Jack Isaac Clayton [1] (1 de marzo de 1921 - 26 de febrero de 1995) fue un director y productor de cine británico que se especializó en llevar obras literarias a la pantalla.
Clayton comenzó como un adolescente que trabajaba como "chico del té" en un estudio en 1935 y se abrió camino en la industria cinematográfica británica durante una carrera que duró casi sesenta años. Rápidamente ascendió a través de una serie de papeles cada vez más importantes en la producción cinematográfica británica, antes de alcanzar prominencia internacional como director con su debut cinematográfico ganador del Oscar, el drama Room at the Top (1959). A esto le siguió la muy aclamada película de terror The Innocents (1961), basada en Otra vuelta de tuerca de Henry James .
Clayton parecía tener un futuro brillante y era muy apreciado tanto por sus colegas como por los críticos, pero una serie de factores superpuestos obstaculizaron su carrera. Era un director notablemente "selectivo", que según él mismo admitió "nunca hizo una película que no quisiera hacer", y rechazó repetidamente películas (incluida Alien ) que se convirtieron en éxitos para otros directores. También estuvo acosado por la mala suerte y el mal momento: los estudios de Hollywood lo etiquetaron como difícil, y la política de los estudios anuló una serie de películas planeadas en la década de 1970, que se le quitaron de las manos o se cancelaron en las etapas finales de preparación. En 1977, sufrió un doble golpe: su película actual fue cancelada solo dos semanas antes de que comenzara el rodaje, y unos meses después sufrió un derrame cerebral grave que lo privó de la capacidad de hablar y puso su carrera en suspenso durante cinco años.
A pesar de su obra relativamente pequeña , las películas de Jack Clayton continúan siendo apreciadas, y tanto ellos como su director han sido ampliamente admirados y elogiados por los principales críticos de cine como Pauline Kael y Roger Ebert , y por pares de la industria cinematográfica como Harold Pinter , Martin Scorsese , Guillermo del Toro , François Truffaut , Tennessee Williams y Steven Spielberg .
Nacido en Brighton , [2] Clayton comenzó su carrera como actor infantil en la película Dark Red Roses (1929). [3] Abandonando su aspiración anterior de convertirse en patinador de velocidad, [4] se unió a los Denham Film Studios de Alexander Korda en 1935 a la edad de 14 años, [5] y ascendió de chico de té a asistente de dirección y editor de películas.
A finales de los años 30, Clayton trabajó en muchas películas británicas notables, incluida la primera película británica en Technicolor Wings of the Morning (1937), y trabajó con directores estadounidenses invitados, incluidos Thornton Freeland en Over the Moon (1939) y Tim Whelan en Q Planes (1939). Como segundo asistente de dirección, coordinó las tres unidades de rodaje de la lujosa fantasía en Technicolor de Korda El ladrón de Bagdad (1940), habiendo trabajado previamente con el codirector de Thief Michael Powell en la famosa "serie de cuotas rápidas" The Spy in Black (1939). También adquirió una invaluable experiencia de edición ayudando a David Lean , quien fue el editor (y director no acreditado) de la adaptación cinematográfica de Major Barbara (1941) de Shaw. [4]
Mientras prestaba servicio en la unidad cinematográfica de la Royal Air Force durante la Segunda Guerra Mundial, Clayton filmó su primera película, el documental Naples is a Battlefield (1944), que representa los problemas en la reconstrucción de Nápoles , la primera gran ciudad liberada en la Segunda Guerra Mundial, arruinada tras los bombardeos aliados y la destrucción causada por los nazis en retirada. Después de la guerra, fue director de segunda unidad en Bond Street (1948) de Gordon Parry y director de producción en Un marido ideal (1947) de Korda. [4] Clayton se casó con la actriz Christine Norden en 1947, pero se divorciaron en 1953. A principios de la década de 1950, Clayton se convirtió en productor asociado, trabajando en varias de las producciones de Romulus Films de John y James Woolf , incluidas Moulin Rouge (1952) y Beat the Devil (1953), ambas dirigidas por John Huston . Fue durante la realización de Moulin Rouge que Clayton conoció a su segunda esposa, la actriz francesa Katherine Kath (nacida Lilly Faess), que interpretó a la legendaria bailarina de cancán " La Goulue " en la película; se casaron en 1953, después del divorcio de Clayton de Norden, pero el matrimonio duró poco. También fue durante este período que Clayton conoció a la estrella británica en ascenso Laurence Harvey , con quien trabajó tanto en The Good Die Young (1954) como en I Am a Camera (1955).
