Solomon " Sol " LeWitt (9 de septiembre de 1928 – 8 de abril de 2007) fue un artista estadounidense vinculado a diversos movimientos, entre ellos el arte conceptual y el minimalismo . [1]
LeWitt saltó a la fama a finales de la década de 1960 con sus dibujos murales y "estructuras" (un término que prefería en lugar de "esculturas"), pero fue prolífico en una amplia gama de medios, incluidos dibujo, grabado, fotografía, pintura, instalación y libros de artista. . Ha sido objeto de cientos de exposiciones individuales en museos y galerías de todo el mundo desde 1965. La primera biografía del artista, Sol LeWitt: A Life of Ideas , de Lary Bloom, fue publicada por Wesleyan University Press en la primavera de 2019. [2 ]
LeWitt nació en Hartford, Connecticut , en una familia de inmigrantes judíos de Rusia. Su padre murió cuando él tenía 6 años. [3] Su madre lo llevó a clases de arte en el Wadsworth Atheneum en Hartford. [4] Después de recibir un BFA de la Universidad de Syracuse en 1949, LeWitt viajó a Europa, donde estuvo expuesto a pinturas de viejos maestros . Poco después, sirvió en la Guerra de Corea , primero en California, luego en Japón y finalmente en Corea . LeWitt se mudó a la ciudad de Nueva York en 1953 y instaló un estudio en el Lower East Side, en el antiguo asentamiento judío asquenazí en Hester Street . Durante este tiempo estudió en la Escuela de Artes Visuales y al mismo tiempo siguió su interés por el diseño en la revista Seventeen , donde realizó pegados, mecánica y fotocopias. [5] En 1955, trabajó como diseñador gráfico en el despacho del arquitecto IM Pei durante un año. Por esa época, LeWitt también descubrió el trabajo del fotógrafo de finales del siglo XIX Eadweard Muybridge , cuyos estudios sobre secuencia y locomoción fueron una de sus primeras influencias. Estas experiencias, combinadas con un trabajo inicial como recepcionista nocturno y empleado que aceptó en 1960 en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, influirían en el trabajo posterior de LeWitt.
En el MoMA, entre los compañeros de trabajo de LeWitt se encontraban los artistas Robert Ryman , Dan Flavin , Gene Beery y Robert Mangold , y la futura crítica de arte y escritora, Lucy Lippard , que trabajaba como paje en la biblioteca. La ahora famosa exposición "Dieciséis americanos" de la curadora Dorothy Canning Miller de 1960 con obras de Jasper Johns , Robert Rauschenberg y Frank Stella creó una oleada de entusiasmo y debate entre la comunidad de artistas con los que LeWitt se asociaba. LeWitt también se hizo amigo de Hanne Darboven , Eva Hesse y Robert Smithson .
LeWitt enseñó en varias escuelas de Nueva York, incluida la Universidad de Nueva York y la Escuela de Artes Visuales , a finales de la década de 1960. En 1980, LeWitt dejó Nueva York para trasladarse a Spoleto, Italia . Después de regresar a los Estados Unidos a finales de la década de 1980, LeWitt hizo de Chester, Connecticut , su residencia principal. [5] Murió a los 78 años en Nueva York por complicaciones del cáncer. [6]
LeWitt es considerado uno de los fundadores del arte minimalista y conceptual . [5] Su prolífica obra bidimensional y tridimensional abarca desde dibujos murales (de los cuales se han ejecutado más de 1200) hasta cientos de obras sobre papel que se extienden a estructuras en forma de torres , pirámides , formas geométricas y progresiones. Estas obras varían en tamaño, desde libros e instalaciones del tamaño de una galería hasta piezas monumentales al aire libre. Las primeras esculturas en serie de LeWitt se crearon en la década de 1960 utilizando la forma modular del cuadrado en disposiciones de diversa complejidad visual. En el número 5 de la revista 0 To 9 , se publicó la obra de LeWitt 'Sentences on Conceptual Art'. Esta pieza se convirtió en uno de los escritos de artistas más citados de la década de 1960, explorando la relación entre el arte, la práctica y la crítica de arte . [7] En 1979, LeWitt participó en el diseño de la pieza Dance de Lucinda Childs Dance Company . [8]
