Rainer Werner Fassbinder ( en alemán: [ˈʁaɪnɐ ˈvɛʁnɐ ˈfasbɪndɐ] ; 31 de mayo de 1945 - 10 de junio de 1982), a veces acreditado comoRW Fassbinder,[1]fue un cineasta, dramaturgo y actor alemán. Es ampliamente considerado como una de las principales figuras y catalizadores del movimiento delNuevo Cine Alemán. Versátil y prolífico, sus más de 40 películas abarcan una variedad de géneros, mezclando con mayor frecuencia elementos delmelodrama de Hollywoodcon crítica social ytécnicasde vanguardia[2]Sus películas, según él, exploraron "la explotabilidad de los sentimientos".[3][4]Su trabajo estaba profundamente arraigado en la cultura alemana de posguerra: las secuelas delnazismo, elmilagro económico alemány el terror de laFracción del Ejército Rojo. Trabajó con una compañía de actores y técnicos que aparecieron con frecuencia en sus proyectos.[3]
Fassbinder comenzó a dirigir la compañía de teatro Anti-Theater en 1967, con la que montó algunas de sus primeras producciones. [3] Su primer largometraje fue una película de gánsteres llamada Love Is Colder Than Death (1969); obtuvo su primer éxito comercial nacional con The Merchant of Four Seasons (1972) y su primer éxito internacional con Ali: Fear Eats the Soul (1974), ambas consideradas obras maestras por los críticos contemporáneos. Siguieron proyectos de gran presupuesto como Despair (1978), Lili Marleen y Lola (ambas de 1981). Su mayor éxito llegó con The Marriage of Maria Braun (1979), que narra el ascenso y la caída de una mujer alemana tras la Segunda Guerra Mundial . Otras películas notables incluyen el drama lésbico The Bitter Tears of Petra von Kant (1972), Fox and His Friends (1975), Satan's Brew (1976), In a Year of 13 Moons (1978) y Querelle (1982), todas las cuales trataron temas homoeróticos. También dirigió la serie de televisión World on a Wire (1973) y Berlin Alexanderplatz (1980).
Fassbinder murió el 10 de junio de 1982, a los 37 años, a causa de un cóctel letal de cocaína y barbitúricos . Su carrera duró menos de dos décadas, pero fue extremadamente prolífica; entre 1967 y 1982, completó más de 40 largometrajes, 24 obras de teatro, dos series de televisión, tres cortometrajes y cuatro producciones de video, ganando cinco de los premios más prestigiosos de largometrajes en Alemania, incluido el Oso de Oro y varios Premios del Cine Alemán . Su muerte prematura a menudo se considera el final de la era del Nuevo Cine Alemán. [ cita requerida ]
Fassbinder nació en la pequeña ciudad de Bad Wörishofen el 31 de mayo de 1945. [5] Nació tres semanas después de que el ejército estadounidense ocupara la ciudad y de la rendición incondicional de Alemania . Las secuelas de la Segunda Guerra Mundial marcaron profundamente su infancia y la vida de su familia. [6] En cumplimiento de los deseos de su madre, Fassbinder afirmó más tarde que nació el 31 de mayo de 1946, para establecerse más claramente como un niño del período de posguerra ; su edad real fue revelada poco antes de su muerte. [7] Fue el único hijo de Liselotte Pempeit (1922-1993), traductora , y Helmut Fassbinder, un médico que trabajaba desde el apartamento de la pareja en Sendlinger Straße , [8] cerca del barrio rojo de Múnich . [7] [7] [9] Cuando tenía tres meses, lo dejaron con un tío y una tía paternos en el campo, ya que sus padres temían que no sobreviviera el invierno con ellos. Tenía un año cuando lo devolvieron a sus padres en Múnich. [7] La madre de Fassbinder provenía de la Ciudad Libre de Danzig (ahora Gdansk , Polonia ), de donde habían huido muchos alemanes después de la Segunda Guerra Mundial. Como resultado, varios de sus parientes vinieron a vivir con ellos en Múnich.
Los padres de Fassbinder eran miembros cultos de la burguesía . Su padre se concentró en su carrera , que vio como un medio para inspirar su pasión por escribir poesía . Su madre también lo ignoró en gran medida, pasando la mayor parte de su tiempo con su esposo trabajando en su carrera. En 1951, Liselotte Pempeit y Helmut Fassbinder se divorciaron. Helmut se mudó a Colonia mientras Liselotte crió a su hijo como madre soltera en Múnich. [9] Para mantenerse a sí misma y a su hijo, Pempeit acogió huéspedes y encontró empleo como traductora del alemán al inglés. Cuando trabajaba, a menudo enviaba a su hijo al cine para pasar el tiempo. Más tarde en su vida, Fassbinder afirmó que veía al menos una película al día, a veces hasta cuatro por día. Durante este período, Pempeit a menudo estaba lejos de su hijo durante largos períodos mientras ella se recuperaba de la tuberculosis . [10] En ausencia de su madre, Fassbinder fue cuidado por los inquilinos y amigos de su madre. Como a menudo lo dejaban solo, se acostumbró a la independencia y, por lo tanto, se convirtió en un delincuente juvenil . Tuvo enfrentamientos con el amante más joven de su madre, Siegfried, que vivía con ellos cuando Fassbinder tenía alrededor de ocho o nueve años. Tuvo una relación difícil similar con el periodista mucho mayor Wolff Eder (c.1905-71), quien se convirtió en su padrastro en 1959. [11] Al principio de su adolescencia, Fassbinder se declaró bisexual. [12]
Cuando era adolescente, Fassbinder fue enviado a un internado . Su tiempo allí se vio empañado por sus repetidos intentos de fuga, y finalmente abandonó la escuela antes de los exámenes finales. A la edad de 15 años, se mudó a Colonia con su padre. [13] Aunque discutían constantemente, Fassbinder se quedó con su padre durante un par de años mientras asistía a la escuela nocturna . Para ganar dinero, trabajó en pequeños trabajos ; también ayudó a su padre, que alquilaba apartamentos a trabajadores inmigrantes . Durante este tiempo, Fassbinder comenzó a sumergirse en el mundo cultural de su padre, escribiendo poemas, obras de teatro cortas e historias. [14]
En 1963, a los 18 años, Fassbinder regresó a Múnich con la intención de asistir a una escuela nocturna con la idea de estudiar arte dramático . Siguiendo el consejo de su madre, tomó lecciones de interpretación y de 1964 a 1966 asistió al Estudio Fridl-Leonhard para actores en Múnich. [14] Allí conoció a Hanna Schygulla , que se convertiría en una de sus actrices más importantes. [15] Durante este tiempo, a los 20 años, realizó sus primeros cortometrajes en 8 mm , trabajó como técnico de sonido en películas estudiantiles y como asistente de dirección o en pequeños papeles de actuación en teatro . [14] Durante este período, también escribió la obra trágico-cómica: Drops on Hot Stones . Para ingresar a la Escuela de Cine de Berlín , Fassbinder presentó una versión cinematográfica de su obra Parallels . También participó en varias películas de 8 mm, incluida This Night (ahora considerada perdida ), [16] pero fue rechazado, al igual que Werner Schroeter y Rosa von Praunheim, quienes también tendrían carreras como directores de cine. [17]
Regresó a Múnich donde continuó con su escritura. También realizó dos cortometrajes, El vagabundo de la ciudad ( Der Stadtstreicher , 1966) y El pequeño caos ( Das Kleine Chaos , 1967). Rodados en blanco y negro , fueron financiados por el amante de Fassbinder, Christoph Roser, un aspirante a actor de una familia adinerada, a cambio de papeles protagonistas. [18] Fassbinder actuó en ambas películas, en las que también aparecía Irm Hermann . En esta última, su madre —bajo el nombre de Lilo Pempeit— interpretó el primero de muchos papeles en las películas de su hijo. [19]
En 1967, a los 22 años, Fassbinder se unió al ahora desaparecido Action-Theater de Múnich, donde trabajó como actor, director y guionista. Dos meses después, se convirtió en el líder del teatro. En abril de 1968, cuando ya tenía 23 años, dirigió la producción de su obra Katzelmacher , que cuenta la historia de un trabajador extranjero de Grecia que se convierte en objeto de un intenso odio racial , sexual y político entre un grupo de "holgazanes" bávaros. Unas semanas después, en mayo de 1968, el Action-Theater se disolvió después de que uno de sus fundadores destrozara su teatro. [20] Rápidamente se reformó como el Anti-Theater bajo la dirección de Fassbinder . [20] La compañía vivió y actuó junta. Este grupo unido de jóvenes actores incluía entre ellos a Fassbinder, Peer Raben , Harry Baer y Kurt Raab , quienes junto con Hanna Schygulla e Irm Hermann se convirtieron en los miembros más importantes de su compañía cinematográfica. [20] Trabajando con el Anti-Theater, Fassbinder continuó escribiendo, dirigiendo y actuando. En el espacio de 18 meses dirigió 12 obras. De estas 12 obras, cuatro fueron escritas por Fassbinder; reescribió otras cinco.