Clayton dirigió su segunda película, el cortometraje ganador del Oscar The Bespoke Overcoat (1956) para Rómulo. Basada en la versión teatral de Wolf Mankowitz (1953) del cuento de Nikolai Gogol The Overcoat (1842), la historia de Gogol en la película se traslada a un almacén de ropa en el East End de Londres y el protagonista fantasmal es un judío pobre.
Clayton también trabajó como productor en una serie de farsas cinematográficas durante 1956, incluyendo Tres hombres en un bote (nuevamente con Laurence Harvey), seguida por el thriller The Whole Truth , protagonizado por Stewart Granger como productor de cine. [4]
Con financiación de Romulus Films, Clayton dirigió su primer largometraje, un crudo drama social contemporáneo adaptado de la novela de John Braine . Aunque fue la primera y única ocasión en la que Clayton se hizo cargo de un proyecto de otro director (en este caso Peter Glenville ), Room at the Top (1959) fue un éxito tanto de crítica como comercial. Estableció a Clayton como uno de los directores más importantes de su época, convirtió en estrella internacional al actor principal Laurence Harvey , ganó una serie de premios en los principales festivales de cine y fue nominado a seis Oscar (incluido el de Mejor Director), con Simone Signoret ganando el de Mejor Actriz y el guionista Neil Paterson ganando el de Mejor Guion (Basado en Material de Otro Medio). Una dura crítica al sistema de clases británico , a la que se le atribuye haber encabezado el movimiento británico hacia el realismo en las películas, inauguró una serie de películas realistas conocidas como la Nueva Ola Británica , que incluían, para esa época, tratamientos inusualmente sinceros de las costumbres sexuales e introdujeron una nueva madurez en el cine británico, abriendo nuevos caminos como el primer largometraje británico que abordaba abiertamente el sexo.
Tras el éxito de su debut cinematográfico, a Clayton le ofrecieron muchos proyectos de prestigio, pero los rechazó todos, comentando más tarde que sentía que eran "copias al carbón" de Room at the Top . Entre los títulos que rechazó (según el biógrafo Neil Sinyard) estaban Sons and Lovers ( Jack Cardiff ), Saturday Night and Sunday Morning ( Karel Reisz ) y The L-Shaped Room ( Bryan Forbes ), todos los cuales se convirtieron en grandes éxitos para sus respectivos directores. El editor de cine Jim Clark , que trabajaría con Clayton en sus siguientes dos películas, ofreció una interpretación alternativa: afirmó que "la incapacidad de Clayton para tomar una decisión era legendaria" y que por eso tardó tanto en decidir su próxima película. [6]
Clayton, que marcó un patrón que se prolongó durante el resto de su carrera, adoptó un rumbo completamente diferente con su segundo largometraje, en el que fue productor y director. La historia de fantasmas de época The Innocents (1961) sobre el descenso de una mujer a la locura fue adaptada por Truman Capote a partir del clásico cuento de Henry James The Turn of the Screw , que Clayton había leído por primera vez cuando tenía 10 años. Por una afortunada coincidencia, Clayton fue contratado para hacer otra película para 20th Century Fox, al igual que la actriz Deborah Kerr , a quien Clayton admiraba desde hacía mucho tiempo, por lo que pudo elegir a Kerr para el papel principal como Miss Giddens, una solterona reprimida que acepta un trabajo en una gran y remota casa de campo inglesa; allí, trabajando como institutriz de un hermano y una hermana huérfanos, Giddens gradualmente llega a creer que sus jóvenes a su cargo están poseídos por espíritus malignos.
