Catalina de Médicis fue una mecenas de las artes que realizó una importante contribución al Renacimiento francés . Catalina se inspiró en el ejemplo de su suegro, el rey Francisco I de Francia (reinó entre 1515 y 1547), que había acogido a los principales artistas de Europa en su corte. De joven, presenció de primera mano el florecimiento artístico estimulado por su mecenazgo. [1] Como gobernadora y regente de Francia, Catalina se propuso imitar la política de magnificencia de Francisco. En una época de guerra civil y de decadencia del respeto por la monarquía, intentó reforzar el prestigio real mediante una suntuosa exhibición cultural.
Tras la muerte de su marido, Enrique II , en 1559, Catalina gobernó Francia en nombre de sus hijos pequeños, el rey Francisco II (1559-1560) y el rey Carlos IX (1560-1574). Una vez en control del erario real, puso en marcha un programa de mecenazgo artístico que duró tres décadas. Continuó empleando a artistas e intérpretes italianos, incluido el artista-arquitecto Primaticcio . Sin embargo, en la década de 1560, una ola de talento local, formado e influenciado por los maestros extranjeros traídos a Francia por Francisco, pasó a primer plano. Catalina patrocinó a estos nuevos artistas y presidió una distintiva cultura del Renacimiento francés tardío. Surgieron nuevas formas en la literatura, la arquitectura y las artes escénicas. [2] Al mismo tiempo, como sugiere la historiadora del arte Alexandra Zvereva, Catalina se convirtió en una de las grandes coleccionistas de arte del Renacimiento . [3]
Aunque Catalina gastó sumas ruinosas en las artes, la mayor parte de su mecenazgo no tuvo un efecto duradero. El fin de la dinastía Valois poco después de su muerte trajo consigo un cambio de prioridades. Sus colecciones se dispersaron, sus palacios se vendieron y sus edificios quedaron inacabados o fueron destruidos más tarde. Donde Catalina había dejado su impronta fue en la magnificencia y originalidad de sus famosos festivales de la corte . Los ballets y óperas actuales están lejanamente relacionados con las producciones de la corte de Catalina de Médici. [4]
Un inventario realizado en el Hôtel de la Reine después de la muerte de Catalina de Médici muestra que era una entusiasta coleccionista de arte y curiosidades. Las obras de arte incluían tapices , mapas dibujados a mano, esculturas y cientos de cuadros, muchos de ellos de Côme Dumoûtier y Benjamin Foulon, los últimos pintores oficiales de Catalina. Había ricas telas, muebles de ébano con incrustaciones de marfil , juegos de porcelana (probablemente del taller de Bernard Palissy ) y cerámica de Limoges . Las curiosidades incluían abanicos, muñecas, ataúdes, juegos, objetos piadosos, un camaleón disecado y siete cocodrilos disecados. [5]
En el momento de la muerte de Catalina en 1589, la dinastía Valois se encontraba en una crisis terminal; se extinguió con la muerte de Enrique III sólo unos meses después. Las propiedades y pertenencias de Catalina fueron vendidas para pagar sus deudas y dispersadas sin demasiada ceremonia. Ella había esperado una posteridad muy diferente. En 1569, el embajador veneciano la había identificado con sus antepasados Medici : "Se reconoce en la reina el espíritu de su familia. Desea dejar un legado detrás de ella: edificios, bibliotecas, colecciones de antigüedades". [3] A pesar de la destrucción, pérdida y fragmentación del patrimonio de Catalina, una colección de retratos que anteriormente estaban en su posesión se ha reunido en el Museo Condé, Château de Chantilly .
