Este artículo sobre el desarrollo de los temas en la pintura renacentista italiana es una extensión del artículo Pintura renacentista italiana , para el que se incluyen imágenes adicionales con comentarios. Las obras abarcadas abarcan desde Giotto a principios del siglo XIV hasta El Juicio Final de Miguel Ángel de la década de 1530.
Los temas que preocupaban a los pintores del Renacimiento italiano eran tanto el tema como la ejecución: lo que se pintaba y el estilo en el que se pintaba. El artista tenía mucha más libertad tanto en cuanto al tema como al estilo que tenía un pintor medieval . Ciertos elementos característicos de la pintura renacentista evolucionaron mucho durante el período. Entre ellos se encuentran la perspectiva , tanto en términos de cómo se lograba como de los efectos a los que se aplicaba, y el realismo, en particular en la representación de la humanidad, ya sea como elemento simbólico, de retrato o narrativo.
Temas
La Flagelación de Cristo de Piero della Francesca (arriba) muestra en una única y pequeña obra muchos de los temas de la pintura renacentista italiana, tanto en términos de elementos compositivos como de temática. Inmediatamente se aprecia el dominio de Piero de la perspectiva y la luz. Los elementos arquitectónicos, incluido el suelo de baldosas que se vuelve más complejo alrededor de la acción central, se combinan para crear dos espacios. El espacio interior está iluminado por una fuente de luz invisible a la que Jesús mira. Su ubicación exacta se puede determinar matemáticamente mediante un análisis de la difusión y el ángulo de las sombras en el techo artesonado. Las tres figuras que están de pie en el exterior están iluminadas desde un ángulo diferente, tanto por la luz del día como por la luz reflejada por el pavimento y los edificios.
La ejecución artística de las figuras representadas está ligada al contexto histórico inmediato de la pintura. La figura de Poncio Pilato (sentado, en el extremo izquierdo) es un retrato del emperador bizantino de visita . [1] La flagelación también se llama "azote". El término "azote" se aplicó a la peste . Fuera de la sala, en el primer plano de la pintura, hay tres hombres que representan a quienes enterraron el cuerpo de Cristo. Se cree que los dos hombres mayores, Nicodemo y José de Arimatea , son retratos de conocidos de Piero della Francesca que habían perdido recientemente a sus hijos, uno de ellos a causa de la peste. La tercera figura, el joven discípulo San Juan Evangelista , puede ser un retrato de uno de los hijos, o bien representarlos a ambos en una única figura idealizada, pintada en un estilo similar a los ángeles de Piero en otras pinturas. [2]
Elementos de la pintura renacentista
La pintura renacentista se diferenciaba de la pintura del período medieval tardío en su énfasis en la observación cercana de la naturaleza, particularmente con respecto a la anatomía humana, y la aplicación de principios científicos al uso de la perspectiva y la luz.
Perspectiva lineal
Los artistas del Renacimiento pudieron practicar el arte de la ilusión tridimensional utilizando la perspectiva lineal, principalmente a través de la representación de la arquitectura, lo que le dio a sus obras una mayor sensación de profundidad. [3] Las imágenes de la galería a continuación muestran el desarrollo de la perspectiva lineal en edificios y paisajes urbanos.
En el fresco de Giotto , el edificio es como un escenario con un lado abierto al espectador.
La Santísima Trinidad de Masaccio fue pintada con proporciones matemáticas cuidadosamente calculadas, en lo que probablemente contó con la ayuda del arquitecto Brunelleschi .
Fra Angelico utiliza el motivo simple de una pequeña logia diseñada con precisión para crear un espacio íntimo.
Domenico Ghirlandaio creó un entorno excepcionalmente complejo y amplio en tres niveles, que incluye una rampa de pronunciada pendiente y un muro saliente. Algunos elementos del paisaje, como la iglesia de la derecha, se ven parcialmente a través de otras estructuras.
El diseño de Rafael para Fuego en el Borgo muestra edificios alrededor de una pequeña plaza en la que los acontecimientos del fondo se resaltan gracias a la perspectiva.
