L'incoronazione di Poppea ( SV 308, La coronación de Poppaea ) es una ópera italiana de Claudio Monteverdi . Fue la última ópera de Monteverdi, con libreto de Giovanni Francesco Busenello , y se representó por primera vez en el Teatro Santi Giovanni e Paolo de Venecia durante la temporada de carnaval de 1643 . Una de las primeras óperas que utiliza acontecimientos y personas históricas, describe cómo Poppaea , amante del emperador romano Nerón , puede lograr su ambición y ser coronada emperatriz. La ópera fue revivida en Nápoles en 1651, pero luego fue descuidada hasta el redescubrimiento de la partitura en 1888, después de lo cual se convirtió en objeto de atención académica a finales del siglo XIX y principios del XX. Desde la década de 1960, la ópera se ha representado y grabado muchas veces.
El manuscrito original de la partitura no existe; Las dos copias supervivientes de la década de 1650 muestran diferencias significativas entre sí y cada una difiere hasta cierto punto del libreto. Cuánto de la música es realmente de Monteverdi y cuánto producto de otros, es un tema de controversia. Ninguna de las versiones existentes del libreto, impresa o manuscrita, puede vincularse definitivamente con la primera representación en el Teatro Santi Giovanni e Paolo, cuya fecha exacta se desconoce. Los detalles del elenco original son pocos y en gran medida especulativos, y no hay constancia de la recepción pública inicial de la ópera. A pesar de estas incertidumbres, la obra es generalmente aceptada como parte del canon operístico de Monteverdi, su última y quizás su mejor obra.
Alejándose de la moral literaria tradicional, es la relación adúltera de Popea y Nerón la que triunfa, aunque la historia demuestra que este triunfo fue transitorio y vacío. En la versión de la historia de Busenello, todos los personajes principales están moralmente comprometidos. Escrita cuando el género de la ópera tenía sólo unas pocas décadas de existencia, la música de L'incoronazione di Poppea ha sido elogiada por su originalidad, su melodía y por su reflejo de los atributos humanos de sus personajes. La obra ayudó a redefinir los límites de la música teatral y estableció a Monteverdi como el principal dramaturgo musical de su tiempo.
La ópera como género dramático se originó a principios del siglo XVII, aunque la palabra en sí no se utilizó antes de 1650. Los precursores del drama musical incluyeron obras pastorales con canciones y coros, y las comedias madrigales de finales del siglo XVI. [1] Monteverdi ya se había establecido como un destacado compositor de madrigales antes de escribir sus primeras óperas de larga duración en los años 1606-08, mientras estaba al servicio de Vincenzo Gonzaga, duque de Mantua . [2] Estas obras, L'Orfeo y L'Arianna , tratan respectivamente de los mitos griegos de Orfeo y Ariadna . Después de un desacuerdo en 1612 con el sucesor de Vincenzo, el duque Francesco Gonzaga , Monteverdi se trasladó a Venecia para ocupar el cargo de director de música en la Basílica de San Marcos , donde permaneció hasta su muerte en 1643. [3]
En medio de sus deberes oficiales en Venecia, Monteverdi mantuvo un interés por la música teatral y produjo varias obras escénicas, incluida la importante Il combattimento di Tancredi e Clorinda (La batalla de Tancredo y Clorinda) para el carnaval de 1624-25. [4] Cuando el primer teatro de ópera público del mundo se inauguró en Venecia en 1637, Monteverdi, que entonces tenía 70 años, volvió a escribir ópera a gran escala. Es posible que haya sido influenciado por las solicitudes de Giacomo Badoaro , un poeta e intelectual aristocrático que envió al anciano compositor el libreto de Il ritorno d'Ulisse in patria (El regreso de Ulises). [5] Para la temporada de carnaval de 1639-1640, Monteverdi revivió L'Arianna en el Teatro San Moisè y más tarde produjo su escenario de Il ritorno en el Teatro San Cassiano . [4] Para la temporada siguiente escribió Le nozze d'Enea in Lavinia (El matrimonio de Eneas con Lavinia), ahora perdido, que se representó en el tercero de los nuevos teatros de ópera de Venecia, el Teatro Santi Giovanni e Paulo. [2]
Otro poeta y libretista rico del medio veneciano fue Giovanni Francesco Busenello (1598-1659), miembro al igual que Badoaro de la sociedad intelectual Accademia degli Incogniti . Este grupo de intelectuales librepensadores tuvo una influencia significativa en la vida cultural y política de Venecia a mediados del siglo XVII y fue particularmente activo en la promoción del teatro musical. [6] [7] Busenello había trabajado con Francesco Cavalli , contemporáneo más joven de Monteverdi , proporcionando el libreto para Didone (1641), [8] y según el historiador del teatro Mark Ringer estaba "entre los mejores libretistas de la historia de la ópera". [6] No está claro cómo y cuándo Busenello conoció a Monteverdi, aunque ambos habían servido en la corte de Gonzaga. Ringer especula que se inspiraron conjuntamente en sus experiencias del estilo de gobierno de Gonzaga, "una mezcla de cultivo artístico y brutalidad", y así desarrollaron una visión artística compartida. [6]
