte. Sus diez primeras películas se caracterizan por un formalismo autoconsciente y asertivo . Influenciadas por Jean-Luc Godard , Jean-Marie Straub y las teorías de Bertolt Brecht , estas películas son de estilo austero y minimalista. Aunque elogiados por muchos críticos, resultaron demasiado exigentes e inaccesibles para un público masivo. En esta etapa Fassbinder ya había comenzado a trabajar con rapidez.
Filmado en blanco y negro con un presupuesto reducido en abril de 1969, el primer largometraje de Fassbinder, Love Is Colder Than Death (1969) ( Liebe ist kälter als der Tod ), fue una deconstrucción de las películas de gánsteres estadounidenses de las décadas de 1930 y 1940. y 1950. Fassbinder interpreta el papel principal de Franz, un proxeneta de poca monta que se debate entre su amante Joanna, una trabajadora sexual interpretada por Hanna Schygulla, y su amigo Bruno, un gángster enviado tras Franz por el sindicato al que él se ha negado a unirse. Joanna informa a la policía de un robo a un banco que los dos hombres han planeado. Bruno muere en el tiroteo, pero Franz y Joanna escapan. [30] [31]
El amor es más frío que la muerte es una película discreta con tono apagado, secuencias largas, actuaciones no naturalistas y poco diálogo. [32] [33] El éxito no fue inmediato. El amor es más frío que la muerte fue mal recibido en su estreno en el Festival de Cine de Berlín . La película, sin embargo, ya muestra los temas que permanecerían presentes en el trabajo posterior del director: la soledad, el anhelo de compañía y amor, y el miedo y la realidad de la traición. [34]
La segunda película de Fassbinder, Katzelmacher (1969), (término peyorativo bávaro para referirse a un trabajador extranjero del Mediterráneo), tuvo una acogida más positiva y obtuvo cinco premios tras su estreno en Mannheim . Presenta a un grupo de parejas jóvenes desarraigadas y aburridas que pasan gran parte de su tiempo charlando ociosamente, alardeando vacíamente, bebiendo, jugando a las cartas, intrigando o simplemente sentados. La llegada de Jorgos, un trabajador invitado procedente de Grecia, provoca una creciente curiosidad por parte de las mujeres y el antagonismo entre los hombres que viven en un bloque de apartamentos suburbano de Múnich. [35] Este tipo de crítica social, que presenta personajes alienados incapaces de escapar de las fuerzas de la opresión, es una constante en toda la obra de Fassbinder. Katzelmacher fue una adaptación de la primera obra producida por Fassbinder: una pieza corta que se amplió de cuarenta minutos a un largometraje, trasladando la acción de un pueblo rural a Munich y retrasando la aparición de Jorgos. [36]
Dioses de la plaga ( Götter der Pest ) es una sombría película de gánsteres con un escenario invernal, rodada principalmente en interiores y de noche. El personaje de Franz (de la primera película de Fassbinder, pero ahora interpretado por Harry Baer ) sale de prisión, pero vuelve a caer con la gente equivocada. Se une a su mejor amigo, un criminal bávaro negro que mató a su hermano, para asaltar un supermercado. Ambos hombres son traicionados por Joanna, la amante abandonada de Franz, que avisa a la policía. Franz muere y la película termina con su lacónico funeral. [37]
Similar en trama y personajes a Love is Colder than Death (1969) y The American Soldier (1970), el tema del amor homoerótico de Gods of the Plague reaparecería repetidamente en las películas del director. [38]
La última de las cuatro películas que Fassbinder rodó en 1969 fue la primera en color, ¿ Por qué Herr R. se vuelve loco? (Warum läuft Herr R. Amok?) . Fue codirigida por Michael Fengler (el amigo que había sido su camarógrafo en el cortometraje The Little Chaos en 1967). Fassbinder sólo esbozó los contornos de las escenas. Luego, Fengler y el elenco improvisaron el diálogo. Fassbinder afirmó que en realidad se trataba de trabajo de Fengler y no suyo. Sin embargo, los dos recibieron conjuntamente un premio de dirección por el proyecto en el concurso del Premio de Cine Alemán de 1971, y ¿ Por qué Herr R. se vuelve loco? siempre ha sido considerada una de las películas de Fassbinder. [39]
¿Por qué el señor R. se vuelve loco? Retrata la vida de Herr Raab, un dibujante técnico casado y con un hijo pequeño. Las presiones de la vida de clase media le pasan factura. La visita de una vecina provoca el incidente que da título a la película. Irritado por la incesante charla entre su mujer y su amiga mientras él intenta ver la televisión, Herr Raab mata al vecino de un golpe en la cabeza con un candelabro y luego mata tanto a su mujer como a su hijo. Más tarde, Herr Raab es encontrado ahorcado en el baño de una oficina. [40]
El tema principal de la película de gánsteres El soldado americano (Der Amerikanische Soldat) es que la violencia es una expresión de amor frustrado. Aquí es central un repentino y frenético estallido de pasión reprimida, la revelación del deseo y una necesidad de amor que ha sido frustrada y llega demasiado tarde. [41] El sicario del título (en realidad un alemán, interpretado por Karl Scheydt) es un asesino a sueldo a sangre fría que regresa de Vietnam a su Munich natal, donde es contratado por tres policías renegados para acabar con un número de indeseables. Al final acaba matando a la novia de uno de los policías con su amigo Franz Walsh (Fassbinder). La película se cierra con la música de la canción "Tanta ternura", escrita por Fassbinder y cantada por Gunther Kaufmann. The American Soldier es la tercera y última entrega de la trilogía libre de imágenes de gánsteres de Fassbinder formada por Love Is Colder Than Death y Gods of the Plague . Rinde homenaje al género de gánsteres de Hollywood y también alude a las narrativas raciales del gótico sureño .
