Un sistema de estudio es un método de realización cinematográfica en el que la producción y distribución de películas está dominada por un pequeño número de grandes estudios cinematográficos . Se utiliza con mayor frecuencia en referencia a los estudios cinematográficos de Hollywood durante los primeros años de la Edad de Oro de Hollywood, desde 1927 (la introducción de las películas sonoras ) hasta 1948 (el comienzo de la desaparición del sistema de estudios), en los que los estudios producían películas. principalmente en sus propios lotes cinematográficos con personal creativo bajo contratos a menudo a largo plazo, y dominaban la exhibición a través de la integración vertical , es decir, la propiedad o el control efectivo de los distribuidores y la exhibición , garantizando ventas adicionales de películas a través de técnicas manipuladoras de reserva como la reserva en bloque .
Durante la llamada Edad de Oro, ocho compañías constituyeron los principales estudios que promulgaron el sistema de estudios de Hollywood. De estos ocho, cinco eran conglomerados totalmente integrados conocidos como los Cinco Grandes originales, que combinaban la propiedad de un estudio de producción, una división de distribución y una importante cadena de cines, y contrataban a artistas y personal cinematográfico: Metro-Goldwyn-Mayer (propiedad de Loews Incorporated , propietario de la cadena de cines más grande de Estados Unidos), Paramount Pictures , Warner Bros. , 20th Century-Fox (posteriormente rebautizada como 20th Century Studios después de que su adquisición de Disney trajera de vuelta a los Cinco Grandes por primera vez desde entonces) y RKO Radio Pictures . También en esta época, dos de los Tres Pequeños mayores-menores ( Columbia Pictures y Universal Pictures ) estaban organizados de manera similar, aunque sin más que pequeños circuitos teatrales, y el tercero ( United Artists ) poseía un pequeño número de salas y tenía acceso a dos. instalaciones de producción propiedad de miembros de su grupo socio controlador, pero funcionó principalmente como patrocinador-distribuidor, financiando producciones independientes y estrenando sus películas.
El sistema de estudios fue cuestionado bajo las leyes antimonopolio en un fallo de la Corte Suprema de 1948 que buscaba separar la producción de la distribución y exhibición y puso fin a tales prácticas, acelerando así el fin del sistema de estudios. En 1954, con la televisión compitiendo por la audiencia y el último de los vínculos operativos entre un importante estudio de producción y una cadena de cines roto, la era histórica del sistema de estudios había terminado.
Los años 1927 y 1928 se consideran generalmente como el comienzo de la Edad de Oro de Hollywood y los últimos pasos importantes para establecer el control del sistema de estudios sobre el negocio cinematográfico estadounidense. El éxito de The Jazz Singer de 1927 , el primer largometraje " talkie " (de hecho, la mayoría de sus escenas no tenían sonido grabado en vivo) dio un gran impulso al entonces mediano estudio Warner Bros. El año siguiente se produjo la introducción general del sonido en toda la industria y dos éxitos más para Warner: The Singing Fool , la continuación aún más rentable de The Jazz Singer , y el primer largometraje "todo parlante" de Hollywood, Lights of New York. . Igual de significativos fueron varios acontecimientos fuera de la pantalla. Warner Bros., ahora abundante en ingresos, adquirió la extensa cadena de cines Stanley en septiembre de 1928. Un mes después, compró una participación mayoritaria en la productora First National , más prominente que la propia Warner no mucho antes. Con la adquisición de First National vino no solo un estudio y un lote de 135 acres (55 ha), sino otra gran cadena de salas de cine.
