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Los Doce Grandes Conciertos, Op. 6 , HWV 319-330, de George Frideric Handel son concerti grossi para un trío concertino de dos violines y violonchelo y una orquesta de cuerdas a cuatro voces ripieno con continuo para clavecín . Publicados por primera vez por suscripción en Londres por John Walsh en 1739, se convirtieron en una segunda edición dos años más tarde en el Opus 6 de Handel. Tomando como modelos los antiguos concerto da chiesa y concerto da camera de Arcangelo Corelli , en lugar del posterior concierto veneciano de tres movimientos de Antonio Vivaldi favorecido por Johann Sebastian Bach , fueron escritos para ser tocados durante interpretaciones de los oratorios y odas de Handel. A pesar del modelo convencional, Handel incorporó en los movimientos la gama completa de sus estilos compositivos, incluyendo sonatas en trío, arias operísticas, oberturas francesas , sinfonías italianas, aires, fugas, temas y variaciones y una variedad de danzas. Los conciertos se componen en gran parte de material nuevo y se encuentran entre los mejores ejemplos del género del concierto grosso barroco.
La musette, o más bien chacona, de este concierto siempre fue del agrado del propio compositor y del público, pues recuerdo muy bien que Händel la incluía con frecuencia entre las partes de sus oratorios, tanto antes como después de su publicación. De hecho, ninguna composición instrumental que haya escuchado durante el largo tiempo que estuvo en boga me pareció más agradable y agradable, sobre todo en cuanto a su tema.
— Charles Burney , escribiendo sobre la interpretación del sexto Gran Concierto en la Conmemoración de Handel , 1784 [1]
Hoy se publican propuestas de impresión por suscripción, con licencia y protección real de Su Majestad Real, de doce grandes conciertos en siete partes para cuatro violines, un tenor, un violonchelo y un bajo continuo para clavecín, compuestos por el señor Handel .
1. El precio para los suscriptores es de dos guineas, una guinea que se pagará en el momento de la suscripción y la otra a la entrega de los libros.
2. El conjunto será grabado con caracteres claros, impreso en buen papel y listo para ser entregado a los suscriptores en abril próximo.
3. Los nombres de los suscriptores se imprimirán antes de la obra.
Las suscripciones las aceptan el autor, en su casa de Brook's-street, Hanover Square; y John Walsh en Catherine-street en Strand.
London Daily Post , 29 de octubre de 1739
En 1735, Händel había comenzado a incorporar conciertos para órgano en las interpretaciones de sus oratorios. Al mostrarse como compositor e intérprete, podía ofrecer un atractivo que estaba a la altura de los castrati italianos de la compañía rival, la Ópera de la Nobleza . Estos conciertos formaron la base de los conciertos para órgano Op. 4 de Händel , publicados por John Walsh en 1738.
El primero y el último de estos seis conciertos, HWV 289 y HWV 294, fueron escritos originalmente en 1736 para ser interpretados durante El banquete de Alejandro , la versión de Händel de la oda de John Dryden El banquete de Alejandro o El poder de la música ; el primero para órgano de cámara y orquesta, el segundo para arpa, cuerdas y continuo. Además, en enero de 1736, Händel compuso un breve y ligero concierto grosso para cuerdas en do mayor, HWV 318, tradicionalmente conocido como el "Concierto en El banquete de Alejandro", para ser interpretado entre los dos actos de la oda. Escrito para orquesta de cuerdas con partes solistas para dos violines y violonchelo, tenía cuatro movimientos y más tarde se publicó en la colección de Walsh Select Harmony de 1740. Sus primeros tres movimientos ( allegro , largo , allegro ) tienen la forma de un concierto italiano contemporáneo, con alternancia entre pasajes solistas y tutti. El cuarto movimiento, menos convencional, marcado como andante, non presto , es una gavota encantadora y majestuosa con elegantes variaciones para los dos violines. [2] [3]
Debido a los cambios en los gustos populares, la temporada de 1737 había sido desastrosa tanto para la Ópera de la Nobleza como para la propia compañía de Händel, que en ese momento dirigía él solo. Al final de la temporada, Händel sufrió una especie de colapso físico y mental, que resultó en la parálisis de los dedos de una mano. Convencido por amigos de tomar las aguas en Aquisgrán , experimentó una recuperación completa. A partir de entonces, con la excepción de Giove in Argo (1739), Imeneo (1740) y Deidamia (1741), abandonó la ópera italiana en favor del oratorio inglés, un nuevo género musical del que fue en gran medida responsable. El año 1739 vio el estreno de su gran oratorio Saul , su versión de la Oda para el día de Santa Cecilia de John Dryden y el renacimiento de su ópera o serenata pastoral inglesa Acis y Galatea . El año anterior había producido la obra coral Israel en Egipto y en 1740 compuso L'Allegro, il Penseroso ed il Moderato , una versión tipo cantata de la poesía de John Milton .
