Tin Machine es el álbum de estudio debut de la bandaangloamericana de hard rock Tin Machine , lanzado el 22 de mayo de 1989 a través de EMI America Records . La banda estaba formada por el cantautor inglés David Bowie , el guitarrista estadounidense Reeves Gabrels y los hermanos Tony Fox y Hunt Sales al bajo y batería, respectivamente, mientras que el inglés Kevin Armstrong actuaba como guitarrista adicional. El proyecto fue encabezado por Bowie, quien se sintió desconectado de su carrera en 1987 y buscó reinventarse. Después de conocer a Gabrels a través de su Glass Spider Tour , los dos acordaron trabajar juntos y colaborarían frecuentemente durante la próxima década. Bowie contrató a los hermanos Sales, con quienes no había trabajado desde la década de 1970, después de una reunión en Los Ángeles, mientras que el productor inglés Tim Palmer fue contratado para coproducir.
El álbum fue grabado en agosto de 1988 en Mountain Studios en Montreux , Suiza, y más tarde en Compass Point Studios en Nassau , Bahamas en la primavera de 1989. Las sesiones fueron productivas a pesar de los choques de personalidad entre los miembros. La mayoría de las pistas se grabaron en vivo en pocas tomas, con Bowie improvisando letras mientras estaba parado frente al micrófono, lo que resultó en un sonido predominantemente de hard rock y letras que discutían temas mundiales y el amor. Tin Machine se nombró a sí mismos y al álbum en honor a una de las pistas . A diferencia de las bandas de acompañamiento anteriores de Bowie, Tin Machine actuó como una unidad democrática, lo que se reflejó en las entrevistas promocionales.
Tras su lanzamiento, el álbum alcanzó el puesto número tres en la lista de álbumes del Reino Unido , aunque las ventas disminuyeron rápidamente. Estuvo acompañado de tres sencillos y un vídeo musical de 13 minutos de duración que contiene interpretaciones de las pistas. Al igual que su gira de conciertos de apoyo , Tin Machine recibió críticas mixtas y continúa recibiendo valoraciones similares de los biógrafos de Bowie, quienes critican principalmente las letras y la falta de melodías. Sin embargo, algunos críticos notaron que la banda estaba explorando estilos grunge y rock alternativo antes de que esos estilos se hicieran populares. Tin Machine comenzó a grabar un álbum de seguimiento a finales de 1989 antes de que Bowie se embarcara en el Sound+Vision Tour en solitario . Más tarde, Bowie volvió a grabar " I Can't Read " durante las sesiones de su álbum de 1997 Earthling .
Más que nada, pensé que debería ganar todo el dinero que pudiera y luego renunciar. No pensé que hubiera ninguna alternativa. Pensé que obviamente era sólo un recipiente vacío y que terminaría como todos los demás, haciendo estos estúpidos y jodidos shows, cantando ' Rebel Rebel ' hasta caerme y sangrar. [1]
— David Bowie sobre su carrera en este momento, 1996
A finales de 1987, David Bowie se encontraba en un punto bajo artístico. [1] Aunque había obtenido un éxito comercial masivo a lo largo de la década de 1980 a partir de Let's Dance (1983), más tarde dijo que el éxito del álbum le llevó a alcanzar un punto bajo creativo en su carrera que duró los siguientes años. [2] [3] Después de que sus siguientes álbumes Tonight (1984) y Never Let Me Down (1987) fueran rechazados por la crítica, [4] Bowie comenzó a reevaluar dónde se encontraba en su carrera; [1] Más tarde descartaría este período como sus " años de Phil Collins ". [5] El Glass Spider Tour había comenzado a desgarrarlo, ya que le resultaba difícil mantener el estilo de vida de estrella de rock del estadio. [6] Mientras consideraba retirarse de la música, Bowie decidió que el mejor curso de acción, como lo había hecho una década antes, era rejuvenecerse por completo. [1]