En El viaje de Niklashausen ( Die Niklashauser Fahrt ), Fassbinder coescribe y codirige con Michael Fengler. Esta película de vanguardia, por encargo de la cadena de televisión WDR, se rodó en mayo de 1970 y se emitió en octubre del mismo año. [42] El viaje de Niklashausen se basó libremente en la vida real de Hans Boehm, un pastor que en 1476 afirmó que la Virgen María lo llamó para fomentar un levantamiento contra la iglesia y las clases altas. A pesar de un éxito temporal, los seguidores de Boehm finalmente fueron masacrados y él fue quemado en la hoguera. [42] La intención de Fassbinder era mostrar cómo y por qué fracasan las revoluciones. [43] Su enfoque fue comparar la agitación política y sexual de la Alemania feudal con la del movimiento contracultural y las protestas de 1968 . Fassbinder no aclaró el marco temporal de la acción, mezclando elementos medievales (incluidos algunos trajes, escenarios, discursos y música) con aquellos de otras épocas, como la Revolución Rusa, el período Rococó , la Alemania de posguerra y el Tercer Mundo . [43]
El viaje de Niklashausen , influenciado por Weekend de Jean-Luc Godard y Antonio das Mortes de Glauber Rocha , consta de sólo una docena de escenas, la mayoría de las cuales son cuadros teatrales en los que no hay movimiento de los personajes ni de la cámara. van de un orador a otro o son tomas en las que los personajes caminan de un lado a otro mientras pronuncian discursos revolucionarios sobre las luchas marxistas y los debates sobre teorías económicas. [44]
Ambientada en 1876, Whity se centra en el personaje principal, un mulato que trabaja como obsequioso sirviente en la mansión de una familia disfuncional en el sur de Estados Unidos. Es el hijo ilegítimo del patriarca de la familia y del cocinero negro. Whity intenta cumplir todas sus órdenes, por degradantes que sean, hasta que varios miembros de la familia le piden que mate a algunos de los demás. Finalmente los mata a todos y huye al desierto con una prostituta del bar local.
La película se rodó en Almería , España , en pantalla panorámica, en localizaciones construidas para los westerns realizados por Sergio Leone . Su producción fue particularmente traumática para el elenco y el equipo. Whity , una mezcla de melodrama euro-occidental y del sur de Estados Unidos, fue mal recibido por la crítica y se convirtió en el mayor fracaso de Fassbinder. La película no fue elegida para su estreno en cines ni hubo interés en transmitirla por televisión. Como resultado, Whity sólo fue visto como su estreno. No estuvo disponible hasta la década de 1990, cuando comenzó a proyectarse; ahora, como casi todas las películas de Fassbinder, está disponible en DVD .
Rio das Mortes , una comedia caprichosa, sigue a dos jóvenes sin perspectivas que intentan recaudar dinero para hacer realidad su sueño de encontrar un tesoro enterrado en Perú utilizando un mapa del Rio das Mortes . La novia de uno de ellos encuentra la idea estúpida y quiere ponerle fin, pero finalmente los dos amigos encuentran una patrona que financie su aventura. [45]
Basada en una idea de Volker Schlendorff , Rio das Mortes fue rodada en enero de 1970 después de ¿Por qué Herr R. se vuelve loco? , [40] pero fue transmitida por televisión un año después, en febrero de 1971. [46] La película parece construida de manera informal; el humor es suave y la trama ha sido criticada por su descuido y mal desarrollo de los personajes. [47] [48] Rio das Mortes es mejor recordado por una escena no relacionada con la trama, cuando la novia, interpretada por Schygulla, baila " Jailhouse Rock " de Elvis Presley en la máquina de discos en compañía de un torpe con chaqueta de cuero. juventud, interpretada por Fassbinder. [48]
Pioneros en Ingolstadt (Pioniere in Ingolstadt) fue una adaptación de unaobra epónima de Marieluise Fleißer escrita en 1927. [49] Sigue a dos mujeres jóvenes cuyas vidas se transforman cuando los ingenieros del ejército (los pioneros del título) llegan a su ciudad para construir una puente. Una de las mujeres coquetea de soldado en soldado, pero su amiga se enamora y es abandonada. [50]
Filmada en noviembre de 1970, Pioneros en Ingolstaldt fue un encargo para televisión. Fassbinder quería trasladar la trama de los años 20 a la Alemania contemporánea, pero los productores, temiendo ofender al ejército alemán, se negaron. Un compromiso no satisfizo a ninguna de las partes y, a mitad del proyecto, Fassbinder perdió interés en él. [49] La película sufrió como consecuencia y se encuentra entre las películas más débiles de Fassbinder. [44] [51] [52]
Las tensiones y la amargura que rodearon la realización de Whity llevaron a Fassbinder a desmantelar el proyecto colectivo del Anti-Theater como productora. En cambio, fundó su propia productora: Tango Films. [51] Pioneros en Ingolstadt , aunque transmitida antes del estreno en cines de Cuidado con una santa puta , fue la última película realizada por Fassbinder durante su período de formación. Al año siguiente, 1971, Fassbinder rodó sólo una película: El mercader de las cuatro estaciones . [51] [53] [54] [55]
Cuidado con una santa puta se basó, como muchas de las películas de Fassbinder, en una experiencia personal: el rodaje de su película anterior, el western revisionista Whity (1970). La película muestra a un director ególatra, acosado por una producción estancada, actores temperamentales y un equipo frustrado. Cuando se le pregunta de qué trata la película que está haciendo, responde: "brutalidad". La película termina con una ironía típica de Fassbinder, cuando el equipo se une al director. Cuidado con una santa puta marcó el final del período de vanguardia de Fassbinder. Presentaba una autocrítica tan amarga y radical que sus futuras películas tendrían que ser muy diferentes de las anteriores. Después de rodar diez películas en poco más de un año (esta película se rodó sólo unos meses después de Whity ) en un frenético estallido de creatividad, su campaña anti-cine y anti-teatro pareció concluir.
Después de Pioneros en Ingolstadt , Fassbinder se tomó un descanso de ocho meses en el cine. Durante este tiempo, buscó un modelo para el melodrama de Hollywood, en particular las películas que el emigrante alemán Douglas Sirk realizó en Hollywood para Universal-International en la década de 1950: Todo lo que el cielo permite , Magnífica obsesión e Imitación de la vida . Fassbinder se sintió atraído por estas películas no sólo por su valor de entretenimiento, sino también por su descripción de diversos tipos de represión y explotación.