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Para la temporada 1739-1740 en el teatro Lincoln's Inn Fields , [4] Handel compuso doce grandes conciertos para ser interpretados durante los intervalos en estas mascaradas y oratorios, como una forma de atraer audiencias: las próximas interpretaciones de los nuevos conciertos se anunciaron en los diarios de Londres. Tras el éxito de sus conciertos para órgano Op. 4, su editor John Walsh había animado a Handel a componer una nueva serie de conciertos para comprar por suscripción bajo una Licencia Real especialmente adquirida. Había poco más de 100 suscriptores, incluidos miembros de la familia real, amigos, mecenas, compositores, organistas y administradores de teatros y jardines de recreo, algunos de los cuales compraron múltiples conjuntos para fuerzas orquestales más grandes. Las propias interpretaciones de Handel generalmente empleaban dos instrumentos de continuo, ya sea dos clavecines o un clave y un órgano de cámara; algunos de los manuscritos autógrafos tienen partes adicionales adjuntas para oboes, las fuerzas adicionales disponibles para interpretaciones durante oratorios. El propio Walsh había vendido con mucho éxito su propia edición de 1715 de los célebres Doce conciertos grossi, Op. 6 de Corelli , publicados por primera vez póstumamente en Ámsterdam en 1714. [5] La elección posterior del mismo número de opus para la segunda edición de 1741, el número de conciertos y la forma musical no pueden haber sido completamente accidentales; lo que es más importante, Handel en sus primeros años en Roma había conocido y caído bajo la influencia de Corelli y la escuela italiana. Los doce conciertos se produjeron en un espacio de cinco semanas a finales de septiembre y octubre de 1739, con las fechas de finalización registradas en todos ellos excepto en el n.º 9. Los diez conciertos del conjunto que fueron en gran parte de nueva composición se escucharon por primera vez durante la interpretación de oratorios más adelante en la temporada. Los dos conciertos restantes fueron reelaboraciones de conciertos para órgano, HWV 295 en fa mayor (apodado " El cuco y el ruiseñor " debido a las imitaciones del canto de los pájaros en la parte de órgano) y HWV 296 en la mayor, ambos ya escuchados por el público londinense a principios de 1739. En 1740, Walsh publicó sus propios arreglos para órgano solista de estos dos conciertos, junto con arreglos de cuatro de los concerti grossi Op. 6 (núms. 1, 4, 5 y 10). [6]
Sin embargo, la composición de los concerti grossi, debido al período de tiempo sin precedentes reservado para su composición, parece haber sido un esfuerzo consciente de Handel para producir un conjunto de "obras maestras" orquestales para su publicación general: una respuesta y un homenaje a los siempre populares concerti grossi de Corelli, así como un registro duradero de las propias habilidades compositivas de Handel. [7] A pesar de la convencionalidad del modelo corelliano, los conciertos son extremadamente diversos y en partes experimentales, recurriendo a todos los géneros musicales posibles e influenciados por formas musicales de toda Europa.
Los diez conciertos que se habían compuesto recientemente (todos excepto los números 9 y 11) recibieron sus estrenos durante las representaciones de oratorios y odas durante la temporada de invierno de 1739-1740, como lo evidencian los anuncios contemporáneos en los diarios de Londres. Dos se interpretaron el 22 de noviembre, el día de Santa Cecilia, durante las representaciones de Alexander's Feast y Ode for St Cecilia's Day ; dos más el 13 de diciembre y otros cuatro el 14 de febrero. Dos conciertos se escucharon en la primera interpretación de L'Allegro, il Penseroso ed il Moderato a fines de febrero; y dos más en marzo y principios de abril durante las reposiciones de Saul and Israel en Egipto . El par final de conciertos se interpretó por primera vez durante una interpretación de L'Allegro el 23 de abril, solo dos días después de la publicación oficial del conjunto. [8]
El análisis de los movimientos individuales está tomado de Sadie (1972), Abraham (1954) y las notas de Hans Joachim Marx que acompañan las grabaciones de Trevor Pinnock y el English Concert .
El primer movimiento breve del concierto comienza de forma dramática, solemne y majestuosa: la orquesta asciende gradualmente hacia una sección más sostenida, y cada paso del ascenso va seguido de una figura descendente que suspira, primero de la orquesta completa, y se hace eco de los violines solistas. Esta severa grandeza provoca una respuesta suave y elocuente del trío de cuerdas del concertino, a la manera de Corelli, con imitaciones y pasajes en terceras de los violines. La orquesta y los solistas continúan su diálogo hasta que en los últimos diez compases hay una repetición de la música introductoria, ahora en sordina y en tono menor, que termina con un notable pasaje cromático de noble simplicidad que desciende hasta la cadencia final.