Las principales fuentes de la historia contada en el libreto de Busenello son los Anales de Tácito ; libro 6 de la historia de Suetonio Los Doce Césares ; los libros 61 y 62 de la Historia romana de Dion Casio ; y una obra anónima Octavia (una vez atribuida a Séneca en la vida real ), de la que se derivaron los personajes ficticios de enfermeras de la ópera. [9] [10] La historia principal se basa en personas y eventos reales. [11] Según el analista Magnus Schneider, el personaje de Drusilla fue tomado de la comedia del siglo XVI de Girolamo Bargagli La peregrina . [12]
Busenello condensó acontecimientos históricos de un período de siete años (58 d. C. a 65 d. C.) en la acción de un solo día e impuso su propia secuencia. Se mostró abierto sobre su intención de adaptar la historia para sus propios fines, escribiendo en el prefacio de su libreto que "aquí representamos estas acciones de manera diferente". [13] Así, dio a sus personajes atributos diferentes de los de sus homólogos históricos: se minimiza la crueldad de Nerón; Ottavia, la esposa agraviada, se presenta como una conspiradora asesina; Séneca, cuya muerte en realidad no tuvo nada que ver con el enlace de Nerón con Popea, parece más noble y virtuoso que él; [14] [ cita completa necesaria ] estos solían ser los motivos de Poppea que se representan como basados tanto en el amor genuino como en el ansia de poder; [15] la descripción de Lucano como un borracho juerguista disfraza el estatus del poeta de la vida real Lucano como un importante poeta romano con marcadas tendencias antiimperialistas y prorepublicanas. [dieciséis]
El libreto ha sobrevivido en numerosas formas: dos versiones impresas, siete versiones manuscritas o fragmentos y un escenario anónimo o resumen relacionado con la producción original. [17] Una de las ediciones impresas se relaciona con la reposición de la ópera en Nápoles en 1651; la otra es la versión final de Busenello publicada en 1656 como parte de una colección de sus libretos. Todos los manuscritos son del siglo XVII, aunque no todos están fechados específicamente; algunas son versiones "literarias" no relacionadas con las representaciones. La más significativa de las copias manuscritas es la descubierta en Udine , en el norte de Italia, en 1997 por el estudioso de Monteverdi Paolo Fabbri . Este manuscrito, según la historiadora de la música Ellen Rosand , "está erizado con la inmediatez de una interpretación", y es la única copia del libreto que menciona a Monteverdi por su nombre. Esto y otros detalles descriptivos que faltan en otras copias llevan a Rosand a especular que el manuscrito fue copiado durante el transcurso de una actuación. Esta impresión se ve reforzada, dice, por la inclusión de un elogio a la cantante (Anna di Valerio según Schneider) [18] que interpretó el papel de Poppea. Aunque su datación es incierta, la afinidad del manuscrito con el escenario original ha llevado a especular que la versión de Udine pudo haber sido compilada a partir de la primera representación. [19]
Existen dos versiones de la partitura musical de L'incoronazione , ambas de la década de 1650. La primera fue redescubierta en Venecia en 1888, la segunda en Nápoles en 1930. La partitura de Nápoles está vinculada al resurgimiento de la ópera en esa ciudad en 1651. Ambas partituras contienen esencialmente la misma música, aunque cada una difiere del libreto impreso y tiene adiciones y omisiones únicas. En cada partitura las líneas vocales se muestran con acompañamiento de bajo continuo ; las secciones instrumentales están escritas en tres partes en la partitura de Venecia, cuatro partes en la versión de Nápoles, sin especificar en ninguno de los casos los instrumentos. El director Nikolaus Harnoncourt , un destacado intérprete de Monteverdi, se refiere a la práctica contemporánea de dejar gran parte de la partitura abierta, para permitir diferentes condiciones de interpretación locales. Otra convención hacía innecesario anotar detalles que los artistas darían por sentado. [20] Ni la partitura de Venecia ni la de Nápoles pueden vincularse a la interpretación original; Aunque la versión veneciana generalmente se considera la más auténtica, las producciones modernas tienden a utilizar material de ambas. [21]
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La cuestión de la autoría, esencialmente de qué parte de la música es de Monteverdi, es polémica y Rosand reconoce que tal vez nunca se resuelva por completo. Prácticamente ninguna documentación contemporánea menciona a Monteverdi, y en las partituras se ha identificado música de otros compositores, incluidos pasajes encontrados en la partitura de la ópera La finta pazza de Francesco Sacrati . Un estilo particular de notación métrica utilizado en algunos pasajes de las partituras de L'incoronazione sugiere el trabajo de compositores más jóvenes. [22] Las áreas de autoría más debatidas son partes del prólogo, la música de Ottone, la escena de coqueteo entre Valetto y Damigella, [9] y la escena de la coronación que incluye el dueto final "Pur ti miro". [22]
