La pintura florentina o escuela florentina se refiere a los artistas que pertenecen, provienen o están influidos por el estilo naturalista desarrollado en Florencia en el siglo XIV, en gran medida gracias a los esfuerzos de Giotto di Bondone , y en el siglo XV, la principal escuela de pintura occidental . Algunos de los pintores más conocidos de la escuela florentina anterior son Fra Angelico , Botticelli , Filippo Lippi , la familia Ghirlandaio , Masolino y Masaccio .
Florencia fue la cuna del Alto Renacimiento , pero a principios del siglo XVI los artistas más importantes, entre ellos Miguel Ángel y Rafael, se sintieron atraídos por Roma, donde se encontraban los mayores encargos de la época. En parte, esto se debió a los Médici, algunos de los cuales llegaron a ser cardenales e incluso papas. Un proceso similar afectó a los artistas florentinos posteriores. En el período barroco , los numerosos pintores que trabajaban en Florencia rara vez eran figuras importantes.
El arte toscano más característico, producido en el siglo XIII en Pisa y Lucca , formó la base para el desarrollo posterior. Nicola Pisano mostró su aprecio por las formas clásicas, al igual que su hijo, Giovanni Pisano , quien llevó las nuevas ideas de la escultura gótica a la lengua vernácula toscana, creando figuras de un naturalismo sin precedentes. Esto se reflejó en la obra de los pintores pisanos de los siglos XII y XIII, en particular en la de Giunta Pisano , quien a su vez influyó en grandes figuras como Cimabue y, a través de él, en Giotto y en los artistas florentinos de principios del siglo XIV .
El proyecto pictórico florentino a gran escala más antiguo que se conserva es la decoración en mosaico del interior de la cúpula del Baptisterio de San Juan , que comenzó alrededor de 1225. Aunque los artistas venecianos participaron en el proyecto, los artistas toscanos crearon escenas expresivas y animadas, que muestran un contenido emocional a diferencia de la tradición bizantina predominante. Se dice que Coppo di Marcovaldo fue responsable de la figura central de Cristo y es el primer artista florentino involucrado en el proyecto. Al igual que los paneles de la Virgen y el Niño pintados para las iglesias servitas en Siena y Orvieto , a veces atribuidos a Coppo, la figura de Cristo tiene una sensación de volumen.
Obras similares fueron encargadas para las iglesias florentinas de Santa Maria Novella , Santa Trinita y Ognissanti a finales del siglo XIII y principios del XIV. El panel de Duccio de alrededor de 1285, Madonna con Niño entronizado y seis ángeles o Madonna Rucellai , para Santa Maria Novella, ahora en la Galería de los Uffizi , muestra un desarrollo del espacio y la forma naturalistas, y puede que no haya sido concebido originalmente como retablo. Los paneles de la Virgen se utilizaron en la parte superior de los biombos, como en la Basílica de San Francisco de Asís , que tiene el panel en el fresco de la Verificación de los estigmas en el ciclo de la Vida de San Francisco . Sin embargo, la Madonna de Santa Trinita de Cimabue y la Madonna Rucellai de Duccio conservan el estilismo anterior de mostrar la luz sobre los drapeados como una red de líneas.
El sentido de la luz de Giotto habría estado influenciado por los frescos que había visto mientras trabajaba en Roma, y en sus pinturas murales narrativas, particularmente las encargadas por la familia Bardi , sus figuras están colocadas en un espacio naturalista y poseen dimensión y expresión dramática. Un enfoque similar a la luz fue utilizado por sus contemporáneos como Bernardo Daddi , su atención al naturalismo fue alentada por los temas encargados para las iglesias franciscanas y dominicas del siglo XIV , e influyó en los pintores florentinos de los siglos siguientes. Si bien algunas eran composiciones tradicionales como las que trataban sobre el fundador de la orden y los primeros santos, otras, como escenas de eventos, personas y lugares recientes, no tenían precedentes, lo que permitía la invención.