El segundo movimiento es un alegre allegro. El material se deriva de la figura de los dos primeros compases y medio que se presenta en secuencias y respuestas. Aunque muestra algunos elementos de la forma sonata clásica , el éxito del movimiento se debe más a los intercambios impredecibles entre la orquesta y los solistas.
El tercer movimiento es un adagio digno, que utiliza figuras de anapesto similares a las de los primeros compases del primer movimiento. Como escribió Charles Burney en 1785: "En el adagio , mientras los dos tiples cantan al estilo de los dúos vocales de la época, donde estas partes, aunque no en fuga regular, abundan en imitaciones de este tipo de fuga, el bajo, con una audacia y un carácter peculiares de Handel, sostiene con erudición e ingenio el tema de los dos primeros compases, ya sea directos o invertidos, a lo largo del movimiento, de una manera clara, distinta y marcada".
El cuarto movimiento fugado tiene un tema pegadizo, que se escucha por primera vez íntegramente en boca del solista. A pesar de ser fugado por naturaleza, no se adhiere a las estrictas reglas del contrapunto, sorprendiendo al oyente con episodios ingeniosos, alternando entre el ripieno y el concertino; al final, donde se esperaría una reafirmación audaz del tema, Handel acorta juguetonamente el movimiento con dos compases de pianissimo.
El último movimiento, de tipo concierto, es una enérgica giga en dos partes, en la que los solistas responden a la orquesta completa.
Este concierto de cuatro movimientos se asemeja a una sonata da chiesa . A partir del autógrafo original, Handel inicialmente pretendía que el concierto tuviera dos movimientos adicionales, una fuga en tono menor como segundo movimiento y una giga final ; estos movimientos se usaron más tarde en otras partes del conjunto.
El andante larghetto inicial es noble, espacioso y fluido, con ricas armonías. Las respuestas del trío concertino se derivan del ritornello inicial. Alternan entre un legato elegante y ritmos punteados más decididos. Se ha sugerido que las tres cadencias adagio inusuales interrumpidas por pausas antes del cierre indican que Handel esperaba cadencias de cada uno de los solistas, aunque las partituras supervivientes no muestran ninguna indicación de esto.
El segundo movimiento es un allegro en re menor en estilo sonata en trío contrapuntístico. La figura de semicorchea animada de los primeros compases se toca en imitación o en terceras paralelas como una especie de moto perpetuo .
El tercer movimiento es poco convencional. Alterna entre dos estados de ánimo diferentes: en las majestuosas secciones del largo , la orquesta completa y los violines solistas responden en compases sucesivos con ritmos punteados incisivos; el larghetto, andante y piano a una velocidad ligeramente más rápida en corcheas repetidas, es suave y misterioso con una complejidad armónica creada por suspensiones en las partes internas.
Hay un aparente retorno a la ortodoxia en el cuarto movimiento, que comienza con una vigorosa fuga en cuatro partes, tratada de manera convencional, y se ve interrumpida por interludios contrastantes marcados como pianissimo , en los que se escucha un tema lento, solemne y lírico, en las cuerdas solistas sobre acordes repetidos. Este segundo tema se revela más adelante como un contrapunto al tema fugado original.
En el larghetto inicial en mi menor, la orquesta completa toca tres veces el ritornello, una zarabanda de gran gravedad. Las tres respuestas del concertino viran hacia la tonalidad mayor, pero sólo transitoriamente. El diálogo se resuelve con la orquesta completa combinando la música del ritornello y los interludios del solista.
El estado de ánimo profundamente trágico continúa en el siguiente andante , una de las declaraciones más personales de Handel. El movimiento es una fuga sobre un sorprendente tema atonal de cuatro notas, B-G-D ♯ –C, que recuerda a la Fuga del gato de Domenico Scarlatti . [15] Las suspensiones y las partes internas recuerdan la escritura contrapuntística de Bach. Hay una adición inesperada de un G ♯ en la última entrada del tema de cuatro notas en el bajo a medida que el movimiento llega a su fin.
El tercer movimiento es un allegro . De todos los Op. 6, es el que más se acerca a la escritura de concierto de Vivaldi, con su ritornello inicial al unísono ; sin embargo, a pesar de una clara diferencia de textura entre las secciones de violín solista y los tuttis orquestales, Handel rompe con el modelo al compartir material entre ambos grupos.
Aunque el encantador y elegante cuarto movimiento en sol mayor se describe como una polonesa , tiene muy pocas características en común con esta popular forma de danza del siglo XVIII. Las cuerdas más graves simulan un zumbido, creando un ambiente pastoral, pero la escritura de estilo bailable para las cuerdas más agudas es más cortesana que rústica.