Una de las primeras cosas que hizo fue separarse de su antiguo colaborador Carlos Alomar , quien había actuado como líder de la banda de Bowie. El biógrafo David Buckley considera que su partida es el fin del mandato de Bowie como "estrella del pop". [6] Hacia finales de 1987, Bowie dirigió algunas sesiones en Los Ángeles , California, con miembros de la banda de acompañamiento de Bryan Adams y el productor Bruce Fairbairn . Las únicas pistas que surgieron de las sesiones fueron una demostración de "Pretty Pink Rose", una primera versión de "Lucy Can't Dance" y una versión del éxito de Bob Dylan de 1965 " Like a Rolling Stone ", [7] el último de los cuales fue entregado al ex guitarrista de Spiders from Mars de Bowie, Mick Ronson , cuya versión apareció en su álbum póstumo Heaven and Hull (1994). Según el biógrafo Nicholas Pegg , el estilo de Bowie durante las sesiones se acercaba al que exploraría para su próximo gran proyecto. [8] [9]
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Hacia el final de la gira Glass Spider en noviembre de 1987, la responsable de prensa estadounidense de la gira, Sarah Gabrels, le dio a Bowie una cinta de demostración que contenía grabaciones de su marido Reeves , a quien Bowie, sin saberlo, había conocido y se había hecho amigo detrás del escenario durante la etapa estadounidense; creía que Gabrels era pintor. [11] [8] Las demostraciones mostraron el sonido de guitarra único de Gabrels, descrito por el biógrafo Marc Spitz como "improvisador y de múltiples notas pero a la vez duro y blues". [12] Recordó: "Sucedió muy rápido. David me llamó, fui a Suiza y teníamos esta música que hacer, en un fin de semana". [11] El comienzo de la colaboración de Bowie y Gabrels provocó un nuevo viaje en la carrera de Bowie. Aunque todavía habría giras y entrevistas en los medios, su objetivo era reducir las expectativas del público en términos de su música. Gabrels declaró: "Estaba en una encrucijada. O se convertía en Rod Stewart y tocaba en Las Vegas , o seguía su corazón". Le dijo a Bowie: "La única barrera entre hacer lo que quieres y hacer lo que crees que debes hacer eres tú ". [13]
Uno de los primeros proyectos en los que colaboraron Bowie y Gabrels fue una nueva versión de la canción Lodger de 1979 de Bowie, " Look Back in Anger ", que fue creada para una representación teatral en Londres en julio de 1988. [8] [14] Posteriormente, los dos regresaron a Suiza, donde Bowie le presentó a Gabrels la música que estaba escuchando en ese momento. Estos incluían grupos de hard rock como Led Zeppelin , Jimi Hendrix y Buddy Guy , grupos de vanguardia como Sonic Youth y uno de los nuevos favoritos de Bowie, los Pixies . [15] A partir de ahí, Bowie y Gabrels compusieron demos para un nuevo proyecto, que incluía "Bus Stop", "Baby Universal", "Pretty Pink Rose" y una primera versión de " Under the God ". [8]
Durante una fiesta de lanzamiento de un vídeo de la gira Glass Spider en Los Ángeles, Bowie se topó con el bajista Tony Fox Sales , [15] con quien no había trabajado desde la grabación de Lust for Life de Iggy Pop en 1977. [16] dos se reconectaron, lo que llevó a Tony a invitar a su hermano, el baterista Hunt Sales , a una sesión improvisada con él y Bowie. [8] Según Gabrels, los hermanos Sales fueron elegidos como la sección rítmica por lo que no tenían "músicos de chequera", específicamente querían ex miembros de una banda. [14] Bowie insistió en que los cuatro formaran una banda, y que cada miembro proporcionara la misma aportación. [17] Mientras tanto, la reacción positiva del remix de "Look Back in Anger" llevó a Bowie a contratar al productor Tim Palmer , por recomendación de Billy Duffy de The Cult , para su próximo proyecto. Palmer recordó que era un gran admirador de Bowie, particularmente "de los álbumes clásicos, pero no tanto del material posterior". [14] También disfrutó de los métodos de trabajo de Bowie, incluido el fomento de ideas de todas las partes involucradas. Sin embargo, Palmer le dijo a Buckley que cuando firmó para el proyecto, asumió que sería "un disco de David Bowie, no un disco de Tin Machine". [14] Spitz afirma de manera similar que Gabrels y los hermanos Sales asumieron que ayudarían a Bowie a crear una continuación de Never Let Me Down en lugar de formar una banda. [12]