La moda de los dibujos de retratos se intensificó durante la vida de Catalina de Médici, y es posible que ella considerara parte de su colección como el equivalente al álbum de fotografías familiar de hoy. A Catalina le encantaba que pintaran a sus hijos: "Me gustaría", escribió en 1547 al gobernador de sus hijos, Jean d'Humières, "tener cuadros de todos los niños hechos... y que me los envíen, sin demora, tan pronto como estén terminados". [6] Sin embargo, los cuadros más formales incluyen una gran proporción de retratos de reyes y reinas europeos, pasados y presentes, la mayoría de los cuales probablemente encargó personalmente. [7] El 3 de julio de 1571, Catalina escribió a Monsieur de la Mothe-Fénelon, embajador en Londres, hablando del trabajo de François Clouet y solicitando un retrato de la reina Isabel . Catalina dio instrucciones detalladas: «Os ruego que me hagáis el favor de que pronto pueda tener un cuadro de la reina de Inglaterra de pequeño volumen, en gran [ de la grandeur ], y que esté bien retratado y hecho del mismo modo que el que me envió el conde de Leicester, y os pido, como ya tengo uno de frente, que sea mejor que esté girada hacia la derecha». [8] El gran grupo de retratos de la colección de Catalina, ahora en el Museo Condé, Château de Chantilly , revela su pasión por el género. [9] Estos incluyen retratos de Jean Clouet (1480-1541) y de su hijo François Clouet (c. 1510-1572). Jean dibujó y pintó en el estilo del Alto Renacimiento italiano, pero en los retratos de François, se aprecia un naturalismo del norte de Europa y una técnica más plana y meticulosa. [10]
François Clouet dibujó y pintó retratos de toda la familia de Catalina, así como de muchos miembros de la corte. Sus dibujos han sido calificados de profundos, debido a su precisión y armonía de formas y su penetración psicológica. [12] Esta tradición del retrato de corte fue continuada por Jean Decourt , Étienne, Côme y Pierre Dumoûtier, y por los menos pulidos Benjamin Foulon (sobrino de François Clouet) y François Quesnel . Los dos últimos artistas, además de otro conocido como "Anonyme Lécurieux" , tendieron a utilizar una técnica más estilizada, produciendo retratos más planos, con menos modelado tridimensional. [13] Después de la muerte de Catalina de Médici, se produjo un declive en la calidad del retrato; y en 1610, la escuela nativa patrocinada por la corte de Valois y llevada a su apogeo por François Clouet casi había desaparecido, y el Borbón pasó a depender de artistas extranjeros. [14]
Se sabe poco sobre la pintura de la corte de Catalina de Médici. [15] En las dos últimas décadas de la vida de Catalina, solo dos pintores destacan como personalidades reconocibles, Antoine Caron y Jean Cousin el Joven . La mayoría de las pinturas y dibujos de retratos que han sobrevivido del último período de Valois siguen siendo difíciles o imposibles de atribuir a artistas particulares.
Antoine Caron se convirtió en pintor de Catalina de Médici después de trabajar en Fontainebleau a las órdenes de Primaticcio . Su vívido estilo manierista , con su amor por el ceremonial y la alegoría , quizá refleje la atmósfera peculiarmente neurótica de la corte francesa durante las Guerras de religión . [16] Adoptó de Niccolò dell'Abbate la técnica de las figuras alargadas y retorcidas, colocándolas en espacios dominados por fragmentos fantásticos de arquitectura tomados de los dibujos de Jacques Androuet du Cerceau y pintados en sorprendentes contrastes de arcoíris. El efecto hace que las figuras de Caron con cabezas de alfiler parezcan diminutas y perdidas en los paisajes. [17]
Muchas de las pinturas de Caron, como las de Los triunfos de las estaciones , son de temas alegóricos que evocan las festividades por las que la corte de Catalina era famosa. Sus diseños para los tapices de Valois representan las fiestas , picnics y batallas simuladas de los entretenimientos "magníficos" por los que Catalina era famosa. [18] Caron a menudo pintó escenas de masacres, reflejando el trasfondo de la guerra civil que ensombrecía la magnificencia de la corte. Caron también pintó temas astrológicos y proféticos , como Astrólogos estudiando un eclipse y Augusto y la sibila . Este tema puede haber sido inspirado por la obsesión de Catalina de Médici con los horóscopos y las predicciones. [17]
Jean Cousin, a juzgar por los elogios de la época a su obra, puede haber sido tan respetado en su época como Caron. Las cuentas reales muestran grandes pagos realizados a Cousin: estuvo entre quienes decoraron París para la entrada de Enrique II como rey . Sin embargo, poco de su obra sobrevive. Su obra más importante que sobrevive es El Juicio Final en el Louvre , que, al igual que el arte de Caron, representa a seres humanos empequeñecidos por el paisaje y, en palabras de Blunt, "obligados a pulular sobre la tierra como gusanos". [17]