La película ha recibido constantemente grandes elogios en muchos aspectos: la actuación de Kerr, que a menudo se califica como una de las mejores de su carrera; las inquietantes actuaciones de los dos protagonistas juveniles, Martin Stephens (Miles) y Pamela Franklin (Flora); la inquietante banda sonora del compositor francés Georges Auric ; y especialmente la cinematografía en blanco y negro de pantalla ancha de Freddie Francis . Aunque Clayton inicialmente se sintió consternado por la insistencia de Fox en que la película se filmara en CinemaScope (un formato que le disgustaba mucho), Francis pudo aprovecharlo con gran ventaja, encuadrando cuidadosamente cada escena y utilizando técnicas innovadoras, como colocar a los protagonistas en los bordes opuestos de la pantalla durante las escenas de diálogo, o enfocarse en la región central mientras se usan filtros especialmente hechos para difuminar los bordes del marco, creando una sensación sutil pero inquietante de inquietud en el espectador. El guion de Capote (con contribuciones no acreditadas de John Mortimer ) fue principalmente una adaptación de la versión teatral de la historia de William Archibald .
Aunque no fue un gran éxito comercial, recibió críticas muy positivas en su estreno y su reputación ha crecido de manera constante a lo largo de los años. Pauline Kael la elogió como "una de las películas de fantasmas más elegantemente hermosas jamás realizadas", y en su estreno, el crítico del Daily Express Leonard Mosley elogió: "Han pasado al menos 20 años desde que me senté en un cine y sentí que se me erizaba la piel de la nuca por pura tensión nerviosa, pero sentí esa sensación espeluznante una vez más esta semana. Me aterrorizó una película en la que no se derrama sangre visiblemente y no se cavan tumbas". Tanto Francis como Capote calificaron posteriormente su trabajo en la película como el mejor de sus respectivas carreras cinematográficas, y ha sido ampliamente aclamada como un clásico del terror psicológico por muchos directores importantes. François Truffaut , al ver a Clayton en un restaurante, le envió una nota, garabateada en una servilleta, que decía: " Los inocentes es la mejor película inglesa después de Hitchcock va a América". [7]
The Pumpkin Eater (1964) contó con un guion del destacado dramaturgo británico Harold Pinter , adaptado de la novela de Penelope Mortimer , y la fotografía del colega de Clayton de toda la vida, Oswald Morris , con quien había trabajado en muchos proyectos durante sus días con Romulus Films; también marcó la primera de cinco colaboraciones entre Clayton y el compositor francés Georges Delerue , y una aparición cinematográfica de la estrella en ascenso Maggie Smith . Un drama psicosexual, ambientado en el Londres contemporáneo, examinaba un matrimonio en crisis, con Anne Bancroft protagonizando a una mujer de mediana edad adinerada que se distancia de su marido infiel y emocionalmente distante, un autor exitoso ( Peter Finch ). Al igual que sus dos predecesoras, la película fue ampliamente aclamada por la crítica: Harold Pinter ganó el premio BAFTA de 1964 al mejor guion británico, y Anne Bancroft ganó tanto el premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Cannes como el premio BAFTA a la mejor actriz extranjera, y también fue nominada a mejor actriz en la 37.ª edición de los premios de la Academia (perdiendo ante Julie Andrews). En el competente reparto secundario, Yootha Joyce , como una joven psicótica sentada frente a Bancroft bajo los secadores de pelo, ofreció una actuación que el biógrafo de Clayton ha calificado como una de las "mejores miniaturas de actuación cinematográfica que uno podría esperar ver". [8]
A pesar de los elogios de la crítica, la película no logró conectar con el público y Clayton expresó más tarde la opinión de que, como varios de sus otros proyectos, la película fue víctima de un "mal momento".