La grabación del nuevo proyecto comenzó en Mountain Studios en Montreux , Suiza, en agosto de 1988. [16] Bowie y Gabrels pasaron una semana allí, escribiendo canciones como "Baby Can Dance", "Pretty Thing" y "Shopping for Girls", antes de Llegaron los hermanos Sales. [8] Palmer recordó que una vez que llegaron, "se desató el infierno". [18] Los hermanos tenían personalidades abrasivas y, según el biógrafo Chris O'Leary, "dejaron claro que no serían acompañantes". [8] Gabrels recordó que la primera semana de su llegada fue el equivalente a una "novatada de primer año " : "lo único que querían hacer era presionarme porque David estaba depositando cierta confianza en mí, y yo nunca había hecho un disco que había sido lanzado internacionalmente. [Su] actitud era como, 'Bueno, todos sabemos quiénes somos?'" [18] Gabrels y Palmer expresaron dudas sobre el proyecto inicialmente. Al principio, Palmer tenía la intención de hacer "el álbum de Bowie con el mejor sonido de todos los tiempos" y quedó decepcionado por la dirección diferente tomada. Mientras tanto, Gabrels despreciaba estar en una banda, llamándolas "pesadillas", creyendo además que las bandas no funcionaban como unidades democráticas. [8] [18] Gabrels se cansó de las actitudes de Sales después de la primera semana y decidió hacer las cosas a su manera sin su opinión. Bowie también recordó un "período extraño de sentirse mutuamente" durante la primera semana. [dieciséis]
Una incorporación a las sesiones fue el guitarrista Kevin Armstrong , que había tocado con Bowie en Live Aid en 1985. [16] En el estudio, Hunt Sales arregló su batería en un soporte, lo que dominó la sala, dejando a los guitarristas incapaces de escucharse a sí mismos. jugar. [8] Armstrong recordó: "Es el baterista más ruidoso con el que he trabajado... Casi me quedo sordo en los primeros días". Mientras tanto, Palmer instaló varios micrófonos en el estudio para capturar un sonido en vivo. [19] Las pistas del álbum fueron grabadas en bruto y en vivo con pocas sobregrabaciones para capturar la energía de la banda. [4] [20] Los otros miembros de Tin Machine instaron a Bowie a evitar reescribir sus letras: "Estaban allí todo el tiempo diciendo: 'No te debilites', canta como tú lo escribiste... Lo he hecho y Frecuentemente me censuro en términos de letras. Digo una cosa y luego pienso: 'Ah, tal vez le quite un poco el tono'. [21] Explicó: "Queríamos salir de la caja con energía, la energía que sentíamos cuando escribíamos y tocábamos. Hay muy, muy poca sobregrabación en [el álbum]. Para nosotros [es] nuestro sonido en vivo." [22] A Bowie también le gustaba improvisar letras mientras estaba parado frente al micrófono, algo que ya había hecho anteriormente al grabar "Heroes" (1977). Cantó principalmente sobre los primeros temas que se le ocurrieron. [16] Gabrels le dijo a Buckley que Tin Machine se grabó digitalmente, lo que la mayoría de la gente en ese momento pensó que no se podría haber hecho para el sonido que estaban reproduciendo. [18]
La primera canción que grabó Tin Machine fue " Heaven's in Here ", que escribieron desde cero y grabaron en sus primeras 30 horas juntos. [23] A esto le siguió una versión de la canción de 1972 de Roxy Music " If There Is Something ". Bowie declaró: "Estábamos tan agotados que no teníamos fuerzas para escribir otra canción, así que usamos una canción antigua para mostrar cómo nosotros, como banda, abordaríamos el material de otra persona". la canción quedaría fuera del álbum y se colocaría en el seguimiento de la banda. [8] La grabación avanzó rápidamente, y Tin Machine a veces grababa una canción al día. Gabrels explicó: "Grabamos las canciones, las sobregrabamos y, a veces, incluso las mezclamos el mismo día". [17] Después de una pausa en la grabación, las sesiones se trasladaron en la primavera de 1989 a Compass Point Studios en Nassau , Bahamas , [8] [16] [24] que Palmer recordaba como un entorno completamente diferente al de Suiza. [18] Allí, Bowie residía en la casa de Robert Palmer en la playa. El hijo de John Lennon , Sean, visitó la banda durante este tiempo; este encuentro los inspiró a hacer un cover de la canción de 1970 de su padre " Working Class Hero ". También estuvo presente en las Bahamas la nueva novia de Bowie, Melissa Hurley, quien fue una de sus bailarinas de respaldo durante el Glass Spider Tour. [25] La banda se sorprendió por el uso generalizado de drogas en todo Nassau, que en parte inspiró "Crack City". [26] Bowie también afirmó que su propio pasado adicto a la cocaína a mediados de la década de 1970 sirvió de inspiración para la canción. [27] Tin Machine grabó la pista y " I Can't Read " la misma noche. [8]
En total, la banda grabó 35 canciones en sólo seis semanas y todas las canciones fueron un esfuerzo grupal. [22] [26] [28] En 2017, Gabrels dijo que el álbum "podría haber sido un álbum doble" dada la cantidad de material grabado aún no publicado por ellos durante este período. [29] Armstrong le dijo al biógrafo Paul Trynka: "Pensé que algunos de los mejores trabajos no llegaron al primer disco. Creo que David estaba tratando deliberadamente de buscar un sonido jodido: si era demasiado seguro o educado, él lo dejaría." [30] Según Gabrels, había algunas opciones para posibles nombres de bandas. La banda finalmente optó por Tin Machine tanto para el álbum como para el nombre de la banda, después de una de las pistas . Bowie recordó un sentimiento de indiferencia: "Realmente no estábamos interesados en qué tipo de nombre de banda teníamos, así que fue casi arbitrario - ah, simplemente escojamos el título de una canción". A los hermanos Sales les gustó Tin Machine porque sintieron que les recordaba a los Monkees , "¡teniendo su propio tema musical!" La sugerencia de Gabrels para el título fue El traje nuevo del emperador , aunque más tarde admitió que "era demasiado parecido a dar municiones a tus críticos". [16] [18]
Bowie disfrutó haciendo Tin Machine y dijo: "Estoy tan entusiasmado con esto que quiero comenzar a grabar el próximo álbum mañana". Cuando la banda terminó el álbum, Bowie estaba seguro de que continuarían. Dijo: "Habrá al menos otros dos álbumes. Oh, sí, esto durará un tiempo. Si bien todos disfrutamos tanto tocar juntos, ¿por qué no?". [21]
Habrá un montón de gente que dirá que simplemente no es accesible. No es tan obviamente melódico como uno podría pensar que probablemente sería. [31]
—David Bowie sobre la música
Los críticos han clasificado a Tin Machine como rock , [10] hard rock, [32] art rock y noise rock . [33] [28] Los biógrafos también han identificado elementos de blues rock en "Heaven's in Here", [34] post-punk y new wave en "Bus Stop" y rock alternativo en "Run"; [10] El propio Bowie describió "Heaven's in Here" como " R&B deconstruccionista ". [8] Estilísticamente, Bowie sintió que Tin Machine era una continuación de Scary Monsters (1980): "Es casi desdeñoso de los últimos tres álbumes que he hecho. Volviendo al rumbo, se podría decir". [21] Mark Allender de AllMusic describió la música como "rock de guitarra duro" que contiene "inteligencia" de la que otros álbumes del género carecían en ese momento. [35] Ted Asregadoo de Ultimate Classic Rock también lo consideró "más valiente" que otras bandas de rock de la época. [36] El autor James Perone llama a la música "rock de guitarra fuerte, con un toque sonoro" que contiene letras maliciosas. [10] Tony Fox Sales describió el enfoque de la banda hacia la música que crearon diciendo:
Estábamos hartos de encender la radio y escuchar música disco , dance y cajas de ritmos ; todas esas cosas, que creo que en el negocio llaman "basura". Justo estábamos pensando en hacer un proyecto que pusiera fin al rock 'n' roll. [28]