El siglo XIII fue testigo de un aumento en la demanda de pintura religiosa sobre tabla, particularmente retablos, aunque la razón de esto es oscura, los pintores y carpinteros toscanos de principios del siglo XIV crearon retablos que eran piezas más elaboradas, de múltiples paneles con marcos complejos. Los contratos de la época señalan que los clientes a menudo tenían una forma de carpintería en mente cuando encargaban a un artista, y discutían las figuras religiosas que se representarían con los artistas. Sin embargo, el contenido de las escenas narrativas en los paneles de predela rara vez se menciona en los contratos y puede haber quedado en manos de los artistas en cuestión. Las iglesias florentinas encargaron a muchos artistas sieneses la creación de retablos, como Ugolino di Nerio , a quien se le pidió que pintara una obra a gran escala para el altar de la Basílica de Santa Croce , que puede haber sido el políptico más antiguo en un altar florentino. Los gremios, conscientes del estímulo que aportaba la artesanía externa, facilitaron que los artistas de otras áreas trabajaran en Florencia. Los escultores tenían su propio gremio, que tenía un estatus menor, y en 1316 los pintores eran miembros del influyente Arte dei Medici e Speziali . Los propios gremios se convirtieron en importantes mecenas del arte y, desde principios del siglo XIV, varios gremios importantes supervisaron el mantenimiento y la mejora de los edificios religiosos individuales; todos los gremios participaron en la restauración de Orsanmichele .
El naturalismo desarrollado por los primeros artistas florentinos decayó durante el tercer cuarto del siglo XIV, probablemente como consecuencia de la peste. Encargos importantes, como el retablo para la familia Strozzi (que data de alrededor de 1354-57) en Santa Maria Novella, fueron confiados a Andrea di Cione , cuya obra, y la de sus hermanos, son más icónicas en su tratamiento de las figuras y tienen una sensación anterior de espacio comprimido.
Florencia siguió siendo el centro más importante de la pintura renacentista italiana . Las primeras imágenes verdaderamente renacentistas en Florencia datan de 1401, el primer año del siglo conocido en italiano como Quattrocento , sinónimo de Renacimiento temprano; sin embargo, no son pinturas. En esa fecha se celebró un concurso para encontrar un artista que creara un par de puertas de bronce para el Baptisterio de San Juan , la iglesia más antigua que se conserva en la ciudad. El Baptisterio es un gran edificio octogonal de estilo románico . El interior de su cúpula está decorado con una enorme figura de mosaico de Cristo en Majestad que se cree que fue diseñada por Coppo di Marcovaldo . Tiene tres grandes portales, el central está ocupado en ese momento por un conjunto de puertas creadas por Andrea Pisano ochenta años antes.
Las puertas de Pisano estaban divididas en 28 compartimentos de cuatro hojas que contenían escenas narrativas de la vida de San Juan Bautista . Los concursantes, de los cuales había siete jóvenes artistas, debían diseñar cada uno un panel de bronce de forma y tamaño similares, que representara el Sacrificio de Isaac . Dos de los paneles han sobrevivido, el de Lorenzo Ghiberti y el de Brunelleschi . Cada panel muestra algunos motivos fuertemente clasicistas que indican la dirección en la que se movían el arte y la filosofía en ese momento. Ghiberti ha utilizado la figura desnuda de Isaac para crear una pequeña escultura de estilo clásico. Está arrodillado sobre una tumba decorada con volutas de acanto que también son una referencia al arte de la Antigua Roma. En el panel de Brunelleschi, una de las figuras adicionales incluidas en la escena recuerda a una conocida figura de bronce romana de un niño que se saca una espina del pie. La creación de Brunelleschi es desafiante en su intensidad dinámica. Menos elegante que la de Ghiberti, trata más sobre el drama humano y la tragedia inminente. [1]
Ghiberti ganó el concurso. Su primer conjunto de puertas del Baptisterio tardó 27 años en completarse, tras lo cual recibió el encargo de hacer otro. En los 50 años que Ghiberti trabajó en ellas, las puertas proporcionaron un campo de entrenamiento para muchos de los artistas de Florencia. Al tener un tema narrativo y emplear no solo la habilidad para organizar composiciones figurativas sino también la floreciente habilidad de la perspectiva lineal , las puertas tendrían una enorme influencia en el desarrollo del arte pictórico florentino. Eran un factor unificador, una fuente de orgullo y camaradería tanto para la ciudad como para sus artistas. Miguel Ángel las llamaría las Puertas del Paraíso .