Aunque el editor de cine Jim Clark recordó la producción como una experiencia en gran medida feliz, marcó el final de su relación laboral con Clayton. Después de una proyección en Cannes, Clayton decidió cortar cinco minutos de la película y, aunque Clark se opuso, Clayton finalmente tomó la mayor parte del metraje de la escena fundamental en la que el personaje de Anne Bancroft tiene una crisis nerviosa en medio de Harrods . Clark confió en privado sus dudas a la asistente de Clayton, Jeanie Sims, pero más tarde sospechó que Sims podría haberle dicho a Clayton, porque después de que Clark comenzó a trabajar en su próxima película, recibió una carta mordaz, aparentemente de Clayton, que culpó a Clark por el fracaso de la película y afirmó que "nunca había estado detrás del proyecto", aunque Clark sospechaba que la carta podría no haber sido escrita por Clayton en absoluto, ya que estaba mecanografiada y Clayton "nunca usó una máquina de escribir". [9]
El cuarto largometraje de Clayton, y el primero en color, fue un drama psicológico poco convencional sobre una familia de niños que ocultan el hecho de que su madre soltera ha muerto y siguen viviendo en su casa. Aunque fue un fracaso comercial, recibió una crítica entusiasta de Roger Ebert en su estreno y le valió a su estrella Dirk Bogarde una nominación al BAFTA como Mejor Actor. Steven Spielberg expresó más tarde una gran admiración por la película. [5] Fue una adaptación de la novela de Julian Gloag , que Clayton había conocido gracias a su amigo, el escritor canadiense Mordecai Richler . El novelista Jeremy Brooks escribió el guion, con algunas revisiones realizadas por la tercera esposa de Clayton, la actriz Haya Harareet . Contó con fuertes actuaciones de Bogarde (quien describió la producción como una de las experiencias más felices de su carrera) y del elenco de siete actores infantiles, que incluía a Pamela Franklin (Flora de The Innocents ), Sarah Nicholls (que había aparecido previamente en The Pumpkin Eater , más tarde conocida como Phoebe Nicholls ), [10] y Mark Lester , quien más tarde apareció en el papel principal de Oliver!. La hija de Jeremy Brooks, Margaret Brooks (más tarde conocida como Margaret Leclere) también fue elegida, junto con varios otros actores infantiles sin formación. La elegante banda sonora fue compuesta nuevamente por Georges Delerue, aunque él y Clayton no volverían a trabajar juntos hasta quince años después. A pesar de su alta calidad y buenas críticas, la película volvió a no conectar con el público, y Neil Sinyard sugiere que su desempeño en taquilla se vio obstaculizado por el hecho de que recibió un certificado "X" en el Reino Unido, restringiendo la película a audiencias mayores de 16 años. Posteriormente, Clayton sufrió una serie de reveses en su carrera que le impidieron hacer otra película hasta 1974.
La única película que Clayton pudo completar entre 1968 y 1982 fue su producción de alto perfil en Hollywood de El gran Gatsby (1974) de F. Scott Fitzgerald . La producción más grande y más cara de la carrera de Clayton, la película tenía todos los ingredientes del éxito: producida por la leyenda de Broadway David Merrick , contaba con un guion de Francis Ford Coppola , fotografía de Douglas Slocombe , música de Nelson Riddle , dos de las mayores estrellas de la época, Robert Redford y Mia Farrow , y un poderoso elenco de apoyo que incluía a Bruce Dern , Karen Black , Sam Waterston , Scott Wilson , Lois Chiles y el veterano de Hollywood Howard Da Silva , que también había aparecido en la versión de 1949 de la película.