Jon Pareles de The New York Times afirmó que líricamente, Tin Machine "yuxtapone canciones de amor con peroratas sobre las crisis actuales". [37] Señaló que, con las excepciones de "Pretty Thing" y "Sacrifice Yourself", la mayoría de las canciones de amor "se acercan a clichés románticos". [37] Además, Perone afirma que las " imágenes apocalípticas " de la canción principal configuran el tema general del "fin del mundo" que "impregna" el álbum. [10] Pegg descubre que la negativa de la banda a permitir que Bowie reescriba las letras da como resultado palabras que en su mayoría están "a medias". [38] Algunas canciones cubren temas delicados como el neonazismo y las drogas en "Under the God" y "Crack City", respectivamente. [38] [10] Otros, incluidos "I Can't Read" y "Video Crime", analizan los efectos de la televisión en la alfabetización y los tabloides , respectivamente. [37] Mientras tanto, O'Leary señala que Bowie recuerda su tema inédito " Shadow Man " en "Baby Can Dance". [8] Gabrels describiría más tarde las canciones como Tin Machine "gritándole al mundo". [39]
La portada de Tin Machine muestra a los cuatro miembros de la banda con trajes oscuros, lo que Spitz describe como que les da una apariencia de "una pandilla de banqueros pulcros". Bowie se dejó perilla durante este tiempo, por primera vez en su carrera, lo que, según Spitz, polarizó al público. [40] Al promocionar el álbum, Bowie dejó claro a los entrevistadores que la banda era una unidad democrática, y Pegg lo llamó la mentalidad de que "cualquiera que quisiera entrevistar a David también conseguiría al resto de la banda". Los críticos considerarían este movimiento como un truco publicitario de un artista que no está seguro de lo que quiere hacer a continuación. Bowie comentó en 1999: "Creo que el contexto molestó y enfureció, y realmente dio a los críticos la excusa que necesitaban para humillar a alguien, que es lo que realmente buscan más que cualquier otra cosa". [41] [42] [43]
Al enterarse de Tin Machine y el álbum, el sello de Bowie, EMI America Records, quedó perplejo. Tim Palmer le dijo a Buckley que el sello estaba ansioso por otro best-seller de Let's Dance y confundido con respecto a la nueva dirección de Bowie. [43] El sello no estaba seguro de cómo comercializar el álbum, por lo que colocaron pegatinas en la portada informando a los compradores potenciales que era el nuevo proyecto de Bowie. [8] [44] Sin embargo, EMI America lanzó Tin Machine el 22 de mayo de 1989, [8] [36] emitiendo diferentes formatos LP y CD , con los números de catálogo MTLS 1044 y CDP 7919902, respectivamente. [17] [45] En el momento del lanzamiento, el álbum se vendió bien inicialmente, alcanzando el puesto número tres en la lista de álbumes del Reino Unido , [46] tres lugares más que Never Let Me Down y el número 28 en el Billboard Top Pop Albums de EE. UU. cuadro. [47] También alcanzó el top ten en Noruega y Suecia, [48] aunque las ventas disminuyeron rápidamente. [41] Según Dave Thompson , pasó un total de nueve semanas en las listas del Reino Unido. [31] Se estima que las ventas a corto plazo de Tin Machine fueron de entre 200.000 y 1.000.000 de copias en unos pocos años. [49] [50]
Tin Machine estuvo acompañado por el lanzamiento de tres sencillos . El primero, "Under the God", con el respaldo de "Sacrifice Yourself", fue lanzado en junio de 1989 y alcanzó el puesto 51 en el Reino Unido. [51] También disfrutó de una gran difusión en MTV y estaciones de radio estadounidenses. [50] [40] La segunda, la canción principal respaldada por una versión en vivo de " Maggie's Farm " de Dylan, fue lanzada en septiembre de 1989 y alcanzó el puesto 48 en el Reino Unido. El tercer y último sencillo, una edición de " Prisoner of Love " respaldada por una versión en vivo de "Baby Can Dance", fue lanzado el mes siguiente y no llegó a las listas. [51]