En el inventario realizado tras la muerte de Catalina faltaban los ocho enormes tapices, conocidos como tapices de Valois , que hoy se conservan en la galería de los Uffizi en Florencia, que representan « magnificencias » como las de Bayona en 1565 durante la cumbre entre las cortes francesa y española y el baile organizado en el palacio de las Tullerías en 1573 por Catalina para los enviados polacos que ofrecieron la corona de su país a su hijo Enrique de Anjou . [19] Estos magníficos tapices, diseñados originalmente durante el reinado del rey Carlos IX por Antoine Caron a principios de la década de 1570, [20] se tejieron más tarde en los Países Bajos españoles con añadidos, posiblemente diseñados por Lucas de Heere , [21] que trabajó para Catalina entre 1559 y 1565, [22] que muestran modas tan tardías como 1580 y representan a Enrique III como rey en lugar de Carlos IX. [19]
La historiadora Frances Yates ha sugerido que estos tapices pueden haber sido producidos en relación con la intervención del hijo de Catalina , Francisco, duque de Anjou , que fue elegido duque de Brabante , en los Países Bajos españoles en 1580, desafiando a la administración española. Anjou ocupa un lugar destacado en los tapices. La propia Catalina de Médici aparece como figura central vestida de negro en la mayoría de ellos. [23] Se cree que se los regaló a su nieta Cristina de Lorena antes de su boda con Fernando de Médici, gran duque de Toscana en 1589. [23] Los tapices glorifican la casa de Valois celebrando sus magníficos festivales. [1]
Según el historiador de arte contemporáneo Vasari , Catalina quería que Miguel Ángel hiciera la estatua ecuestre de su marido Enrique II ; pero Miguel Ángel le pasó el encargo a Daniele da Volterra , y sólo se hizo el caballo. [24]
Por encargo de Catalina, Germain Pilon talló la escultura de mármol que contiene el corazón de Enrique II. El florentino Domenico del Barbiere , que había trabajado en Fontainebleau, talló la base. El estilo fluido de Pilon se hace eco del trabajo de estuco de Primaticcio en Fontainebleau. La pieza también puede haber estado influenciada por el monumento de Pierre Bontemps para el corazón de Francisco I. [25] Pilon colocó la urna de bronce sobre las cabezas de las Tres Gracias , que están en equilibrio espalda con espalda, como si bailaran. [26] Es posible que haya basado el diseño en el de un quemador de incienso para Francisco I, grabado por Marcantonio . Las figuras de Pilon, sin embargo, con sus cuellos largos y cabezas pequeñas, son más como ninfas. [25] Un poema de Ronsard está grabado al pie de la escultura. Pide al lector que no se sorprenda de que un jarrón tan pequeño pueda contener un corazón tan grande, ya que el verdadero corazón de Enrique reside en el pecho de Catalina. [27] Henri Zerner ha calificado el monumento, que se puede ver en el Louvre , como «una de las cumbres de nuestra escultura». [28]
En la década de 1580, Pilon comenzó a trabajar en las estatuas para las capillas que rodearían la tumba de Catalina de Médici y Enrique II en la basílica de Saint Denis . Entre ellas, la Resurrección fragmentaria , ahora en el Louvre, fue diseñada para mirar hacia la tumba de Catalina y Enrique desde una capilla lateral. [29] Esta obra tiene una deuda clara con Miguel Ángel , quien había diseñado la tumba y las estatuas funerarias para el padre de Catalina en las capillas de los Médici en Florencia. [30] Pilon representó abiertamente la emoción extrema en su obra, a veces hasta el punto de lo grotesco. Su estilo ha sido interpretado como un reflejo de una sociedad desgarrada por el conflicto de las guerras de religión francesas . [31]
La arquitectura fue el primer amor de Catalina de Médici entre las artes. "Como hija de los Médici", sugiere el historiador de arte francés Jean-Pierre Babelon, "estaba impulsada por una pasión por construir y un deseo de dejar grandes logros tras de sí cuando muriera". [32] Habiendo presenciado en su juventud los enormes proyectos arquitectónicos de Francisco I en Chambord y Fontainebleau , Catalina se propuso, después de la muerte de Enrique II , realzar la grandeza de la monarquía de los Valois mediante una serie de costosos proyectos de construcción. [33] Estos incluyeron trabajos en los castillos de Montceaux-en-Brie, Saint-Maur-des-Fossés y Chenonceau , y la construcción de dos nuevos palacios en París: las Tullerías y el Hôtel de la Reine. Catalina participó de cerca en la planificación y supervisión de todos sus proyectos arquitectónicos. [34] Los arquitectos de la época le dedicaron tratados con la certeza de que los leería. [35] El poeta Ronsard la acusó de preferir a los masones a los poetas. [36]