Fassbinder consiguió su primer éxito comercial nacional con El mercader de las cuatro estaciones ( Händler der vier Jahreszeiten , 1971). [56] La película retrata a un matrimonio que son vendedores de frutas. Hans se enfrenta al rechazo de su familia después de agredir violentamente a su esposa por no ceder a su voluntad. Ella lo deja, pero después de que él sufre un infarto se reencuentran, aunque ahora él tiene que contratar a otros hombres. Su limitada capacidad para funcionar le lleva a reflexionar sobre su propia inutilidad. Literalmente bebe hasta morir.
El mercader de las cuatro estaciones utiliza el melodrama como estilo para crear estudios críticos de la vida alemana contemporánea para una audiencia general. Fue el primer esfuerzo de Fassbinder por crear lo que declaraba aspirar: una declaración cinematográfica de la condición humana que trascendiera las fronteras nacionales como lo habían hecho las películas de Michelangelo Antonioni , Ingmar Bergman y Federico Fellini . [57] También es la primera vez que se da cuenta de lo que aprendió de Sirk: que las personas, por pequeñas que sean, y sus emociones, por insignificantes que parezcan, pueden ser grandes en la pantalla de cine. [57]
La soledad es un tema común en la obra de Fassbinder, junto con la idea de que el poder se convierte en un factor determinante en todas las relaciones humanas. Sus personajes anhelan el amor, pero parecen condenados a ejercer un control a menudo violento sobre quienes les rodean. Un buen ejemplo son Las amargas lágrimas de Petra von Kant ( Die bitteren Tränen der Petra von Kant , 1972), que fue adaptada por Fassbinder de sus obras de teatro. El personaje principal es una diseñadora de moda que vive en un país de ensueño creado por ella misma y la acción se limita principalmente a su lujoso dormitorio. Tras el fracaso de su segundo matrimonio, Petra se enamora irremediablemente y obsesivamente de Karin, una astuta joven de clase trabajadora que quiere hacer carrera como modelo. La explotación de Petra por parte de la modelo refleja el extraordinario abuso psicológico de Petra hacia su silenciosa asistente, Marlene. Fassbinder retrata el lento colapso de estas relaciones como inevitable, y sus actrices (no hay hombres en la película) se mueven de una manera lenta, parecida a un trance, que insinúa un vasto mundo de anhelo debajo de la hermosa y frágil superficie.
Jail Bait ( Wildwechsel , 1972), también conocido como Wild Game , es una desoladora historia de angustia adolescente, ambientada en el norte industrial de Alemania durante la década de 1950. Como en muchas otras de sus películas, Fassbinder analiza la vida de la clase media baja con personajes que, incapaces de articular sus sentimientos, los entierran en frases estúpidas y actos violentos. [58] El amor se convierte en una lucha de poder de engaño y traición. La historia se centra en Hanni, una precoz colegiala de 14 años que inicia una relación con Franz, un joven de 19 años que trabaja en una planta procesadora de pollo. Su romance enfrenta la oposición de los conservadores padres de la niña. Franz es condenado a nueve meses de prisión por tener relaciones sexuales con una menor. Cuando sale en libertad condicional, continúan su relación y Hanni queda embarazada. Temerosa de la ira de su padre, convence a Franz para que lo mate. Cuando Franz regresa a prisión por este asesinato, Hanni le dice que su hijo murió al nacer y que su amor era "sólo físico". [59]
Realizada originalmente para la televisión alemana, Jail Bait se basó en una obra de Franz Xaver Kroetz , quien no estuvo de acuerdo violentamente con la adaptación de Fassbinder, calificándola de pornográfica. [60] Lo escabroso de su tema agravó la controversia.
Su única película de ciencia ficción , World on a Wire ( Welt am Draht , 1973), supuso un punto de partida para Fassbinder. Una adaptación de la novela pulp de ciencia ficción Simulacron-3 de Daniel F. Galouye , se realizó como una producción de dos partes de 205 minutos para televisión utilizando película de 16 mm durante una pausa de la larga producción de Effi Briest y en el mismo año como Martha y Ali: El miedo se come el alma .
Una historia de realidades dentro de realidades, World on a Wire sigue a un investigador que trabaja en el instituto de cibernética y ciencia del futuro, que comienza a investigar la misteriosa muerte de su mentor. Se esconde profundamente detrás de una computadora capaz de crear un mundo artificial con unidades que viven como seres humanos sin darse cuenta de que su mundo es solo una proyección de computadora. Realizada en el París contemporáneo, la película se inspiró estilísticamente en Alphaville (1965) de Jean-Luc Godard y en su tema de humanos artificiales que desean llegar a la vida real anticipó Blade Runner (1982) de Ridley Scott . [61]
Fassbinder obtuvo por primera vez éxito internacional con Fear Eats the Soul ( Angst essen Seele auf , 1974). Esta película se rodó en 15 días en septiembre de 1973 con un presupuesto muy bajo, situándose entre las más rápidas y baratas de Fassbinder. Sin embargo, el impacto en la carrera de Fassbinder y en sus estrenos en el extranjero sigue consolidándose como un trabajo grande e influyente. Ganó el Premio de la Crítica Internacional en Cannes y fue aclamada por la crítica de todo el mundo como una de las mejores películas de 1974.
Fear Eats the Soul se inspiró libremente en All That Heaven Allows (1955) de Sirk. Detalla la cruel respuesta de la familia y la comunidad a una señora de la limpieza blanca, anciana y solitaria, que se casa con un trabajador inmigrante marroquí negro, musculoso y mucho más joven. Los dos se sienten atraídos el uno hacia el otro por la soledad mutua. Cuando se conoce su relación, experimentan diversas formas de hostilidad y rechazo público. Poco a poco, su relación es tolerada, no por una aceptación real, sino porque quienes rodean a la anciana de buen corazón se dan cuenta de que su capacidad para explotarla está amenazada. A medida que las presiones externas sobre la pareja comienzan a disminuir, surgen conflictos internos.