Tin Machine acompañó el lanzamiento del álbum con un video musical de 13 minutos de duración que comprende clips de canciones al estilo de una interpretación, cada una de las cuales continúa con la siguiente, comenzando con "Pretty Thing" y terminando con "Under the God". El video fue filmado en The Ritz en la ciudad de Nueva York y dirigido por Julien Temple , quien anteriormente había trabajado con Bowie en videos y lanzamientos como Jazzin' for Blue Jean (1984), " Absolute Beginners " (1986) y " Day-In" . Día libre " (1987). La película rara vez se proyectó en televisión en ese momento, aunque según Pegg se distribuyó como película secundaria en algunos cines del Reino Unido. En 1999, Bowie nombró el vídeo como su favorito de todos los tiempos de todos sus vídeos musicales. EMI planeó un lanzamiento comercial oficial para el video en 2007, aunque fue descartado debido a la política de iTunes de limitar los videos a 10 minutos de duración. En cambio, el sello lanzó clips parciales de la canción principal y "Under the God" y los clips completos de "Heaven's in Here" y "Prisoner of Love". [52] El video completo de 13 minutos se lanzó más tarde en 2019 para celebrar su 30 aniversario. [53]
La banda tocó en un show en vivo sin previo aviso en Nassau mientras grababa Tin Machine , antes de hacer una aparición en vivo en el International Rock Awards Show el 31 de mayo de 1989. [21] [54] Dos semanas después, se embarcaron en su gira Tin Machine de 12 shows. , concluyendo a principios de julio. El set-list constaba únicamente de canciones de Tin Machine , temas nuevos y versiones de los años 60. [55] Los programas fueron recibidos con críticas mixtas; [55] el crítico Alastair McKay escribió en el Herald Scotland : "A pesar de toda su experiencia, la banda no lleva bien el tiempo y la voz de Bowie está en el mar con la noción misma de agresión a alto volumen... [E]l sonriente Bowie prometió su grupo volvería para repetir la experiencia en el nuevo año. Esto planteó sólo una pregunta: ¿Por qué?". [56] Gabrels insistió más tarde en que gracias a los hermanos Sales, la banda improvisaba "un tercio de cada espectáculo". [31] Una actuación el 25 de junio en París se lanzó para descarga digital y transmisión en streaming en agosto de 2019, coincidiendo con el 30 aniversario de Tin Machine . El lanzamiento, llamado Live at La Cigale, París, 25 de junio de 1989 , fue masterizado por Palmer. [57] Al concluir la gira, Tin Machine se tomó un descanso antes de volver a reunirse en Australia a finales de 1989 para comenzar a grabar su próximo álbum. Mientras estuvieron allí, realizaron un concierto único en Sydney el 4 de noviembre. Las sesiones de Tin Machine II (1991) continuaron hasta enero de 1990 antes de suspenderse, cuando Bowie anunció su nueva gira en solitario, la Sound+Vision Tour . [55]
Tin Machine recibió críticas generalmente mixtas por parte de los críticos musicales en el momento de su lanzamiento. [62] [38] Trynka afirma que si bien muchos lo recibieron como el disco más desafiante de Bowie desde Station to Station (1976) y Low (1977), el álbum rápidamente sería criticado como "pomposo, dogmático y aburrido". [24] Algunos lo señalaron como el trabajo más agresivo de Bowie desde Scary Monsters de 1980 , [4] [41] y un crítico de la revista Q lo calificó como "el esfuerzo más ruidoso, duro y pesado de toda su carrera" y "una experiencia que no se diferencia de permitiendo que tu cabeza sea utilizada como saco de boxeo". [41] David Fricke , de Rolling Stone, elogió el enfoque musical "cínico, indignado y ácido" del álbum como un "fiesta muy bienvenida de extravagancia de guitarra agresiva y control del cuerpo del bombo", señalando que a veces suena como si Sonic Youth se encontrara con Station to Station . [59] Una reseña de McClatchy Company llamó a Tin Machine "una máquina de rock 'n' roll delgada y mezquina", que mostraba cómo "Bowie ha vuelto". [4] Don Waller de Los Angeles Times le dio al álbum una crítica positiva, calificando las 12 pistas de la edición LP como "sólidas" y dando la bienvenida a "un par" como "adiciones clásicas" al catálogo de Bowie. [63] Por otro lado, Pareles consideró que la mayoría de las canciones "parece poco probable que se mantengan firmes con el tiempo" frente al mejor trabajo de Bowie. [64]