Catalina tenía la intención de inmortalizar su dolor por la muerte de su esposo e hizo que se tallaran emblemas de su amor y dolor en la piedra de sus edificios. [38] Como pieza central de una nueva y ambiciosa capilla, encargó una magnífica tumba para Enrique en la basílica de Saint Denis , diseñada por Francesco Primaticcio . En un largo poema de 1562, Nicolas Houël, haciendo hincapié en su amor por la arquitectura, comparó a Catalina con Artemisia , que había construido el Mausoleo de Halicarnaso , una de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo , como tumba para su esposo muerto. [39] El plan circular de Primaticcio para la capilla de Valois, al permitir que la tumba se viera desde todos los ángulos, resolvió los problemas a los que se enfrentaron los hermanos Giusti y Philibert de l'Orme , constructores de tumbas reales anteriores. [40] El historiador de arte Henri Zerner ha calificado el diseño como "un gran drama ritualístico que habría llenado el espacio celestial de la rotonda" y "la última y más brillante de las tumbas reales del Renacimiento". [41] Las obras del edificio se abandonaron en 1585, cuando la monarquía se enfrentó a la bancarrota y a una serie de rebeliones. Más de doscientos años después, en 1793, una turba arrojó los huesos de Catalina y Enrique a un pozo con el resto de los reyes y reinas franceses. [42]
Catalina de Médicis gastó sumas extravagantes en la construcción y embellecimiento de monumentos y palacios, y a medida que el país se hundía cada vez más en la anarquía, sus planes se volvieron cada vez más ambiciosos. [43] Sin embargo, la monarquía de los Valois estaba paralizada por las deudas y su autoridad moral estaba en franco declive. La opinión popular condenó los planes de construcción de Catalina por considerarlos un despilfarro escandaloso. Esto era especialmente cierto en París, donde a menudo se pedía al parlamento que contribuyera a sus gastos.
Ronsard capturó el estado de ánimo en un poema:
En muchos aspectos, Ronsard tenía razón. De la inversión de Catalina de Médicis hoy en día quedan pocos restos: una columna dórica , algunos fragmentos en un rincón de los jardines de las Tullerías , una tumba vacía en Saint Denis.
Catalina creía en el ideal humanista del príncipe erudito del Renacimiento cuyo poder dependía tanto de las letras como de las armas, y estaba familiarizada con los escritos de Erasmo , entre otros, sobre el tema. [45] Disfrutaba y coleccionaba libros, y trasladó la colección real al Louvre , su residencia principal. Disfrutaba de la compañía de hombres y mujeres eruditos, y su corte era muy literaria. Sus funcionarios gubernamentales, como el secretario de estado Nicolas de Neufville, señor de Villeroy , cuya esposa tradujo las epístolas de Ovidio , se sentían perfectamente a gusto en los círculos literarios. [46] Cuando podía encontrar tiempo, Catalina ocasionalmente escribía versos ella misma, que mostraba a los poetas de la corte. [47] Sin embargo, su lectura no era del todo intelectual. Una mujer supersticiosa, creía implícitamente en la astrología y la adivinación , y su material de lectura incluía El libro de las sibilas y los almanaques de Nostradamus . [48]
Catalina patrocinó a poetas como Pierre de Ronsard , Rémy Belleau , Jean-Antoine de Baïf y Jean Dorat , quienes escribieron versos, guiones y literatura asociada para los festivales de su corte y para eventos públicos como entradas reales y bodas reales. [49] Catalina incluso hizo que Ronsard escribiera un poema a Isabel de Inglaterra , en honor a un nuevo tratado de paz. [50] Estos poetas formaban parte de un grupo a veces conocido como la Pléiade , que forjó una literatura vernácula francesa sobre modelos griegos y latinos. Dieron forma a su interés por la poesía antigua en vers mesurés , un sistema métrico que aspiraba a imitar los ritmos poéticos clásicos. Catalina de Médici también estaba interesada en la literatura italiana: Tasso le presentó su Rinaldo y Aretino la elogió como "mujer y diosa serena y pura, la majestad de los seres humanos y divinos". [51]