Los personajes principales de Fassbinder tienden a ser ingenuos, ya sean hombres o mujeres, que son desengañados de sus ilusiones románticas de manera grosera, a veces asesina. Rodada en película de 16 mm y realizada para televisión, Martha (1974) es un melodrama sobre la crueldad en un matrimonio tradicional.
La trama se centra en el personaje principal, una bibliotecaria solterona. Poco después de la muerte de su padre, mientras estaba de vacaciones en Roma , Martha conoce a un rico ingeniero civil, que la sorprende. Se reencuentran en una boda en su ciudad natal de Constanza y pronto se casan. Sin embargo, su vida matrimonial se convierte en un ejercicio para que su marido exprese su sadismo y para Martha aguante su masoquismo. Su marido muestra su deseo por ella de forma violenta, dejando marcas en su cuerpo. Él controla obsesivamente su vida, su alimentación, sus gustos musicales y sus intereses, hasta que queda confinada en su casa. El deseo inicialmente positivo de Martha de agradar a su marido opresivo y abusivo la lleva a tal extremo que se vuelve trastornada, lo que la lleva a su propia parálisis física permanente.
Effi Briest fue la película soñada de Fassbinder y en la que invirtió más trabajo. Mientras que normalmente tardaba entre nueve y 20 días en hacer una película, esta vez requirió 58 días de rodaje, que se prolongaron a lo largo de dos años. [62] La película es una pieza de época adaptada de la novela clásica de Theodor Fontane de 1894, sobre las consecuencias del amor traicionado. Ambientada en la cerrada y represiva sociedad prusiana de la era Bismarck , la película pinta un retrato del destino de una mujer completamente ligado a un código de comportamiento social inflexible y absolutamente implacable. La trama sigue la historia de Effi Briest, una joven que busca escapar de su asfixiante matrimonio con un hombre mucho mayor entablando una breve aventura con un encantador soldado. Seis años después, el marido de Effi descubre su aventura de trágicas consecuencias.
La película sirvió como obra maestra para la musa y actriz favorita de Fassbinder, Hanna Schygulla , cuyo estilo de actuación imparcial se adaptaba a los papeles que el director creó para ella. Fassbinder la convirtió en una estrella, pero las diferencias artísticas al hacer a Effi Briest crearon una división que duró algunos años, hasta que Fassbinder la llamó de nuevo para asumir el papel de Maria Braun.
Like a Bird on a Wire ( Wie ein Vogel auf dem Draht ) es una producción televisiva de cuarenta minutos protagonizada por Brigitte Mira , la actriz principal de Fear eats the Soul , cantando canciones de cabaret y baladas de amor de las décadas de 1940 y 1950. Entre canción y canción, bebe y habla de sus maridos. El título está tomado de la canción " Bird on the Wire " de Leonard Cohen , con la que finaliza el programa.
Fassbinder consideró este proyecto "un intento de hacer un espectáculo sobre la época Adenauer . Para nosotros ciertamente no fue del todo exitoso. Pero la película revela la repulsividad y el sentimentalismo de la época", explicó. [63]
Muchas de las películas de Fassbinder tratan sobre la homosexualidad, de acuerdo con su interés en personajes que son marginados sociales, pero se alejó de la mayoría de las representaciones de homosexuales en las películas. En una entrevista en el Festival de cine de Cannes de 1975 , Fassbinder dijo sobre Fox y sus amigos : "Es ciertamente la primera película en la que los personajes son homosexuales, sin que la homosexualidad se convierta en un problema. En películas, obras de teatro o novelas, si aparecen homosexuales , la homosexualidad era el problema, o era un giro cómico. Pero aquí la homosexualidad se muestra como completamente normal, y el problema es algo muy diferente, es una historia de amor, donde una persona explota el amor de la otra, y ese es el historia que siempre cuento". [64]
En Fox y sus amigos ( Faustrecht der Freiheit , 1974) un dulce pero poco sofisticado homosexual de clase trabajadora gana la lotería y se enamora del elegante hijo de un industrial. Su amante intenta moldearlo para convertirlo en un espejo dorado de los valores de la clase alta, mientras se apropia de las ganancias de la lotería de Fox para sus propios fines. Finalmente destruye las ilusiones de Fox, dejándolo con el corazón roto y en la indigencia.
Fassbinder trabajó dentro de los límites del melodrama de Hollywood, aunque la película se basa parcialmente en la difícil situación de su entonces amante Armin Meier (a quien está dedicada la película). La película se destaca por la interpretación de Fassbinder como el desafortunado Fox, en un papel protagónico autodirigido.
Fox and His Friends ha sido considerado homofóbico por algunos y demasiado pesimista por otros. [65] Sorprendentemente, los homosexuales de la película no son diferentes de los igualmente lujuriosos heterosexuales de la película. El pesimismo de la película se ve superado con creces por la acusación que hace Fassbinder de Fox como un participante activo en su propia victimización, una crítica familiar que se encuentra en muchas de las películas del director.
En el melodrama Viaje al cielo de Mother Küsters ( Mutter Küsters Fahrt zum Himmel ), Emma Küsters se convierte en el centro de la atención mediática y política después de que su marido, un trabajador de una fábrica, matara a su supervisor o al hijo de su supervisor y luego a sí mismo cuando se produjeron despidos. Anunciado. La película se basó tanto en los melodramas de Sirk como en las películas de trabajadores de la era de Weimar, conectando los géneros para contar una historia política sobre la mayoría de edad sobre la Madre Küsters, que busca comprender qué llevó a las acciones de su marido y cómo responder. [66] La película es muy crítica con la política y los medios de comunicación de la época, ya que las personas a las que recurre Emma Küsters explotan a ella y a su experiencia. Los medios de comunicación, los comunistas, los anarquistas e incluso los miembros de su propia familia aprovechan la tragedia de Madre Küsters para promover sus propias agendas.