El último de los "Cinco Grandes" conglomerados de Hollywood de la Edad de Oro surgió en 1928: RKO Pictures . La Radio Corporation of America ( RCA ), dirigida por David Sarnoff , buscaba maneras de explotar las patentes de sonido cinematográfico, recientemente registradas como RCA Photophone , propiedad de su empresa matriz, General Electric . Mientras las principales productoras cinematográficas se preparaban para firmar acuerdos exclusivos con Western Electric para su tecnología, RCA entró en el negocio del cine. En enero, General Electric adquirió una participación considerable en Film Booking Offices of America (FBO), una distribuidora y pequeña productora propiedad de Joseph P. Kennedy , padre del futuro presidente John F. Kennedy . En octubre, mediante una serie de transferencias de acciones , RCA obtuvo el control tanto de FBO como de la cadena de teatros Keith-Albee-Orpheum ; Al fusionarlos en una sola empresa, creó Radio-Keith-Orpheum Corporation, con Sarnoff presidiendo la junta. Con RKO y Warner Bros. (que pronto se convertiría en Warner Bros.–First National) uniéndose a Fox, Paramount y Loew's/MGM como actores principales, los Cinco Grandes que permanecerían durante treinta años ya estaban en su lugar.
Aunque RKO fue una excepción, los jefes de los estudios de la costa oeste, los 'magnates del cine', ya llevaban algunos años en sus puestos: Louis B. Mayer en MGM, Jack L. Warner en Warner Bros., Adolph Zukor en Paramount , William Fox y Darryl F. Zanuck (en 20th Century Fox desde 1935), Carl Laemmle en Universal y Harry Cohn en Columbia.
La clasificación de los Cinco Grandes en términos de rentabilidad (estrechamente relacionada con la participación de mercado) fue en gran medida consistente durante la Edad de Oro: MGM fue el número uno durante once años consecutivos, 1931-1941. Paramount, el estudio más rentable de la temprana era del sonido (1928-1930), se desvaneció durante la mayor parte de la década siguiente, y Fox fue el número dos durante la mayor parte del reinado de MGM. Paramount comenzó un ascenso constante en 1940, y finalmente superó a MGM dos años después; desde entonces hasta su reorganización en 1949 volvió a ser el de mayor éxito financiero de los Cinco Grandes. Con la excepción de 1932, cuando todas las compañías, excepto MGM, perdieron dinero y RKO perdió algo menos que sus competidores, RKO fue la penúltima o (generalmente) la última todos los años de la Edad de Oro, con Warner generalmente colocándose al final de la lista. El paquete. De las grandes discográficas más pequeñas, las Little Three, United Artists se mantuvo confiablemente a la zaga, siendo Columbia la más fuerte en la década de 1930 y Universal a la cabeza durante la mayor parte de la década de 1940. [1]
El éxito de Hollywood creció durante la Gran Depresión , posiblemente porque las películas ayudaron al público a escapar de sus dificultades personales. El presidente Franklin Delano Roosevelt dijo de Shirley Temple : "Cuando el espíritu de la gente está más bajo que en cualquier otro momento durante esta Depresión, es espléndido que por sólo quince centavos un estadounidense pueda ir al cine y mirar la cara sonriente de un bebé y olvidar sus problemas". [2] En 1939 había 15.000 salas de cine en Estados Unidos, más que bancos; el número de salas per cápita era el doble que a mediados de los años ochenta. La industria del cine era mayor que la de las máquinas de oficina. Si bien solo ocupa el puesto 14 en términos de ingresos, ocupa el segundo lugar en el porcentaje de ganancias que reciben sus ejecutivos. Estrellas importantes como Bing Crosby y Claudette Colbert cobraban más de 400.000 dólares al año (8.415.311 dólares en la actualidad [3] ). [4]
Una de las técnicas utilizadas para respaldar el sistema de estudio fue la reserva en bloque , un sistema de venta de múltiples películas a una sala de cine como una unidad. Una unidad de este tipo (cinco películas fue la práctica estándar durante la mayor parte de la década de 1940) normalmente incluía sólo una película particularmente destacada, y el resto era una mezcla de películas de presupuesto A de menor calidad y películas B. [5] Como escribió la revista Life en 1957 en una retrospectiva sobre el sistema de estudio: "No era un buen entretenimiento ni era arte, y la mayoría de las películas producidas tenían una mediocridad uniforme, pero también eran uniformemente rentables... ... La mediocridad millonaria era la columna vertebral de Hollywood". [6]
El 4 de mayo de 1948, en una demanda federal antimonopolio conocida como el caso Paramount , presentada contra todos los Cinco Grandes, la Corte Suprema de Estados Unidos prohibió específicamente la reserva de bloques. Sosteniendo que los conglomerados efectivamente estaban violando las leyes antimonopolio, los jueces se abstuvieron de tomar una decisión final sobre cómo se debería remediar esa falla , pero el caso fue devuelto al tribunal inferior del que había salido con un lenguaje que sugería el divorcio : el La completa separación de los intereses de exhibición de las operaciones de productor-distribuidor fue la respuesta. Los Cinco Grandes, sin embargo, parecían unidos en su determinación de seguir luchando y prolongar los procedimientos legales durante años, algo en lo que ya habían demostrado ser expertos; después de todo, la demanda de Paramount se había presentado originalmente el 20 de julio de 1938.