En 1559, Catalina y Enrique II asistieron a una representación de la tragedia Sofonisba de Trissino , adaptada anteriormente por el poeta Mellin de Saint-Gelais por encargo de Catalina. [52] El estilo de interpretación de la época insertaba interludios musicales no relacionados con la trama entre los actos, dedicados a elogiar a la corte real. Princesas y otras damas de alto rango actuaron en esta ocasión, que celebraba matrimonios reales y nobles. [51] Pierre de Bourdeille, señor de Brantôme , afirmó en sus memorias que, tras haber visto Sofonisba poco antes de la muerte de su marido, Catalina se negó a ver más tragedias, creyendo que la obra le había traído mala suerte. La tragedia pasó de moda en la corte poco después, sustituida por el nuevo género de la tragicomedia , aunque el cambio de gusto puede haber tenido menos que ver directamente con Catalina que con la repulsión de la corte contra la violencia de la época. [51] Genevra , representada en Fontainebleau el 13 de febrero de 1564, adaptada al francés de un episodio de Orlando Furioso de Ariosto , fue la primera tragicomedia conocida que se representó en la corte francesa. [51]
Catalina disfrutaba de la comedia y del humor atrevido , pero no se excedía en lo que se refería a la obscenidad: en 1567, después de ver Le Brave , una adaptación de Miles Gloriosus de Plauto realizada por uno de sus poetas oficiales , Jean-Antoine de Baïf , Catalina le pidió al autor que dejara de lado la "charla lasciva" de los escritores clásicos. [53] En la década de 1570, la commedia dell'arte italiana alcanzó popularidad en Francia y se convirtió en furor. [54] Catalina no fue, como a veces se ha supuesto, la primera en traer la comedia italiana a Francia: Luis Gonzaga, duque de Nevers , italiano, fue el primero en invitar a actores italianos de alta calidad a Francia en 1571. Al año siguiente, dos compañías llamadas I Gelosi aparecieron en París y se realizó una representación en la corte de Blois . Un año después, I Gelosi actuó durante las celebraciones por la boda de la hija de Catalina, Margarita de Valois , y Enrique de Navarra . Otros grupos aparecieron bajo el mismo nombre durante el reinado del hijo de Catalina, Enrique III (1574-1589).
Como reina consorte de Francia, Catalina patrocinó las artes y el teatro, pero no fue hasta que alcanzó un verdadero poder político y financiero como reina madre que comenzó la serie de torneos y entretenimientos, a veces llamados "magnificencias", que deslumbraron a sus contemporáneos y continúan fascinando a los eruditos. Los más famosos de ellos fueron los festivales de la corte organizados en Fontainebleau y en Bayona durante el viaje real de Carlos IX de 1564-65; los entretenimientos para los embajadores polacos en las Tullerías en 1573; y las celebraciones posteriores a los matrimonios de la hija de Catalina, Margarita, con Enrique de Navarra en 1572 y de la hermana de su nuera, Margarita de Lorena, con Ana, duque de Joyeuse , en 1581. En todas estas ocasiones, Catalina organizó secuencias de entretenimientos suntuosos y espectaculares. La biógrafa Leonie Frieda sugiere que «Catalina, más que nadie, inauguró los entretenimientos fantásticos por los que también se hicieron famosos los monarcas franceses posteriores». [55]
Para Catalina, estos entretenimientos valían su colosal gasto, ya que tenían un propósito político. Como presidenta del gobierno real en una época en la que la monarquía francesa estaba en franco declive, se propuso demostrar no solo al pueblo francés sino también a las cortes extranjeras que la monarquía de los Valois era tan prestigiosa y magnífica como lo había sido durante los reinados de Francisco I y su esposo Enrique II . [56] Al mismo tiempo, creía que estos elaborados entretenimientos y suntuosos rituales de la corte, que incorporaban deportes marciales y torneos de todo tipo, mantendrían ocupados a sus nobles en pugna y los distraerían de luchar entre sí en detrimento del país y de la autoridad real. [57]
Sin embargo, está claro que Catalina consideraba estos festivales como algo más que un ejercicio político y pragmático; se deleitaba en ellos como un vehículo para sus dotes creativas. Catalina, una mujer de gran talento y arte, tomó la iniciativa en la concepción y planificación de sus propios espectáculos mitológicos-musicales y se la considera su creadora además de su patrocinadora. El historiador Frances Yates la ha llamado "una gran artista creativa en festivales". [58] Aunque eran efímeras , las "magnificencias" de Catalina son estudiadas por los eruditos modernos como obras de arte. [55] Catalina empleó a los principales escritores, artistas y arquitectos de la época, incluidos Antoine Caron , Germain Pilon y Pierre Ronsard , para crear los dramas, la música, los efectos escénicos y las obras decorativas necesarias para animar los temas de los festivales, que generalmente eran mitológicos y dedicados al ideal de la paz en el reino. Es difícil para los estudiosos reconstruir la forma exacta de los entretenimientos de Catalina, pero la investigación de los relatos escritos, guiones, obras de arte y tapices derivados de estas famosas ocasiones ha proporcionado evidencia de su riqueza y escala.