Realizada para la televisión alemana, Fear of Fear ( Angst vor der Angst ) es un drama psicológico sobre un ama de casa de clase media, encerrada en una vida aburrida con un marido distraído, dos niños pequeños y unos suegros abiertamente hostiles. Se vuelve adicta al Valium y al alcohol abrumada por una ansiedad irracional y el miedo a su inexorable descenso a la locura.
Fear of Fear tiene un tema similar a Martha , que también retrata el efecto de un matrimonio disfuncional en un ama de casa oprimida; el papel central lo desempeñó nuevamente Margit Carstensen .
Sólo quiero que me ames ( Ich will doch nur, daß ihr mich liebt , 1976) cuenta la historia de Peter, un trabajador de la construcción encarcelado por homicidio involuntario. Su vida se cuenta en una serie de flashbacks. Peter, un hombre trabajador, dedica su tiempo libre a construir una casa para sus fríos y poco amorosos padres. Se casa y encuentra trabajo en otra ciudad, pero en su desesperado anhelo de afecto intenta comprar el amor de quienes lo rodean con costosos obsequios que pronto lo hacen caer en una espiral de deudas. Cuando ve su propio amor no correspondido por sus padres reflejado durante una discusión en un bar, mata a un hombre que actúa como representante de su padre.
La película fue hecha para televisión y filmada durante una pausa mientras se hacía Satan's Brew . Basada en un relato real extraído de For Life , un libro de entrevistas editado por Klaus Antes y Christiane Erhardt, se trataba de las reflexiones personales de Fassbinder sobre la infancia y la adolescencia. [ cita necesaria ]
En una época de crisis profesional, Fassbinder realizó Satan's Brew ( Satansbraten , 1976) una desoladora comedia amoral que rinde homenaje al teatro de la crueldad de Antonin Artaud . Alejado estilísticamente de los melodramas que le dieron a conocer internacionalmente, Satan's Brew dio paso a una nueva etapa en su carrera. En Satan's Brew , un poeta neurótico que sufre un bloqueo de escritor lucha por llegar a fin de mes mientras lidia con una esposa frustrada y sufrida, un hermano medio tonto y varias prostitutas y mujeres masoquistas que entran y salen de su vida. Se convence a sí mismo de ser la reencarnación del poeta romántico gay Stefan George (1868-1933) después de plagiar su poema Los Albatros . [67]
El entusiasmo por las películas de Fassbinder creció rápidamente después de Fear Eats the Soul . Vincent Canby rindió homenaje a Fassbinder como "el talento más original desde Godard". En 1977, el New Yorker Theatre de Manhattan celebró un Festival Fassbinder.
Sin embargo, a medida que el entusiasmo por Fassbinder crecía fuera de Alemania, sus películas seguían sin impresionar al público local. En casa, era más conocido por su trabajo televisivo y por su abierta homosexualidad. Sumado a los temas controvertidos de sus películas (terrorismo, violencia estatal , racismo , política sexual), parecía que todo lo que hacía Fassbinder provocaba u ofendía a alguien.
Tras culminar en 1978 sus últimos emprendimientos de bajo presupuesto y muy personales ( En un año de 13 lunas y La tercera generación ) se concentraría en realizar películas cada vez más llamativas y estilizadas. Sin embargo, su serie de televisión Berlin Alexanderplatz fue una adaptación naturalista de la novela en dos volúmenes de Alfred Döblin , que Fassbinder había leído muchas veces.
La Ruleta China ( Chinesisches Roulette ) es un thriller gótico con un reparto coral. La película sigue a Ángela, una niña lisiada de doce años, que, debido a la falta de cariño de sus padres, organiza un encuentro entre ellos y sus respectivos amantes en la finca familiar. La película culmina con un juego de adivinar la verdad. Los jugadores se dividen en dos equipos, que por turnos eligen a un miembro del otro lado y le hacen preguntas sobre personas y objetos. El juego se juega por sugerencia de Ángela, que juega contra su madre. Cuando la madre pregunta: "En el Tercer Reich , ¿quién habría sido esa persona?", la respuesta de Ángela es "Comandante del campo de concentración de Bergen Belsen "; es su madre a quien está describiendo. [68]
En las películas de Fassbinder no hay finales felices. Sus protagonistas, normalmente hombres o mujeres débiles con tendencias masoquistas, pagan un alto precio por su victimización. La esposa del jefe de estación ( Bolwieser ) está basada en una novela de 1931, Bolwieser: La novela de un marido, del escritor bávaro Oskar Maria Graf . La trama sigue la caída de Xaver Bolwieser, un jefe de estación de ferrocarril sometido a la voluntad de su dominante e infiel esposa, cuyas repetidas infidelidades arruinan por completo la vida de Bolwieser. Transmitida inicialmente como una serie de televisión de dos partes, The Stationmaster's Wife se redujo a un largometraje de 112 minutos y se estrenó en el primer aniversario de la muerte de Fassbinder. La película está protagonizada por Kurt Raab , el amigo íntimo de Fassbinder a quien el director suele interpretar como un hombre patético. Raab también fue escenógrafo de las películas de Fassbinder hasta que su amistad y relación profesional se rompieron después de realizar esta película. [69]
Alemania en otoño (Deutschland im Herbst) es una película colectiva , una obra colectiva de ocho cineastas alemanes, entre ellos Fassbinder, Alf Brustellin , Volker Schlöndorff , Bernhard Sinkel y Alexander Kluge , principal organizador del proyecto. Echaron un vistazo a la ola de culpa y paranoia que afligió ala sociedad y a sus autoridades de Alemania Occidental en los meses transcurridos entre el secuestro y asesinato del industrial Hanns Martin Schleyer por miembros de la Facción del Ejército Rojo y las muertes de Andreas Baader , Gudrun Ensslin y Jan -Carl Raspe en la prisión de Stammheim . La película es un documento sobre el terrorismo y sus consecuencias sociopolíticas. Comienza con el velorio de Schleyer, un segmento filmado por Alexander Kluge y Volker Schlöndorff, y termina con el tumultuoso funeral conjunto de Baader, Ensslin y Raspe en Stuttgart.