A principios de la década de 1960, LeWitt comenzó a crear sus "estructuras", término que utilizó para describir su trabajo tridimensional. [9] Su uso frecuente de estructuras modulares abiertas se origina en el cubo , una forma que influyó en el pensamiento del artista desde el momento en que se convirtió en artista. Después de crear una primera obra compuesta por objetos de madera de forma cerrada, fuertemente lacados a mano, a mediados de la década de 1960 "decidió quitar la piel por completo y revelar la estructura". Esta forma esquelética, el cubo abierto radicalmente simplificado, se convirtió en un elemento básico de la obra tridimensional del artista. A mediados de la década de 1960, LeWitt comenzó a trabajar con el cubo abierto: doce elementos lineales idénticos conectados en ocho esquinas para formar una estructura esquelética. A partir de 1969, concebiría muchas de sus estructuras modulares a gran escala, para ser construidas en aluminio o acero por fabricantes industriales. Varias de las estructuras cúbicas de LeWitt se encontraban aproximadamente al nivel de los ojos. El artista introdujo la proporción corporal en su unidad escultórica fundamental a esta escala. [10]
Después de una experimentación temprana, LeWitt se decidió por una versión estándar para sus cubos modulares, alrededor de 1965: el espacio negativo entre las vigas se correspondería con el espacio positivo del propio material escultórico en una proporción de 8,5:1, o . [11] [12] El material también se pintaría de blanco en lugar de negro, para evitar la "expresividad" del color negro de piezas anteriores similares. Tanto la proporción como el color fueron elecciones estéticas arbitrarias, pero una vez tomadas se usaron consistentemente en varias piezas que tipifican las obras de "cubo modular" de LeWitt. [13] Los museos que conservan muestras de las obras de cubos modulares de LeWitt han publicado sugerencias de lecciones para la educación primaria, destinadas a alentar a los niños a investigar las propiedades matemáticas de las obras de arte. [14] [15]
A partir de mediados de la década de 1980, LeWitt compuso algunas de sus esculturas a partir de bloques de hormigón apilados, generando todavía variaciones dentro de restricciones autoimpuestas. En esta época comenzó a trabajar con bloques de hormigón. En 1985 se construyó el primer cubo de cemento en un parque de Basilea . [16] A partir de 1990, LeWitt concibió múltiples variaciones de una torre que se construiría utilizando bloques de hormigón. [10] En un alejamiento de su conocido vocabulario geométrico de formas, las obras que LeWitt realizó a finales de la década de 1990 indican vívidamente el creciente interés del artista por formas curvilíneas algo aleatorias y colores altamente saturados. [17]
En 2007, LeWitt concibió 9 Towers , un cubo formado por más de 1.000 ladrillos de colores claros que miden cinco metros de lado. Fue instalado en el Kivik Art Center en Lilla Stenshuvud, Suecia, en 2014. [18]
En 1968, LeWitt comenzó a concebir conjuntos de pautas o diagramas simples para sus obras bidimensionales dibujadas directamente en la pared, ejecutadas primero en grafito , luego en crayones , más tarde en lápices de colores y finalmente en lavados cromáticamente ricos de tinta china , acrílico brillante. pintura y otros materiales. [19] Desde que creó una obra de arte para la exposición inaugural de la Galería Paula Cooper en 1968, [20] una exposición en beneficio del Comité de Movilización Estudiantil para poner fin a la guerra en Vietnam, miles de dibujos de LeWitt se han instalado directamente en las superficies. de paredes. [21] Entre 1969 y 1970 creó cuatro "Serie de dibujos", que presentaban diferentes combinaciones del