Siguiendo la tradición de las fiestas reales del siglo XVI, las magnificencias de Catalina de Médicis se desarrollaban durante varios días, con un entretenimiento diferente cada día. A menudo, los señores y damas individuales y los miembros de la familia real eran responsables de preparar un entretenimiento en particular. Los espectadores y participantes, incluidos los que practicaban deportes marciales, se vestían con trajes que representaban temas mitológicos o románticos. Catalina introdujo gradualmente cambios en la forma tradicional de estos entretenimientos. Prohibió los movimientos bruscos de inclinación del tipo que llevó a la muerte de su marido en 1559; y desarrolló y aumentó la prominencia de la danza en los espectáculos que culminaban cada serie de entretenimientos.
Una nueva forma de arte distintiva, el ballet de cour , surgió de los avances creativos en el entretenimiento de la corte ideados por Catalina de Médici. [59] La influencia italiana en el ballet de cour le debe mucho a Catalina, que era italiana y había crecido en Florencia , donde los intermedii , patrocinados por sus ricos parientes, eran un elemento básico de los entretenimientos de la corte y un foco de innovación. Estos entretenimientos entre actos habían desarrollado una forma artística única propia, con danzas corales, mascaradas ( mascherate ) y temas consecutivos. [60] Una vez en Francia, Catalina se mantuvo en contacto con las innovaciones artísticas en Italia. Animó a los maestros de baile italianos a aceptar puestos en Francia, entre ellos el milanés Cesare Negri , que introdujo las habilidades de la danza figurada en Francia, y Pompeo Diobono, a quien Catalina empleó como maestro de baile para sus cuatro hijos. [61] La figura más significativa fue Balthasar de Beaujoyeulx (su nombre galicizado del italiano Baldassare da Belgiojoso), a quien Catalina puso a cargo de entrenar bailarines y producir representaciones en la corte. [62]
La historiadora Frances Yates ha considerado a Catalina como la luz que guió los ballets de cour :
Fue inventado en el contexto de los pasatiempos caballerescos de la corte por una italiana, una Médici, la reina madre. Muchos poetas, artistas, músicos, coreógrafos, contribuyeron al resultado, pero fue ella la inventora, se podría decir, la productora; ella quien hizo que las damas de su corte entrenaran para representar estos ballets en escenarios de su invención. [58]
Las representaciones de danza en la corte de Valois se concibieron a gran escala, como elaboradas piezas de exhibición coreografiadas, a veces interpretadas por fuerzas considerables. En el castillo de Fontainebleau en 1564, la corte asistió a un baile en el que 300 "bellezas vestidas con telas de oro y plata" interpretaron una danza coreografiada. [63] En su obra ilustrada Magnificentissimi spectaculi , Jean Dorat describió un intrincado ballet, El ballet de las provincias de Francia , realizado para los embajadores polacos en el palacio de las Tullerías en 1573, en el que dieciséis ninfas, cada una representando una provincia francesa, distribuían dispositivos a los espectadores mientras bailaban. Coreografiado por Beaujoyeulx, los bailarines interpretaron figuras complejas y entrelazadas y movimientos pautados, cada uno expresando una cierta verdad moral o espiritual que los espectadores, asistidos por programas impresos, debían reconocer. [64] El cronista Agrippa d'Aubigné registró que los polacos se maravillaron con el ballet. [65] Brantôme calificó la actuación como "el mejor ballet que se haya dado jamás en este mundo" y elogió a Catalina por traer prestigio a Francia con "todas estas invenciones". [65] Jean Dorat describió los movimientos de los bailarines en verso:
Una vez terminado el baile, Catalina invitó a los espectadores a unirse a los artistas en un baile social.