Fassbinder realizó tres películas en inglés , idioma que no dominaba: Despair (1978), Lili Marleen (1980) y Querelle (1982). Las tres películas cuentan con actores internacionales y son muy ambiciosas, pero cada una de ellas enfrentó problemas artísticos y comerciales. [70] Despair está basada en la novela de 1936 del mismo nombre de Vladimir Nabokov , adaptada por Tom Stoppard y protagonizada por Dirk Bogarde . Se realizó con un presupuesto de 6.000.000 DEM , superando el coste total de las primeras 15 películas de Fassbinder.
Despair – Un viaje hacia la luz ( Despair – Eine Reise ins Licht ) cuenta la historia de Hermann Hermann, un emigrado ruso desequilibrado y magnate del chocolate, cuyo negocio y matrimonio se han vuelto amargos. La fábrica está al borde de la quiebra y su vulgar esposa le es crónicamente infiel. Trama un elaborado complot para adoptar una nueva identidad con la creencia de que eso lo liberará de todas sus preocupaciones. La historia del descenso de Hermann a la locura se yuxtapone al ascenso del nacionalsocialismo en la Alemania de los años treinta.
En un año de trece lunas ( In einem Jahr mit 13 Monden , 1978) es la obra más personal y desoladora de Fassbinder. La película sigue la trágica vida de Elvira, una transexual antes conocida como Erwin. En los últimos días antes de su suicidio, decide visitar algunas de las personas y lugares importantes de su vida. En una secuencia, Elvira deambula por el matadero donde trabajó como Erwin, contando su historia en medio de cadáveres de ganado con ganchos para carne cuyas gargantas cortadas hacen llover sangre sobre el suelo. [71] En otra escena, Elvira regresa al orfanato donde fue criada por monjas y escucha la brutal historia de su infancia. La cámara de Fassbinder sigue a la monja (interpretada por su madre) que cuenta la historia de Elvira; se mueve con una especie de precisión militar por el terreno, contando la historia con gran detalle, sin darse cuenta de que Elvira se ha desplomado y ya no puede oírla.
En un año de trece lunas fue explícitamente personal, una reacción al suicidio de su ex amante Armin Meier. [72] Además de escribir, dirigir y editar, Fassbinder también diseñó la producción y trabajó como camarógrafo. Cuando la película se proyectó en el Festival de Cine de Nueva York en octubre de 1979, el crítico Vincent Canby (que defendió el trabajo de Fassbinder en los Estados Unidos) escribió: "Su único rasgo redentor es la genialidad". [73]
Con Las bodas de Maria Braun ( Die Ehe der Maria Braun ), su mayor éxito, Fassbinder finalmente logró la aceptación popular que buscaba entre el público alemán. El personaje principal es una mujer ambiciosa y de fuerte voluntad separada de su marido hacia el final de la Segunda Guerra Mundial. La trama sigue el constante ascenso de Maria Braun como una exitosa mujer de negocios durante la era Adenauer . El sueño de María de una vida feliz con su marido sigue sin cumplirse. Sus logros profesionales no van acompañados de felicidad personal. [74] La película, construida según la tradición hollywoodense de "fotografías de mujeres" que presentan a una mujer superando dificultades, sirve también como una parábola del milagro económico de Alemania Occidental encarnado en el personaje de Maria Braun. Su historia de manipulación y traición es paralela a la espectacular recuperación económica de Alemania en la posguerra en términos de su costo en valores humanos. [75]
La película fue la primera parte de una trilogía centrada en las mujeres durante el " milagro económico " de la posguerra que se completó con Lola (1981) y Veronika Voss (1982).
El éxito económico de Las bodas de Maria Braun permitió a Fassbinder saldar sus deudas y emprender un proyecto personal, La tercera generación ( Die Dritte Generation , 1979), una comedia negra sobre el terrorismo. Fassbinder encontró difícil conseguir respaldo financiero para esta película y finalmente se hizo con un presupuesto pequeño y dinero prestado. [76] Como hizo con En un año de trece lunas , Fassbinder volvió a trabajar como camarógrafo de la película. [77]
La película trata sobre un grupo de aspirantes a terroristas de origen burgués de izquierda que secuestran a un industrial durante la temporada de carnaval sin saber que han sido manipulados por el capitalista y las autoridades cuya agenda oculta es que el terrorismo cree una demanda de equipo de seguridad y obtenga apoyo para gobiernos más duros. medidas de seguridad. Las acciones de la ineficaz célula de terroristas clandestinos se superponen con una banda sonora llena de noticieros, locuciones, música y galimatías. El tema político de la película generó polémica. [ cita necesaria ]
Volviendo a sus exploraciones de la historia alemana, Fassbinder finalmente hizo realidad su sueño de adaptar la novela Berlin Alexanderplatz de Alfred Döblin de 1929 . Una serie de televisión que duró más de 13 horas, con una coda de dos horas (estrenada en Estados Unidos como un largometraje de 15 horas), fue la culminación de los temas interrelacionados del director: el amor, la vida y el poder. [78]