Según Neil Sinyard, fue la actriz Ali MacGraw quien sugirió la nueva versión de Gatsby (con ella en el papel de Daisy) a su entonces marido Robert Evans , jefe de producción de Paramount, y Clayton fue supuestamente la primera opción de MacGraw como director. Sin embargo, cuando se confirmó la película, MacGraw había dejado a Evans por Steve McQueen . Aunque fue muy publicitada, lamentablemente no le fue bien con los críticos, [5] cuyas reacciones fueron ejemplificadas por Vincent Canby en The New York Times :
Canby también criticó el casting de Robert Redford ("no fue una elección ideal") y concluyó su reseña desestimando la película como "frívola sin ser muy divertida". [11] Los críticos también apuntaron a una supuesta falta de "química" entre sus dos protagonistas, una opinión sin duda alimentada por los comentarios de la propia Farrow, quien posteriormente reveló que le resultó difícil establecer una relación con su coprotagonista, que estaba obsesionado con el drama de la vida real que se desarrollaba en el escándalo de Watergate y que, cuando no estaba frente a la cámara, pasaba casi todo el tiempo en su tráiler, viendo la cobertura de las audiencias de Watergate en la televisión.
Irónicamente, a pesar de las malas críticas, la película tuvo un buen desempeño en taquilla y se convirtió en una de las películas de mayor éxito comercial de Clayton, recaudando más de 26 millones de dólares frente a su presupuesto de 6,5 millones. También le fue bien en los principales premios de la industria, ganando dos Oscar ese año (Mejor diseño de vestuario para Theoni V. Aldredge y Mejor música para Nelson Riddle), tres premios BAFTA (Mejor dirección artística para John Box, Mejor fotografía para Douglas Slocombe y Mejor diseño de vestuario para Theoni V. Aldredge), así como el Globo de Oro a la mejor actriz de reparto para Karen Black y otras tres nominaciones al Globo de Oro, a Mejor actor de reparto (Bruce Dern y Sam Waterston) y Revelación más prometedora (Sam Waterston).
Tennessee Williams , en su libro Memorias (p. 178), escribió: “Me parece que muchas de mis historias, así como mis actos individuales, proporcionarían material interesante y provechoso para el cine contemporáneo, si se confiaran a… maestros cinematográficos de la dirección como Jack Clayton, que hizo de El gran Gatsby una película que incluso superó, creo, la novela de Scott Fitzgerald”. [12] [13]
Clayton volvió a dirigir después de una pausa prolongada a la que se vio obligado por el derrame cerebral que sufrió en 1977. Su nueva película era otro proyecto de ensueño que se originó más de veinte años antes, pero que no había podido hacer realidad. Incluso antes de que llegara a manos de Clayton, la versión cinematográfica de Something Wicked This Way Comes de Ray Bradbury tenía una historia accidentada. Bradbury escribió el cuento original en 1948 y en 1957 (según se informa, después de ver Singin' in the Rain unas 40 veces), Bradbury lo adaptó a una versión cinematográfica de 70 páginas y se lo presentó como regalo a Gene Kelly . Clayton evidentemente conoció a Bradbury alrededor de 1959 y expresó su interés en dirigir la película, pero Kelly no pudo recaudar el dinero para producirla. Bradbury posteriormente amplió el tratamiento a la versión en novela de la historia, que se publicó en 1962. [14]
Según una entrevista del New York Times de 1983 con Bradbury, él y Clayton se reencontraron y revivieron el proyecto gracias a un par de encuentros fortuitos. En 1969, mientras caminaba por Beverly Hills , Bradbury conoció a Peter Douglas (el hijo del actor Kirk Douglas ), que esperaba convertirse en productor de películas; le preguntó a Bradbury si tenía algún guion adecuado y Bradbury sugirió Something Wicked . Casualmente, Clayton estaba almorzando con Kirk Douglas el mismo día, y cuando Douglas le preguntó al director sobre películas que le gustaría hacer, Clayton también mencionó Something Wicked This Way Comes . Peter y Kirk Douglas luego adquirieron los derechos del libro y Bradbury pasó cinco meses editando su difícil guion de 240 páginas a unas 120 páginas más factibles. El guion fue aprobado para producción por Paramount, pero en este punto cayó en la lucha de poder entre el jefe de producción de Paramount, David Picker y el nuevo presidente del estudio , Barry Diller . Según el relato de Bradbury, a Picker le encantaba el guion, pero Diller "odiaba todo lo que le gustaba a Picker", por lo que ordenó que se suspendiera la producción. [14] Clayton admitió más tarde que estaba tan furioso por la decisión de Diller que le dio un puñetazo en la ventana de una oficina de Paramount. [15]
A principios de los años 80, después de que Clayton se recuperara de su derrame cerebral, Peter Douglas pudo vender el proyecto a los estudios Disney, y Clayton volvió a ser director. Desafortunadamente, la película estuvo plagada de problemas durante su producción. Clayton y Bradbury supuestamente se pelearon después de que el director contratara al escritor británico John Mortimer para una reescritura del guion sin acreditarlo. Clayton hizo la película como un thriller oscuro, en el que volvió a temas que había explorado en películas anteriores: lo sobrenatural y la exposición de los niños al mal.