Con el paso de los años, Catalina aumentó el elemento de la danza en sus espectáculos festivos, y se convirtió en la norma que un gran ballet culminara cada serie de magnificencias. El Ballet Comique de la Reine , ideado bajo la influencia de Catalina, por la reina Luisa para las Joyeuse Magnificences de 1581, es considerado por los historiadores como el momento en que el ballet de cour asumió el carácter de una nueva forma de arte. El tema del espectáculo era una invocación de fuerzas cósmicas para ayudar a la monarquía, que en ese momento estaba amenazada por la rebelión no solo de los hugonotes sino de muchos nobles católicos. Circe mostró a los hombres reducidos a bestias , que tenía la corte en un jardín en un extremo del salón. Luisa y sus damas, vestidas de náyades , entraron en un carro diseñado como una fuente y luego bailaron un ballet de trece figuras geométricas. Después de ser convertidas en piedra por Circe, fueron liberadas para bailar un ballet de cuarenta figuras geométricas. Cuatro grupos de bailarines, cada uno vestido con un traje de diferente color, se movían a través de una secuencia de patrones, incluyendo cuadrados, triángulos, círculos y espirales. [67]
La coreografía figurada que representaba los temas mitológicos y simbólicos reflejaba el principio, derivado de las Enéadas de Plotino (c. 205-270), de la "danza cósmica", la imitación de los cuerpos celestes por el movimiento humano para producir armonía. Esta imitación se lograba en la danza a través de la coreografía geométrica y figuras basadas en la armonía de los números. [68] Los elementos de danza en las festividades de la corte representaban una respuesta a la creciente discordia política del país. [64] El Ballet Comique de la Reine marcó la transformación final de la danza de la corte como una actividad puramente personal y social en una representación teatral unificada con una agenda filosófica y política. [69] Debido a su síntesis de danza, música, verso y ambientación, la producción es considerada por los académicos como el primer ballet auténtico. [70]
La danza, el verso y los elementos musicales de los espectáculos de Catalina reflejaban cada vez más los principios de un movimiento académico —también influyente en la Camerata florentina— para unificar las artes escénicas en lo que se creía que era el estilo clásico griego. En 1570, Jean-Antoine de Baïf fundó la Académie de Poésie et de Musique , cuyo objetivo era revivir las antiguas prácticas métricas y, aunque la academia duró poco, la Académie du Palais , fundada en 1577, adoptó objetivos similares. Ambas iniciativas recibieron el apoyo de la corte de Valois. Un resultado de este movimiento fue la Musique mesurée à l'antique , en la que los metros de la música y el verso se combinaban con precisión para crear una nueva armonía. La teoría no era meramente técnica sino humanística ; los practicantes creían que una combinación armoniosa de elementos produciría efectos morales y éticos benignos en el público. La danza también estaba sujeta al nuevo sistema y estaba diseñada para coincidir con los ritmos de la música y el verso. El resultado fue un nuevo enfoque unificado de la interrelación entre las artes escénicas. [71]
Las bien documentadas magnificencias de Joyeuse de 1581 proporcionan la evidencia más clara de la influencia de este movimiento artístico en los espectáculos de Catalina de Médici. El principal compositor de música para las representaciones fue Claude Le Jeune (1528-1600). Su música mesurada se interpretó en la propia boda, y su canción "La Guerre" se cantó durante un combate a pie en el Louvre. También escribió la música para un elaborado espectáculo sobre un tema de sol y luna, una vez más poniendo versos mesurados a música mesurada . [72] Para el Ballet Comique de la Reine , la música fue compuesta por el Sieur de Beaulieu. Los músicos estaban completamente incorporados al conjunto dramático: en un lado del espacio de la representación había una nube que contenía cantantes y músicos disfrazados, y en el otro, una gruta , custodiada por Pan , que contenía una segunda banda de músicos. Durante las cinco horas y media que duró la representación, varios grupos de cantantes y músicos entraron y salieron de la sala. En un momento dado, Circe convirtió a los bailarines y músicos en piedra. [73] Cuando, en el clímax del espectáculo, Júpiter descendió de los cielos, cuarenta cantantes y músicos interpretaron una canción en honor a la sabiduría y la virtud de la monarquía de los Valois. [74] Los relatos publicados elogiaron la duración y variedad de la música. La música de Júpiter fue calificada como la «música más erudita y excelente que jamás se haya cantado o escuchado». [75]