Los estudios modernos se inclinan a creer que L'incoronazione fue el resultado de la colaboración entre Monteverdi y otros, con el antiguo compositor desempeñando un papel rector. Los compositores que pudieron haber ayudado incluyen a Sacrati, Benedetto Ferrari y Francesco Cavalli . [23] Ringer sugiere que la edad y la salud de Monteverdi pueden haberle impedido completar la ópera sin la ayuda de colegas más jóvenes; especula sobre una disposición que se asemeja "al taller de Rubens, que podría diseñar un cuadro y encargarse él mismo de los detalles importantes, pero dejar los aspectos más mundanos... a artistas aprendices más jóvenes". [21] El musicólogo Alan Curtis cree que sólo estuvo involucrado un colaborador y publicó su edición de 1989 de L'incoronazione bajo la autoría conjunta de Monteverdi y Sacrati. [22] El estudio del analista musical estadounidense Eric Chafe sobre el lenguaje tonal de Monteverdi respalda la teoría de la colaboración y postula que algunas de las secciones en cuestión, incluido el prólogo, la escena de la coronación y el dúo final, reflejan las intenciones de Monteverdi y pueden haber sido escritas. bajo su supervisión directa. [22]
L'incoronazione di Poppea se describe con frecuencia como una historia en la que se castiga la virtud y se recompensa la codicia, [24] en contra de las convenciones normales de la moralidad literaria. [15] El musicólogo Tim Carter llama a los personajes de la ópera y sus acciones "notoriamente problemáticos", y sus mensajes "en el mejor de los casos ambiguos y en el peor pervertidos", [25] mientras que Rosand se refiere a una "extraordinaria glorificación de la lujuria y la ambición". [9] El crítico Edward B. Savage afirma que a pesar de la falta de una brújula moral en prácticamente todos los personajes principales, la trama de Busenello es en sí misma esencialmente moral, y que "esta moralidad se sustenta en el fenómeno de la ironía dramática". [26] A partir de su conocimiento de la historia romana, el público de Venecia habría reconocido que el aparente triunfo del amor sobre la virtud, celebrado por Nerón y Popea en el dúo final, era en realidad vacío, y que no mucho después de este evento Nerón pateó el Poppea embarazada hasta la muerte. También habrían sabido que el propio Nerón se suicidó unos años más tarde y que otros (Ottavia, Lucano, Ottone ) también sufrieron una muerte prematura. [13]
Los republicanos venecianos percibían la Roma del siglo XVII, bajo un gobierno papal autocrático, como una amenaza directa a sus libertades. Rosand ha sugerido que el público veneciano habría entendido la historia de Popea en el contexto de su propia época como una lección moral que demostraba la superioridad de Venecia, y que "tal inmoralidad sólo era posible en una sociedad en decadencia, no [en] una nación civilizada". . [27] Rosand concluye que la amplia brújula moral de la ópera la coloca en primer lugar en una larga tradición de obras operísticas que abarca Don Giovanni de Mozart y Don Carlos de Verdi . [9] El analista musical Clifford Bartlett escribe que "la gloriosa música de Monteverdi va más allá del realismo cínico de Busenello y presenta el comportamiento humano bajo una mejor luz". [15]
La partitura de L'incoronazione presenta 28 personajes cantantes, incluidas 7 partes de conjunto, de los cuales los dos Amori pueden haber aparecido sólo en la producción de Nápoles de 1651. La producción veneciana original evidentemente hizo uso de una amplia duplicación de roles, lo que permitió que la ópera se representara con no más de 11 cantantes: dos sopranos , tres sopranos ( castratos ), dos contraltos (castratos), dos tenores y dos bajos . Schneider ha sugerido la siguiente reconstrucción del reparto y del plan de doblaje del estreno de 1643 basándose en un examen de, en primer lugar, las prácticas contemporáneas de reparto y doblaje, [28] en segundo lugar, la correspondencia recientemente descubierta del empresario marqués Cornelio Bentivoglio, [ 29] y finalmente el libreto de La finta savia , que precedió a Poppea en el escenario de los Santi Giovanni e Paolo en el Carnaval de 1643 y fue escrito para el mismo elenco. [30]
La acción tiene lugar en la Roma imperial alrededor del año 60 d. C., en los alrededores de la villa de Popea y en varios lugares del palacio imperial. [n 1]
Las diosas de la Fortuna y la Virtud se disputan cuál de ellas tiene más poder sobre la humanidad. Son interrumpidos por el dios del Amor, que reclama mayor poder que cualquiera de ellos: "Yo digo a las virtudes qué hacer, yo gobierno la suerte de los hombres". [n 2] Cuando hayan escuchado su historia, dice, admitirán sus poderes superiores.