El allegro corto final, ma non troppo in6
8El tiempo devuelve el concierto a mi menor y a un tono más serio, con cromatismo y cambios de tonalidad inesperados en el diálogo entre concertino y ripieno.
El cuarto concierto en la menor es un concierto orquestal convencional en cuatro movimientos, con muy pocos textos para cuerdas solistas, a excepción de breves pasajes en el segundo y último movimiento.
El primer movimiento, marcado como larghetto affetuoso , ha sido descrito como uno de los mejores movimientos de Handel, amplio y solemne. La melodía es interpretada por los primeros violines al unísono, sus semicorcheas de apoyatura descendentes reflejan el estilo galante . Debajo de ellos, la parte del bajo se mueve de manera constante en corcheas, con una armonía adicional proporcionada por las partes internas.
El segundo allegro es una fuga enérgica, en la que los breves intercambios entre concertino y ripieno se derivan estrictamente de un tema inusualmente largo. La sombría del movimiento se ve subrayada por la cadencia final en las cuerdas más graves de los violines y las violas.
El largo para piano en fa mayor es uno de los movimientos lentos más sublimes y sencillos de Händel, una zarabanda al estilo de la sonata en trío italiana. Sobre un bajo en negra constante, el tema sostenido se intercambia suavemente entre las dos partes de violín, con imitaciones y suspensiones; se añade color armónico en la discreta parte de viola. En los compases finales, la figura de negra del bajo pasa a las cuerdas superiores antes de la cadencia final.
El último movimiento, un allegro en la menor, es una reelaboración radical de un aria para soprano que Handel estaba preparando para su penúltima ópera Imeneo . En el concierto, el material está argumentado de forma más ajustada, y se deriva de dos figuras fragmentadas y muy rítmicas de 5 y 6 notas. Aunque hay elementos inconfundibles de ingenio en el desarrollo imaginativo, el tono predominante es serio: los interludios melódicos sostenidos en las cuerdas superiores están teñidos por inesperadas notas bemoles. En la coda, el primer violín concertino retoma el tema principal, al que se unen dos compases más tarde en terceras partes el otro violín solista y, finalmente, los acordes pianissimo sostenidos repetidos en el ripieno, modulando a través de tonalidades inesperadas. A esto responden dos veces dos cadencias forte unísono, la segunda de las cuales cierra el movimiento.
La apertura de esta pieza siempre me impresionó con la idea de que era la más animada y característica de toda la música escrita por Handel, o cualquier otro compositor, según el modelo de Obertura de ópera de Lulli; lo que parece requerir una artesanía convulsiva, deliberada y militar... El final, o minueto de este Concierto, ha sido tan admirado por los compositores ingleses de la escuela de Handel, que con frecuencia se ha considerado digno de imitación.
Charles Burney , 1785 [16]
El quinto gran concierto en la brillante tonalidad de re mayor es un enérgico concierto en seis movimientos. Incorpora en sus movimientos primero, segundo y sexto versiones reelaboradas de la obertura en tres movimientos de la Oda para el día de Santa Cecilia HWV 76 de Haendel ( Larghetto, e staccato – allegro – minueto ), compuesta en 1739 inmediatamente antes de los concerti grossi Op. 6 y utilizando libremente los Componimenti musicali (1739) de Gottlieb Muffat para gran parte de su material temático. El minueto se añadió más tarde al concerto grosso, tal vez para equilibrar: no está presente en el manuscrito original; el trío rechazado de la obertura fue reelaborado al mismo tiempo para el Op. 6 No. 3.
El primer movimiento, al estilo de una obertura francesa con ritmos punteados y pasajes de escala, tiene la característica novedosa de estar precedido por un pasaje de dos compases para el primer violín concertino para conseguir un efecto dramático.
El allegro , una fuga vigorosa y llena de vida, difiere muy poco de la de la Oda , salvo por tres compases adicionales al final. La composición, dividida en secciones fácilmente discernibles, se apoya más en la armonía que en el contrapunto.
El tercer movimiento es un presto alegre en3
8tiempo y forma binaria . Una figura de semicorchea muy ocupada recorre la pieza, que parece una danza, interrumpida únicamente por las cadencias.
El largo en3
2El tiempo sigue el patrón establecido por Corelli. Las partes de concertino dominan el movimiento, con los dos violines solistas en un expresivo contrapunto. Cada episodio para solistas va seguido de una respuesta tutti .
El delicioso quinto allegro está escrito para orquesta completa. El primer tema, lleno de ritmo, se deriva de la sonata número veintitrés de Essercizi Gravicembalo de Domenico Scarlatti de 1738. El siguiente pasaje repetido en semicorcheas sobre un bajo móvil recuerda el estilo de Georg Philipp Telemann . Sin embargo, Handel trata el material de una manera completamente original: el movimiento virtuoso está lleno de propósito con un inconfundible sentido de dirección, a medida que las disonancias entre las partes superiores se resuelven ineluctablemente.