El estilo de su dirección escénica se parecía mucho al de sus primeras películas, una mezcla de movimientos coreografiados y poses estáticas, tomando como referencias los musicales, el cabaret, las películas y el movimiento de protesta estudiantil.
Después de realizar sus primeros largometrajes a los 24 años en 1969, Fassbinder centró los esfuerzos de su carrera en la dirección de cine , pero mantuvo una presencia intermitente en el teatro hasta su muerte. Trabajó en varias producciones por toda Alemania e hizo una serie de obras de radio a principios de la década de 1970. En 1974, a los 29 años, Fassbinder tomó el control de la dirección del Theater am Turm (TAT) de Frankfurt; cuando este proyecto terminó en fracaso y controversia, Fassbinder perdió interés en el teatro.
En honor a Rosa von Praunheim , Fassbinder puso en escena la obra Dedicada a Rosa von Praunheim .
Fassbinder utilizó su trabajo teatral como trampolín para hacer películas; y muchos de los actores y el equipo del Anti-Theater trabajaron con él a lo largo de toda su carrera (por ejemplo, hizo 20 películas cada una con las actrices Hanna Schygulla e Irm Herrmann). Fue fuertemente influenciado por el Verfremdungseffekt (efecto de alienación) de Brecht y el cine de la Nouvelle Vague francesa , particularmente las obras de Jean-Luc Godard . [21] [22] También elogió Los condenados (1969) de Luchino Visconti como su película favorita. Otros cineastas que influyeron en Fassbinder fueron Howard Hawks , Michael Curtiz , Raoul Walsh y Nicholas Ray . [23]
Fassbinder desarrolló muy pronto sus métodos de trabajo rápidos. Como conocía tan bien a sus actores y técnicos, Fassbinder era capaz de realizar hasta cuatro o cinco películas al año con presupuestos extremadamente bajos. Esto le permitió competir con éxito por las subvenciones gubernamentales necesarias para seguir haciendo películas.
A diferencia de otros grandes autores del Nuevo Cine Alemán, como Volker Schlöndorff , Werner Herzog y Wim Wenders , que empezaron haciendo películas, la experiencia teatral de Fassbinder quedó patente en toda su obra. Además, aprendió a manejar todas las fases de la producción, desde la escritura y la actuación hasta la dirección y la gestión teatral. Esta versatilidad también se hizo evidente en sus películas, donde, además de algunas de las responsabilidades mencionadas anteriormente, Fassbinder trabajó como compositor, diseñador de producción, director de fotografía, productor y editor. También apareció en 30 proyectos de otros directores.
En 1976, Fassbinder había ganado prominencia internacional, premios en los principales festivales de cine , estrenos y retrospectivas en París, Nueva York y Los Ángeles, y se había publicado un estudio de su obra realizado por Tony Rayns . Todos estos factores ayudaron a convertirlo en un nombre familiar entre los cinéfilos y el público universitario de todo el mundo. Vivía en Múnich cuando no viajaba, alquilaba una casa en París con su ex esposa Ingrid Caven. [24] A menudo se le veía en bares gay de Nueva York, lo que le valió el estatus de héroe de culto, pero también una reputación controvertida dentro y fuera de sus películas. Sus películas fueron un elemento fijo en las casas de arte de la época después de que se hiciera internacionalmente conocido con Ali: Fear Eats the Soul . En 1977, fue miembro del jurado del 27º Festival Internacional de Cine de Berlín . [25]
A los 21 años, Fassbinder dirigió cuarenta y cuatro películas y dramas televisivos en quince años, además de dirigir quince obras de teatro. Estas películas fueron escritas o adaptadas para la gran pantalla por Fassbinder. También fue director artístico en la mayoría de las primeras películas, editor o coeditor en muchas de ellas (a menudo acreditado como Franz Walsh, aunque la ortografía varía), y actuó en diecinueve de sus propias películas, así como para otros directores. [26] Escribió catorce obras de teatro, creó nuevas versiones de seis obras clásicas y dirigió o codirigió veinticinco obras de teatro. Escribió y dirigió cuatro obras de radio y escribió letras de canciones. Además, escribió treinta y tres guiones y colaboró con otros guionistas en trece más. Además de esto, ocasionalmente desempeñó muchos otros papeles, como director de fotografía y productor en un pequeño número de ellas. Trabajando con un elenco regular de actores y técnicos, pudo terminar las películas antes de lo previsto y a menudo por debajo del presupuesto, compitiendo así con éxito por los subsidios gubernamentales. Trabajaba rápido, omitiendo normalmente los ensayos y haciendo la primera toma. [26]
Se decía que las primeras diez películas de Fassbinder (1969-1971) eran una extensión de su trabajo en el teatro, filmadas generalmente con una cámara estática y con diálogos deliberadamente antinaturales. [27]
Entre 1971 y 1977, sus películas le trajeron atención internacional, con películas inspiradas, con efecto irónico, en los melodramas que Douglas Sirk hizo en Hollywood en la década de 1950. En estas películas, Fassbinder exploró cómo los prejuicios profundamente arraigados sobre la raza, el sexo, la orientación sexual , la política y la clase son inherentes a la sociedad, al mismo tiempo que abordaba su tema característico del fascismo cotidiano de la vida familiar y la amistad. [27]
Las películas finales, desde alrededor de 1977 hasta su muerte, fueron más variadas, con actores internacionales a veces utilizados y la compañía de repertorio disuelta, aunque los elencos de algunas películas todavía estaban llenos de habituales de Fassbinder. [27] Se volvió cada vez más idiosincrásico en términos de trama, forma y tema en películas como El matrimonio de Maria Braun (1979), La tercera generación (1979) y Querelle (1982). También articuló sus temas en el medio burgués con su trilogía sobre las mujeres en la Alemania posfascista : El matrimonio de Maria Braun (1979), La angustia de Verónica Voss y Lola .
"Me gustaría construir una casa con mis películas", comentó una vez Fassbinder. "Algunas son los sótanos, otras las paredes, otras las ventanas. Pero espero que al final sea una casa". [28]
El trabajo de Fassbinder como cineasta fue honrado en la exposición de 2007 Fassbinder: Berlin Alexanderplatz , que fue organizada por Klaus Biesenbach en el Museo de Arte Contemporáneo junto con el Instituto Kunst-Werke de Arte Contemporáneo de Berlín. [29] Por su exposición en el MoMA, Klaus Biesenbach recibió el premio de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA).
Fassbinder trabajó simultáneamente en el teatro y el cine y creó su propio estilo a partir de una fusión de ambas formas de arte. Sus diez primeras películas se caracterizan por un formalismo consciente y asertivo . Influenciadas por Jean-Luc Godard , Jean-Marie Straub y las teorías de Bertolt Brecht , estas películas son de estilo austero y minimalista. Aunque fueron elogiadas por muchos críticos, resultaron demasiado exigentes e inaccesibles para un público masivo. [ ¿Según quién? ] Los métodos de trabajo rápidos de Fassbinder habían comenzado en esta etapa.