Ottone llega a la villa de Poppea con la intención de perseguir su amor. Al ver la casa custodiada por los soldados del emperador Nerón, se da cuenta de que ha sido suplantado y su canción de amor se convierte en un lamento: "¡Ah, ah, pérfido Poppea!" [n 3] Se va, y los soldados que esperan cotillean sobre los asuntos amorosos de su amo, su negligencia en los asuntos de estado y su trato hacia la emperatriz Octavia. Nerone y Poppea entran e intercambian palabras de amor antes de que Nerone se vaya. Su enfermera, Arnalta, advierte a Poppea que tenga cuidado con la ira de la emperatriz y desconfíe del aparente amor de Nerón por ella, pero Poppea se muestra confiada: "No temo ningún revés". [n 4]
La escena cambia al palacio, donde Ottavia lamenta su suerte; "¡Despreciada reina, miserable consorte del emperador!" [n 5] Su enfermera le sugiere que tenga un amante propio, consejo que Ottavia rechaza enojada. Séneca, antiguo tutor de Nerón, se dirige a la emperatriz con palabras halagadoras y el paje de Octavia, Valleto, se burla de él y amenaza con prenderle fuego a la barba del anciano. Al quedarse solo, Séneca recibe una advertencia de la diosa Pallade de que su vida está en peligro. Nerone entra y le confiesa que tiene la intención de desplazar a Ottavia y casarse con Poppea. Séneca objeta; tal medida sería divisiva e impopular. "No me importan ni el Senado ni el pueblo", responde Nerón , y cuando el sabio persiste, es despedido furiosamente. Poppea se une a Nerón y le dice que Séneca afirma ser el poder detrás del trono imperial. Esto enfurece tanto a Nerón que ordena a sus guardias que ordenen a Séneca que se suicide.
Después de que Nerone se va, Ottone da un paso adelante y, después de no poder persuadir a Poppea para que le restablezca su afecto, decide en privado matarla. Luego lo consuela una mujer noble, Drusilla; Al darse cuenta de que nunca podrá recuperar a Popea, se ofrece a casarse con Drusilla, quien lo acepta con alegría. Pero Ottone se confiesa a sí mismo: "Drusilla está en mis labios, Poppea está en mi corazón". [n 7]
En su jardín, Séneca se entera por boca del dios Mercurio de que pronto morirá. La orden llega oportunamente de Nerone y Séneca ordena a sus amigos que preparen un baño suicida. Sus seguidores intentan persuadirlo para que siga con vida, pero él rechaza sus súplicas. "La cálida corriente de mi sangre inocente alfombrará con púrpura real mi camino hacia la muerte". [n 8] En el palacio, el paje de Octavia coquetea con una dama de honor, mientras Nerón y el poeta Lucano celebran la muerte de Séneca en un concurso de canciones borrachos y retozando, y componen canciones de amor en honor a Poppea. En otra parte del palacio, Ottone, en un largo soliloquio, reflexiona sobre cómo pudo haber pensado en matar a Poppea, de quien sigue perdidamente enamorado. Es interrumpido por una llamada de Ottavia, quien, para su consternación, le ordena que mate a Poppea. Amenazando con denunciarlo ante Nerone a menos que él cumpla, ella le sugiere que se disfrace de mujer para cometer el hecho. Ottone acepta hacer lo que ella le ordena, invocando en privado a los dioses para que lo liberen de su vida. Luego convence a Drusilla para que le preste su ropa.