En 1426, dos artistas comenzaron a pintar un ciclo de frescos de la Vida de San Pedro en la capilla de la familia Brancacci, en la iglesia de los Carmelitas de Florencia. Ambos se llamaban Tommaso y eran apodados Masaccio y Masolino , Tom el Desaliñado y Tom el Pequeño.
Más que cualquier otro artista, Masaccio reconoció las implicaciones de la obra de Giotto. Llevó adelante la práctica de pintar a partir de la naturaleza. Sus pinturas demuestran una comprensión de la anatomía, del escorzo, de la perspectiva lineal, de la luz y del estudio de los drapeados. Entre sus obras, las figuras de Adán y Eva siendo expulsados del Edén , pintadas en el costado del arco de la capilla, son famosas por su representación realista de la forma humana y de la emoción humana. Contrastan con las figuras gentiles y bonitas pintadas por Masolino en el lado opuesto de Adán y Eva recibiendo el fruto prohibido . La pintura de la Capilla Brancacci quedó incompleta cuando Masaccio murió a los 26 años. La obra fue terminada más tarde por Filippino Lippi . La obra de Masaccio se convirtió en una fuente de inspiración para muchos pintores posteriores, incluidos Leonardo da Vinci y Miguel Ángel . [2]
Durante la primera mitad del siglo XV, la consecución del efecto de espacio realista en una pintura mediante el empleo de la perspectiva lineal fue una preocupación importante para muchos pintores, así como para los arquitectos Brunelleschi y Alberti, quienes teorizaron sobre el tema. Se sabe que Brunelleschi realizó una serie de estudios minuciosos de la plaza y el baptisterio octogonal fuera de la Catedral de Florencia y se cree que ayudó a Masaccio en la creación de su famoso nicho en trampantojo alrededor de la Santísima Trinidad que pintó en Santa Maria Novella . [2]
Según Vasari, Paolo Uccello estaba tan obsesionado con la perspectiva que no pensaba en mucho más y experimentaba con ella en muchas pinturas, siendo las más conocidas las tres imágenes de la Batalla de San Romano que utilizan armas rotas en el suelo y campos en las colinas distantes para dar una impresión de perspectiva.
En la década de 1450, Piero della Francesca , en pinturas como La flagelación de Cristo , demostró su dominio de la perspectiva lineal y también de la ciencia de la luz. Existe otra pintura, un paisaje urbano, de un artista desconocido, tal vez Piero della Francesca, que demuestra el tipo de experimento que había estado haciendo Brunelleschi. A partir de esta época, la perspectiva lineal se entendió y empleó con regularidad, como por ejemplo por Perugino en su Cristo entregando las llaves a San Pedro en la Capilla Sixtina . [1]
Giotto utilizó la tonalidad para crear formas. Taddeo Gaddi , en su escena nocturna en la Capilla Baroncelli, demostró cómo se podía utilizar la luz para crear drama. Paolo Uccello , cien años después, experimentó con el efecto dramático de la luz en algunos de sus frescos casi monocromos. Realizó varios de ellos en terra verde o "tierra verde", animando sus composiciones con toques de bermellón. El más conocido es su retrato ecuestre de John Hawkwood en la pared de la Catedral de Florencia . Tanto aquí como en las cuatro cabezas de profetas que pintó alrededor de la esfera interior del reloj de la catedral, utilizó tonos fuertemente contrastantes, lo que sugiere que cada figura estaba iluminada por una fuente de luz natural, como si la fuente fuera una ventana real en la catedral. [3]
Piero della Francesca profundizó en su estudio de la luz. En La flagelación demuestra que sabe cómo se difunde proporcionalmente la luz desde su punto de origen. En esta pintura hay dos fuentes de luz, una en el interior de un edificio y otra en el exterior. Aunque la luz en sí es invisible, se puede calcular su posición con certeza matemática en el caso de la fuente interna. Leonardo da Vinci continuaría con el trabajo de Piero sobre la luz. [4]
La Santísima Virgen María , venerada por la Iglesia católica en todo el mundo, fue particularmente evocada en Florencia, donde había una imagen milagrosa de ella en una columna del mercado del maíz y donde tanto la Catedral de "Nuestra Señora de las Flores" como la gran iglesia dominica de Santa María Novella fueron bautizadas en su honor.