Filmada en blanco y negro con un presupuesto limitado en abril de 1969, la primera película de largometraje de Fassbinder, Love Is Colder Than Death (1969) ( Liebe ist kälter als der Tod ), fue una deconstrucción de las películas de gánsteres estadounidenses de los años 1930, 1940 y 1950. Fassbinder interpreta el papel principal de Franz, un proxeneta de poca monta que se debate entre su amante Joanna, una trabajadora sexual interpretada por Hanna Schygulla, y su amigo Bruno, un gánster enviado tras Franz por el sindicato al que se ha negado a unirse. Joanna informa a la policía de un robo a un banco que los dos hombres han planeado. Bruno muere en el tiroteo, pero Franz y Joanna escapan. [30] [31]
Love Is Colder Than Death es una película de tono discreto, con secuencias largas, actuaciones poco naturalistas y poco diálogo. [32] [33] El éxito no fue inmediato. Love Is Colder Than Death fue mal recibida en su estreno en el Festival de Cine de Berlín . La película, sin embargo, ya muestra los temas que permanecerían presentes en el trabajo posterior del director: la soledad, el anhelo de compañía y amor, y el miedo y la realidad de la traición. [34]
La segunda película de Fassbinder, Katzelmacher (1969), (término peyorativo del argot bávaro para un trabajador extranjero del Mediterráneo), fue recibida de manera más positiva, obteniendo cinco premios después de su debut en Mannheim . Presenta a un grupo de parejas jóvenes desarraigadas y aburridas que pasan gran parte de su tiempo charlando, fanfarroneando, bebiendo, jugando a las cartas, intrigando o simplemente sentados. La llegada de Jorgos, un trabajador invitado de Grecia, genera una creciente curiosidad por parte de las mujeres y el antagonismo entre los hombres que viven en un bloque de apartamentos suburbano en Munich. [35] Este tipo de crítica social, que presenta personajes alienados incapaces de escapar de las fuerzas de la opresión, es una constante en toda la obra de Fassbinder. Katzelmacher fue adaptada de la primera obra de teatro producida de Fassbinder, una pieza corta que se amplió de cuarenta minutos a una duración de largometraje, trasladando la acción de un pueblo rural a Munich y retrasando la aparición de Jorgos. [36]
Dioses de la peste ( Götter der Pest ) es una película de gánsteres desolada ambientada en invierno, filmada principalmente en interiores y de noche. El personaje de Franz (de la primera película de Fassbinder, pero ahora interpretado por Harry Baer ) es liberado de prisión, pero se junta con la gente equivocada. Se une a su mejor amigo, un criminal bávaro negro que mató a su hermano, para asaltar un supermercado. Ambos hombres son traicionados por la amante abandonada de Franz, Joanna, que avisa a la policía. Franz es asesinado y la película termina con su lacónico funeral. [37]
Similar en trama y personajes a Love is Colder than Death (1969) y The American Soldier (1970), el tema del amor homoerótico de Gods of the Plague reaparecería repetidamente en las películas del director. [38]
La última de las cuatro películas que Fassbinder rodó en 1969 fue su primera en color, ¿Por qué Herr R. se descontrola? (Warum läuft Herr R. Amok?) . Fue codirigida por Michael Fengler (el amigo que había sido su camarógrafo en el cortometraje The Little Chaos en 1967). Fassbinder solo dibujó los contornos de las escenas. Fengler y el elenco improvisaron los diálogos. Fassbinder afirmó que en realidad se trataba de un trabajo de Fengler y no suyo. Sin embargo, los dos recibieron conjuntamente un premio a la dirección por el proyecto en el concurso de premios del cine alemán de 1971, y ¿Por qué Herr R. se descontrola? siempre ha sido considerada una de las películas de Fassbinder. [39]
¿Por qué Herr R. se descontrola? retrata la vida de Herr Raab, un dibujante técnico casado y con un niño pequeño. Las presiones de la vida de clase media le pasan factura. La visita de una vecina provoca el incidente que da título a la película. Irritado por la incesante charla entre su mujer y su amiga mientras intenta ver la televisión, Herr Raab mata a la vecina de un golpe en la cabeza con un candelabro y luego mata a su mujer y a su hijo. Herr Raab es encontrado más tarde ahorcado en el baño de una oficina. [40]
El tema principal de la película de gángsters El soldado americano (Der Amerikanische Soldat) es que la violencia es una expresión de amor frustrado. Un repentino estallido frenético de pasión reprimida, la revelación del deseo y una necesidad de amor que ha sido frustrada y llega demasiado tarde es central aquí. [41] El sicario epónimo del título (en realidad un alemán, interpretado por Karl Scheydt) es un asesino a sueldo a sangre fría, que regresa de Vietnam a su natal Múnich, donde es contratado por tres policías renegados para acabar con una serie de indeseables. Finalmente, termina matando a la novia de uno de los policías con su amigo Franz Walsh (Fassbinder). La película cierra con la música de la canción "So much tenderness", escrita por Fassbinder y cantada por Gunther Kaufmann. El soldado americano es la tercera y última entrega de la trilogía suelta de películas de gángsters de Fassbinder formada por Love Is Colder Than Death y Gods of the Plague . Rinde homenaje al género de gángsters de Hollywood y también alude a las narrativas raciales góticas sureñas .
En Die Niklashauser Fahrt ( El viaje de Niklashausen , Fassbinder coescribe y codirige con Michael Fengler. Esta película de vanguardia, encargada por la cadena de televisión WDR, se rodó en mayo de 1970 y se emitió en octubre del mismo año. [42] El viaje de Niklashausen se basó vagamente en la vida real de Hans Boehm , un pastor que en 1476 afirmó que la Virgen María lo llamó para fomentar un levantamiento contra la iglesia y las clases altas. A pesar de un éxito temporal, los seguidores de Boehm finalmente fueron masacrados y él fue quemado en la hoguera. [42] La intención de Fassbinder era mostrar cómo y por qué fracasan las revoluciones. [43] Su enfoque fue comparar la agitación política y sexual de la Alemania feudal con la del movimiento de contracultura y las protestas de 1968 . Fassbinder no aclaró el marco temporal de la acción, mezclando elementos medievales (incluidos algunos trajes, escenarios, discursos y música) con los de otros períodos de tiempo, como la Revolución rusa, el período rococó , la Alemania de posguerra y el Tercer Mundo . [43]
El viaje de Niklashausen , influenciado por Weekend de Jean-Luc Godard y Antonio das Mortes de Glauber Rocha , consta de sólo una docena de escenas, la mayoría de las cuales son cuadros teatrales donde no hay movimiento de los personajes y la cámara se mueve de un orador a otro o son tomas donde los personajes caminan de un lado a otro mientras dan discursos revolucionarios sobre luchas marxistas y debates sobre teorías económicas. [44]
Ambientada en 1876, Whity se centra en el personaje principal, un mulato que trabaja como sirviente obsequioso en la mansión de una familia disfuncional en el sur de Estados Unidos. Es el hijo ilegítimo del patriarca de la familia y el cocinero negro. Whity intenta cumplir todas sus órdenes, por degradantes que sean, hasta que varios de los miembros de la familia le piden que mate a algunos de los demás. Finalmente los mata a todos y huye al desierto con una prostituta del bar local.
La película se rodó en Almería , España , en formato panorámico, en localizaciones construidas para los westerns realizados por Sergio Leone . Su producción fue particularmente traumática para el reparto y el equipo. Whity , una mezcla de western europeo y melodrama del sur de Estados Unidos, fue mal recibida por los críticos y se convirtió en el mayor fracaso de Fassbinder. La película no fue elegida para su estreno en cines, ni hubo interés en emitirla por televisión. Como resultado, Whity solo se vio como su estreno. No estuvo disponible hasta la década de 1990, cuando comenzó a proyectarse; ahora, como casi todas las películas de Fassbinder, está disponible en DVD .