Berlin Alexanderplatz se centra en Franz Biberkopf, un ex convicto y proxeneta menor, que intenta no meterse en problemas pero se ve arrastrado por el crimen, la pobreza y la duplicidad de quienes lo rodean. Su mejor amigo, Reinhold, le hace perder un brazo y asesina a la novia prostituta de Franz, Mieze. El triángulo amoroso de Franz, Reinhold y Mieze se sitúa en contra de la creciente ola del nazismo en Alemania. La película enfatizó la relación sadomasoquista entre Biberkopf y Reinhold enfatizando su naturaleza homoerótica. Fassbinder había leído el libro a los 14 años; Más tarde afirmó que le ayudó a sobrevivir a una "pubertad asesina". La influencia de la novela de Döblin se puede ver en muchas de las películas de Fassbinder, la mayoría de cuyos protagonistas se llaman Franz, algunos con el apellido Biberkopf como el ingenuo ganador de la lotería de la clase trabajadora en Fox and His Friends , interpretado por Fassbinder. También adoptó el seudónimo de Franz Walsch para su trabajo como editor de sus propias películas: Walsch era un homenaje indirecto al director Raoul Walsh . [ cita necesaria ]
Fassbinder abordó el período nazi con Lili Marleen , una coproducción internacional, rodada en inglés y con un gran presupuesto. El guión se basó vagamente en la autobiografía del cantante de la Segunda Guerra Mundial Lale Andersen , The Sky Has Many Colors . [79] La película está construida como un gran y desgarrador melodrama de Hollywood en su descripción de la historia de amor incumplida entre un cantante de variedades alemán separado por la guerra y un compositor judío suizo. Un elemento central de la historia es la canción que da título a la película. [ cita necesaria ]
Fassbinder presenta el período de la Alemania nazi como un desarrollo predecible de la historia alemana que fue escenificado como un espectáculo apoyado por el odio. Filmada con una morbosa nostalgia por las esvásticas , la ostentación del mundo del espectáculo y como un romance de capa y espada, el tema principal de Lili Marleen es la pregunta: ¿es moralmente justificable sobrevivir bajo el nacionalsocialismo, como lo hace la ingenua cantante al tener una carrera exitosa? ? [80]
Theatre In Trance es un documental que Fassbinder rodó en Colonia en junio de 1981 en el festival "Teatros del Mundo". Sobre escenas de grupos como el Squat Theatre y el Tanztheater Wuppertal, Pina Bausch Fassbinder pronunció pasajes de Antonin Artaud , así como sus propios comentarios. [81]
Lola cuenta la historia de un comisionado de obras nuevo y íntegro que llega a un pequeño pueblo. Se enamora de Lola, sin darse cuenta inocentemente de que ella es una famosa prostituta y la amante de un promotor sin escrúpulos. Incapaz de reconciliar su imagen idealista de Lola con la realidad, el comisionado cae en la misma corrupción que había tratado de combatir.
Fassbinder ganó el Oso de Oro en el 32º Festival Internacional de Cine de Berlín por Veronika Voss . [82] El título original en alemán, Die Sehnsucht der Veronika Voss , se traduce como "El anhelo de Veronika Voss". Ambientada en la década de 1950, la película describe los años del ocaso del personaje principal, una estrella nazi descolorida. Un reportero deportivo queda cautivado por la desequilibrada actriz y descubre que está bajo el poder de un médico malvado que le suministra las drogas que anhela siempre que pueda pagar la tarifa exorbitante. A pesar de los mejores intentos del periodista, éste no logra salvarla de un final terrible. [83]
Fassbinder no vivió para ver el estreno de su última película, Querelle , basada en la novela Querelle de Brest de Jean Genet . [84] La trama sigue al personaje principal, un apuesto marinero que es ladrón y estafador. Frustrado por una relación homoerótica con su propio hermano, Querelle traiciona a quienes lo aman y les paga incluso con el asesinato.
Fassbinder tuvo relaciones tanto con hombres como con mujeres . Rara vez mantuvo su vida profesional y personal separada, y era conocido por incluir a familiares, amigos y amantes en sus películas. Al principio de su carrera tuvo una relación duradera pero fracturada con Irm Hermann , una exsecretaria a la que obligó a convertirse en actriz. [85] Fassbinder generalmente la elegía para papeles poco glamorosos, sobre todo como la esposa infiel en El mercader de las cuatro estaciones y la asistente silenciosa y abusada en Las amargas lágrimas de Petra von Kant .
Hermann lo idolatraba, pero Fassbinder la atormentó y torturó durante más de una década. [86] Esto incluía violencia doméstica : "No podía concebir que yo lo rechazara, y lo intentó todo. Casi me mata a golpes en las calles de Bochum ..." [87] En 1977, Hermann se involucró románticamente con otro hombre y quedó embarazada de él. Fassbinder le propuso matrimonio y se ofreció a adoptar al niño; ella lo rechazó. [88]
En 1969, mientras interpretaba el papel principal en la película para televisión Baal bajo la dirección de Volker Schlöndorff , Fassbinder conoció a Günther Kaufmann , un actor bávaro negro que tenía un papel secundario en la película. A pesar de que Kaufmann estaba casado y tenía dos hijos, Fassbinder se enamoró perdidamente de él. Los dos comenzaron una relación turbulenta que finalmente afectó la producción de Baal . Fassbinder intentó comprarse el amor de Kaufmann eligiéndole papeles importantes en sus películas y comprándole regalos caros. [89]
Kaufmann disfrutó la atención y se volvió más exigente. Fassbinder le compró cuatro Lamborghinis en un año; Kauffmann destruyó uno y vendió los demás si no cumplían con sus expectativas. [90] La relación llegó a su fin cuando Kaufmann se involucró sentimentalmente con el compositor Peer Raben . Después del final de su relación, Fassbinder continuó eligiendo a Kaufmann para sus películas, aunque en papeles menores. [91] Kaufmann apareció en 14 de las películas de Fassbinder, con el papel principal en Whity (1971).