La imagen milagrosa del mercado de cereales fue destruida por un incendio, pero fue reemplazada por una nueva imagen en la década de 1330 por Bernardo Daddi , colocada en un baldaquino de elaborado diseño y profusamente labrado por Orcagna . El piso inferior abierto del edificio fue cerrado y consagrado como Orsanmichele .
Las representaciones de la Virgen con el Niño eran una forma de arte muy popular en Florencia. Adoptaban todas las formas, desde pequeñas placas de terracota producidas en serie hasta magníficos retablos como los de Cimabue , Giotto y Masaccio . Las pequeñas vírgenes para el hogar eran el trabajo principal de la mayoría de los talleres de pintura, a menudo producidas en gran parte por los miembros más jóvenes siguiendo un modelo del maestro. Los edificios públicos y las oficinas gubernamentales también solían contener estas u otras pinturas religiosas.
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Entre los que pintaron vírgenes devocionales durante el Renacimiento temprano se encuentran Fra Angelico , Fra Filippo Lippi , Verrocchio y Davide Ghirlandaio . Más tarde, el principal proveedor fue Botticelli y su taller, que produjo grandes cantidades de vírgenes para iglesias, hogares y también edificios públicos. Introdujo un gran formato de tondo redondo para las grandes casas. Las vírgenes y los santos de Perugino son conocidos por su dulzura y han sobrevivido varias vírgenes pequeñas atribuidas a Leonardo da Vinci , como la Madonna de Benois . Incluso Miguel Ángel , que era principalmente escultor, fue persuadido para pintar el Tondo Doni , mientras que para Rafael , se encuentran entre sus obras más populares y numerosas.
Una especialidad florentina era el desco da parto o bandeja de parto, redonda o de doce lados , en la que la nueva madre servía dulces a las amigas que la visitaban después del parto. El resto del tiempo, parece que se colgaban en el dormitorio. Ambos lados están pintados, uno con escenas para animar a la madre durante el embarazo, a menudo mostrando a un niño desnudo; se creía que ver imágenes positivas favorecía el resultado representado.
A partir de mediados de siglo, Florencia se convirtió en el principal centro de Italia de la nueva industria del grabado , ya que algunos de los numerosos orfebres florentinos se dedicaron a hacer placas para grabados . A menudo copiaban el estilo de los pintores o los dibujos que ellos proporcionaban. Botticelli fue uno de los primeros en experimentar con dibujos para ilustraciones de libros, en su caso de Dante . Antonio del Pollaiuolo era orfebre además de impresor, y grabó él mismo su Batalla de los hombres desnudos ; por su tamaño y sofisticación, esta obra llevó la estampa italiana a nuevos niveles y sigue siendo una de las más famosas del Renacimiento.
En Florencia, a finales del siglo XV, la mayoría de las obras de arte, incluso las que se hacían para decorar iglesias, eran en general encargadas y pagadas por mecenas privados. Gran parte de este mecenazgo provenía de la familia Medici o de personas estrechamente relacionadas con ella, como los Sassetti, los Ruccellai y los Tornabuoni.