Una comedia caprichosa, Rio das Mortes sigue a dos jóvenes sin perspectivas que intentan recaudar dinero para hacer realidad su sueño de encontrar un tesoro enterrado en Perú utilizando un mapa del Rio das Mortes . La novia de uno de ellos encuentra la idea estúpida y quiere ponerle fin, pero finalmente los dos amigos encuentran una patrona que financie su aventura. [45]
Basada en una idea de Volker Schlondorff , Rio das Mortes se filmó en enero de 1970 después de ¿Por qué Herr R. se vuelve loco?, [ 40] pero se transmitió por televisión un año después, en febrero de 1971. [46] La película se siente construida de manera informal; el humor es soso y la trama ha sido criticada por su descuido y pobre desarrollo de los personajes. [47] [48] Rio das Mortes es mejor recordada por una escena no relacionada con la trama, cuando la novia, interpretada por Schygulla, baila " Jailhouse Rock " de Elvis Presley en la máquina de discos en compañía de un joven patán con chaqueta de cuero, interpretado por Fassbinder. [48]
Pioneros en Ingolstadt (Pioniere in Ingolstadt) es una adaptación de unaobra homónima de Marieluise Fleißer escrita en 1927. [49] La historia sigue a dos mujeres jóvenes cuyas vidas se transforman cuando los ingenieros del ejército (los pioneros del título) llegan a su ciudad para construir un puente. Una de las mujeres coquetea de soldado en soldado, pero su amiga se enamora y es abandonada. [50]
Filmada en noviembre de 1970, Pioneros en Ingolstaldt fue un encargo para la televisión. Fassbinder quería trasladar la trama de los años 20 a la Alemania contemporánea, pero los productores, temiendo ofender al ejército alemán, se negaron. Un compromiso no satisfizo a ninguna de las partes y, a mitad del proyecto, Fassbinder perdió el interés en él. [49] La película sufrió como consecuencia y se encuentra entre las películas más flojas de Fassbinder. [44] [51] [52]
Las tensiones y la amargura que habían rodeado la realización de Whity llevaron a Fassbinder a desmantelar el proyecto colectivo del Anti-Theater como compañía de producción. En su lugar, fundó su propia compañía de producción: Tango films. [51] Pioneros en Ingolstadt , aunque se emitió antes del estreno en cines de Cuidado con una puta santa , fue la última película realizada por Fassbinder durante su período de formación. En el año siguiente, 1971, Fassbinder filmó solo una película: El mercader de las cuatro estaciones . [51] [53] [54] [55]
Cuidado con una puta sagrada se basa, como muchas de las películas de Fassbinder, en una experiencia personal: el rodaje de su película anterior, el western revisionista Whity (1970). La película muestra a un director ególatra, acosado por una producción estancada, actores temperamentales y un equipo frustrado. Cuando se le pregunta de qué trata la película que está haciendo, responde: "brutalidad". La película termina con una ironía típica de Fassbinder, cuando el equipo se une contra el director. Cuidado con una puta sagrada marcó el final del período vanguardista de Fassbinder. Presentaba una autocrítica tan amargada y radical que sus futuras películas tendrían que ser bastante diferentes de las realizadas antes. Después de producir diez películas en no mucho más de un año (esta película se rodó solo unos meses después de Whity ) en un frenético estallido de creatividad, su campaña anticine y antiteatro parecía concluir.
Después de Pioneros en Ingolstadt , Fassbinder se tomó un descanso de ocho meses de la realización cinematográfica. Durante este tiempo, se inclinó por el melodrama hollywoodense, en particular las películas que el emigrado alemán Douglas Sirk hizo en Hollywood para Universal-International en la década de 1950: All That Heaven Allows , Magnificent Obsession e Imitation of Life . Fassbinder se sintió atraído por estas películas no solo por su valor de entretenimiento, sino también por su representación de diversos tipos de represión y explotación.
Fassbinder obtuvo su primer éxito comercial doméstico con El mercader de las cuatro estaciones ( Händler der vier Jahreszeiten , 1971). [56] La película retrata a un matrimonio que vende fruta. Hans se enfrenta al rechazo de su familia después de atacar violentamente a su esposa por no doblegarse a su voluntad. Ella lo abandona, pero después de que él sufre un ataque cardíaco se reúnen, aunque ahora tiene que emplear a otros hombres. Su capacidad restringida para funcionar lo lleva a reflexionar sobre su propia inutilidad. Literalmente bebe hasta morir.
El mercader de las cuatro estaciones utiliza el melodrama como estilo para crear estudios críticos de la vida alemana contemporánea para un público general. Fue el primer esfuerzo de Fassbinder por crear lo que declaró que aspiraba a hacer: una declaración cinematográfica de la condición humana que trascendiera las fronteras nacionales, como lo habían hecho las películas de Michelangelo Antonioni , Ingmar Bergman y Federico Fellini . [57] También es su primera comprensión de lo que aprendió de Sirk: que las personas, por pequeñas que sean, y sus emociones, por insignificantes que parezcan, pueden ser grandes en la pantalla de cine. [57]
La soledad es un tema común en la obra de Fassbinder, junto con la idea de que el poder se convierte en un factor determinante en todas las relaciones humanas. Sus personajes anhelan el amor, pero parecen condenados a ejercer un control a menudo violento sobre quienes los rodean. Un buen ejemplo es Las amargas lágrimas de Petra von Kant ( Die bitteren Tränen der Petra von Kant , 1972), que Fassbinder adaptó de sus obras de teatro. El personaje principal es una diseñadora de moda que vive en un mundo de ensueño creado por ella misma y la acción se limita principalmente a su lujoso dormitorio. Después del fracaso de su segundo matrimonio, Petra se enamora perdidamente y obsesivamente de Karin, una joven astuta de clase trabajadora que quiere una carrera como modelo. La explotación de Petra por parte de la modelo refleja el extraordinario abuso psicológico que Petra ejerce sobre su silenciosa asistente, Marlene. Fassbinder retrata la lenta fusión de estas relaciones como algo inevitable, y sus actrices (no hay hombres en la película) se mueven de una manera lenta, como en trance, que insinúa un vasto mundo de anhelo debajo de la hermosa y frágil superficie.
Jail Bait ( Wildwechsel , 1972), también conocida como Wild Game , es una historia sombría de angustia adolescente, ambientada en el norte industrial de Alemania durante la década de 1950. Como en muchas otras de sus películas, Fassbinder analiza la vida de la clase media baja con personajes que, incapaces de articular sus sentimientos, los entierran en frases inanes y actos violentos. [58] El amor se convierte en una lucha de poder de engaño y traición. La historia se centra en Hanni, una precoz colegiala de 14 años que inicia una relación con Franz, un trabajador de 19 años en una planta procesadora de pollos. Su romance se enfrenta a la oposición de los padres conservadores de la niña. Franz es condenado a nueve meses de prisión por tener relaciones sexuales con una menor. Cuando es puesto en libertad condicional, continúan su relación y Hanni queda embarazada. Temerosa de la ira de su padre, convence a Franz de que lo mate. Cuando Franz regresa a prisión por este asesinato, Hanni le dice que su hijo murió al nacer y que su amor era "sólo físico". [59]
Originalmente hecha para la televisión alemana, Jail Bait se basó en una obra de Franz Xaver Kroetz , quien discrepó violentamente con la adaptación de Fassbinder, calificándola de pornográfica. [60] Lo escabroso de su tema fomentó la controversia.
Su única película de ciencia ficción , World on a Wire ( Welt am Draht , 1973), fue un punto de inflexión para Fassbinder. Se trata de una adaptación de la novela pulp de ciencia ficción Simulacron-3 de Daniel F. Galouye , que se realizó como una producción de dos partes de 205 minutos para televisión utilizando película de 16 mm durante un paréntesis de la extensa producción de Effi Briest y en el mismo año que Martha and Ali: Fear Eats the Soul .