En el jardín de la villa de Popea, Arnalta canta a su amante para que se duerma mientras el dios del Amor observa. Ottone, ahora disfrazado de Drusilla, entra al jardín y levanta su espada para matar a Poppea. Antes de que pueda hacerlo, Love le quita la espada de la mano y él huye. Su figura que huye es vista por Arnalta y Poppea, ahora despierto, quienes creen que es Drusilla. Piden a sus sirvientes que los persigan, mientras Love canta triunfalmente "¡La protegí!" [n 9]
Drusilla reflexiona sobre la vida de felicidad que tiene por delante, cuando llega Arnalta con un lictor . Arnalta acusa a Drusilla de ser el agresor de Poppea y ella es arrestada. Cuando entra Nerone, Arnalta denuncia a Drusilla, quien protesta por su inocencia. Amenazada con tortura a menos que nombre a sus cómplices, Drusilla decide proteger a Ottone confesando su propia culpa. Nerone le ordena sufrir una muerte dolorosa, momento en el que Ottone se apresura y le revela la verdad: que había actuado solo, por orden de la emperatriz Octavia, y que Drusilla era inocente de complicidad. Nerone queda impresionado por la fortaleza de Drusilla y, en un acto de clemencia, le perdona la vida a Ottone y ordena su destierro. Drusilla elige exiliarse con él. Nerone ahora se siente con derecho a actuar contra Ottavia y ella también está exiliada. Esto le deja el camino abierto para casarse con Popea, quien está encantada: "Ningún retraso, ningún obstáculo puede interponerse ahora entre nosotros". [n 10]
Octavia se despide tranquilamente de Roma, mientras en el salón del trono del palacio se prepara la ceremonia de coronación de Popea. Entran los cónsules y tribunos y, tras un breve elogio, colocan la corona en la cabeza de Popea. Vigilando el proceso está el dios del Amor con su madre Venere y un coro divino. Nerone y Poppea cantan un entusiasta dúo de amor ("Te miro, te poseo" [n 11] ) cuando termina la ópera.
L'incoronazione di Poppea se representó por primera vez en el Teatro Santi Giovanni e Paolo de Venecia, como parte de la temporada de carnaval de 1642-1643. [33] El teatro, inaugurado en 1639, [34] había albergado anteriormente el estreno de la ópera Le Nozze d'Enea in Lavinia de Monteverdi y una reposición de Il ritorno d'Ulisse in patria del compositor . [34] [35] El teatro fue descrito más tarde por un observador: "... maravillosos cambios de escena, majestuosas y grandiosas apariciones [de los artistas]... y una magnífica máquina voladora; ves, como si fuera algo común, cielos gloriosos , deidades, mares, palacios reales, bosques, selvas...". [36] El teatro tenía capacidad para unas 900 personas y el escenario era mucho más grande que el auditorio. [36]
Se desconoce la fecha de la primera representación de L'incoronazione y el número de veces que se representó la obra; la única fecha registrada es la del comienzo del carnaval, el 26 de diciembre de 1642. [37] Un escenario o sinopsis que se conserva, preparado para las primeras representaciones, no proporciona ni la fecha ni el nombre del compositor. Sólo se conoce con certeza la identidad de una de las integrantes del reparto del estreno: Anna Renzi , que interpretó a Ottavia. Renzi, de poco más de veinte años, es descrita por Ringer como "la primera prima donna de la ópera" [38] y era, según una fuente contemporánea, "tan hábil en la actuación como excelente en la música". [39] Sobre la base del reparto de la ópera que compartió teatro con L'incoronazione durante la temporada 1642-43, es posible que Poppea fuera interpretada por Anna di Valerio y Nerone por el castrato Stefano Costa. [9] No hay relatos supervivientes de la recepción pública de la ópera, a menos que el elogio al cantante que interpreta a Poppea, parte de la documentación del libreto descubierta en Udine en 1997, se relacione con la primera representación. [19]
Sólo hay una reposición temprana documentada de L'incoronazione , en Nápoles en 1651. Carter señala el hecho de que fue revivida como "notable, en una época en la que los recuerdos eran breves y las obras musicales a gran escala a menudo tenían una vigencia limitada". más allá de sus circunstancias inmediatas". [40] A partir de entonces no se conocen registros de la realización de la obra durante más de 250 años. [37]
Después de dos siglos en los que Monteverdi había sido en gran medida olvidado como compositor de ópera, el interés por sus obras teatrales revivió a finales del siglo XIX. En 1881 se representó en Berlín una versión abreviada de Orfeo ; Unos años más tarde se redescubrió la partitura veneciana de L'incoronazione , lo que provocó una oleada de atención académica. [41] En 1905, en París, el compositor francés Vincent d'Indy dirigió un concierto de L'incoronazione , limitado a "las partes más bellas e interesantes de la obra". La edición de D'Indy se publicó en 1908 y su versión se representó en el Théâtre des Arts de París el 5 de febrero de 1913, la primera representación teatral registrada de la obra desde 1651. [37] [42] La obra no fue recibida acríticamente ; El dramaturgo Romain Rolland , que había ayudado a d'Indy, escribió que Monteverdi había "sacrificado la libertad y la belleza musical a la belleza de la línea. Aquí ya no tenemos la textura impalpable de la poesía musical que admiramos en Orfeo ". [43]
En abril de 1926, el compositor alemán Werner Josten dirigió la primera representación estadounidense de la ópera, en el Smith College , Massachusetts, donde era profesor de música. Su producción se basó en la edición de d'Indy. [44] Al año siguiente, el 27 de octubre, L'incoronazione recibió su estreno británico, con una actuación en el Ayuntamiento de Oxford por miembros del Oxford University Opera Club utilizando una partitura editada por Jack Westrup . [45] En la década de 1930 varias ediciones de la ópera fueron preparadas por destacados músicos contemporáneos, entre ellos el yerno de Gustav Mahler , Ernst Krenek , Hans Redlich , Carl Orff (que dejó su versión incompleta) y Gian Francesco Malipiero . [9] La edición de Malipiero se utilizó para escenificar representaciones en París (1937) y Venecia (1949). [37] La edición de Redlich se realizó en el Morley College de Londres el 21 de mayo de 1948, bajo la dirección de Michael Tippett . [46] [47]
Richard Strauss hizo referencia a L'incoronazione en la escena de la lección de música del acto 3 de su ópera de 1935, Die schweigsame Frau , recomponiendo completamente el dúo del acto 2, escena 5 "Sento un certo non so che" en su propio lenguaje florido y tardo-romántico. como uno de los muchos usos del material musical preexistente para crear una atmósfera apreciablemente antigua para los estándares de la época. En esa escena, el dúo sirve de excusa al papel principal para coquetear con su marido, disfrazado de profesor de canto.