En la década de 1460, Cosimo de' Medici el Viejo había establecido a Marsilio Ficino como su filósofo humanista residente y facilitó su traducción de Platón y su enseñanza de la filosofía platónica , que se centraba en la humanidad como centro del universo natural, en la relación personal de cada persona con Dios y en el amor fraternal o "platónico" como lo más cercano que una persona podía llegar a emular o comprender el amor de Dios. [5]
En la época medieval , todo lo relacionado con el período clásico se percibía como asociado al paganismo. En el Renacimiento se asoció cada vez más con la Ilustración. Las figuras de la mitología clásica comenzaron a asumir un nuevo papel simbólico en el arte cristiano y, en particular, la diosa Venus adquirió una nueva distinción. Nacida completamente formada, por una especie de milagro, fue la nueva Eva , símbolo del amor inocente o, incluso, por extensión, un símbolo de la propia Virgen María . Vemos a Venus en ambos papeles en las dos famosas pinturas al temple que Botticelli hizo en la década de 1480 para el sobrino de Cosimo, Pierfrancesco Medici, La Primavera y El nacimiento de Venus . [6]
Mientras tanto, Domenico Ghirlandaio , un dibujante meticuloso y preciso y uno de los mejores retratistas de su época, ejecutó dos ciclos de frescos para los asociados de los Medici en dos de las iglesias más grandes de Florencia, la Capilla Sassetti en Santa Trinita y la Capilla Tornabuoni en Santa Maria Novella . En estos ciclos de la Vida de San Francisco y la Vida de la Virgen María y la Vida de Juan el Bautista había espacio para retratos de mecenas y de los mecenas de los mecenas. Gracias al mecenazgo de Sassetti, hay un retrato del propio hombre, con su empleador, Lorenzo il Magnifico , y los tres hijos de Lorenzo con su tutor, el poeta y filósofo humanista, Agnolo Poliziano . En la Capilla Tornabuoni hay otro retrato de Poliziano, acompañado por otros miembros influyentes de la Academia platónica, incluido Marsilio Ficino. [5]
A partir de 1450, con la llegada a Italia del pintor flamenco Rogier van der Weyden y posiblemente antes, los artistas conocieron la técnica del óleo . Si bien tanto el temple como el fresco se prestaban a la representación de patrones, ninguno de ellos ofrecía una forma eficaz de representar texturas naturales de forma realista. La gran flexibilidad de los óleos, que podían hacerse opacos o transparentes y permitían alteraciones y añadidos durante días después de su aplicación, abrió un nuevo mundo de posibilidades a los artistas italianos.
En 1475 llegó a Florencia un enorme retablo de la Adoración de los pastores , pintado por Hugo van der Goes por encargo de la familia Portinari, que fue enviado desde Brujas y colocado en la capilla de Sant' Egidio del hospital de Santa Maria Nuova. El retablo brilla con intensos rojos y verdes, que contrastan con las brillantes vestiduras de terciopelo negro de los donantes de Portinari. En primer plano hay una naturaleza muerta de flores en recipientes contrastantes, uno de cerámica vidriada y el otro de cristal. El jarrón de cristal por sí solo era suficiente para llamar la atención. Pero el aspecto más influyente del tríptico fue la calidad extremadamente natural y realista de los tres pastores con barbas incipientes, manos desgastadas por el trabajo y expresiones que iban desde la adoración hasta el asombro y la incomprensión. Domenico Ghirlandaio pintó rápidamente su propia versión, con una hermosa Madonna italiana en lugar de la flamenca de rostro alargado, y él mismo, gesticulando teatralmente, como uno de los pastores. [1]
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En 1477, el Papa Sixto IV reemplazó la antigua capilla abandonada del Vaticano en la que se celebraban muchos de los servicios papales. El interior de la nueva capilla, llamada Capilla Sixtina en su honor, parece haber sido planificado desde el principio para tener una serie de 16 grandes frescos entre sus pilastras en el nivel medio, con una serie de retratos pintados de papas sobre ellos.