Sin embargo, detrás de escena en RKO, durante mucho tiempo el conglomerado financieramente más inestable, el fallo judicial llegó a ser visto como un desarrollo que podría usarse en beneficio del estudio. El mismo mes en que se tomó la decisión, el multimillonario Howard Hughes adquirió una participación mayoritaria en la empresa. Como RKO controlaba la menor cantidad de salas de los Cinco Grandes, Hughes decidió que iniciar un efecto dominó del divorcio podría ayudar a poner su estudio en pie de igualdad con sus competidores. Hughes manifestó su voluntad al gobierno federal de firmar un decreto de consentimiento que obligue a la disolución de su negocio cinematográfico. Según el acuerdo, Hughes dividiría su estudio en dos entidades, RKO Pictures Corporation y RKO Theatres Corporation, y se comprometería a vender su participación en una u otra en una fecha determinada. La decisión de Hughes de conceder el divorcio socavó definitivamente el argumento de los abogados del resto de los Cinco Grandes de que tales rupturas eran inviables.
Si bien hoy muchos señalan el fallo judicial de mayo, en realidad fue el acuerdo de Hughes con el gobierno federal (firmado el 8 de noviembre de 1948) el que verdaderamente marcó la muerte de la Edad de Oro de Hollywood. Paramount pronto capituló y firmó un decreto de consentimiento similar en febrero siguiente. El estudio, que había luchado contra el divorcio durante tanto tiempo, se convirtió en el primero de los grandes en separarse, antes de lo previsto, y finalizó su venta el 31 de diciembre de 1949. En ese momento, había 19.000 salas de cine en Estados Unidos. [7]
Gracias al acuerdo de Hughes con las autoridades federales y a los de los otros estudios que pronto siguieron, el sistema de estudios se mantuvo durante otra media década. El gran estudio que se adaptó a las nuevas circunstancias con éxito más inmediato fue el más pequeño, United Artists; Bajo un nuevo equipo directivo que asumió el control en 1951, se redujeron los gastos generales al rescindir su acuerdo de arrendamiento con las instalaciones de producción de Pickford-Fairbanks y se forjaron nuevas relaciones con productores independientes, que ahora a menudo implicaban inversión directa, un modelo de negocio que Hollywood emularía cada vez más. en los próximos años. El sistema de estudios en torno al cual se había organizado la industria durante tres décadas finalmente expiró en 1954, cuando Loew's, el último que se resistía, cortó todos los vínculos operativos con MGM.
La táctica de Hughes ayudó a romper el sistema del estudio, pero sirvió de poco para RKO. Su liderazgo disruptivo, junto con la fuga de audiencias hacia la televisión que estaba afectando a toda la industria, tuvo un costo en el estudio que fue evidente para los observadores de Hollywood. Cuando Hughes intentó salir de su interés en RKO en 1952, tuvo que recurrir a un sindicato con sede en Chicago dirigido por traficantes turbios sin experiencia cinematográfica. El acuerdo fracasó, por lo que Hughes volvió a estar a cargo cuando la cadena de cines RKO finalmente se vendió según lo dispuesto en 1953. Ese año, General Tire and Rubber Company, que estaba ampliando su pequeña división de radiodifusión, que ya tenía una década de antigüedad, se acercó a Hughes en relación con la Disponibilidad de la filmoteca de RKO para programación. Hughes adquirió la propiedad casi completa de RKO Pictures en diciembre de 1954 y consumó una venta con General Tire para todo el estudio el verano siguiente.