elemento básico que regía muchos de sus primeros dibujos murales. En cada serie aplicó un sistema de cambio diferente a cada una de las veinticuatro combinaciones posibles de un cuadrado dividido en cuatro partes iguales, cada una de las cuales contenía uno de los cuatro tipos básicos de líneas que utilizó LeWitt (vertical, horizontal, diagonal izquierda y diagonal derecha). ). El resultado son cuatro posibles permutaciones para cada una de las veinticuatro unidades originales. El sistema utilizado en la Serie de Dibujos I es lo que LeWitt denominó "Rotación", la Serie de Dibujos II utiliza un sistema denominado "Espejo", la Serie de Dibujos III utiliza "Espejo cruzado y inverso" y la Serie de dibujos IV utiliza "Reverso cruzado". [22]
.jpg/1280px-Sol_lewitt_12_(122115855).jpg)
.jpg/1280px-Sol_lewitt_15_(122115951).jpg)
En Wall Drawing #122 , instalado por primera vez en 1972 en el Instituto Tecnológico de Massachusetts en Cambridge, la obra contiene "todas las combinaciones de dos líneas que se cruzan, colocadas al azar, utilizando arcos de esquinas y lados, líneas rectas, no rectas y discontinuas" que resultan en 150 combinaciones únicas que se despliegan en las paredes de la galería. LeWitt amplió aún más este tema, creando variaciones como Wall Drawing #260 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, que recorre sistemáticamente todas las posibles combinaciones de arcos y líneas en dos partes. [24] Concebido en 1995, Wall Drawing #792: Rectángulos y cuadrados negros subraya el interés inicial de LeWitt en las intersecciones entre arte y arquitectura. Esta obra, que abarca los dos pisos de la Galería Barbara Gladstone de Bruselas, consta de distintas combinaciones de rectángulos negros, creando un patrón irregular en forma de cuadrícula. [25]
LeWitt, que se había mudado a Spoleto, Italia, a finales de la década de 1970 atribuyó su transición del lápiz de grafito o crayón a las vívidas aguadas de tinta a su encuentro con los frescos de Giotto , Masaccio y otros pintores florentinos tempranos. [20] A finales de la década de 1990 y principios de la de 2000, creó dibujos murales en acrílico coloridos y muy saturados. Si bien sus formas son curvilíneas, divertidas y parecen casi aleatorias, también están dibujadas de acuerdo con un estricto conjunto de pautas. Las bandas tienen un ancho estándar, por ejemplo, y ninguna sección de color puede tocar otra sección del mismo color. [26]
En 2005, LeWitt comenzó una serie de dibujos murales de "garabatos", llamados así porque requerían que los dibujantes rellenaran áreas de la pared garabateando con grafito. Los garabatos se producen en seis densidades diferentes, que se indican en los diagramas del artista y luego se trazan con cuerdas en la superficie de la pared. Las gradaciones de la densidad de los garabatos producen una continuidad de tono que implica tres dimensiones. [27] El dibujo mural de garabatos más grande, Wall Drawing #1268 , está a la vista en la Galería de Arte Albright-Knox .
Según el principio de su trabajo, los dibujos murales de LeWitt suelen ser realizados por personas distintas al propio artista. Incluso después de su muerte, la gente sigue haciendo estos dibujos. [28] Por lo tanto, eventualmente utilizaría equipos de asistentes para crear tales obras. Al escribir sobre la realización de dibujos murales, el propio LeWitt observó en 1971 que "cada persona dibuja una línea de manera diferente y cada persona entiende las palabras de manera diferente". [29] Entre 1968 y su muerte en 2007, LeWitt creó más de 1.270 dibujos murales. [30] Los dibujos murales, ejecutados in situ, generalmente existen mientras dura una exposición; luego son destruidos, dando a la obra en su forma física una cualidad efímera. [31] Pueden instalarse, retirarse y luego reinstalarse en otro lugar, tantas veces como sea necesario para fines de exhibición. Cuando se transfiere a otra ubicación, el número de paredes solo puede cambiar asegurándose de que se conserven las proporciones del diagrama original. [32]