En 1480, un grupo de artistas de Florencia recibió el encargo de realizar la obra: Botticelli, Pietro Perugino , Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli . Este ciclo de frescos debía representar Historias de la vida de Moisés en un lado de la capilla e Historias de la vida de Cristo en el otro, con frescos que se complementaban entre sí en cuanto a su temática. La Natividad de Jesús y el Hallazgo de Moisés estaban adyacentes en la pared detrás del altar, con un retablo de la Asunción de la Virgen entre ellos. Estas pinturas, todas de Perugino, fueron destruidas más tarde para pintar el Juicio Final de Miguel Ángel .
Los doce cuadros restantes muestran el virtuosismo que estos artistas habían alcanzado y la evidente cooperación entre individuos que normalmente empleaban estilos y habilidades muy diferentes. Las pinturas dieron rienda suelta a sus capacidades, ya que incluían un gran número de figuras de hombres, mujeres y niños y personajes que iban desde ángeles guías hasta faraones enfurecidos y el mismísimo diablo. Cada cuadro requería un paisaje . Debido a la escala de las figuras que acordaron los artistas, en cada cuadro, el paisaje y el cielo ocupan toda la mitad superior de la escena. A veces, como en la escena de Botticelli de La purificación del leproso , hay pequeñas narraciones adicionales que tienen lugar en el paisaje, en este caso Las tentaciones de Cristo .
La escena de Perugino de Cristo entregando las llaves a San Pedro es notable por la claridad y simplicidad de su composición, la belleza de la pintura figurativa, que incluye un autorretrato entre los espectadores, y especialmente la perspectiva del paisaje urbano que incluye una referencia al ministerio de Pedro a Roma por la presencia de dos arcos triunfales y un edificio octogonal colocado centralmente que podría ser un baptisterio cristiano o un mausoleo romano . [7]
Florencia fue la cuna del Alto Renacimiento , pero a principios del siglo XVI los artistas más importantes se trasladaron a Roma, donde empezaron a recibirse los mayores encargos. En parte esto se debió a los Médici, algunos de los cuales llegaron a ser cardenales e incluso papas.
Leonardo , por la amplitud de sus intereses y el extraordinario grado de talento que demostró en tan diversas áreas, es considerado el arquetipo del " hombre del Renacimiento ". Pero fue sobre todo como pintor como fue admirado en su época, y como pintor se nutrió de los conocimientos que obtuvo de todos sus otros intereses. Leonardo era un observador científico. Aprendía mirando las cosas. Estudió y dibujó las flores de los campos, los remolinos del río, la forma de las rocas y las montañas, la forma en que la luz se reflejaba en el follaje y brillaba en una joya. En particular, estudió la forma humana, diseccionando treinta o más cadáveres no reclamados de un hospital para comprender los músculos y los tendones.
Más que ningún otro artista, fue el que adelantó el estudio de la "atmósfera". En sus cuadros, como La Gioconda y La Virgen de las Rocas , utilizó la luz y la sombra con tal sutileza que, a falta de una palabra mejor, se lo conoció como el "sfumato" o "humo" de Leonardo.
Al mismo tiempo que invitaba al espectador a un mundo misterioso de sombras cambiantes, montañas caóticas y torrentes arremolinados, Leonardo alcanzó un grado de realismo en la expresión de la emoción humana, prefigurado por Giotto pero desconocido desde Adán y Eva de Masaccio. La Última Cena de Leonardo , pintada en el refectorio de un monasterio de Milán, se convirtió en el punto de referencia de la pintura narrativa religiosa durante el siguiente medio milenio. Muchos otros artistas del Renacimiento pintaron versiones de la Última Cena , pero solo la de Leonardo estaba destinada a ser reproducida innumerables veces en madera, alabastro, yeso, litografía, tapiz, crochet y alfombras de mesa.