La representación del paisaje se vio estimulada por el desarrollo de la perspectiva lineal y la inclusión de paisajes detallados en el fondo de muchas pinturas de los primeros Países Bajos del siglo XV. También a través de esta influencia surgió una conciencia de la perspectiva atmosférica y la observación de la forma en que la luz afecta a las cosas distantes.
Giotto utiliza algunas rocas para dar la impresión de un entorno montañoso.
Paolo Uccello ha creado un decorado detallado y surrealista que sirve de escenario para numerosas pequeñas escenas.
En el Descendimiento del cuerpo de Cristo de Carpaccio , el desolado paisaje rocoso se hace eco de la tragedia de la escena.
El paisaje de Mantegna tiene una cualidad escultórica y tridimensional que sugiere un espacio físico real. Los detalles de las rocas, sus estratos y fracturas sugieren que estudió las formaciones geológicas de la caliza roja predominante en las zonas del norte de Italia.
Antonello da Messina sitúa la sombría escena de la Crucifixión en contraste con el plácido paisaje que se extiende a lo lejos, volviéndose más pálido y azul a medida que se aleja.
Giovanni Bellini ha creado un paisaje detallado con una escena pastoral entre las montañas del primer plano y del fondo. Hay numerosos niveles en este paisaje, lo que lo convierte en el equivalente del complejo paisaje urbano de Ghirlandaio (arriba).
Perugino ha situado la Adoración de los Magos en el familiar paisaje montañoso de Umbría .
Leonardo da Vinci, muestra un uso teatral de la perspectiva atmosférica en su vista de las escarpadas montañas alrededor del Lago di Garda en las estribaciones de los Alpes en el norte de Italia.
La luz y la sombra existen en una pintura en dos formas. El tono es simplemente la claridad y la oscuridad de las áreas de una imagen, graduadas del blanco al negro. La disposición tonal es una característica muy significativa de algunas pinturas. El claroscuro es el modelado de las superficies aparentes dentro de una imagen mediante la sugerencia de luz y sombra. Si bien el tono era una característica importante de las pinturas del período medieval, el claroscuro no lo era. Se volvió cada vez más importante para los pintores del siglo XV, transformando la representación del espacio tridimensional.
La Anunciación a los pastores de Taddeo Gaddi es la primera pintura de gran formato conocida de una escena nocturna. La fuente de luz interna del cuadro es el ángel.
En El sueño del emperador , Piero della Francesca retoma el tema de la escena nocturna iluminada por un ángel y aplica sus conocimientos científicos sobre la difusión de la luz. El patrón tonal así creado es un elemento significativo en la composición del cuadro.
En su Agonía en el Huerto , Giovanni Bellini utiliza el atardecer en una tarde nublada para crear una atmósfera de tensión y tragedia inminente.
En el retrato formal de Domenico Veneziano , el uso del claroscuro para modelar la forma es escaso. Sin embargo, la pintura se apoya fuertemente en los contrastes tonales del rostro pálido, el fondo de tono medio y la prenda oscura con corpiño estampado para lograr el efecto deseado.
Filippino Lippi utiliza el claroscuro para modelar el rostro del retratado y definir los detalles de su sencilla prenda. La luz y la sombra en el borde de la ventana definen el ángulo de la luz.
La autoría sugerida de este retrato de principios del siglo XVI [ aclaración necesaria ] incluye a Ridolfo del Ghirlandaio , Mariotto Albertinelli y Giuliano Bugiardini . La pintura combina muchos de los efectos de iluminación de las otras obras de esta galería. La forma está modelada por la luz y la sombra, como si fuera un sol poniente, lo que le da un elemento de dramatismo, realzado por el paisaje. El patrón tonal creado por la prenda oscura, el lino blanco y la posición de la mano es una característica compositiva de la pintura.
En Juan el Bautista de Leonardo da Vinci , los elementos de la pintura, incluidas las esquinas de los ojos y la boca del modelo, están disfrazados por sombras, creando un aire de ambigüedad y misterio.
Aunque en gran medida dependía de la observación topográfica, el conocimiento de la anatomía mejoró gracias a la meticulosa disección de 30 cadáveres que realizó Leonardo da Vinci. Leonardo, entre otros, inculcó a los estudiantes la necesidad de observar atentamente la vida e hizo del dibujo de modelos vivos una parte esencial del estudio formal del arte de la pintura.