Cuando presentó su corte original, el estudio expresó fuertes reservas sobre su duración y ritmo, así como sobre su potencial comercial, y Disney tomó la inusual decisión de retrasar el estreno de la película durante casi un año. Clayton fue supuestamente apartado (aunque mantuvo su crédito como director) y Disney pasó seis meses adicionales y unos 5 millones de dólares renovándola, realizando numerosos cortes, eliminando la banda sonora original (para hacerla más "familiar") y filmando nuevas escenas (en algunas de las cuales, debido al largo retraso causado por las nuevas tomas, las dos estrellas infantiles eran notablemente mayores y más altas). Según el catálogo del American Film Institute , la fotografía principal de la película tuvo lugar entre el 28 de septiembre y diciembre de 1981, con secuencias adicionales filmadas a fines de 1982 y principios de 1983. [16]
La versión de la película estrenada a finales de abril de 1983 fue un compromiso entre la insistencia de Disney en una película comercial con atractivo "familiar" y la visión original y más oscura de la historia de Clayton. Para reducir los costes, el editor, Argyle Nelson Jr, fue despedido y el editor asistente Barry Gordon fue ascendido para reemplazarlo (lo que resultó en el crédito de editor doble de la película). Gordon recibió la tarea de reeditar la película y, por insistencia de Disney, eliminó algunas de las escenas de Clayton. La víctima más destacada fue la secuencia de animación generada por computadora pionera que debía haber abierto la película, que mostraba el tren vacío que transportaba al Carnaval de Dark llegando a la ciudad y desplegándose mágicamente en su lugar. La secuencia tan anunciada (que se discutió en detalle en una edición de 1982 de Cinefantastique ) habría sido el primer uso significativo de la nueva tecnología en una gran película de Hollywood, pero en el corte final, solo se mantuvo una breve toma CGI. Otra secuencia de Clayton que fue eliminada presentaba una mano gigante incorpórea que se metía en la habitación de los chicos y trataba de agarrarlos; el estudio la eliminó con el argumento de que el efecto mecánico no era lo suficientemente realista y se reemplazó con una nueva secuencia en la que la habitación de los chicos es invadida por arañas. (En 2012, el coprotagonista Shawn Carson recordó la desgarradora experiencia de tener que filmar la nueva escena, que se hizo utilizando arañas reales). Se le pidió a Bradbury que escribiera una nueva narración de apertura (leída por Arthur Hill ) para ayudar a aclarar la historia y se insertaron nuevos efectos especiales, incluidos los efectos de tormenta del "tanque de nubes".
Otra gran decepción para Clayton y su colaborador musical Georges Delerue fue la pérdida de la banda sonora original, que Disney rechazó por ser "demasiado oscura", y fue reemplazada por una nueva, escrita por James Horner . La banda sonora de Delerue (que el compositor consideraba la mejor de la música que escribió para películas de Hollywood) permaneció inédita en las bóvedas de Disney hasta 2011, cuando el estudio inusualmente dio permiso para que el sello francés Universal publicara 30 minutos de extractos, de los 63 minutos originales de grabaciones de estudio en un CD de edición limitada (junto con extractos de otra banda sonora de Delerue sin usar, para Regarding Henry de Mike Nichols ).