El minueto final , marcado como un poco larghetto , es una reelaboración más directa del minueto de la obertura de la Oda . La primera declaración del tema está melódicamente recortada, de modo que la figura de corchea en la respuesta da la impresión de una variación. Este movimiento cálido y sólido fue añadido en una etapa posterior por Handel, tal vez porque proporcionaba una forma más efectiva de terminar el concierto que el brillante quinto movimiento.
El sexto concierto en sol menor estaba previsto originalmente para cuatro movimientos. El manuscrito autógrafo contiene el boceto de una gavota en dos partes, que, posiblemente para restablecer el desequilibrio creado por la longitud de la musette y su tonalidad diferente (mi bemol mayor), Händel abandonó en favor de dos nuevos movimientos allegro más breves . De este modo, la musette se convirtió en el movimiento central, con un retorno a la tonalidad menor en los movimientos finales.
El primer movimiento, titulado Larghetto e affetuoso , es uno de los más oscuros que escribió Handel, con un patetismo trágico que iguala fácilmente al de las mejores arias dramáticas de su ópera seria . Aunque está inspirado en el modelo de Corelli, es mucho más desarrollado e innovador en ritmo, armonía y textura musical. Hay breves pasajes para cuerdas solistas que dan respuestas expresivas y sin adornos a la orquesta completa. A pesar de las sugerencias momentáneas de modulaciones a la tonalidad mayor relativa, la música vuelve a hundirse en el estado de ánimo melancólico predominante de sol menor; en el sombrío final, las cuerdas descienden a la parte más baja de su registro.
El segundo movimiento es una fuga cromática concisa, severa, angular e implacable, que no muestra nada de la tendencia habitual de Handel a alejarse de la ortodoxia.
La musette elegíaca en mi bemol mayor es la joya de la corona del concierto, elogiada por el comentarista contemporáneo Charles Burney , quien describió cómo Handel a menudo la interpretaba como una pieza separada durante los oratorios. En este larghetto sumamente original , Handel evoca una pastoral larga y soñadora de unos 163 compases. Al igual que la aria igualmente popular Son confusa pastorella del Acto III de la ópera de Handel Poro re dell'Indie (1731), se inspiró en Harmonischer Gottes Dienst de Telemann . [17] La musette comienza con un tema principal gravemente hermoso: Handel crea una textura oscura única de cuerdas de registro más bajo sobre un bajo zumbido, el acompañamiento tradicional para esta danza, derivado del zumbido de las gaitas . Este tema sombrío se alterna con episodios animados contrastantes en las cuerdas más altas. El movimiento se divide en cuatro partes: primero, una declaración del tema de la orquesta completa; luego una continuación y ampliación de este material como un diálogo entre cuerdas de concertino y ripieno, con los ritmos punteados típicos de la musette; luego una sección para orquesta completa en do menor con pasajes de semicorchea para violines sobre los ritmos del tema original en las cuerdas más graves; y finalmente una versión abreviada del diálogo de la segunda sección para concluir la obra.
El siguiente allegro es un enérgico movimiento italianizante al estilo de Vivaldi, con pasajes de ritornello que se alternan con el virtuoso solo de violín. Se aparta de su modelo al entremezclar libremente los pasajes de solista y tutti después de un episodio orquestal central en re menor.
El movimiento final es un breve allegro tipo danza para orquesta completa en3
8tiempo y forma binaria , que recuerdan las sonatas para teclado de Domenico Scarlatti .
El séptimo concierto es el único para orquesta completa: no tiene episodios solistas y todos los movimientos son breves.
El primer movimiento es un largo de diez compases que, como una obertura, da paso a una fuga allegro de una sola nota, algo que sólo un compositor de la talla de Händel se habría atrevido a intentar. El tema de la fuga consiste en una misma nota durante tres compases (dos blancas, cuatro negras, ocho corcheas) seguida de un compás de figuras de corcheas que, con ligeras variantes, se utilizan como material temático para todo el movimiento, una obra que se apoya fundamentalmente en el ritmo.
El largo central expresivo en sol menor y3
4El tiempo, que recuerda al estilo de Bach, es armoniosamente complejo, con un tema cromático y una escritura a cuatro voces muy bien entrelazada.
Los dos movimientos finales son un andante constante con ritornellos recurrentes y una hornpipe animada repleta de síncopas inesperadas.
El octavo concierto en do menor se inspira en gran medida en las composiciones anteriores de Handel. Su forma, en parte experimental, se asemeja a la del concerto da camera italiano , una suite de danzas. Hay seis movimientos de gran diversidad.