Hasta la década de 1960, las representaciones de L'incoronazione eran relativamente raras en los teatros de ópera comerciales, pero se volvieron cada vez más frecuentes en la década que vio el cuarto centenario del nacimiento de Monteverdi. El Festival de Glyndebourne de 1962 anticipó el cuarto centenario con una fastuosa producción utilizando una nueva edición de Raymond Leppard . Esta versión, de manera controvertida, fue adaptada para una gran orquesta y, aunque fue recibida con entusiasmo, Carter la describió posteriormente como una "parodia" y su uso continuo en algunas producciones modernas como indefendible. [48] Herbert von Karajan dirigió una versión de Erich Kraack en la Ópera Estatal de Viena en 1963; En las décadas siguientes se presentaron actuaciones en el Lincoln Center de Nueva York, Turín, Venecia y una reposición de la versión de Leppard en Glyndebourne. [37] La representación de Venecia en La Fenice el 5 de diciembre de 1980 se basó en la nueva edición de Alan Curtis, descrita por Rosand como "la primera en intentar una recopilación y racionalización académica de las fuentes". [9] La edición de Curtis fue utilizada por la Ópera de Santa Fe en agosto de 1986, en una producción que según The New York Times "dio prioridad a la música sobre la musicología", resultando en una actuación que fue "rica e increíblemente hermosa". [24]
El 350 aniversario de la muerte de Monteverdi, celebrado en 1993, provocó una nueva ola de interés por sus obras y desde entonces se han presentado representaciones de L'incoronazione en teatros de ópera y festivales de música de todo el mundo. En abril de 1994 la Escuela Juilliard de Nueva York presentó una versión basada en la edición de Curtis, con una orquesta que mezclaba elementos barrocos y modernos. Allan Kozinn escribió en The New York Times que esta producción había resuelto bien los enormes problemas que surgieron de que Monteverdi hubiera dejado abiertos los detalles de la instrumentación y la partitura, y de las numerosas versiones en competencia de la partitura. [49] En 2000, la obra fue elegida por la Ópera de Montreal como la primera incursión de la compañía en la ópera barroca, con una actuación dirigida por Renaud Doucet. Opera Canada informó que Doucet había encontrado "una retórica perfecta para una multitud moderna, creando una atmósfera de ambivalencia moral que los cortesanos de la época de Monteverdi habrían dado por sentado". [50] Menos exitosa, a los ojos de los críticos, fue la innovadora producción de la Ópera Nacional Inglesa (ENO) dirigida por Chen Shi-Zheng en octubre de 2007. Según la crítica del London Evening Standard Fiona Maddocks , el elenco era fuerte, pero todos parecían desempeñar papeles equivocados. [51] Por razones inexplicables, gran parte de la acción tuvo lugar bajo el agua; en un momento, "un buceador cruza el escenario en chanclas con un arnés". Séneca "calzaba botas de agua verdes y empujaba una cortadora de césped". [51] A finales de 2007, en su reseña de ópera del año en The Daily Telegraph , Rupert Christiansen comparó desfavorablemente la producción de ENO con una versión musical punk de la ópera que se había representado durante el Festival Internacional de Edimburgo de ese año . [52]
En mayo de 2008, L'incoronazione regresó a Glyndebourne en una nueva producción de Robert Carsen , con la orquestación a gran escala de Leppard reemplazada por los instrumentos de época de la Orquesta del Siglo de las Luces bajo la dirección de Emmanuelle Haïm . El crítico del Organ elogió la calidad vocal de los intérpretes, consideró que el manejo de la orquesta por parte de Haim era "una alegría en todo momento" y declaró toda la producción "un bendito alivio" después de la puesta en escena de ENO del año anterior. [53] El 19 de agosto, los cantantes de Glyndebourne y la orquesta, dirigida por Haim, presentaron una versión semiescenificada de la ópera en los BBC Proms de 2008 en el Royal Albert Hall . [54] Por otra parte, el conjunto francés Les Arts Florissants , bajo la dirección de William Christie , presentó la trilogía de óperas de Monteverdi ( L'Orfeo , Il ritorno d'Ulisse y L'incoronazione ) en el período 2008 a 2010, con una serie de representaciones en el Teatro Real de Madrid. [55]