Joe Levy de la revista Spin llamó al álbum "rock ruidoso sin ruido. Agresivo, directo, brutal y elegantemente sencillo, combina la energía del rock de vanguardia con el tradicional golpe rítmico del R&B", [28] resumiendo el álbum llamándolo "diversión incendiaria" y señalando que "los boyantes hermanos Sales y Gabrels ciertamente igualan y frecuentemente superan a Bowie". [20] El crítico musical Jon Savage no entendía lo que buscaba la banda y describió la música como si tuviera "un lado feo y machista". [40] En Record Mirror , Steve Masters dijo que la música "avanza mecánicamente en una especie de molde de metal blando" y el álbum en sí termina siendo "un viaje polvoriento por la calle de la autocomplacencia". [58] Cuando se le preguntó en una entrevista cuál sería la principal crítica a Tin Machine , Bowie admitió que el álbum podría "no ser accesible" para los fans: "Supongo que no es tan obviamente melódico como uno podría pensar que probablemente sería [para un álbum de Bowie]." [21] Spitz afirma que Bowie creía que su público no estaría preparado para el sonido que quería alcanzar si lo hubiera lanzado bajo su propio nombre. [65] Tin Machine apareció en la lista de fin de año de 1989 de la revista Q ; [66] la misma revista colocaría el álbum en una lista de "Cincuenta álbumes que nunca deberían haberse hecho" sólo siete años después. [41] Mientras tanto, en una encuesta de 1998 realizada por Melody Maker que recopilaba los 20 peores álbumes de todos los tiempos, elegidos por numerosos DJ y periodistas, Tin Machine fue votado en el puesto 17. [67]
Creo que [ Tin Machine ] fue importante porque era una especie de álbum proto-grunge . [...] Tin Machine creo que abrió la puerta a algunas de las bandas de guitarras con sonido más caótico. Este, para mí, fue el álbum de Bowie menos importante en algún tiempo. La gente parecía amarlo o odiarlo. Al menos obtuvimos una fuerte reacción. [34]
- Tim Palmer en Máquina de hojalata
Algunos críticos señalaron que la banda exploró estilos de grunge y rock alternativo antes de que esos estilos se hicieran populares; [10] [35] [38] Palmer y Asregadoo consideraron el sonido del disco " proto-grunge ". [34] [36] Allender y Asregadoo argumentaron que el álbum estaba adelantado a su tiempo y que si se hubiera lanzado cinco o seis años después, habría obtenido más reconocimiento. [35] [36]
Los biógrafos de Bowie han dado al álbum valoraciones mixtas en general. Aunque Perone siente que fue un buen álbum debut que encontró "algo del toque de la década de 1970 regresando a la música y las letras de Bowie", critica la letra en todo momento y cree que se perdió el encanto especial de los primeros esfuerzos en solitario de Bowie. [10] Pegg afirma: "Como álbum por derecho propio, Tin Machine [sigue siendo] una de las experiencias auditivas menos satisfactorias en el legado grabado de Bowie", [38] un sentimiento del que se hace eco Trynka, quien lo llama un álbum que es " difícil de amar", que según él puede haber sido la intención inicial de Bowie. [24] Buckley critica principalmente la falta de melodías o estribillos pegadizos, un sentimiento del que se hizo eco el anterior colaborador de Bowie, Adrian Belew . [47] Sin embargo, algunos críticos han elogiado ciertas pistas, incluida "I Can't Read", [35] [24] [68] [10] que el propio Bowie consideró la mejor canción del disco. [8] Bowie volvió a grabar la canción durante las sesiones de su álbum Earthling de 1997 , que apareció en la película de 1998 The Ice Storm y más tarde en el EP de 2020 Is It Any Wonder? . [68] [69]
Los lanzamientos en CD y casete del álbum contienen las pistas "Run" y "Sacrifice Yourself", que fueron excluidas del lanzamiento del LP. [21] [59] Todos los lanzamientos desde entonces siguen la secuencia anterior.
Según las notas y el biógrafo Nicholas Pegg . [1] [70]
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