Se pueden encontrar murales permanentes de LeWitt, entre otros, en el AXA Center , Nueva York (1984–85); [33] La sede de Swiss Re en América en Armonk, Nueva York, el Ayuntamiento de Atlanta , Atlanta ( Wall Drawing #581 , 1989/90); el Centro de Convenciones Walter E. Washington , Washington, DC ( dibujo mural n.° 1103 , 2003); el Hotel Conrad , Nueva York ( Loopy Doopy (Azul y morado) , 1999); [33] Galería de arte Albright-Knox , Buffalo ( Dibujo de pared n.° 1268: Scribbles: Staircase (AKAG) , 2006/2010); [34] Museo de Arte de Akron , Akron (2007); la estación de metro Columbus Circle , Nueva York; El Museo Judío (Nueva York) , Nueva York; el Centro Verde de Física del MIT , Cambridge ( Bars of Colors Within Squares (MIT) , 2007); la Embajada de Estados Unidos en Berlín ; el Ateneo de Wadsworth ; y la casa de John Pearson, Oberlin, Ohio . El último dibujo mural público del artista, Wall Drawing #1259: Loopy Doopy (Springfield) (2008), se encuentra en el Palacio de Justicia de los Estados Unidos en Springfield, Massachusetts (diseñado por el arquitecto Moshe Safdie ). Dibujo mural n.° 599: Círculos 18 (1989), una diana de círculos concéntricos en bandas alternas de amarillo, azul, rojo y blanco, se instaló en el vestíbulo del Centro Comunitario Judío , Nueva York, en 2013. [33]
En la década de 1980, en particular después de un viaje a Italia, LeWitt comenzó a utilizar gouache , una pintura opaca a base de agua, para producir obras abstractas fluidas en colores contrastantes. Estos representaron una desviación significativa del resto de su práctica, ya que creó estas obras con sus propias manos. [9] Los gouaches de LeWitt a menudo se crean en series basadas en un motivo específico. Las series anteriores han incluido formas irregulares , curvas paralelas , pinceladas onduladas y cuadrículas en forma de red . [35]
Aunque esta composición vagamente representada puede haber sido una desviación visual de sus obras anteriores, más estructuradas geométricamente, permaneció alineada con su intención artística original. LeWitt hizo minuciosamente sus propias impresiones a partir de sus composiciones en gouache. En 2012, la asesora de arte Heidi Lee Komaromi fue curadora de "Sol LeWitt: Works on Paper 1983-2003", una exposición que revela la variedad de técnicas que LeWitt empleó en papel durante las últimas décadas de su vida.
A partir de 1966, el interés de LeWitt por la serialidad lo llevó a producir más de 50 libros de artista a lo largo de su carrera; Más tarde donó muchos ejemplos a la biblioteca del Wadsworth Athenaeum. En 1976, LeWitt ayudó a fundar Printed Matter, Inc , un espacio de arte con fines de lucro en el barrio de Tribeca de la ciudad de Nueva York con sus colegas artistas y críticos Lucy Lippard , Carol Androcchio, Amy Baker (Sandback), Edit DeAk , Mike Glier, Nancy Linn, Walter Robinson , Ingrid Sischy , Pat Steir , Mimi Wheeler, Robin White e Irena von Zahn. LeWitt fue un destacado innovador del género del "libro de artista", término acuñado para una exposición de 1973 comisariada por Dianne Perry Vanderlip en el Moore College of Art and Design de Filadelfia. [36]
Printed Matter fue una de las primeras organizaciones dedicadas a la creación y distribución de libros de artista, incorporando autoedición, editoriales pequeñas y redes y colectivos de artistas. [37] Para LeWitt y otros, Printed Matter también sirvió como un sistema de apoyo para los artistas de vanguardia, equilibrando su papel como editor, espacio de exposición, espacio comercial y centro comunitario para la escena artística del centro, [38] en ese sentido emulando la red de aspirantes a artistas que LeWitt conocía y disfrutaba como miembro del personal del Museo de Arte Moderno.