La Crucifixión de Cimabue , destruida en gran parte por una inundación en 1966, muestra la disposición formal, con el cuerpo curvado y la cabeza inclinada, que prevalecía en el arte medieval tardío. La anatomía está fuertemente estilizada para ajustarse a la fórmula icónica tradicional.
Giotto abandonó la fórmula tradicional y pintó a partir de la observación.
En la Piedad de Giovanni Bellini , el artista, sin intentar sugerir las brutales realidades de la crucifixión, ha intentado dar la impresión de muerte.
En El bautismo de Piero della Francesca , la robusta figura de Jesús está pintada con una sencillez y una falta de muscularidad claramente definida que contradice su naturalismo.
La figura de Jesús en este cuadro, obra conjunta de Verrocchio y el joven Leonardo, probablemente haya sido dibujada por Verrocchio. Los contornos conservan la linealidad algo retorcida del arte gótico. Sin embargo, se cree que gran parte del torso fue pintado por Leonardo y revela un profundo conocimiento de la forma anatómica.
El cuadro de San Jerónimo realizado por Leonardo muestra el resultado de un estudio detallado de la cintura escapular, conocido a partir de una página de dibujos.
Miguel Ángel utilizó la anatomía humana con gran efecto expresivo. Era famoso por su habilidad para crear poses expresivas y fue imitado por muchos otros pintores y escultores.
La observación de la naturaleza significó que las formas fijas y los gestos simbólicos que en el arte medieval, y particularmente en el estilo bizantino prevaleciente en gran parte de Italia, se usaban para transmitir significado, fueron reemplazados por la representación de la emoción humana mostrada por una variedad de individuos.
En esta Resurrección , Giotto muestra a los soldados dormidos con los rostros ocultos por los cascos o escorzados para enfatizar la postura relajada.
En contraste, Andrea Castagno ha pintado una imagen de tamaño natural del condotierre, Pippo Spano, alerta y con los pies sobre el borde del nicho pintado que lo enmarca.
Filippo Lippi muestra en esta obra temprana un grupo de niños muy naturalistas que se agolpan alrededor de la Virgen María, pero que miran con inocente curiosidad al espectador. Uno de los niños tiene síndrome de Down .
Masaccio describe el dolor que resulta de la pérdida de la inocencia cuando Adán y Eva son expulsados de la presencia de Dios.
Antonello da Messina pintó varias versiones del Ecce Homo , el Cristo atormentado tal como fue presentado al pueblo por el gobernador romano. Estas pinturas suelen mostrar a Cristo en un papel trágico pero heroico, minimizando la representación del sufrimiento. Las representaciones de Antonello son de un marcado realismo.
En su Lamentación sobre Cristo muerto , Mantegna ha representado aquí el cuerpo muerto de Jesús con un atrevido escorzo, como si el espectador estuviera de pie al final de la losa.
En este detalle de una pintura más grande, Mantegna muestra a un niño pequeño, que usa una faja abdominal y zapatillas con agujeros, dándose la vuelta y mordiéndose los dedos mientras el niño Jesús es circuncidado.
Giorgione pinta un retrato natural y sin glamour de una anciana, inusual en su representación de su cabello descuidado y su boca abierta con los dientes torcidos.
Entre las preocupaciones de los artistas encargados de realizar obras de gran tamaño con múltiples figuras estaba cómo hacer que el tema, habitualmente narrativo, fuera fácilmente legible para el espectador, de apariencia natural y bien compuesto dentro del espacio pictórico.
Giotto combina tres elementos narrativos separados en esta dramática escena ambientada en los cascos deshumanizantes de los guardias. Judas traiciona a Jesús ante los soldados besándolo. El sumo sacerdote hace una señal a un guardia para que lo detenga. Pedro corta la oreja del sirviente del sumo sacerdote cuando este se acerca para imponerle las manos a Jesús. Cinco figuras dominan el primer plano, rodeando a Jesús de modo que solo se ve su cabeza. Sin embargo, mediante una hábil disposición del color y los gestos de los hombres, Giotto hace que el rostro de Jesús sea el punto focal de la pintura.