Una historia de realidades dentro de realidades, World on a Wire sigue a un investigador que trabaja en el instituto de cibernética y ciencia del futuro y que comienza a investigar la misteriosa muerte de su mentor. Se sumerge en el encubrimiento que esconde una computadora capaz de crear un mundo artificial con unidades que viven como seres humanos sin saber que su mundo es solo una proyección de computadora. Realizada en el París contemporáneo, la película se inspiró estilísticamente en Alphaville (1965) de Jean-Luc Godard y, en su tema de humanos artificiales que quieren alcanzar la vida real, anticipó Blade Runner (1982) de Ridley Scott . [61]
Fassbinder alcanzó su primer éxito internacional con El miedo devora el alma ( 1974). Esta película se rodó en 15 días en septiembre de 1973 con un presupuesto muy bajo, y se encuentra entre las más rápidas y económicas de Fassbinder. Sin embargo, su impacto en la carrera de Fassbinder y en su estreno en el extranjero sigue siendo una obra grandiosa e influyente. Ganó el Premio de la Crítica Internacional en Cannes y fue aclamada por los críticos de todo el mundo como una de las mejores películas de 1974.
El miedo devora el alma está inspirada vagamente en Todo lo que el cielo permite (1955) de Sirk. En ella se detalla la respuesta cruel de la familia y la comunidad ante una señora de la limpieza blanca, mayor y solitaria, que se casa con un trabajador inmigrante marroquí negro, musculoso y mucho más joven. Los dos se sienten atraídos el uno por el otro debido a la soledad mutua. Cuando se descubre su relación, experimentan diversas formas de hostilidad y rechazo público. Poco a poco, su relación es tolerada, no por una aceptación real, sino porque quienes rodean a la anciana de buen corazón se dan cuenta de que su capacidad para explotarla está amenazada. A medida que las presiones externas sobre la pareja comienzan a disminuir, surgen conflictos internos.
Los personajes principales de Fassbinder suelen ser ingenuos, ya sean hombres o mujeres, a quienes se les despoja de sus ilusiones románticas de forma grosera, a veces asesina. Filmada en película de 16 mm y hecha para la televisión, Martha (1974) es un melodrama sobre la crueldad en un matrimonio tradicional.
La trama se centra en el personaje principal, una bibliotecaria solterona. Poco después de la muerte de su padre durante unas vacaciones en Roma , Martha conoce a un ingeniero civil adinerado, que la enamora. Se reencuentran en una boda en su ciudad natal, Constanza , y pronto se casan. Sin embargo, su vida matrimonial se convierte en un ejercicio para que su marido exprese su sadismo y para que Martha soporte su masoquismo. Su marido muestra su deseo por ella de forma violenta, dejando marcas en su cuerpo. Controla obsesivamente su vida, su dieta, su gusto musical y sus intereses, hasta que la confinan en su casa. El deseo inicialmente positivo de Martha de agradar a su marido opresor y abusivo la empuja a tal extremo que se vuelve trastornada, lo que la lleva a su propia parálisis física permanente.
Effi Briest fue la película soñada de Fassbinder y en la que más trabajo invirtió. Si bien normalmente tardaba entre nueve y veinte días en hacer una película, esta vez requirió 58 días de rodaje, que se prolongaron durante dos años. [62] La película es una pieza de época adaptada de la novela clásica de Theodor Fontane de 1894, sobre las consecuencias de un amor traicionado. Ambientada en la sociedad prusiana cerrada y represiva de la era de Bismarck , la película pinta un retrato del destino de una mujer completamente vinculado a un código de comportamiento social inflexible y absolutamente implacable. La trama sigue la historia de Effi Briest, una joven que busca escapar de su sofocante matrimonio con un hombre mucho mayor al entablar un breve romance con un encantador soldado. Seis años después, el marido de Effi descubre su romance con trágicas consecuencias.
La película sirvió como escaparate para la musa y actriz favorita de Fassbinder, Hanna Schygulla , cuyo estilo de actuación distante encajaba con los papeles que el director creó para ella. Fassbinder la convirtió en una estrella, pero las diferencias artísticas mientras hacían Effi Briest crearon una separación que duró algunos años, hasta que Fassbinder la llamó de nuevo para que asumiera el papel de Maria Braun.
Como un pájaro en el alambre ( Wie ein Vogel auf dem Draht ) es una producción televisiva de cuarenta minutos en la que Brigitte Mira , la actriz principal de El miedo devora el alma , canta canciones de cabaret y baladas de amor de los años 1940 y 1950. Entre canción y canción, bebe y habla de sus maridos. El título está tomado de la canción de Leonard Cohen " Bird on the Wire ", con la que termina el programa.
Fassbinder consideró este proyecto como "un intento de hacer una muestra sobre la era de Adenauer . Para nosotros, ciertamente, no fue un éxito total. Pero la película sí revela la repulsividad y el sentimentalismo absolutos de la época", explicó. [63]
Muchas de las películas de Fassbinder tratan sobre la homosexualidad, en consonancia con su interés por personajes que son marginados sociales, pero se alejó de la mayoría de las representaciones de homosexuales en las películas. En una entrevista en el Festival de Cine de Cannes de 1975 , Fassbinder dijo sobre Fox and His Friends : "Es sin duda la primera película en la que los personajes son homosexuales, sin que la homosexualidad se convierta en un problema. En películas, obras de teatro o novelas, si aparecen homosexuales, la homosexualidad era el problema, o era un giro cómico. Pero aquí la homosexualidad se muestra como algo completamente normal, y el problema es algo muy diferente, es una historia de amor, donde una persona explota el amor de la otra persona, y esa es la historia que siempre cuento". [64]
En Fox y sus amigos ( Faustrecht der Freiheit , 1974), un homosexual de clase trabajadora, dulce pero poco sofisticado, gana la lotería y se enamora del elegante hijo de un industrial. Su amante intenta convertirlo en un espejo de los valores de la clase alta, al tiempo que se apropia de las ganancias de la lotería de Fox para sus propios fines. Al final, destruye las ilusiones de Fox, dejándolo desconsolado y desamparado.
Fassbinder trabajó dentro de los límites del melodrama hollywoodense, aunque la película está parcialmente basada en la difícil situación de su entonces amante Armin Meier (a quien está dedicada la película). La película es notable por la actuación de Fassbinder como el desafortunado Fox, en un papel protagonista dirigido por él mismo.
Algunos han calificado a Fox and His Friends de homofóbica y otros de excesivamente pesimista. [65] Sorprendentemente, los homosexuales de la película no son muy diferentes de los heterosexuales, igualmente lujuriosos. El pesimismo de la película se ve superado con creces por la acusación que hace Fassbinder de que Fox es un participante activo en su propia victimización, una crítica habitual que se encuentra en muchas de las películas del director.
En El viaje al cielo de la Madre Küsters ( Mutter Küsters Fahrt zum Himmel ), un melodrama , Emma Küsters se convierte en el centro de la atención política y de los medios después de que su marido, un trabajador de fábrica, matara a su supervisor o al hijo de su supervisor y luego se suicidara cuando se anunciaron los despidos. La película se basó tanto en los melodramas de Sirk como en las películas de trabajadores de la era de Weimar, conectando los géneros para contar una historia política de mayoría de edad sobre la Madre Küsters, que busca comprender qué llevó a las acciones de su marido y cómo responder. [66] La película es muy crítica con la política y los medios de comunicación de la época, ya que las personas a las que recurre Emma Küsters la explotan a ella y a su experiencia. Los medios de comunicación, los comunistas, los anarquistas e incluso sus propios familiares se aprovechan de la tragedia de la Madre Küsters para promover sus propias agendas.