El último largometraje de Clayton fue The Lonely Passion of Judith Hearne (1987), una película británica que había presentado originalmente en 1961. Adaptada de su propia novela de Brian Moore , estaba protagonizada por Maggie Smith como una solterona que lucha con el vacío de su vida, y nuevamente contaba con una banda sonora de Georges Delerue. Le valió a Clayton elogios de la crítica por primera vez en muchos años, y su ex colaborador Larry McMurtry describió la película como "el mejor trabajo de Brian Moore, y quizás también de Jack Clayton". [17]
Clayton se reunió con Maggie Smith y Georges Delerue en 1992 para lo que sería su último proyecto cinematográfico y su primera comedia: una adaptación televisiva de largometraje de la BBC de Memento Mori , basada en la novela de Muriel Spark , para la que también coescribió el guion y otro proyecto que había cuidado desde que leyó la historia por primera vez, mientras hacía Room at the Top . Con un elenco fuerte que incluía a Smith, Michael Hordern y Thora Hird , Memento Mori expresaba meditaciones tranquilas y conmovedoras sobre la decepción y el envejecimiento. Se emitió en abril de 1992, solo un mes después de que Georges Delerue muriera en Hollywood, a los 67 años. Según Neil Sinyard [18] Clayton finalmente se animó a hacer la película después del éxito de Paseando a Miss Daisy , "que demostró que el tema de la vejez no tiene por qué ser veneno de taquilla". Clayton logró presentarlo a la BBC, que estaba abierta a un proyecto de este tipo tras sus recientes éxitos con películas "hechas para televisión" como Truly Madly Deeply y Enchanted April . También se mostró en festivales de todo el mundo, donde tuvo una buena acogida, y ganó varios premios, incluido un premio al mejor guion del Writers' Guild of Great Britain .
A pesar de su gran reconocimiento por parte de la crítica, Clayton se enfrentó a repetidos reveses en su carrera tras el estreno de Our Mother's House y durante la década y media que transcurrió entre el estreno de Our Mother's House (1967) y Something Wicked This Way Comes (1983), sólo pudo completar un largometraje como director, El gran Gatsby (1974). Una de las razones fue el propio perfeccionismo de Clayton como cineasta; era conocido por su discernimiento y gusto, su enfoque minucioso y minucioso de su trabajo y su deseo de no repetirse, y en palabras de su biógrafo, Clayton "nunca hizo una película que no quisiera hacer". [19] En consecuencia, rechazó muchas películas notables a raíz de Room at the Top . En 1969, a pesar de su amor por el libro, rechazó la oportunidad de dirigir They Shoot Horses, Don't They? porque no quería hacerse cargo de una película que ya había sido preparada y elegida, y estaba lista para rodar, aunque su decisión abrió una oportunidad de hacer carrera para su reemplazo, Sydney Pollack . [19] Más tarde aún, en 1977, rechazó la oportunidad de dirigir la película que finalmente se hizo como Alien de Ridley Scott .