Aparte del impacto directo de las obras en sí, los estudios de Leonardo sobre la luz, la anatomía, el paisaje y la expresión humana se difundieron en parte gracias a su generosidad hacia un séquito de estudiantes. [8]
En 1508, el papa Julio II consiguió que el escultor Miguel Ángel aceptara continuar con el esquema decorativo de la Capilla Sixtina. El techo de la Capilla Sixtina se construyó de tal manera que había doce pechinas inclinadas que sostenían la bóveda y formaban superficies ideales sobre las que pintar a los Doce Apóstoles . Miguel Ángel, que había cedido a las exigencias del papa con poca gracia, pronto ideó un esquema completamente diferente, mucho más complejo tanto en el diseño como en la iconografía. La escala de la obra, que ejecutó con una sola mano salvo por la ayuda manual, fue titánica y tardó casi cinco años en completarse.
El plan del Papa para los Apóstoles habría formado temáticamente un vínculo pictórico entre las narraciones del Antiguo y el Nuevo Testamento en las paredes y los papas en la galería de retratos. [7] Son los doce apóstoles y su líder Pedro como primer obispo de Roma los que forman ese puente. Pero el plan de Miguel Ángel iba en la dirección opuesta. El tema del techo de Miguel Ángel no es el gran plan de Dios para la salvación de la humanidad. El tema trata sobre la desgracia de la humanidad. Trata sobre por qué la humanidad y la fe necesitaban a Jesús. [9]
Superficialmente, el techo es una construcción humanista . Las figuras son de dimensiones sobrehumanas y, en el caso de Adán , de tal belleza que, según el biógrafo Vasari , realmente parece como si Dios mismo hubiera diseñado la figura, en lugar de Miguel Ángel. Pero a pesar de la belleza de las figuras individuales, Miguel Ángel no ha glorificado el estado humano, y ciertamente no ha presentado el ideal humanista del amor platónico . De hecho, los antepasados de Cristo, que pintó alrededor de la sección superior de la pared, muestran todos los peores aspectos de las relaciones familiares, mostrando la disfunción en tantas formas diferentes como familias hay. [9]
Vasari elogió los poderes aparentemente infinitos de invención de Miguel Ángel a la hora de crear posturas para las figuras. Rafael , a quien Bramante le dio una vista previa después de que Miguel Ángel dejara el pincel y se marchara furioso a Bolonia, pintó al menos dos figuras en imitación de los profetas de Miguel Ángel, una en la iglesia de San Agustín y la otra en el Vaticano , su retrato del propio Miguel Ángel en La Escuela de Atenas . [7] [10] [11]
Junto con Leonardo da Vinci y Miguel Ángel , el nombre de Rafael es sinónimo del Alto Renacimiento, aunque era 18 años más joven que Miguel Ángel y casi 30 que Leonardo. No se puede decir de él que hiciera avanzar mucho el estado de la pintura como lo hicieron sus dos famosos contemporáneos. Más bien, su obra fue la culminación de todos los avances del Alto Renacimiento.
Rafael tuvo la suerte de nacer como hijo de un pintor, por lo que su carrera, a diferencia de la de Miguel Ángel, que era hijo de una nobleza menor, se decidió sin peleas. Algunos años después de la muerte de su padre trabajó en el taller umbro de Perugino , siendo un excelente pintor y un técnico soberbio. Su primer cuadro firmado y fechado, ejecutado a la edad de 21 años, es Los esponsales de la Virgen , que revela inmediatamente su origen en El Cristo entregando las llaves a Pedro de Perugino . [12]
Rafael era un personaje despreocupado que se inspiraba sin complejos en las habilidades de los pintores de renombre que vivieron en el mismo período que él. En sus obras se combinan las cualidades individuales de numerosos pintores diferentes. Las formas redondeadas y los colores luminosos de Perugino, los retratos realistas de Ghirlandaio, el realismo y la iluminación de Leonardo y el poderoso dibujo de Miguel Ángel se unificaron en las pinturas de Rafael. En su corta vida realizó una serie de grandes retablos, un impresionante fresco clásico de la ninfa del mar Galatea, retratos excepcionales con dos papas y un famoso escritor entre ellos y, mientras Miguel Ángel pintaba el techo de la Capilla Sixtina , una serie de frescos murales en las cámaras del Vaticano cercanas, de los cuales la Escuela de Atenas es única.