En La muerte de Adán , Piero della Francesca ha colocado al patriarca moribundo de tal manera que se destaca sobre la vestimenta negra que lleva uno de sus familiares. Su importancia para la historia se enfatiza aún más por el arco de figuras que se forma a su alrededor y las diagonales de los brazos que conducen a su cabeza.
La Resurrección del hijo de Teófilo es un conjunto notablemente coherente, teniendo en cuenta que fue iniciado por Masaccio , dejado inacabado, vandalizado y finalmente completado por Filippino Lippi . Masaccio pintó la sección central.
El cuadro de Botticelli , Marte y Venus, alargado y estrecho , se basa en una W en la que las figuras se reflejan entre sí. Los amantes, que poco antes estaban unidos, ahora están separados por el sueño. Los tres pequeños cervatillos que desfilan por el cuadro mantienen unida la composición.
La maestría de Miguel Ángel en la composición de figuras complejas, como en El Entierro, inspiró a muchos artistas durante siglos. En esta tabla, la figura de Cristo, aunque vertical, está encorvada y es un peso muerto en el centro del cuadro, mientras que quienes intentan llevar el cuerpo se inclinan hacia afuera para sostenerlo.
A primera vista, La caída de los condenados de Signorelli es una mezcla de cuerpos espantosa y violenta, pero gracias a la hábil colocación de las figuras, de modo que las líneas, en lugar de cruzarse, fluyen en un curso ondulante a través del cuadro, la composición se unifica y se resuelve en un gran número de acciones separadas. Los colores de los demonios también sirven para dividir el cuadro en los torturadores y los atormentados.
La Batalla de Ostia fue realizada por los ayudantes de Rafael , probablemente según su diseño. El primer plano de la pintura está organizado en dos formas arqueadas superpuestas, la más grande muestra a los cautivos siendo sometidos, mientras que a la izquierda y ligeramente detrás, se los obliga a arrodillarse ante el Papa. Mientras que el Papa se eleva por encima del segundo grupo y lo domina, el primer grupo está dominado por un soldado cuyo color y espléndido tocado actúa como un trampolín visual hacia el Papa. En los bordes de este grupo, dos figuras encorvadas se reflejan entre sí, creando una tensión en la que una se aleja del borde de la pintura y la otra tira hacia arriba en su centro.
Durante el Renacimiento, el retablo mayor tenía un estatus único como encargo. Un retablo estaba destinado a convertirse en un punto focal, no solo visualmente en el edificio religioso que ocupaba, sino también en las devociones de los fieles. La Virgen de las Rocas de Leonardo da Vinci , ahora en la National Gallery de Londres , pero anteriormente en una capilla de Milán , es una de las muchas imágenes que se utilizaron en la petición a la Santísima Virgen María contra la peste. La importancia de estas imágenes para quienes las encargaron, quienes adoraron en su ubicación y quienes las crearon se pierde cuando se las ve en una galería de arte.
Las dos Vírgenes entronizadas de Cimabue y Duccio di Buoninsegna muestran las variaciones sobre un tema que fue formalizado y limitado por la tradición. Aunque las posiciones de la Virgen y el Niño son muy similares, los artistas han tratado la mayoría de los rasgos de manera diferente. El trono de Cimabue está de frente y utiliza la perspectiva para sugerir su solidez. Los ángeles, sus rostros, alas y halos, están dispuestos para formar un rico patrón. Los detalles de pan de oro del manto de la Virgen resaltan los pliegues en una delicada red. El Niño está sentado majestuosamente, con los pies colocados en el mismo ángulo que los de su madre.
En la Madonna Rucellai de Duccio , la más grande de su tipo con 4,5 metros de altura, el trono está dispuesto en diagonal y el Niño, mucho más bebé a pesar de su gesto, se sienta en diagonal opuesto a su madre. Si bien la posición de los ángeles arrodillados es bastante simplista, tienen un naturalismo en sus posturas repetidas y se varían mediante las hermosas combinaciones de colores de sus túnicas. En la túnica de la Madonna, el borde dorado forma una línea serpenteante, que define la forma y los contornos y anima toda la composición con un único detalle decorativo.
