Chimes at Midnight ( en español : Campanadas a medianoche , estrenada en la mayor parte de Europa como Falstaff ) es una película de comedia dramática de época de 1966 escrita, dirigida y protagonizada por Orson Welles . La trama de la película se centra enel personaje recurrente de William Shakespeare , Sir John Falstaff, y la relación padre-hijo que tiene con el príncipe Hal , quien debe elegir entre la lealtad a su padre, el rey Enrique IV , y Falstaff. La película en inglés fue una coproducción internacional de España, Francia, [1] y Suiza. [3]
Welles dijo que el núcleo de la historia de la película era "la traición de la amistad". Está protagonizada por Welles como Falstaff, Keith Baxter como el Príncipe Hal , John Gielgud como Enrique IV , Jeanne Moreau como Doll Tearsheet y Margaret Rutherford como Mistress Quickly . El guión contiene texto de cinco de las obras de Shakespeare; principalmente Enrique IV, Parte 1 y Enrique IV, Parte 2 , pero también Ricardo II , Enrique V y Las alegres esposas de Windsor . La narración de Ralph Richardson está tomada de las obras del cronista Raphael Holinshed .
Welles había producido previamente una adaptación teatral de Broadway de nueve obras de Shakespeare llamada Five Kings en 1939. En 1960, revivió este proyecto en Irlanda como Chimes at Midnight , que fue su última actuación en el escenario. Ninguna de estas obras tuvo éxito, pero Welles consideró retratar a Falstaff como la ambición de su vida y convirtió el proyecto en una película. Para conseguir financiación inicial, Welles mintió al productor Emiliano Piedra acerca de su intención de hacer una versión de La isla del tesoro , y mantener la financiación de la película durante su producción fue una lucha constante. Welles rodó Campanadas a medianoche por toda España entre 1964 y 1965; se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 1966 , donde ganó dos premios.
Inicialmente descartado por la mayoría de los críticos de cine, Chimes at Midnight ahora se considera uno de los mayores logros de Welles, y Welles lo llamó su mejor trabajo. Welles sintió una fuerte conexión con el personaje de Falstaff y lo llamó "la mayor creación de Shakespeare". Algunos estudiosos del cine y colaboradores de Welles han hecho comparaciones entre Falstaff y Welles, mientras que otros ven un parecido entre Falstaff y el padre de Welles. Las disputas sobre la propiedad de Chimes at Midnight dificultaron la visualización legal de la película hasta hace poco. Se lanzó en el Reino Unido en DVD y Blu-ray en 2015. Una nueva restauración de Janus Films y The Criterion Collection se proyectó en el Film Forum de Nueva York del 1 al 12 de enero de 2016. The Criterion Collection lanzó la película en Blu-ray. ray y DVD el 30 de agosto de 2016. [4]
Sir John Falstaff y Justice Shallow caminan a través de la nieve, luego hacia un cálido fuego dentro de la casa de Justice Shallow en Gloucestershire, mientras los dos recuerdan. El rey Enrique IV de Inglaterra ha sucedido a Ricardo II , al que ha matado. El verdadero heredero de Ricardo II, Edmund Mortimer , está prisionero en Gales, y los primos de Mortimer (los Percy) Northumberland, Worcester y el hijo de Northumberland, Henry Percy (llamado "Hotspur") exigen que Henry rescate a Mortimer. El rey se niega y los Percy comienzan a planear el derrocamiento de Enrique.
Para gran descontento de Henry, su hijo, el príncipe Hal, pasa la mayor parte de su tiempo en Boar's Head Tavern, bebiendo y divirtiéndose con prostitutas, ladrones y otros criminales bajo la influencia patriarcal de Falstaff. Falstaff insiste en que él y Hal deberían considerarse caballeros, pero Hal advierte a Falstaff que algún día rechazará tanto este estilo de vida como a Falstaff. A la mañana siguiente, Hal, Falstaff, Bardolph, Peto y Poins se disfrazan en Gadshill para prepararse para robar a un grupo de peregrinos viajeros. Después de que Falstaff, Bardolph y Peto roban a los peregrinos, Hal y Poins saltan disfrazados y le quitan el tesoro robado a Falstaff como una broma.
De vuelta en la taberna Boar's Head , Falstaff comienza a contarles a Hal y Poins, cada vez con mayor exageración, la historia de cómo le robaron el dinero. Hal y Poins hacen agujeros en la historia de Falstaff hasta que revelan su chiste a todo el grupo. Para celebrar el tesoro robado recién recuperado, Falstaff y Hal se turnan para personificar a Henry, con una corona de olla e imitaciones vocales. Henry, de Falstaff, reprende a Hal por pasar su tiempo con delincuentes comunes, pero nombra a Sir John Falstaff como su único amigo virtuoso. Henry, de Hal, llama a Falstaff un "engañador de la juventud".