LeWitt colaboró con el arquitecto Stephen Lloyd para diseñar una sinagoga para su congregación Beth Shalom Rodfe Zedek ; conceptualizó el edificio de la sinagoga "aireado", con su cúpula poco profunda sostenida por "exuberantes vigas de madera", un homenaje a las sinagogas de madera de Europa del Este . [39] [40]
En 1981, LeWitt fue invitado por la Asociación de Arte de Fairmount Park (actualmente conocida como Asociación de Arte Público ) a proponer una obra de arte pública para un sitio en Fairmount Park . Seleccionó el terreno largo y rectangular conocido como Reilly Memorial y presentó un dibujo con instrucciones. Instalada en 2011, Lines in Four Directions in Flowers se compone de más de 7.000 plantas dispuestas en hileras estratégicamente configuradas. En su propuesta original, el artista planeó una instalación de flores de cuatro colores diferentes (blanco, amarillo, rojo y azul) en cuatro áreas rectangulares iguales, en filas de cuatro direcciones (vertical, horizontal, diagonal derecha e izquierda) enmarcadas por árboles de hoja perenne. setos de aproximadamente 2' de altura, y cada bloque de color comprende de cuatro a cinco especies que florecen secuencialmente. [41] [42]
En 2004, se instaló la escultura Six Curved Walls en la ladera de Crouse College en el campus de la Universidad de Syracuse . La escultura de bloques de hormigón consta de seis paredes onduladas, cada una de 12 pies de alto, y se extiende por 140 pies. La escultura fue diseñada y construida para conmemorar la toma de posesión de Nancy Cantor como undécima rectora de la Universidad de Syracuse . [43] [44] [45]
Desde principios de la década de 1960, él y su esposa, Carol Androccio, reunieron cerca de 9.000 obras de arte mediante compras, intercambios con otros artistas y marchantes, o como obsequio. [46] De esta manera adquirió obras de aproximadamente 750 artistas, entre ellos Dan Flavin , Robert Ryman , Hanne Darboven , Eva Hesse , Donald Judd , On Kawara , Kazuko Miyamoto , Carl Andre , Dan Graham , Hans Haacke , Gerhard Richter y otros. . En 2007, la exposición "Selecciones de la Colección LeWitt" en el Museo de Arte Weatherspoon reunió aproximadamente 100 pinturas, esculturas, dibujos, grabados y fotografías, entre ellas obras de Andre, Alice Aycock , Bernd y Hilla Becher , Jan Dibbets , Jackie Ferrara. , Gilbert y George , Alex Katz , Robert Mangold , Brice Marden , Mario Merz , Shirin Neshat , Pat Steir y muchos otros artistas. [47]
El trabajo de LeWitt se exhibió públicamente por primera vez en 1964 en una exposición colectiva comisariada por Dan Flavin en la Kaymar Gallery de Nueva York. [48] La Galería John Daniels de Dan Graham le ofreció más tarde su primera exposición individual en 1965. [49] En 1966, participó en la exposición "Estructuras primarias" en el Museo Judío de Nueva York (una exposición fundamental que ayudó a definir la movimiento minimalista), presentando un cubo modular abierto y sin título de 9 unidades. El mismo año fue incluido en la exposición "10" en Dwan Gallery , Nueva York. Más tarde, Harald Szeemann lo invitó a participar en "Cuando la actitud se convierte en forma", en la Kunsthalle de Berna , Suiza, en 1969. Entrevistado en 1993 sobre esos años, LeWitt comentó: "Decidí hacer retroceder el color o la forma y proceder de una manera forma tridimensional."
El Gemeentemuseum de La Haya presentó su primera exposición retrospectiva en 1970, y su obra se mostró más tarde en una importante retrospectiva a mitad de carrera en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1978. [50] En 1972/1973, el primer museo de LeWitt muestra en Europa se montaron en la Kunsthalle de Berna y en el Museo de Arte Moderno de Oxford . [51] En 1975, Lewitt creó "La ubicación de un rectángulo para el Hartford Atheneum" para la tercera exposición MATRIX en el Museo de Arte Wadsworth Atheneum. Más tarde ese año, participó en la sexta exposición MATRIX del Wadsworth Atheneum, proporcionando instrucciones para un segundo dibujo mural. El MoMA le dio a LeWitt su primera retrospectiva en 1978-79. La exposición viajó por varios lugares americanos. Para Skulptur Projekte Münster , Alemania, de 1987, realizó Black Form: Memorial to the Missing Jewish , una pared rectangular de bloques de hormigón negros para el centro de una plaza frente a un elegante edificio gubernamental neoclásico blanco; ahora está instalado en el Ayuntamiento de Altona, Hamburgo . Otras exposiciones importantes desde entonces incluyen Sol LeWitt Drawings 1958-1992 , que fue organizada por el Gemeentemuseum de La Haya, Países Bajos , en 1992 y que viajó durante los tres años siguientes a museos del Reino Unido, Alemania, Suiza , Francia, España y el Estados Unidos; y en 1996, el Museo de Arte Moderno de Nueva York montó una exposición itinerante: "Sol LeWitt Prints: 1970-1995". El Museo de Arte Moderno de San Francisco organizó una importante retrospectiva de LeWitt en 2000. La exposición viajó al Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y al Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York.