Aunque afirmó oponerse al matrimonio como institución, en 1970 Fassbinder se casó con Ingrid Caven , una actriz que aparecía habitualmente en sus películas. La recepción de su boda fue reciclada en la película que estaba haciendo en ese momento, El soldado americano . [92] Su relación de admiración mutua sobrevivió al completo fracaso de su matrimonio de dos años. "La nuestra fue una historia de amor a pesar del matrimonio", explicó Caven en una entrevista, añadiendo sobre la sexualidad de su ex marido : "Rainer era un homosexual que también necesitaba una mujer. Es así de simple y así de complejo". [93] Las tres mujeres más importantes de la vida de Fassbinder, Irm Hermann , Ingrid Caven y Juliane Lorenz , su última pareja, no se sintieron perturbadas por su relación romántica y sexual con los hombres. [94]
En 1971, Fassbinder inició una relación con El Hedi ben Salem , un bereber marroquí que había abandonado a su esposa y a sus cinco hijos el año anterior, tras conocerlo en una casa de baños gay en París. [91] [95] Durante los siguientes tres años, Salem apareció en varias producciones de Fassbinder. Su papel más conocido fue el de Ali en Ali: Fear Eats the Soul (1974). Su relación de tres años estuvo marcada por los celos, la violencia y el consumo excesivo de drogas y alcohol. Fassbinder finalmente terminó la relación en 1974, debido al alcoholismo crónico de Salem y su tendencia a volverse violento cuando bebía. Poco después de la ruptura, Salem apuñaló a tres personas (ninguna mortalmente) en Berlín y tuvo que ser sacado clandestinamente de la ciudad. [96] Salem finalmente llegó a Francia, donde fue arrestado y encarcelado. Se ahorcó mientras estaba bajo custodia en 1977. [97] Fassbinder ocultó la noticia del suicidio de Salem durante años. [98] Finalmente se enteró de la muerte de su ex amante poco antes de su propia muerte en 1982 y dedicó su última película, Querelle , a Salem. [97]
El siguiente amante de Fassbinder fue Armin Meier . Meier era un ex carnicero casi analfabeto que había pasado sus primeros años en un orfanato. [99] También apareció en varias películas de Fassbinder en este período. Un vistazo a su problemática relación se puede ver en el episodio de Fassbinder para Alemania en otoño (1978). [100] Fassbinder terminó la relación en abril de 1978. Durante la semana del cumpleaños de Fassbinder (31 de mayo), Meier consumió deliberadamente cuatro frascos de pastillas para dormir y alcohol en la cocina del apartamento que él y Fassbinder habían compartido anteriormente. Su cuerpo fue encontrado una semana después. [101]
En los últimos cuatro años de la vida de Fassbinder, su compañera fue Juliane Lorenz (nacida en 1957), la editora de sus películas durante los últimos años de su vida. Se la puede ver en un pequeño papel como la secretaria del productor de cine en Veronika Voss . [102] Según Lorenz, consideraron casarse pero nunca lo hicieron. [24] [103] Aunque se informó que se separaron en su último año, [104] una acusación que Lorenz ha negado, [105] todavía vivían juntos en el momento de su muerte. [106]
Los escándalos y controversias mediáticos hicieron que en Alemania Fassbinder apareciera permanentemente en las noticias, haciendo comentarios calculadamente provocativos en las entrevistas. Su trabajo recibió a menudo críticas mixtas por parte de los críticos nacionales, muchos de los cuales sólo empezaron a tomarlo en serio después de que la prensa extranjera lo aclamara como un director importante. [107] [ cita breve incompleta ]
Hubo frecuentes denuncias de su estilo de vida en la prensa y ataques por todos lados por parte de los grupos a los que ofendían sus películas. [108] Su serie de televisión Ocho horas no hacen un día fue cortada de ocho a cinco episodios después de la presión de los conservadores. [108] El dramaturgo Franz Xaver Kroetz demandó por la adaptación de Fassbinder de su obra Jail Bait , alegando que era obscena . [109] Lesbianas y feministas acusaron a Fassbinder de misoginia (al presentar a las mujeres como cómplices de su propia opresión) en sus 'Imágenes de mujeres'. [108] [110] Las lágrimas amargas de Petra von Kant han sido citadas por algunos críticos feministas y homosexuales como homofóbicas y sexistas . [108]
Los críticos homosexuales también criticaron a Fox y sus amigos por no representar positivamente la homosexualidad en la sociedad burguesa , sintiendo que Fassbinder los había traicionado. [108] Los conservadores lo atacaron por su asociación con la extrema izquierda . Los marxistas dijeron que había vendido sus principios políticos en sus descripciones de las manipulaciones intelectuales de la izquierda en Viaje al cielo de Madre Küsters y de un terrorista tardío en La tercera generación . La Alexanderplatz de Berlín fue trasladada a un espacio de televisión nocturno en medio de quejas generalizadas de que no era apto para niños. [108] Las críticas más acaloradas vinieron por su obra Trash, the City and Death , cuya representación prevista en el Theatre am Turm de Frankfurt fue cancelada a principios de 1975 en medio de acusaciones de antisemitismo . En medio de la agitación, Fassbinder renunció a su dirección de ese prestigioso complejo teatral, quejándose de que la obra había sido mal interpretada. La obra trata sobre un hombre de negocios judío sin escrúpulos y muy codicioso en Frankfurt que utiliza despiadadamente la culpa alemana por el Holocausto para hacerse rico. Aunque se publicó en ese momento y se retiró rápidamente, la obra no se representó hasta cinco años después de la muerte de Fassbinder por Thieves Theatre en 1987 en ABC No Rio . [111] [108]
Cuando hizo su última película, Querelle (1982), Fassbinder consumía cantidades importantes de drogas y alcohol. La noche del 9 al 10 de junio de 1982, Wolf Gremm , director de la película Kamikaze 1989 (1982), protagonizada por Fassbinder, se alojaba en su apartamento. [112] Temprano esa noche, Fassbinder se retiró a su dormitorio. Estaba trabajando en notas para una futura película, Rosa L , basada en la vida de la socialista revolucionaria polaco-alemana Rosa Luxemburgo . Fassbinder estaba mirando la televisión mientras leía cuando, poco después de la 1 de la madrugada, recibió una llamada telefónica de su amigo y asistente Harry Baer. [113] A las 3:30 am, cuando Juliane Lorenz llegó a casa, escuchó el ruido de la televisión en la habitación de Fassbinder, pero no podía oírlo roncar. Aunque no se le permitió entrar a la habitación sin ser invitada, ella entró y descubrió su cuerpo sin vida con un cigarrillo todavía entre los labios. [112] Una fina cinta de sangre goteaba de una fosa nasal. [114]
Fassbinder murió por una sobredosis de cocaína [115] y barbitúricos . [116] Las notas de Rosa L fueron encontradas junto a su cuerpo. [113] Sus restos fueron enterrados en Bogenhausener Friedhof en Munich.