La allemande de apertura para orquesta completa es una reelaboración del primer movimiento de la segunda suite para clave de Handel de su tercer conjunto (n.º 16), HWV 452, en sol menor.
La breve tumba en fa menor, con modulaciones inesperadas en la segunda sección, es sombría y dramática. Es un verdadero movimiento de concierto, con intercambios entre solistas y orquesta.
El tercer andante allegro es original y experimental, y toma como motivo central una breve figura de cuatro notas de la ópera Agrippina de Handel . Esta frase y una figura de corchea repetida se transmiten libremente entre los solistas y el ripieno en un movimiento que se basa en la textura musical.
El siguiente adagio breve , melancólico y expresivo, habría sido inmediatamente reconocido por el público de Handel como una cita directa del aria de Cleopatra Piangerò la sorte mia del Acto III de su popular ópera Giulio Cesare (1724).
La siciliana es similar en estilo a las que Händel escribió para sus óperas, siempre marcando momentos de patetismo trágico; un ejemplo célebre es el dúo de soprano-alto Son nata a lagrimar para Sesto y Cornelia al final del acto I de Giulio Cesare . Su tema ya fue utilizado en el aria «De tal padre nació el amor» para Mical de su oratorio Saul (finalmente descartado por Händel) y se repite en el aria «Se d'amore amanti siete» para soprano y dos flautas dulces de Imeneo , cada vez en la misma tonalidad de do menor. [18] El movimiento alterna pasajes para solistas y orquesta completa. Algunas partes del material temático posterior parecen precursoras de lo que Händel utilizó más tarde en El Mesías en la sinfonía pastoral y en «Él alimentará su rebaño». Al final, después de un pasaje en el que los dos violines solistas tocan en un elaborado contrapunto sobre una declaración del tema principal en la orquesta completa, Handel, en un golpe de inspiración, de repente tiene una simple reafirmación del tema en el piano en el concertino que conduce a dos compases de acordes tutti desnudos y vacilantes, antes de una repetición final del tema por parte de la orquesta completa.
El allegro final es una especie de polonesa en forma binaria para orquesta completa. Su transparencia y nitidez son resultado, en parte, de la fusión de las partes del segundo violín y la viola en una única voz independiente.
El noveno concierto grosso es el único que no está fechado en el manuscrito original. Aparte del primer y el último movimiento, es el que contiene menos material compuesto de todos los conciertos.
El Largo inicial consta de 28 compases de acordes desnudos para orquesta completa, con el interés que aportan la progresión armónica y los cambios en las indicaciones dinámicas. Stanley Sadie declaró que el movimiento era un experimento fallido, pero otros han señalado que, no obstante, mantiene la atención del oyente, a pesar de su crudeza. Algunos comentaristas anteriores han sugerido que tal vez Handel pretendía una voz improvisada adicional, aunque tal exigencia para un solista habría ido más allá de la práctica barroca habitual.
El segundo y tercer movimiento son reelaboraciones de los dos primeros del Concierto para órgano en fa mayor de Handel, HWV 295, conocido como "El cuco y el ruiseñor" debido a sus imitaciones del canto de los pájaros.
El Allegro se transforma en un movimiento más disciplinado y amplio que el original, pero conservando su espíritu innovador. Las partes solistas y orquestales del original se entremezclan y redistribuyen de una manera novedosa entre concertino y ripieno . Los efectos de cuco se transforman en notas repetidas complementadas con frases adicionales, explotando las sonoridades contrastadas de los intérpretes solistas y tutti. Los efectos de ruiseñor se sustituyen por repeticiones del ritornello y el cuco modificado. Lo que era el solo de órgano final, en parte ad libitum , se convierte en un conjunto de pasajes de semicorchea virtuosos, y una sección adicional de notas repetidas precede al tutti final.
El Larghetto , una suave siciliana , se transforma de manera similar. Sus primeros cuarenta compases utilizan el mismo material, pero Handel logra una conclusión más contundente con un breve retorno al tema inicial.
Para el cuarto y quinto movimiento, Handel utilizó la segunda y tercera partes de la segunda versión de la obertura de su ópera aún inacabada Imeneo . Ambas fueron transpuestas de sol a fa. El Allegro es una fuga animada pero ortodoxa; el Minueto comienza inusualmente en la tonalidad menor pero pasa a la mayor para su coda de ocho compases.
La última giga en forma binaria fue un remanente del Op. 6, No. 2, después de que Handel recompuso sus movimientos finales.
El décimo Gran Concierto en re menor tiene la forma de una suite de danza barroca , introducida por una obertura francesa : esto explica la estructura del concierto y la presencia de un solo movimiento lento.