Realizada para la televisión alemana, Fear of Fear ( Angst vor der Angst ) es un drama psicológico sobre una ama de casa de clase media, atrapada en una vida aburrida con un marido distraído, dos niños pequeños y suegros abiertamente hostiles. Se vuelve adicta al valium y al alcohol abrumada por una ansiedad irracional y el miedo a su inexorable descenso a la locura.
Fear of Fear es similar en temática a Martha , que también retrata el efecto de un matrimonio disfuncional en una ama de casa oprimida, el papel central fue nuevamente interpretado por Margit Carstensen .
Sólo quiero que me ames ( Ich will doch nur, daß ihr mich liebt , 1976) cuenta la historia de Peter, un trabajador de la construcción en prisión por homicidio involuntario. Su vida se relata en una serie de flashbacks. Peter, un hombre muy trabajador, pasa su tiempo libre construyendo una casa para sus padres fríos y poco cariñosos. Se casa y encuentra un trabajo en otra ciudad, pero en su desesperado anhelo de afecto intenta comprar el amor de quienes lo rodean con regalos caros que pronto lo hacen caer en una espiral de deudas. Cuando ve su propio amor no correspondido por sus padres reflejado durante una discusión en un bar, mata a un hombre que sirve como representante de su padre.
La película fue hecha para televisión y filmada durante una pausa en el rodaje de Satan's Brew . Basada en un relato real extraído de For Life , un libro de entrevistas editado por Klaus Antes y Christiane Erhardt, se trataba de las reflexiones personales de Fassbinder sobre la infancia y la adolescencia. [ cita requerida ]
En una época de crisis profesional, Fassbinder hizo Satansbraten ( 1976) , una comedia sombría y amoral que rinde homenaje al teatro de la crueldad de Antonin Artaud . Estilísticamente alejada de los melodramas que lo hicieron conocido internacionalmente, Satansbraten dio paso a una nueva fase en su carrera. En Satan's Brew , un poeta neurótico que sufre un bloqueo de escritor lucha por llegar a fin de mes mientras lidia con una esposa frustrada y sufrida, un hermano medio tonto y varias prostitutas y mujeres masoquistas que entran y salen de su vida. Se convence a sí mismo de ser la reencarnación del poeta romántico gay Stefan George (1868-1933) después de plagiar su poema The Albatros . [67]
El entusiasmo por las películas de Fassbinder creció rápidamente después de El miedo devora el alma . Vincent Canby rindió homenaje a Fassbinder como "el talento más original desde Godard". En 1977, el New Yorker Theater de Manhattan celebró un Festival Fassbinder.
Sin embargo, a pesar de que el entusiasmo por Fassbinder crecía fuera de Alemania, sus películas seguían sin impresionar al público local. En su país, era más conocido por su trabajo en televisión y por su abierta homosexualidad. Sumado a los temas controvertidos de sus películas (terrorismo, violencia de Estado , racismo , política sexual), parecía que todo lo que hacía Fassbinder provocaba u ofendía a alguien.
Tras finalizar en 1978 sus últimas películas de bajo presupuesto y muy personales ( En un año de 13 lunas y La tercera generación ), se concentraría en realizar películas cada vez más estridentes y estilizadas. Sin embargo, su serie de televisión Berlin Alexanderplatz era una adaptación naturalista de la novela en dos volúmenes de Alfred Döblin , que Fassbinder había leído muchas veces.
La ruleta china ( Chinesisches Roulette ) es un thriller gótico con un reparto coral. La película sigue a una niña lisiada de doce años, Angela, quien, debido a la falta de afecto de sus padres, organiza un encuentro entre ellos y sus respectivos amantes en la finca familiar. La película culmina con un juego de adivinanzas. Los jugadores se dividen en dos equipos, que se turnan para elegir a un miembro del otro bando y hacerle preguntas sobre personas y objetos. El juego se juega por sugerencia de Angela, que juega contra su madre. Cuando la madre pregunta: "En el Tercer Reich , ¿quién habría sido esa persona?", la respuesta de Angela es "Comandante del campo de concentración de Bergen Belsen "; es a su madre a quien está describiendo. [68]
No hay finales felices en las películas de Fassbinder. Sus protagonistas, normalmente hombres o mujeres débiles con tendencias masoquistas, pagan un alto precio por su victimización. La mujer del jefe de estación ( Bolwieser ) está basada en una novela de 1931, Bolwieser: La novela de un marido del escritor bávaro Oskar Maria Graf . La trama sigue la caída de Xaver Bolwieser, un jefe de estación de ferrocarril sometido a la voluntad de su dominante e infiel esposa, cuyas reiteradas infidelidades arruinan por completo la vida de Bolwieser. Emitida inicialmente como una serie de televisión de dos partes, La mujer del jefe de estación fue acortada a un largometraje de 112 minutos y estrenada en el primer aniversario de la muerte de Fassbinder. La película está protagonizada por Kurt Raab , amigo íntimo de Fassbinder a quien el director solía elegir como un hombre patético. Raab también fue escenógrafo de las películas de Fassbinder hasta que su amistad y relación profesional se rompieron después de hacer esta película. [69]
Alemania en otoño (Deutschland im Herbst) es una película ómnibus , un trabajo colectivo de ocho cineastas alemanes, entre ellos Fassbinder, Alf Brustellin , Volker Schlöndorff , Bernhard Sinkel y Alexander Kluge , el principal organizador del proyecto. Echaron un vistazo a la ola de culpa y paranoia que afligió ala sociedad de Alemania Occidental y sus autoridades en los meses transcurridos entre el secuestro y asesinato del industrial Hanns Martin Schleyer por miembros de la Fracción del Ejército Rojo y las muertes de Andreas Baader , Gudrun Ensslin y Jan-Carl Raspe en la prisión de Stammheim . La película es un documento sobre el terrorismo y sus consecuencias sociopolíticas. Comienza con el velorio de Schleyer, un segmento filmado por Alexander Kluge y Volker Schlöndorff, y termina con el tumultuoso funeral conjunto de Baader, Ensslin y Raspe en Stuttgart.
Fassbinder hizo tres películas en inglés , un idioma en el que no era competente: Despair (1978), Lili Marleen (1980) y Querelle (1982). Las tres películas tienen actores internacionales y son muy ambiciosas, pero cada una enfrentó problemas artísticos y comerciales. [70] Despair está basada en la novela de 1936 del mismo nombre de Vladimir Nabokov , adaptada por Tom Stoppard y con Dirk Bogarde . Se realizó con un presupuesto de 6.000.000 DEM , superando el costo total de las primeras 15 películas de Fassbinder.
Despair – A Journey into the Light ( Desesperación – Un viaje hacia la luz ) cuenta la historia de Hermann Hermann, un emigrado ruso desequilibrado y magnate del chocolate, cuyos negocios y matrimonio se han vuelto amargos. La fábrica está al borde de la quiebra y su vulgar esposa le es crónicamente infiel. Hermann trama un elaborado plan para adoptar una nueva identidad con la creencia de que lo liberará de todas sus preocupaciones. La historia del descenso de Hermann a la locura se yuxtapone con el ascenso del nacionalsocialismo en la Alemania de la década de 1930.
En un año de trece lunas ( In einem Jahr mit 13 Monden , 1978) es la obra más personal y sombría de Fassbinder. La película sigue la trágica vida de Elvira, una transexual anteriormente conocida como Erwin. En los últimos días antes de su suicidio, decide visitar a algunas de las personas y lugares importantes de su vida. En una secuencia, Elvira deambula por el matadero donde trabajaba como Erwin, contando su historia entre los cadáveres de ganado con ganchos de carne cuyas gargantas cortadas llueven sangre sobre el suelo. [71] En otra escena, Elvira regresa al orfanato donde fue criada por monjas y escucha la brutal historia de su infancia. La cámara de Fassbinder sigue a la monja (interpretada por su madre) contando la historia de Elvira; Se mueve con una especie de precisión militar por el terreno, contando la historia con gran detalle, sin darse cuenta de que Elvira se ha desplomado y ya no puede oírla.