En 2012, Elena Kats-Chernin trabajó en un nuevo arreglo e interpretación de la partitura original y la encargó para la Trilogía Monteverdi de Barrie Kosky , dirigida por André de Ridder , en la Komische Oper de Berlín . [56] Esta partitura fue reelaborada y estrenada nuevamente en la misma producción de Kosky en 2017. [57] Hay dos versiones de la composición de Kats-Chernin, publicadas por Boosey & Hawkes . [58]
Escrita en una etapa temprana de la historia de la ópera, L'incoronazione di Poppea abrió nuevos caminos al combinar la música con la acción escénica y en sus reproducciones musicales de las inflexiones naturales de la voz humana. [59] Monteverdi utiliza todos los medios de expresión vocal disponibles para un compositor de su tiempo ( aria , arioso , arietta, conjunto , recitativo ), aunque Ringer comenta que en esta obra los límites entre estas formas son más porosos de lo habitual. [60] Estos elementos están entretejidos en un tejido continuo que garantiza que la música siempre sirva al drama, [61] manteniendo una unidad tonal y formal en todo momento. [21] Los personajes tienen fuertes emociones, miedos y deseos que se reflejan en su música. Así, las escenas de Poppea y Nerón son generalmente líricas, cantadas principalmente en forma de arioso y aria, mientras que Octavia canta sólo en recitativo dramático. La música de Séneca es audaz y convincente, mientras que la de Ottone es vacilante y de alcance limitado, "completamente inapropiada para cualquiera que aspire a ser un hombre de acción", según Carter. [9] [62] Dentro de este arreglo, Monteverdi crea suficientes melodías para garantizar que la ópera sea musical y dramáticamente memorable. [61]
Monteverdi emplea recursos musicales específicos para indicar estados de ánimo y situaciones. Por ejemplo, la métrica triple significa el lenguaje del amor de Nerone y Ottone (incumplido en el último caso); se utilizan arpegios contundentes para representar conflictos; y el entrelazado de textos, escritos como versos separados por Busenello, indica tensión sexual en las escenas con Nerón y Popea, y agrava la discordia entre Nerón y Séneca. [9] La técnica del "concitato genere" ( semicorcheas rápidas cantadas en una nota) se utiliza para representar la rabia. [20] Se pueden insinuar verdades secretas, por ejemplo, cuando los amigos de Séneca le suplican que reconsidere su suicidio en un coro cromático de madrigal que el estudioso de Monteverdi, Denis Arnold, considera que recuerda a los días de Monteverdi en Mantua, con un poder trágico rara vez visto en el siglo XVII. ópera. [11] A esto le sigue, sin embargo, una alegre sección diatónica de los mismos cantantes que, dice Rosand, sugiere una falta de simpatía real por la situación de Séneca. [9] El tetracordio descendente ostinato sobre el que se construye el dúo final de la ópera se ha anticipado en la escena en la que Nerón y Lucano celebran la muerte de Séneca, insinuando una ambivalencia en la relación entre emperador y poeta. Según Rosand: "en ambos casos lo que se evoca seguramente es la asociación tradicional de ese patrón con el amor sexual". [9]
Arnold afirma que la música de L'incoronazione tiene mayor variedad que cualquier otra ópera de Monteverdi, y que la música puramente solista es intrínsecamente más interesante que la de Il ritorno . [11] Los picos musicales, según los comentaristas, incluyen el dúo final (a pesar de su dudosa autoría), el lamento del acto 1 de Ottavia, la despedida de Séneca y el madrigal subsiguiente, y el concurso de canto borracho Nerone-Lucano, a menudo interpretado con fuertes connotaciones homoeróticas . [16] Ringer describe esta escena como posiblemente la más brillante de toda la ópera, con "una coloratura florida y sincrónica de ambos hombres creando una música emocionante y virtuosa que parece obligar al oyente a compartir su alegría". Rosand encuentra el aria solista de Nerone que cierra la escena como un anticlímax, después de tal estimulación. [9] [63]