Los nuevos propietarios rápidamente recuperaron parte de su dinero vendiendo los derechos televisivos de la biblioteca que atesoraban a C&C Television Corp., una subsidiaria de una compañía de bebidas. (RKO retuvo los derechos de las pocas estaciones de televisión que General Tire había traído). Según el acuerdo, las películas fueron despojadas de su identidad RKO antes de ser enviadas por C&C a las estaciones locales; Se eliminó el famoso logotipo de apertura, con su globo terráqueo y su torre de radio, al igual que otras marcas comerciales del estudio.
De vuelta en Hollywood, los nuevos propietarios de RKO estaban teniendo poco éxito en el negocio cinematográfico y en 1957 General Tire cerró la producción y vendió las principales instalaciones de RKO a Desilu , la productora de Lucille Ball y Desi Arnaz . Al igual que United Artists, el estudio ya no tenía estudio; a diferencia de UA, apenas poseía sus películas antiguas y no veía ganancias en la realización de películas nuevas. En 1959 abandonó por completo el negocio del cine.
Si bien el sistema de estudios se identifica en gran medida como un fenómeno estadounidense, las productoras cinematográficas de otros países lograron y mantuvieron en ocasiones una integración total de manera similar a los Cinco Grandes de Hollywood. Como describe el historiador James Chapman,
En Gran Bretaña, sólo dos empresas lograron alguna vez una integración vertical total ( Rank Organization y Associated British Picture Corporation ). Otros países donde se produjo algún nivel de integración vertical fueron Alemania durante la década de 1920 (Universum Film Aktiengesellschaft, o Ufa ), Francia durante la década de 1930 ( Gaumont -Franco-Film-Aubert y Pathé -Natan) y Japón ( Nikkatsu , Shochiku y Toho ). En Hong Kong, Shaw Brothers adoptó el sistema de estudio para sus películas wuxia durante las décadas de 1950 y 1960. India, que representa quizás el único rival serio de la industria cinematográfica estadounidense debido a su dominio tanto en su propio mercado como en el de la diáspora asiática, nunca ha logrado, en cambio, ningún grado de integración vertical. [8]
Por ejemplo, en 1929 casi el 75 por ciento de las salas de cine japonesas estaban conectadas con Nikkatsu o Shochiku, los dos estudios más grandes de la época. [9]
Nos encontramos... tratando con corporaciones en lugar de con individuos.
— Harry Cohn de Columbia Pictures, 1957 [6]
En la década de 1950, Hollywood enfrentó tres grandes desafíos: el caso de Paramount que puso fin al sistema de estudios, la nueva popularidad de la televisión y el gasto de los consumidores que brindaba a su audiencia muchas otras opciones de ocio. La escala de éxitos y fracasos de taquilla creció, con un "medio peligroso" formado por películas que en la época anterior habrían generado ingresos. Un cineasta afirmó en 1957 que "[e]l único desastre absoluto hoy en día es hacer una mediocridad de un millón de dólares. En una de ellas puedes perder no sólo tu inversión total sino también toda tu camisa". Para ese año, Hollywood sólo hacía alrededor de 300 largometrajes al año, en comparación con alrededor de 700 durante la década de 1920. [6] Darryl F. Zanuck , director de 20th Century Fox, no tuvo relación directa con el estudio de 1956 a 1962, [10] y Louis B. Mayer , despedido en 1951 de MGM, murió en 1957. [11] Harry Cohn de Columbia, que murió al año siguiente, [12] informó a los inversores en el informe anual del estudio de 1957 que:
Nos encontramos en un mercado altamente competitivo para estos talentos [estrellas, directores, productores, escritores]. Bajo las estructuras impositivas actuales, el salario para aquellos con quienes tratamos es menos atractivo que la oportunidad de obtener ganancias de capital . Por lo tanto, nos encontramos tratando con corporaciones más que con individuos. También nos vemos obligados a negociar en términos de un porcentaje de los beneficios de la película, en lugar de un salario garantizado como en el pasado. Esto es más notable entre las principales estrellas. [6]