La Madonna de Ognissanti de Giotto se encuentra actualmente en la misma sala de los Uffizi que la de Cimabue y la de Duccio, donde los avances que realizó tanto en el dibujo a partir de la observación de la naturaleza como en su uso de la perspectiva pueden compararse fácilmente con los de los maestros anteriores. Si bien la pintura se ajusta al modelo de un retablo, las figuras que la componen no siguen la fórmula tradicional. La Madonna y el Niño son sólidamente tridimensionales. Esta cualidad se ve reforzada por el trono con dosel que contribuye al elemento decorativo principal, mientras que los bordes dorados se minimizan. Los ángeles, que se reflejan entre sí, tienen cada uno un drapeado bastante individual.
Cien años después, Masaccio , aún dentro de las limitaciones formales del retablo, crea con seguridad una figura tridimensional envuelta en pesadas vestiduras, con su Niño Jesús regordete chupándose los dedos. Los laúdes que tocan los angelitos están muy escorzados.
En manos de Piero della Francesca, el marco dorado formal se transforma en un nicho clásico, dibujado en una perspectiva lineal perfecta y definido por la luz del día. Los diversos santos se agrupan alrededor de manera natural, mientras que la Virgen se sienta en un trono realista sobre un pequeño podio cubierto por una alfombra oriental , mientras que el donante Federico da Montefeltro se arrodilla a sus pies. Una concesión a la tradición es que la Virgen es de una escala mayor que las otras figuras.
El pintor milanés Bergognone se ha basado en aspectos de la obra de Mantegna y Bellini para crear este cuadro en el que la túnica roja y el cabello dorado de Catalina de Alejandría se equilibran eficazmente con el contraste del blanco y negro de Catalina de Siena, y están enmarcados por un arco rústico de ladrillos rotos.
En la Madonna della Vittoria de Andrea Mantegna , la Virgen puede ocupar la posición central, enmarcada en su glorieta adornada con guirnaldas, pero el foco de atención es Francesco II Gonzaga , cuyos logros son reconocidos no sólo por la Virgen y el Niño Jesús, sino también por los heroicos santos Miguel y Jorge.
Leonardo da Vinci abandonó cualquier tipo de dosel formal y rodeó a la Virgen y el Niño con la grandeza de la naturaleza en la que colocó las figuras en una composición trapezoidal cuidadosamente equilibrada pero aparentemente informal.
La Madonna Sixtina de Rafael no utiliza la fórmula de un retablo, sino la del retrato formal, con un marco de cortinas verdes a través de las cuales se puede ver una visión, presenciada por el Papa Sixto II , en cuyo honor se titula la obra. Las nubes que rodean a la Virgen están compuestas por rostros querubines, mientras que los dos querubines icónicos tan queridos en la moda de los ángeles de finales del siglo XX se apoyan en el alféizar. Esta obra se convirtió en el modelo para Murillo y muchos otros pintores.
Andrea del Sarto , aunque utiliza las figuras con un efecto muy natural y realista, abandona en la Virgen de las Arpías la realidad práctica al colocar a la Virgen sobre un pedestal clásico como si fuera una estatua. Cada figura se encuentra en un estado de inestabilidad, marcado por el empuje hacia delante de la rodilla de la Virgen sobre la que equilibra un libro. Esta pintura muestra las tendencias que se desarrollarían en la pintura manierista .
Los dos grandes frescos de Alegorías del buen y del mal gobierno pintados por Ambrogio Lorenzetti para la Comuna de Siena son completamente profanos y muestran vistas detalladas de un paisaje urbano con ciudadanos, enfatizando la importancia del orden cívico.
Por el contrario, Andrea di Bonaiuto , que pintaba para los dominicos en la nueva iglesia de Santa Maria Novella , realizó un enorme fresco del Triunfo de la Iglesia , que muestra el papel de la Iglesia en la obra de la Salvación y, en particular, el papel de los dominicos, que también aparecen simbólicamente como los Perros del Cielo , pastoreando al pueblo de Dios. La pintura incluye una vista de la Catedral de Florencia .