Este fresco representa una reunión de todos los más eruditos de la antigua Atenas, reunidos en un gran escenario clásico alrededor de la figura central de Platón , a quien Rafael ha modelado a partir de Leonardo da Vinci . La figura melancólica de Heráclito , que está sentado junto a un gran bloque de piedra, es un retrato de Miguel Ángel y es una referencia a la pintura de este último del profeta Jeremías en la Capilla Sixtina. Su propio retrato está a la derecha, junto a su maestro, Perugino. [13]
Pero la principal fuente de popularidad de Rafael no fueron sus obras principales, sino sus pequeños cuadros florentinos de la Virgen y el Niño Jesús. Una y otra vez pintó a la misma regordeta mujer rubia de rostro tranquilo y su sucesión de bebés regordetes, siendo el más famoso probablemente La Belle Jardinière ("La Virgen del Hermoso Jardín"), ahora en el Louvre . Su obra más grande, la Madonna Sixtina , utilizada como diseño para innumerables vidrieras , ha llegado, en el siglo XXI, a proporcionar la imagen icónica de dos pequeños querubines que se ha reproducido en todo, desde servilletas de papel hasta sombrillas. [14] [15]
Los primeros manieristas de Florencia, especialmente los estudiantes de Andrea del Sarto , como Jacopo da Pontormo y Rosso Fiorentino , se destacan por sus formas alargadas, poses precariamente equilibradas, una perspectiva colapsada, escenarios irracionales e iluminación teatral. Como líder de la Primera Escuela de Fontainebleau , Rosso fue una fuerza importante en la introducción del estilo renacentista en Francia.
Parmigianino (un estudiante de Correggio ) y Giulio Romano (el ayudante principal de Rafael) se movían en direcciones estéticas igualmente estilizadas en Roma. Estos artistas habían madurado bajo la influencia del Alto Renacimiento, y su estilo ha sido caracterizado como una reacción o una extensión exagerada de éste. En lugar de estudiar la naturaleza directamente, los artistas más jóvenes comenzaron a estudiar la escultura y las pinturas helenísticas de maestros del pasado. Por lo tanto, este estilo fue descrito por el historiador del arte Walter Friedländer como "anticlásico", [16] aunque en ese momento se consideró una progresión natural del Alto Renacimiento. La primera fase experimental del manierismo, conocida por sus formas "anticlásicas", duró hasta aproximadamente 1540 o 1550. [17] Marcia B. Hall , profesora de historia del arte en la Universidad de Temple, señala en su libro Después de Rafael que la muerte prematura de Rafael marcó el comienzo del manierismo en Roma.
Bronzino (fallecido en 1572), alumno de Pontormo, fue principalmente un retratista de la corte de los Médici, en un estilo manierista formal algo frío. En la misma generación, Giorgio Vasari (fallecido en 1574) es mucho más recordado como el autor de las Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos , que tuvieron un efecto enorme y duradero en el establecimiento de la reputación de la Escuela Florentina. Pero fue el principal pintor de pintura histórica en la corte de los Médici, aunque ahora se considera generalmente que su obra se esforzó por alcanzar el impacto que tuvo la obra de Miguel Ángel y no lo logró. Esto se había convertido en un defecto común en la pintura florentina en las décadas posteriores a 1530, ya que muchos pintores intentaron emular a los gigantes del Alto Renacimiento.
En el período barroco , Florencia ya no era el centro de pintura más importante de Italia, pero aun así era importante. Entre los artistas más destacados nacidos en la ciudad y que, a diferencia de otros, pasaron gran parte de sus carreras allí, se encuentran Cristofano Allori , Matteo Rosselli , Francesco Furini y Carlo Dolci . Pietro da Cortona nació en el Gran Ducado de Toscana y realizó muchos trabajos en la ciudad.