La mayoría de los actores se convirtieron en autónomos después del fin del sistema de estudios. [13] Los patrocinadores financieros exigían cada vez más actores, directores y escritores estrella para proyectos para reducir el riesgo de fracaso. La creciente importancia del mercado extranjero (entre el 40 y el 50% de los ingresos totales de Hollywood en 1957) también destacó los nombres de las estrellas como atracciones de taquilla. Con su nuevo poder, "trabajar por nada" (recibir un porcentaje de las ganancias en lugar de un salario) se convirtió en un símbolo de estatus para las estrellas. Un actor importante podría esperar el 50% de las ganancias, con una garantía mínima, o el 10% de los ingresos brutos. Cary Grant , por ejemplo, recibió más de 700.000 dólares (equivalentes a 6 millones de dólares en 2022) de su 10% de los ingresos brutos por Atrapar a un ladrón (1955), mientras que el director y productor Alfred Hitchcock recibió menos de 50.000 dólares. En un caso extremo, Paramount prometió a Marlon Brando el 75% de las ganancias de lo que se convirtió en One-Eyed Jacks (1961). (Debido a la contabilidad de Hollywood , los estudios aún recibían gran parte de los ingresos antes de cualquier participación en las ganancias; por lo tanto, preferían el 50% de las ganancias al 10% de las ganancias brutas). Los cheques de pago más grandes también aumentaron el poder de los agentes de talentos como Lew Wasserman de MCA . cuya oficina ahora se llamaba " Fort Knox ". [6]
En 1957, los productores independientes hacían el 50% de los largometrajes estadounidenses. Más allá de trabajar para otros, actores de primer nivel como Gregory Peck y Frank Sinatra crearon sus propias productoras y compraron guiones. Los principales directores independientes George Stevens , Billy Wilder y William Wyler también vieron aumentar sus sueldos, en parte porque su participación atrajo a actores estrella. Los estudios proporcionaron cada vez más financiación e instalaciones a productores independientes en lugar de hacer sus propias películas o, al igual que United Artists, se centraron en la distribución. Si bien la televisión había dañado a Hollywood, las productoras de televisión como Desilu y las propias divisiones de televisión de los estudios de cine ayudaron a salvar la industria mediante el uso de instalaciones que de otro modo no se utilizarían. [6]
A principios de la década de 1960, los principales estudios comenzaron a reeditar películas más antiguas para su distribución y se transformaron en productores principalmente de telefilmes y películas de serie B para satisfacer la demanda de programación de la televisión. [14] : 17 La industria sufrió una severa recesión, debido en parte a fracasos de grandes presupuestos, pero pronto se recuperó artísticamente con películas como El Padrino (1972) y Chinatown (1974).
Tiburón (1975) de Steven Spielberg [15] [16] y Star Wars (1977) de George Lucas se convirtieron en el prototipo del éxito de taquilla moderno . [14] : 19 Antes de Tiburón , la mayoría de las películas se estrenarían inicialmente en algunas ciudades clave y luego se extenderían a "mercados secundarios" en todo el país según la respuesta en esos mercados: un sistema llamado "plataformas". [16] En cambio, Tiburón se estrenó inmediatamente simultáneamente en todo el país y contó con el respaldo de un presupuesto de publicidad televisiva de 700.000 dólares (la primera vez que se lanzaron avances en una cadena de televisión) junto con una amplia promoción de merchandising. [16] El estreno de películas en cientos de lugares se convirtió en la norma, con éxitos como las secuelas de Star Wars de Lucas , El imperio contraataca y El retorno del Jedi , los éxitos consecutivos de Spielberg con En busca del arca perdida y ET el Extraterrestre y el desarrollo del vídeo doméstico y la televisión por cable. Mientras tanto, el presupuesto descontrolado de Heaven's Gate (1980) y sus limitados ingresos de taquilla llevaron a la venta de United Artists.