La producción de Clayton también se vio comprometida por el riesgo inherente al negocio cinematográfico. Como explica su biógrafo Neil Sinyard, Clayton trabajó intensamente en muchos proyectos a lo largo de su carrera como director, pero por diversas razones la mayoría nunca se materializaron. Entre los proyectos que Clayton nunca pudo llevar a la gran pantalla, o que finalmente fueron realizados por otros directores, se encuentran:
Otro factor que complicó la carrera de Clayton fue que varios proyectos cinematográficos se cancelaron sin previo aviso cuando la preproducción estaba muy avanzada; en un caso, sólo dos semanas antes de que se hubiera iniciado el rodaje. Neil Sinyard menciona tres proyectos importantes, Casualties of War , Fall Creek y Silence , cuyos fracasos sucesivos supuestamente devastaron a Clayton, y el propio Clayton opinó más tarde que estos reveses contribuyeron a sus problemas de salud posteriores:
En 1977, como compensación por la cancelación de Silencio , Fox le ofreció a Clayton la oportunidad de filmar un nuevo guion de ciencia ficción co-acreditado a David Giler y Dan O'Bannon , pero Clayton rechazó la película ( Alien ), y finalmente se le dio a Ridley Scott quien, como Sydney Pollack antes que él, logró un éxito que hizo carrera. Unos meses después, Clayton sufrió un derrame cerebral importante que lo privó de la capacidad de hablar. Su esposa Haya y un grupo de amigos cercanos lo ayudaron a recuperarse, pero más tarde reveló que mantuvo deliberadamente en secreto su condición porque temía no volver a conseguir trabajo si se conocía su aflicción. [21] No se comprometió con otra asignación durante cinco años.
Cuando se le preguntó sobre su religión, respondió: "ex católico". Clayton se casó tres veces, la primera fue con la actriz Christine Norden en 1947, pero se divorciaron en 1953; el mismo año se casó nuevamente con la actriz francesa Katherine Kath , pero esta relación duró poco. Su tercer matrimonio, en 1984, fue con la actriz israelí Haya Harareet , y duró hasta su muerte. Clayton murió en el hospital de Slough , Inglaterra, de un ataque cardíaco, luego de una corta enfermedad, el 25 de febrero de 1995. [1]
En el primer aniversario de la muerte de Clayton, la BAFTA celebró una ceremonia para celebrar su vida y su carrera, que incluyó la proyección de The Bespoke Overcoat y una interpretación de flauta solista de la banda sonora de Something Wicked This Way Comes de Delerue , que era una de las favoritas de la esposa de Clayton, Haya. Los homenajes fueron pronunciados por Sir John Woolf , Harold Pinter, Karel Reisz , Freddie Francis , el editor de Clayton Terry Rawlings , su agente Robert Shapiro y los actores Sam Waterston y Scott Wilson , con quienes había trabajado en El gran Gatsby . En su homenaje profesional a Clayton, Harold Pinter dijo:
Su ex colega Jim Clark tuvo su gran oportunidad gracias a Clayton, que lo contrató como editor de The Innocents . Se hicieron amigos íntimos (y compañeros de copas habituales) durante la realización de esa película. En sus memorias de 2010, Dream Repairman , Clark ofreció una serie de reflexiones sobre su relación personal y profesional, así como sobre los rasgos de personalidad a menudo contradictorios que exhibía el director, a quien recordaba como "una personalidad muy compleja. El puño de hierro en el guante de terciopelo".
Clark dijo que, aunque a menudo era encantador, Clayton podía ser temperamental y, a veces, propenso a estallidos de ira extrema. Contó un incidente en el que Sims llegó inevitablemente tarde a llamar a Clayton con las críticas de la proyección de los críticos previa al estreno de The Innocents . Cuando Sims finalmente se puso en contacto con él, Clayton (que había estado demasiado nervioso para asistir) supuestamente montó en cólera, reprendiendo brutalmente a Sims por teléfono, y cuando Clark llegó a la oficina del estudio de Clayton a la mañana siguiente, descubrió que Clayton había destrozado por completo una gran maqueta de yeso de Bly House y se negaba a hablar con ellos. Aunque Clark trabajó con Clayton tanto en The Innocents como en The Pumpkin Eater , su relación laboral y amistad terminaron efectivamente después de la última película, después de que Clayton aparentemente le enviara a Clark una carta mordaz culpándolo por el fracaso de la película. Los dos se volvieron a encontrar en los estudios Paramount en Hollywood, mientras Clayton estaba trabajando en El gran Gatsby , durante la cual (según Clark):