En un año de trece lunas fue explícitamente personal, una reacción al suicidio de su ex amante Armin Meier. [72] Además de escribir, dirigir y montar, Fassbinder también diseñó la producción y trabajó como camarógrafo. Cuando la película se proyectó en el Festival de Cine de Nueva York en octubre de 1979, el crítico Vincent Canby (que defendió la obra de Fassbinder en los Estados Unidos) escribió: "Su única característica redentora es la genialidad". [73]
Con El matrimonio de Maria Braun ( Die Ehe der Maria Braun ), su mayor éxito, Fassbinder finalmente logró la aceptación popular que buscaba entre el público alemán. El personaje principal es una mujer ambiciosa y de voluntad fuerte separada de su marido hacia el final de la Segunda Guerra Mundial. La trama sigue el ascenso constante de Maria Braun como una exitosa mujer de negocios durante la era de Adenauer . El sueño de Maria de una vida feliz con su marido sigue sin cumplirse. Sus logros profesionales no están acompañados de felicidad personal. [74] La película, construida en la tradición hollywoodense de "películas de mujeres" que presentan a una mujer superando dificultades, sirve también como una parábola del milagro económico de Alemania Occidental encarnado en el personaje de Maria Braun. Su historia de manipulación y traición es paralela a la espectacular recuperación económica de posguerra de Alemania en términos de su costo en valores humanos. [75]
La película fue la primera parte de una trilogía centrada en las mujeres durante el " milagro económico " de la posguerra que se completó con Lola (1981) y Veronika Voss (1982).
El éxito económico de El matrimonio de María Braun le permitió a Fassbinder pagar sus deudas y embarcarse en un proyecto personal, La tercera generación ( Die Dritte Generation , 1979), una comedia negra sobre el terrorismo. Fassbinder encontró difícil conseguir respaldo financiero para esta película y finalmente se realizó con un presupuesto pequeño y dinero prestado. [76] Al igual que hizo con En un año de trece lunas , Fassbinder trabajó nuevamente como camarógrafo de la película. [77]
La película trata sobre un grupo de aspirantes a terroristas de origen burgués de izquierdas que secuestran a un industrial durante la temporada de carnaval sin saber que han sido manipulados por el capitalismo y las autoridades, cuyo objetivo oculto es crear una demanda de equipos de seguridad y obtener apoyo para medidas de seguridad más severas. Las acciones de la ineficaz célula de terroristas clandestinos se superponen con una banda sonora llena de noticieros, voces en off, música y galimatías. El tema político de la película despertó controversia. [ cita requerida ]
Volviendo a sus exploraciones de la historia alemana, Fassbinder finalmente hizo realidad su sueño de adaptar la novela de Alfred Döblin de 1929, Berlin Alexanderplatz . Una serie de televisión de más de 13 horas de duración, con una coda de dos horas (estrenada en los EE. UU. como un largometraje de 15 horas), fue la culminación de los temas interrelacionados del director: el amor, la vida y el poder. [78]
Berlin Alexanderplatz se centra en Franz Biberkopf, un ex convicto y proxeneta menor, que intenta mantenerse alejado de los problemas pero se ve arrastrado por el crimen, la pobreza y la duplicidad de quienes lo rodean. Su mejor amigo, Reinhold, le hace perder un brazo y asesina a la novia prostituta de Franz, Mieze. El triángulo amoroso de Franz, Reinhold y Mieze se escenifica en el contexto de la creciente marea del nazismo en Alemania. La película enfatiza la relación sadomasoquista entre Biberkopf y Reinhold enfatizando su naturaleza homoerótica. Fassbinder había leído el libro a los 14 años; más tarde afirmó que lo ayudó a sobrevivir a una "pubertad asesina". La influencia de la novela de Döblin se puede ver en muchas de las películas de Fassbinder, la mayoría de cuyos protagonistas se llaman Franz, algunos con el apellido Biberkopf como el ingenuo ganador de la lotería de la clase trabajadora en Fox and His Friends , que es interpretado por Fassbinder. También adoptó el seudónimo de Franz Walsch para su trabajo como editor en sus propias películas: Walsch era un homenaje oblicuo al director Raoul Walsh . [ cita requerida ]
Fassbinder abordó el período nazi con Lili Marleen , una coproducción internacional, filmada en inglés y con un gran presupuesto. El guion se basó vagamente en la autobiografía de la cantante de la Segunda Guerra Mundial Lale Andersen , The Sky Has Many Colors . [79] La película está construida como un gran melodrama hollywoodense conmovedor en su representación de la historia de amor incumplida entre una cantante de variedades alemana separada por la guerra de un compositor judío suizo. La canción que da título a la película es central para la historia. [ cita requerida ]
Fassbinder presenta el período de la Alemania nazi como un desarrollo predecible de la historia alemana que se presentó como un espectáculo respaldado por el odio. Filmada con una nostalgia morbosa por las esvásticas , el brillo del mundo del espectáculo y como un romance de intriga, el tema principal de Lili Marleen es la pregunta: ¿es moralmente justificable sobrevivir bajo el nacionalsocialismo, como lo hace la cantante ingenua al tener una carrera exitosa? [80]
Theater in Trance es un documental que Fassbinder rodó en Colonia en junio de 1981 en el marco del festival "Theatre of the World". Sobre escenas de grupos como el Squat Theatre y el Tanztheater Wuppertal, Pina Bausch Fassbinder interpretó pasajes de Antonin Artaud y sus propios comentarios. [81]
Lola cuenta la historia de un recto comisario de obras que llega a un pequeño pueblo. Se enamora de Lola, sin saber que es una famosa prostituta y la amante de un promotor inmobiliario sin escrúpulos. Incapaz de conciliar su imagen idealista de Lola con la realidad, el comisario cae en la misma espiral de corrupción que había intentado combatir.
Fassbinder ganó el Oso de Oro en el 32º Festival Internacional de Cine de Berlín por Veronika Voss . [82] El título original en alemán, Die Sehnsucht der Veronika Voss , se traduce como "El anhelo de Veronika Voss". Ambientada en la década de 1950, la película retrata los últimos años del personaje principal, una estrella nazi en decadencia. Un reportero deportivo queda cautivado por la desequilibrada actriz y descubre que está bajo el poder de un malvado médico que le suministra las drogas que anhela siempre y cuando pueda pagar la exorbitante tarifa. A pesar de los mejores intentos del reportero, no puede salvarla de un final terrible. [83]
Fassbinder no vivió para ver el estreno de su última película, Querelle , basada en la novela Querelle de Brest de Jean Genet . [84] La trama sigue al personaje principal, un apuesto marinero que es ladrón y estafador. Frustrado en una relación homoerótica con su propio hermano, Querelle traiciona a quienes lo aman y les paga incluso con el asesinato.
Fassbinder mantuvo relaciones tanto con hombres como con mujeres . Rara vez mantuvo separada su vida profesional de su vida personal, y era conocido por elegir a familiares, amigos y amantes para sus películas. Al principio de su carrera tuvo una relación duradera pero fracturada con Irm Hermann , una exsecretaria a la que obligó a convertirse en actriz. [85] Fassbinder generalmente la elegía para papeles poco glamorosos, sobre todo como la esposa infiel en El mercader de las cuatro estaciones y la asistente silenciosa y maltratada en Las amargas lágrimas de Petra von Kant .