De 1990 a 1995, New Hollywood se convirtió más bien en un conglomerado de Hollywood y rápidamente dominó toda la industria del entretenimiento mundial. [14] : 25–26 Hoy en día, tres de las grandes empresas de la Edad de Oro (Universal, Paramount y Warner Bros.) junto con Sony Pictures (formada por una fusión entre Columbia y TriStar) continúan existiendo como importantes entidades de estudio de Hollywood, todas las cuales fueron absorbidas por muchas empresas diferentes que fueron adquiridas y fusionadas con conglomerados de medios más grandes. Además, hasta la fecha, Walt Disney Studios se ha convertido en un importante, resultando en un "Big Six" hasta que su adquisición de 20th Century Fox a principios de 2019 resultó en un "Big Five" una vez más. Con excepción de Disney, los otros cuatro grandes estudios de los llamados cinco grandes (Paramount, Sony Pictures, Universal y Warner Bros.) no se basan esencialmente en el modelo de los cinco grandes clásicos (en aquella época, Paramount y Warner). Bros., además de 20th Century Fox, MGM y RKO), sino de los antiguos United Artists: es decir, son principalmente patrocinadores-distribuidores (y arrendadores de estudios físicos) en lugar de compañías de producción reales.
En 1996, Time Warner adquirió New Line Cinema, una vez independiente, mediante la compra de Turner Broadcasting System . En 2008, New Line se fusionó con Warner Bros., donde sigue existiendo como filial. Cada uno de los Cinco Grandes de hoy controla divisiones " de autor " casi independientes , como Paramount Vantage . Miramax Films (que originalmente era un estudio independiente) fue propiedad de Disney hasta 2010. La mayoría también tiene divisiones que se centran en películas de género, películas B, ya sea literalmente en virtud de sus bajos presupuestos o espiritualmente, por ejemplo, Screen Gems de Sony . Una de las llamadas divisiones independientes, Focus Features de Universal , lanza películas de autor bajo esa marca principal. Tanto Focus como la división de cine artístico de Disney, Searchlight Pictures , son lo suficientemente grandes como para calificar como mini-grandes. También califican como mini-majors dos grandes firmas independientes, Lionsgate y la citada MGM (adquirida por Amazon en 2022). Se encuentran en algún lugar entre las versiones modernas del viejo "mayor-menor" (al igual que Columbia y Universal en las décadas de 1930 y 1940, excepto que Lionsgate tiene aproximadamente la mitad de su participación de mercado) y las principales productoras independientes de la Edad de Oro, como Samuel Goldwyn Inc. y las empresas de David O. Selznick .
A mediados de la década de 2010, los principales estudios pasaron a producir películas convencionales que atrajeran al público (películas de género, secuelas, 3-D y películas de superhéroes). Muchas de estas películas corren el riesgo de perder dinero en taquilla (y algunas, de hecho, lo han hecho). Esto, en parte, precipitó la Segunda Decadencia, cuando la mayoría del público comenzó a dejar de ir a las salas de cine. Con este nuevo declive, se abrió una oportunidad para que las compañías independientes produjeran películas que en los últimos años han desplazado a otras películas de grandes estudios para el Premio de la Academia a la Mejor Película . La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (que produce los Premios de la Academia anuales ) generalmente otorga el Oscar a la Mejor Película a películas de sustancia y alta calidad en lugar de a la película popular convencional. En los últimos años, los múltiples premios conseguidos por películas independientes como Spotlight ( Open Road , 2015), Moonlight ( A24 , 2016), Parasite ( CJ / Neon , 2019) y CODA ( Apple TV+ , 2021) tuvieron un gran impacto en la taquilla de otras películas de grandes estudios, y posiblemente el destino de los propios grandes estudios, y lo mismo ocurre hoy con la última ola de películas independientes. Este continuo dominio del cine independiente es una prueba de que su éxito no depende de ningún formato cinematográfico, ya sea 3-D, CinemaScope o cualquier formato grande como IMAX . Los recientes resultados del Festival de Cine de Cannes y la falta de películas estadounidenses que ganaran estos premios también pueden haber afectado el predominio del cine independiente.
La crisis de la COVID-19 contribuyó a una mayor caída, ya que el público empezó a pasar de las salas de cine a servicios de streaming como Netflix , Hulu y el ya mencionado Apple TV+.
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