Masaccio y Masolino colaboraron en el ciclo de frescos de la Capilla Brancacci , famosa por las innovaciones realistas de Masaccio. El estilo más elegante de Masolino se ve en este paisaje urbano que combina hábilmente dos episodios de la Vida de San Pedro .
El elaborado ciclo para el Palazzo Schifanoia de la Casa de Este en Ferrara, realizado en parte por Francesco del Cossa , también fue fantasioso en sus representaciones de deidades clásicas y signos del zodíaco que se combinan con escenas de la vida de la familia.
Las pinturas de Mantegna para los Gonzaga también muestran la vida familiar, pero tienen una preponderancia de elementos muy realistas y utilizan hábilmente la arquitectura real de la habitación que decoran: la repisa de la chimenea forma un pedestal para las figuras y las pechinas reales del techo están aparentemente sostenidas por pilastras pintadas.
Mientras que en la Capilla Brancacci los historiadores intentan identificar entre los apóstoles los rostros de Masaccio, Masolino y quizás Donatello, Domenico Ghirlandaio, en la Capilla Sassetti, no intenta disimular a sus modelos. Cada fresco de este ciclo religioso tiene dos grupos de personajes: los que cuentan la historia y los que la presencian. En esta escena del Nacimiento de la Virgen María , han entrado varias mujeres nobles de Florencia, como para felicitar a la nueva madre.
Al mismo tiempo, Rafael y varios de sus ayudantes pintaron las cámaras papales conocidas como Estancias de Rafael . En La Escuela de Atenas, Rafael retrata a personajes famosos de su época, entre ellos Leonardo, Miguel Ángel, Bramante y él mismo, como filósofos de la antigua Atenas.
Durante el Renacimiento, cada vez más mecenas se encargaban de dejar plasmada su imagen en pintura para la posteridad. Por este motivo, existen numerosos retratos renacentistas de los que se desconoce el nombre del retratado. Los mecenas privados adinerados encargaban obras de arte para decorar sus hogares, con temas cada vez más profanos.
Pinturas devocionales
La Madonna
Estos pequeños cuadros íntimos, que hoy se encuentran casi todos en museos, en su mayoría fueron realizados para propiedad privada, pero ocasionalmente podían adornar un pequeño altar en una capilla.
La Virgen adorando al Niño Jesús con dos ángeles siempre ha sido muy popular por el expresivo angelito que sostiene al Niño Jesús. Pinturas como ésta de Filippo Lippi influyeron especialmente en Botticelli .
Verrocchio separa a la Virgen y al Niño Jesús del espectador mediante un alféizar de piedra, utilizado también en muchos retratos. La rosa y las cerezas representan el amor espiritual y el amor sacrificial.
La Virgen con el Niño de Antonello da Messina es superficialmente muy parecida a la de Verrocchio, pero es mucho menos formal y tanto la madre como el niño parecen estar en movimiento en lugar de posar para el pintor. El codo en escorzo del Niño mientras se estira para alcanzar el pecho de su madre aparece en la obra de Rafael y se puede ver en una forma diferente en el Tondo Doni de Miguel Ángel .
Las figuras colocadas en diagonales opuestas que se ven en esta temprana Virgen con el Niño de Leonardo da Vinci fueron un tema compositivo que se repetiría en muchas de sus obras y sería imitado por sus alumnos y por Rafael.
Giovanni Bellini se vio influenciado por los iconos ortodoxos griegos . En esta pintura, la tela dorada sustituye al fondo de pan de oro. La disposición es formal, pero los gestos, y en particular la mirada de adoración de la madre, le dan una calidez humana a esta imagen.
La Virgen con el Niño de Vittore Carpaccio es muy inusual al mostrar al Niño Jesús como un niño pequeño completamente vestido con ropa de la época. El detalle meticuloso y la domesticidad son evocadores de la pintura de los primeros Países Bajos .
El Tondo Doni de Miguel Ángel es la obra más grande de este tipo, pero fue un encargo privado. La composición sumamente inusual, la forma contorsionada de la Virgen, las tres cabezas cerca de la parte superior de la pintura y el escorzo radical eran características muy desafiantes, y Agnolo Doni no estaba seguro de querer pagar por ello.