El primer movimiento, marcado como ouverture – allegro – lentement , tiene la forma de una obertura francesa. Los ritmos punteados en la primera parte lenta son similares a los que Handel utilizó en sus oberturas operísticas. El tema de la fuga allegro en6
8El tiempo, dos compases rítmicos que conducen a cuatro compases en semicorcheas, le permitieron hacer que cada repetición sonara dramática. La fuga conduce a un breve pasaje final de lentitud , una variante del material del comienzo.
El Aire, lentement es un movimiento de danza tipo zarabanda de noble y monumental simplicidad, cuyo estilo antiguo se ve realzado por indicios de armonías modales.
Los dos allegros siguientes se basan libremente en la allemande y la courante . La partitura del primer allegro , en forma binaria , es similar en estilo a la de las allemandes en las suites barrocas para teclado. El segundo allegro es un movimiento más largo, ingeniosamente compuesto en el estilo del concierto italiano. No hay ritornello; en cambio, el material rítmico de los primeros compases y la primera entrada en la línea de bajo se utiliza en contrapunto a lo largo de la pieza para crear una sensación de dirección rítmica, llena de alegría y sorpresas.
El allegro moderato final en re mayor había sido originalmente pensado para el duodécimo concierto, cuando Handel había experimentado con las tonalidades de re mayor y si menor. Es un movimiento alegre tipo gavota , en forma binaria , con una variación (o doble ) que presenta semicorcheas y corcheas repetidas en las cuerdas superiores e inferiores.
... la Sinfonía, o introducción, del andante es sumamente agradable; y no menos notable por su gracia, que la audacia con la que el compositor, para dar respuesta a los puntos de imitación, ha utilizado dobles disonancias, sin preparación . Hace cuarenta años, se pensaba que las partes solistas de este movimiento eran más brillantes que fáciles y naturales para el arco y el diapasón.
Charles Burney , 1785 [19]
El undécimo concierto fue probablemente el último en completarse según la fecha del manuscrito autógrafo. Handel decidió hacer de este concierto una adaptación de su recientemente compuesto pero aún inédito concierto para órgano HWV 296 en la mayor: en cualquiera de las dos formas ha sido clasificado como uno de los mejores conciertos de Handel, "un monumento de cordura y sentido no demostrativo", según Basil Lam . [20] El concerto grosso está elaborado con más cuidado, con una parte de viola independiente y modificaciones para dar cabida a los solistas de cuerda. Las secciones ad libitum para órgano se sustituyen por pasajes acompañados para violín solista. El orden de los movimientos tercero y cuarto se invirtió de modo que el largo andante se convirtió en el movimiento central del concerto grosso.
Los dos primeros movimientos juntos tienen la forma de una obertura francesa. En el andante larghetto, e staccato, los ritornellos orquestales con sus ritmos punteados se alternan con los pasajes virtuosos para las cuerdas agudas y el primer violín solista. El siguiente allegro es una fuga breve a cuatro voces que concluye con el tema fugado reemplazado por una elaborada versión en semicorchea de los dos primeros compases del tema original. En la partitura autógrafa del primero de sus conciertos para órgano Op. 7 en re menor, Handel indicó que se debía tocar una versión de este movimiento, compartida entre el órgano y la cuerda y transpuesta un semitono hacia arriba, a si bemol mayor .
Un largo introductorio de seis compases precede al cuarto movimiento, un largo andante en forma de concierto italiano que constituye el centro del concierto. El tema del ritornello, de engañosa simplicidad y típicamente handeliano, se alterna con pasajes virtuosos de tipo giga para cuerdas solistas; en cada repetición el ritornello se transforma sutilmente, pero sigue siendo reconocible.
El allegro final es una ingeniosa versión instrumental de un aria da capo , con una sección central en la tonalidad relativa menor, fa bemol menor. Incorpora las características de un concierto veneciano: los brillantes episodios virtuosos del violín solista se alternan con el ritornello orquestal de cuatro compases, que Handel varía en cada repetición.
Aquí la inspiración permanente de Italia surge con toda la frescura de su juventud, con el peso y la gravedad añadidos de los años, para producir una de esas melodías que hablan a todos los grados y niveles de experiencia musical. No podría haber un testimonio más convincente de la grandeza de la mente y el corazón de Handel.
Basil Lam , escritura del tercer movimiento del último Gran Concierto [21]
Los llamativos ritmos punteados del largo inicial recuerdan el estilo dramático de la obertura francesa, aunque el movimiento también sirve para contrastar la orquesta completa con las cuerdas ripieno más tranquilas.
El siguiente movimiento, sumamente inventivo, es un allegro brillante y animado , un moto perpetuo . La figura de semicorchea del tema, que se repite constantemente entre las distintas partes de la orquesta y los solistas, no hace más que reforzar la sensación general de dirección rítmica y armónica. Aunque superficialmente tiene forma de concierto, el éxito de este movimiento probablemente se deba más al alejamiento de Handel de las convenciones.