En 2006, la Serie de dibujos de LeWitt... se exhibió en Dia:Beacon y estuvo dedicada a los dibujos de la década de 1970 del artista conceptual . Los dibujantes y asistentes [52] dibujaron directamente en las paredes usando grafito , lápices de colores , crayones y tiza . Las obras se basaron en los complejos principios de LeWitt, que eliminaban las limitaciones del lienzo para construcciones más extensas.
"Sol LeWitt: A Wall Drawing Retrospective", una colaboración entre la Galería de Arte de la Universidad de Yale (YUAG), MASS MoCA (Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts) y el Museo de Arte de Williams College (WCMA) se abrió al público en 2008 en MASS. MoCA en North Adams, Massachusetts. [53] La exposición estará abierta durante 25 años y está ubicada en un histórico molino de tres pisos de 27.000 pies cuadrados (2.500 m 2 ) en el corazón del campus de MASS MoCA completamente restaurado por los arquitectos Bruner/Cott and Associates ( y equipado con una secuencia de nuevas paredes interiores construidas según las especificaciones de LeWitt). La exposición consta de 105 dibujos, que comprenden casi un acre de superficie de pared, que LeWitt creó durante 40 años, entre 1968 y 2007, e incluye [ cita necesaria ] varios dibujos nunca antes visto, algunos de los cuales LeWitt creó para el proyecto poco antes de su muerte.
Además, el artista fue objeto de exposiciones en PS 1 Contemporary Center, Long Island City ( Concrete Blocks ); [54] Addison Gallery of American Art , Andover ( Veinticinco años de dibujos murales, 1968-1993 ); y Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford ( Incomplete Cubes ), que viajó a tres museos de arte de Estados Unidos. En el momento de su muerte, LeWitt acababa de organizar una retrospectiva de su obra en el Allen Memorial Art Museum de Oberlin, Ohio . En Nápoles Sol LeWitt. L'artista ei suoi artistai se inauguró en el Museo Madre el 15 de diciembre de 2012, hasta el 1 de abril de 2013.
Las obras de LeWitt se encuentran en las colecciones de museos más importantes, entre ellas: Tate Modern , Londres, Van Abbemuseum , Eindhoven, Museo Nacional de Serbia en Belgrado, Centro Georges Pompidou , París, Hallen für Neue Kunst Schaffhausen, Suiza, Galería Nacional de Australia , Canberra, Australia, Museo Guggenheim , Museo de Arte Moderno, Nueva York, Dia:Beacon , Museo Judío de Manhattan, Museo de Arte Pérez Miami , [55] Florida, MASS MoCA , North Adams, Instituto de Tecnología de Massachusetts Colección de arte público del List Art Center , [56] Cambridge , Galería Nacional de Arte , Washington DC, y Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn . [57] La construcción de la Pirámide Doble Negativa por Sol LeWitt en Europos Parkas en Vilnius, Lituania, fue un evento significativo en la historia del arte en la era posterior al Muro de Berlín.
Sol LeWitt fue una de las principales figuras de su época; transformó el proceso de creación de arte al cuestionar la relación fundamental entre una idea, la subjetividad del artista y la obra de arte que una idea determinada podría producir. Mientras que muchos artistas desafiaban las concepciones modernas de originalidad, autoría y genio artístico en la década de 1960, LeWitt negó que enfoques como el minimalismo , el conceptualismo y el arte procesual fueran meramente técnicos o ilustrativos de la filosofía. En sus Párrafos sobre arte conceptual , LeWitt afirmó que el arte conceptual no era matemático ni intelectual sino intuitivo, dado que la complejidad inherente a transformar una idea en una obra de arte estaba plagada de contingencias. [58] El arte de LeWitt no se trata de la mano singular del artista; es la idea detrás de cada obra la que supera la obra misma. [59] A principios del siglo XXI, el trabajo de LeWitt, especialmente los dibujos murales, ha sido aclamado por la crítica por su perspicacia económica. Aunque modestos (la mayoría existen como simples instrucciones en una hoja de papel), los dibujos se pueden hacer una y otra vez, en cualquier parte del mundo, sin que el artista tenga que involucrarse en su producción. [60]
Su récord de subasta de 749.000 dólares se estableció en 2014 por su gouache sobre cartón Wavy Brushstroke (1995) en Sotheby's , Nueva York. [61]
{{cite journal}}: Citar diario requiere |journal=( ayuda )