A pesar de los continuos debates sobre la autoría, la obra casi siempre se trata como de Monteverdi, aunque Rosand observa que algunos estudiosos la atribuyen a "Monteverdi" (entre comillas). Ringer llama a la ópera "la última y posiblemente la mejor obra de Monteverdi", [64] una obra maestra unificada de "profundidad e individualidad sin precedentes". [65] Carter observa cómo las óperas de Monteverdi redefinieron los límites de la música teatral, [66] y califica su contribución a la ópera veneciana del siglo XVII como "notable desde cualquier punto de vista". [4] Harnoncourt reflexiona así: "Lo que es difícil de comprender... es la frescura mental con la que el compositor de 74 años, dos años antes de su muerte, supo superar a sus alumnos en el estilo más moderno y establecer estándares que se aplicarían al teatro musical de los siglos siguientes". [20]
La tabla utiliza las numeraciones de la versión impresa de 1656 del libreto de Busenello e incluye las dos escenas del segundo acto para las que no existe música en las partituras supervivientes. Normalmente, las "escenas" comprenden elementos recitativos, arioso, aria y conjunto, con pasajes instrumentales ocasionales ( sinfonía ). Los límites entre estos elementos suelen ser confusos; Denis Arnold, al comentar sobre la continuidad musical, escribe que "con pocas excepciones, es imposible separar las arias y los dúos del tejido de la ópera". [11]
La primera grabación de L'incoronazione , con Walter Goehr dirigiendo la Tonhalle-Orchester Zürich en una presentación en vivo, se publicó en 1954. Esta versión en LP , que ganó un Grand Prix du Disque en 1954, [69] es la única grabación de la ópera anterior a la reposición de la pieza que comenzó con la producción del Festival de Glyndebourne de 1962. En 1963, Herbert von Karajan y la Staatsoper de Viena publicaron una versión descrita por Gramophone como "lejos de ser auténtica", [70] mientras que al año siguiente John Pritchard y la Royal Philharmonic Orchestra grabaron una versión abreviada utilizando la orquestación de Glyndebourne de Leppard. Leppard dirigió una producción de Sadler's Wells , que fue transmitida por la BBC y grabada el 27 de noviembre de 1971. Esta es la única grabación de la ópera en inglés. [71]
La versión de 1974 de Nikolaus Harnoncourt , la primera grabación sin cortes, utilizó instrumentos de época en un esfuerzo por lograr un sonido más auténtico, aunque Denis Arnold ha criticado la "sobredecoración" de la partitura por parte de Harnoncourt, en particular su uso de florituras de oboe y trompeta. [72] Arnold mostró más entusiasmo por la grabación de Alan Curtis de 1980, en vivo desde La Fenice en Venecia. Curtis utiliza una pequeña banda de cuerdas, flautas dulces y continuo, con trompetas reservadas para la escena final de la coronación. [73] Las grabaciones posteriores han tendido a seguir el camino de la autenticidad, con versiones de especialistas del barroco como Richard Hickox y la City of London Barroco Sinfonia (1988), René Jacobs y Concerto Vocale (1990), y John Eliot Gardiner con el Barroco Inglés. Solistas . [74] [75] [76] La producción de la ópera de Sergio Vartolo en Pigna, Córcega , fue grabada para Brilliant Classics en 2004. Una característica de esta grabación es la elección de una soprano Nerone en los actos I y III, y un tenor Nerone en el acto II, para tener en cuenta los diferentes requisitos vocales del papel en estos actos. Vartolo admite que "una representación escénica requeriría casi con toda seguridad un enfoque diferente". [77]
En años más recientes, han proliferado las versiones en cintas de vídeo y DVD. La primera fue en 1979, una versión dirigida por Harnoncourt con la Ópera de Zúrich y coro. La segunda producción de Leppard en Glyndebourne, la de 1984, se lanzó en formato DVD en 2004. [78] Desde entonces, las producciones dirigidas por Jacobs, Christophe Rousset y Marc Minkowski se han lanzado todas en DVD, junto con la producción de Glyndebourne de 2008 de Emmanuelle Haïm en en el que el Festival finalmente rechaza la versión big band de Leppard en favor de los instrumentos de época de Haim, para dar una experiencia más cercana a la del público original. [79] La producción de 2010 en el Teatro Real de Madrid, dirigida por William Christie , fue lanzada en DVD en 2012. [80]
Desde principios del siglo XX la partitura de L'incoronazione se edita con frecuencia. Algunas ediciones, preparadas para representaciones concretas (por ejemplo, la de Westrup para la actuación del Ayuntamiento de Oxford de 1927) no se han publicado. Las siguientes son las principales ediciones publicadas desde 1904. Los años de publicación suelen ser posteriores a las primeras representaciones de estas ediciones. [9] [81]