El tercer movimiento central, denominado Larghetto e piano , contiene una de las melodías más hermosas escritas por Handel. Con su tranquila gravedad, es similar al andante larghetto , a veces llamado el "minueto", en la obertura de la ópera Berenice , que Charles Burney describió como "uno de los movimientos más elegantes y agradables que jamás se haya compuesto". [22] La melodía en3
4El compás en mi mayor es simple y regular con un amplio rango y un bajo tipo chacona . Después de su enunciado, se varía dos veces, la primera vez con un bajo de corcheas y luego con la melodía misma tocada en corcheas.
El cuarto movimiento es un largo breve, como un recitativo acompañado , que conduce a la fuga final del allegro . Su tema, parecido a una giga, se deriva de una fuga de Friedrich Wilhelm Zachow , el maestro de la infancia de Handel en Halle , a quien el movimiento es quizás una especie de homenaje.
Si el epíteto grand , en lugar de implicar, como suele ser habitual, muchas partes o un concierto que requiere una gran banda u orquesta, hubiera tenido aquí la intención de expresar sublimidad y dignidad, podría haberse utilizado con la mayor propiedad, pues no recuerdo ningún movimiento que sea más elevado y noble que éste, o en el que los agudos y los graves de los tutti , o partes completas, tengan caracteres tan distintos y marcados; ambos audaces y contrastantes, no sólo entre sí, sino también con las partes solistas, que son gráciles y chantantes . Nunca he visto que se haya hecho algo así en tan poco tiempo; ese movimiento contiene sólo treinta y cuatro compases, y sin embargo parece que no queda nada por decir; y aunque comienza con tanto orgullo y altivez, al final se funde en suavidad; y, cuando modula en una tonalidad menor, parece expresar fatiga, languidez y desmayo.
— Charles Burney , 1785, escribiendo sobre el movimiento inicial del Op. 6, No. 1. [24]
Los doce grandes conciertos de Handel ya estaban disponibles para el público a través de los arreglos para órgano solista de cuatro de ellos que hizo Walsh en 1740 y a través de las diversas ediciones del Opus 6 completo producidas durante la vida de Handel. Veinticinco años después de la muerte de Handel, Jorge III inició una Conmemoración de Handel en Londres en 1784, con cinco conciertos en la Abadía de Westminster y el Panteón . Estos conciertos, que se repitieron durante los años siguientes y establecieron una tradición inglesa para los festivales de Handel en el siglo XIX y más allá, fueron a gran escala, con enormes coros y fuerzas instrumentales, mucho más allá de lo que Handel tenía a su disposición: además de sacabuches y trombones , se instaló un órgano especial en la Abadía con teclados desplazados. Sin embargo, en la primera conmemoración se interpretaron extractos de cuatro de sus grandes conciertos (núms. 1, 5, 6 y 11), originalmente concebidos para orquesta de cámara barroca; Op. El Op . 6, n.º 1, se interpretó en su totalidad en el cuarto concierto en la Abadía de Westminster. Fueron descritas en detalle por el musicólogo y comentarista contemporáneo Charles Burney en 1785. [25] [26] Tres años más tarde, Wolfgang Amadeus Mozart incorporó la Musette del Op. 6, n.º 6, y un Largo corto del Op. 6, n.º 7, en su reorquestación de Acis y Galatea , K 566. [27]
Al igual que los conciertos para órgano de Handel, en el siglo XIX sus Concerti grossi Op. 6 se hicieron ampliamente disponibles en versiones para piano solo, dúo de piano y dos pianos. Breitkopf y Härtel publicaron dos arreglos para piano de cuatro de los conciertos de Gustav Krug (1803-1873). Existen versiones para dúo de piano de August Horn (1839-1893), Salamon Jadassohn (1831-1902), Wilhelm Kempff , Richard Kleinmichel (1846-1941), Ernst Naumann (1832-1910), Adolf Rutthardt (1849-1934), FL Schubert (1804-1868) y Ludwig Stark (1831-1884). También hay arreglos de varias piezas para piano solo de varios compositores, entre ellos Gustav Friedrich Kogel (1849-1921), Giuseppe Martucci (1856-1909), Otto Singer (1833-1894) y August Stradel (1860-1930), quien arregló todo el conjunto. [28]
En el siglo XX, Arnold Schoenberg , un compositor abiertamente antipático a Händel pero que se encontraba en un punto de inflexión en su carrera musical, "arregló libremente" el Concerto Grosso, Op. 6, No. 7, en su Concierto para cuarteto de cuerdas y orquesta (1933). Los procesos de composición de Schoenberg han sido analizados en detalle por Auner (1996), quien también proporciona un facsímil de la copia profusamente anotada de la partitura original de Schoenberg.
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