Hermann lo idolatraba, pero Fassbinder la atormentó y torturó durante más de una década. [86] Esto incluyó violencia doméstica : "No podía concebir que yo lo rechazara, e intentó todo. Casi me golpeó hasta matarme en las calles de Bochum ..." [87] En 1977, Hermann se involucró románticamente con otro hombre y quedó embarazada de él. Fassbinder le propuso matrimonio y se ofreció a adoptar al niño; ella lo rechazó. [88]
En 1969, mientras interpretaba el papel principal en la película para televisión Baal bajo la dirección de Volker Schlöndorff , Fassbinder conoció a Günther Kaufmann , un actor bávaro negro que tenía un papel menor en la película. A pesar de que Kaufmann estaba casado y tenía dos hijos, Fassbinder se enamoró perdidamente de él. Los dos comenzaron una relación turbulenta que finalmente afectó la producción de Baal . Fassbinder intentó comprar el amor de Kaufmann eligiéndolo para papeles importantes en sus películas y comprándole regalos caros. [89]
Kaufmann disfrutó de la atención y se volvió más exigente. Fassbinder le compró cuatro Lamborghinis en el período de un año; Kauffmann destrozó uno y vendió los otros si no cumplían con sus expectativas. [90] La relación llegó a su fin cuando Kaufmann se involucró románticamente con el compositor Peer Raben . Después del final de su relación, Fassbinder continuó eligiendo a Kaufmann para sus películas, aunque en papeles menores. [91] Kaufmann apareció en 14 de las películas de Fassbinder, con el papel principal en Whity (1971).
Aunque afirmaba oponerse al matrimonio como institución, en 1970 Fassbinder se casó con Ingrid Caven , una actriz que aparecía regularmente en sus películas. Su recepción nupcial fue reciclada en la película que estaba haciendo en ese momento, El soldado americano . [92] Su relación de admiración mutua sobrevivió al completo fracaso de su matrimonio de dos años. "La nuestra fue una historia de amor a pesar del matrimonio", explicó Caven en una entrevista, añadiendo sobre la sexualidad de su ex marido : "Rainer era un homosexual que también necesitaba una mujer. Es así de simple y así de complejo". [93] Las tres mujeres más importantes de la vida de Fassbinder, Irm Hermann , Ingrid Caven y Juliane Lorenz , su última pareja, no se sintieron perturbadas por su implicación romántica y sexual con hombres. [94]
En 1971, Fassbinder comenzó una relación con El Hedi ben Salem , un bereber marroquí que había abandonado a su esposa y cinco hijos el año anterior, después de conocerlo en una casa de baños gay en París. [91] [95] Durante los siguientes tres años, Salem apareció en varias producciones de Fassbinder. Su papel más conocido fue el de Ali en Ali: Fear Eats the Soul (1974). Su relación de tres años estuvo marcada por los celos, la violencia y el consumo excesivo de drogas y alcohol. Fassbinder finalmente terminó la relación en 1974, debido al alcoholismo crónico de Salem y su tendencia a volverse violento cuando bebía. Poco después de la ruptura, Salem apuñaló a tres personas (ninguna de ellas fatalmente) en Berlín y tuvo que ser sacado de contrabando de la ciudad. [96] Salem finalmente se dirigió a Francia, donde fue arrestado y encarcelado. Se ahorcó mientras estaba detenido en 1977. [97] La noticia del suicidio de Salem se le ocultó a Fassbinder durante años. [98] Finalmente se enteró de la muerte de su ex amante poco antes de su propia muerte en 1982 y dedicó su última película, Querelle , a Salem. [97]
El siguiente amante de Fassbinder fue Armin Meier . Meier era un ex carnicero casi analfabeto que había pasado sus primeros años en un orfanato. [99] También apareció en varias películas de Fassbinder en este período. Se puede ver un vistazo a su problemática relación en el episodio de Fassbinder para Alemania en otoño (1978). [100] Fassbinder terminó la relación en abril de 1978. Durante la semana del cumpleaños de Fassbinder (31 de mayo), Meier consumió deliberadamente cuatro botellas de pastillas para dormir y alcohol en la cocina del apartamento que él y Fassbinder habían compartido anteriormente. Su cuerpo fue encontrado una semana después. [101]
En los últimos cuatro años de la vida de Fassbinder, su compañera fue Juliane Lorenz (nacida en 1957), la montadora de sus películas durante los últimos años de su vida. Se la puede ver en un pequeño papel como la secretaria del productor de cine en Veronika Voss . [102] Según Lorenz, consideraron casarse pero nunca lo hicieron. [24] [103] Aunque se informó de que se distanciaron en su último año, [104] una acusación que Lorenz ha negado, [105] todavía vivían juntos en el momento de su muerte. [106]
Los escándalos y las controversias mediáticas hicieron que en Alemania Fassbinder apareciera permanentemente en las noticias, haciendo comentarios provocadores calculados en las entrevistas. Su obra recibió a menudo críticas mixtas de los críticos nacionales, muchos de los cuales sólo empezaron a tomarlo en serio después de que la prensa extranjera lo aclamara como un director importante. [107] [ cita breve incompleta ]
Su estilo de vida fue expuesto con frecuencia en la prensa, y hubo ataques de todos los lados por parte de los grupos a los que sus películas ofendían. [108] Su serie de televisión Eight Hours Don't Make a Day fue recortada de ocho a cinco episodios después de la presión de los conservadores. [108] El dramaturgo Franz Xaver Kroetz demandó a Fassbinder por la adaptación de su obra Jail Bait , alegando que era obscena . [109] Las lesbianas y feministas acusaron a Fassbinder de misoginia (al presentar a las mujeres como cómplices de su propia opresión) en sus 'Women's Pictures'. [108] [110] Las amargas lágrimas de Petra von Kant ha sido citada por algunos críticos feministas y gays como homofóbica y sexista . [108]
Los críticos homosexuales también criticaron a Fox and His Friends por no representar positivamente la homosexualidad en la sociedad burguesa , sintiendo que Fassbinder los había traicionado. [108] Los conservadores lo atacaron por su asociación con la extrema izquierda . Los marxistas dijeron que había traicionado sus principios políticos en sus representaciones de manipulaciones intelectuales de izquierda en Viaje al cielo de Mother Küsters y de un terrorista tardío en La tercera generación . Berlin Alexanderplatz fue trasladada a un espacio de televisión nocturno en medio de quejas generalizadas de que no era adecuada para niños. [108] La crítica más acalorada llegó por su obra Trash, the City and Death , cuya presentación programada en el Theater am Turm en Frankfurt fue cancelada a principios de 1975 en medio de acusaciones de antisemitismo . En medio de la agitación, Fassbinder renunció a su cargo de director de ese prestigioso complejo teatral, quejándose de que la obra había sido malinterpretada. La obra trata sobre un hombre de negocios judío , sin escrúpulos y muy codicioso , de Frankfurt, que utiliza sin piedad el sentimiento de culpa alemán por el Holocausto para enriquecerse. Aunque se publicó en su momento y se retiró rápidamente, la obra no se representó hasta cinco años después de la muerte de Fassbinder en el Thieves Theatre en 1987 en ABC No Rio . [111] [108]
En el momento en que hizo su última película, Querelle (1982), Fassbinder consumía cantidades significativas de drogas y alcohol. En la noche del 9 al 10 de junio de 1982, Wolf Gremm , director de la película Kamikaze 1989 (1982), protagonizada por Fassbinder, se alojaba en su apartamento. [112] Temprano esa noche, Fassbinder se retiró a su dormitorio. Estaba trabajando en notas para una futura película, Rosa L , basada en la vida de la socialista revolucionaria polaco-alemana Rosa Luxemburg . Fassbinder estaba viendo la televisión mientras leía cuando, poco después de la 1 am, recibió una llamada telefónica de su amigo y asistente Harry Baer. [113] A las 3:30 am, cuando Juliane Lorenz llegó a casa, escuchó el ruido de la televisión en la habitación de Fassbinder, pero no podía escucharlo roncando. Aunque no se le permitió entrar en la habitación sin invitación, entró y descubrió su cuerpo sin vida con un cigarrillo todavía entre los labios. [112] Una fina hebra de sangre goteaba de una fosa nasal. [114]
Fassbinder murió por una sobredosis de cocaína [115] y barbitúricos . [116] Las notas de Rosa L fueron encontradas junto a su cuerpo. [113] Sus restos fueron enterrados en Bogenhausener Friedhof en Munich.
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