Rafael ha sabido poner en juego hábilmente fuerzas opuestas y ha unido a la Virgen y al Niño con una mirada amorosa.
Durante la segunda mitad del siglo XV, se produjo una proliferación de retratos. Aunque los personajes de algunos de ellos fueron recordados posteriormente por sus logros o su linaje noble, la identidad de muchos se ha perdido e incluso la del retrato más famoso de todos los tiempos, la Mona Lisa de Leonardo da Vinci , está abierta a la especulación y la controversia.
La ventaja de un retrato de perfil como el de Sigismondo Pandolfo Malatesta de Piero della Francesca es que identifica al sujeto como si fuera una firma facial. Las proporciones del rostro, los ángulos respectivos de la frente, la nariz y el entrecejo, la posición y la forma del ojo y la posición de la mandíbula siguen siendo reconocibles a lo largo de la vida. Además, una vez tomada la imagen de perfil, se puede utilizar para fundir una medalla o esculpir una imagen en relieve.
Pollaiuolo ha respetado la fórmula, enfatizando el perfil de la joven con una línea fina que define también la delicada forma de las fosas nasales y las comisuras de los labios, pero ha añadido una cualidad tridimensional mediante el uso sutil del claroscuro y el tratamiento del rico brocado florentino de la manga.
Alesso Baldovinetti , por su parte, ha utilizado el perfil de esta joven de rasgos marcados para crear un patrón llamativo de contornos resaltados sobre un fondo más oscuro. El fondo es una forma vivaz que se suma a la estructura compositiva de la pintura. El pequeño filete negro en la frente responde al patrón dinámico de la manga bordada.
El retrato de Antonello da Messina , algunos años anterior al de Botticelli, guarda cierta semejanza con él. Pero esta pintura no se apoya demasiado en la hábil disposición de formas claramente contorneadas. Antonello ha utilizado las ventajas de la pintura al óleo, frente al temple de Botticelli , para lograr un parecido sutil y detallado en el que las pobladas cejas, las imperfecciones de la piel y la sombra de la barba han sido reproducidas con precisión fotográfica.
El retrato al temple de Ghirlandaio de un anciano con su nieto combina la representación meticulosa de la nariz agrandada del anciano y su piel apergaminada con una ternura que normalmente se reserva para las representaciones de La Virgen y el Niño . Ghirlandaio lleva esta analogía más allá al situar la escena frente a una ventana y un paisaje.
En la Mona Lisa, Leonardo empleó la técnica del sfumato , un claroscuro delicadamente degradado que modela los contornos de la superficie, al tiempo que permite que los detalles desaparezcan en las sombras. La técnica confiere a esta pintura un aire de misterio que le ha dado fama duradera. Las hermosas manos se convierten casi en un elemento decorativo.
El retrato de Leonardo Loredan , el dux electo de Venecia , realizado por Giovanni Bellini tiene un aire oficial y difícilmente podría ser más formal. Sin embargo, el rostro está caracterizado por lo que uno podría esperar del dux: sabiduría, humor y decisión. Aunque se trata de una pintura más elaborada, tiene mucho en común con el sentido del diseño de Baldovinetti.
El tema del retrato de Tiziano es desconocido y su considerable fama se debe únicamente a su belleza y a su composición inusual, en la que el rostro se sostiene y equilibra gracias a la gran manga azul de satén acolchado. La manga es casi del mismo color que el fondo; su rica tonalidad le da forma. El lino blanco de la camisa anima la composición, mientras que los ojos del hombre captan el color de la manga con una luminosidad penetrante.
Superficialmente, el retrato de Andrea del Sarto tiene muchos de los mismos elementos que el de Tiziano, pero está tratado de forma muy diferente, con un tratamiento mucho más amplio y un tema menos convincente. La pintura ha logrado una inmediatez, como si el retratado se hubiera detenido un momento y estuviera a punto de volver a lo que estaba haciendo.
Rafael , en este retrato del Papa Julio II , muy copiado , estableció un estándar para la pintura de los futuros papas. A diferencia de los retratos contemporáneos de Bellini, Tiziano y del Sarto, Rafael ha abandonado la colocación de la figura detrás de un estante o barrera y ha mostrado al Papa como si estuviera sentado en su propio apartamento. Contra el paño verde decorado con las llaves de San Pedro , las vestiduras papales de terciopelo rojo crean un rico contraste, y la barba blanca se compensa con el lino blanco plisado. En los montantes de la silla, los remates en forma de bellota son el símbolo de la familia del Papa, los della Rovere .
Estas cuatro famosas pinturas demuestran el advenimiento y la aceptación del desnudo como tema por derecho propio para el artista.
En El nacimiento de Venus de Botticelli , la figura desnuda, aunque ocupa un lugar central en la pintura, no es en sí misma el tema. El tema de la pintura es una historia de la mitología clásica . El hecho de que la diosa Venus haya surgido desnuda del mar justifica el estudio del desnudo que domina el centro de la obra.
Pintado treinta años después, el significado exacto del cuadro de Giovanni Bellini no está claro. Si el tema hubiera sido pintado por un pintor impresionista , sería completamente innecesario atribuirle un significado. Pero en esta obra renacentista, hay un espejo, un objeto que suele ser simbólico y que sugiere una alegoría. La desnudez de la joven no es tanto un signo de seducción, sino de inocencia y vulnerabilidad. Sin embargo, se engalana con un tocado extremadamente rico, bordado con perlas, y al tener no uno, sino dos espejos, solo se ve reflejada a sí misma sin fin. El espejo, a menudo símbolo de profecía, se convierte aquí en un objeto de vanidad, con la joven en el papel de Narciso .
Por otra parte, la Venus de Urbino de Tiziano fue pintada para el placer del duque de Urbino y, como en El nacimiento de Venus de Botticelli , pintada para un miembro de la familia Medici, la modelo mira directamente al espectador. Es muy posible que la modelo fuera la amante del cliente. La Venus de Urbino no es simplemente un cuerpo bello por derecho propio. Es una joven individual y sumamente seductora, que no está en el estado de desnudez indicativo de la perfección celestial, sino simplemente desnuda, se ha quitado la ropa pero ha dejado puestas algunas de sus joyas.
Las pinturas de la mitología clásica se realizaron invariablemente para los salones importantes de las casas de los mecenas privados. Las obras más famosas de Botticelli son para los Medici, Rafael pintó Galatea para Agostino Chigi y El banquete de los dioses de Bellini estuvo, junto con varias obras de Tiziano, en la casa de Alfonso I de Este.
El Hércules y la Hidra de Pollaiuolo es un ejemplo típico de muchas pinturas de temas mitológicos que se prestaban a una interpretación tanto humanista como cristiana. En esta obra, el bien vence al mal y se glorifica el coraje. La figura de Hércules tiene resonancias con el personaje bíblico de Sansón , que también era famoso por su fuerza y mató a un león.
En Palas y el Centauro de Botticelli , la Sabiduría, personificada por Atenea, guía al acobardado Centauro por el mechón de su frente, de modo que el conocimiento y el refinamiento son capaces de vencer al instinto bruto, que es la característica simbolizada por el centauro.
La Galatea de Rafael , aunque de origen clásico, tiene una resonancia específicamente cristiana que habrían reconocido quienes estuvieran familiarizados con la historia. Trata sobre la naturaleza del amor. Mientras todos a su alrededor aspiran al amor terrenal y sucumben a las flechas disparadas por el trío de cupidos, Galatea ha elegido el amor espiritual y vuelve su mirada hacia el Cielo.
Se conservan tres grandes obras que Bellini y su sucesor , Tiziano, pintaron para una única sala del Palacio de Este . De ellas, Baco y Ariadna de Tiziano representa un momento de una narración. Las otras dos pinturas son alegres escenas de bebida con una serie de elementos narrativos introducidos de forma menor, para que los personajes pudieran ser identificados. Esta pintura no parece tener ningún sentimiento alegórico superior asociado. Parece ser simplemente una representación muy naturalista de varios dioses antiguos y sus asociados, comiendo, bebiendo y disfrutando de la fiesta.
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