Hal visita al rey en el castillo y Henry lo regaña por su estilo de vida criminal y poco ético. Henry advierte a Hal sobre el creciente ejército del Hotspur y su amenaza a su corona. Hal le promete apasionadamente a su poco impresionado padre que defenderá a Henry y redimirá su buen nombre. El ejército del rey, incluido Falstaff, desfila por las calles y se dirige a la guerra. Antes de la batalla, Henry se reúne con Worcester y se ofrece a perdonar a todos los hombres de traición de Hotspur si se rinden inmediatamente. Hal promete matar personalmente a Hotspur. Worcester regresa a su campamento y le miente a Hotspur, diciéndole que Henry tiene la intención de ejecutar a todos los traidores.
Los dos ejércitos se encuentran en la batalla de Shrewsbury , pero Falstaff se esconde entre los arbustos durante la mayor parte del conflicto. Después de una larga y sangrienta pelea, los hombres del Rey ganan la batalla, después de lo cual Hotspur y Hal se encuentran solos y se enfrentan en duelo; Mientras Falstaff observa, Hal mata al Hotspur. Henry condena a muerte a Worcester y toma prisioneros a sus hombres. Falstaff le lleva el cuerpo de Hotspur a Henry, alegando que él mató a Hotspur; Henry no le cree a Falstaff y, en cambio, mira con desaprobación a Hal y la innoble compañía que mantiene.
"No te conozco, viejo: cae en tus oraciones.
¡Qué mal que las canas se conviertan en un tonto y un bufón!
Hace mucho que soñé con una clase de hombre así,
tan hinchado por el exceso, tan viejo y tan profano;
Pero, estando despierto, desprecio mi sueño."
— Enrique IV, Parte 2 , Acto V, Escena 5
El narrador explica que todos los enemigos rebeldes de Enrique IV habían sido asesinados en 1408, pero que la salud de Enrique había comenzado a deteriorarse. En el castillo, Henry se enoja cuando le dicen que Hal vuelve a pasar tiempo con Falstaff y se derrumba. Hal visita el castillo y descubre que Henry está más enfermo de lo que pensaba. Hal le promete a Enrique ser un rey bueno y noble. Henry finalmente tiene fe en Hal y le aconseja cómo ser rey. Enrique muere y Hal les dice a sus hombres que ahora es el rey Enrique V.
Falstaff, Shallow y Silence se sientan frente a un cálido fuego, continuando desde la primera escena de la película. Reciben noticias de la muerte de Enrique IV y de que esa mañana se llevará a cabo la coronación de Hal. Falstaff se extasia y va directamente al castillo, pensando que se convertirá en un gran y poderoso noble bajo el rey Enrique V. En la coronación, Falstaff no puede contener su emoción e interrumpe toda la ceremonia, anunciándose a Hal. Hal le da la espalda a Falstaff y proclama que ya ha terminado con su antiguo estilo de vida. Mientras Falstaff mira a Hal con una mezcla de orgullo y desesperación, el nuevo rey destierra a Falstaff. La coronación continúa en el castillo mientras Falstaff se aleja, afirmando que será enviado esa noche. Esa noche, Falstaff muere en Boar's Head Tavern, y sus amigos lo lloran, diciendo que murió con el corazón roto. Hal se convirtió en un rey bueno y noble. [5]
La inspiración de Welles para Chimes at Midnight comenzó en 1930 cuando era estudiante en la Todd School for Boys en Woodstock, Illinois . Welles intentó montar una combinación de tres horas y media de varias obras históricas de Shakespeare llamada El invierno de nuestro descontento, en la que interpretó a Ricardo III. [6] Los funcionarios escolares lo obligaron a hacer recortes en la producción. [7] Chimes at Midnight se originó en 1939 como una obra de teatro llamada Five Kings , que Welles escribió y representó parcialmente. Fue una ambiciosa adaptación de varias obras de Shakespeare que narraban las historias de Ricardo II , Enrique IV , Enrique V , Enrique VI y Ricardo III . Sus fuentes fueron Ricardo II , Enrique IV, Parte 1 , Enrique IV, Parte 2 , Enrique V , Las alegres esposas de Windsor , Enrique VI, Parte 1 , Enrique VI, Parte 2 , Enrique VI, Parte 3 y Ricardo III , a veces colectivamente. llamado " ciclo de la Guerra de las Rosas ". [8] La agrupación de Enrique IV, Parte 1 , Enrique IV, Parte 2 y Enrique V a menudo se conoce como Henriad . [9]
Five Kings se anunció como parte de la segunda temporada del recientemente revivido Mercury Theatre en 1938. [10] John Houseman se había asociado con el prestigioso Theatre Guild para producir la obra por 40.000 dólares , con una gira inicial por Baltimore, Boston. Washington DC y Filadelfia antes de debutar en Broadway. [11] Welles tenía la intención de presentar sólo la primera parte de la obra, que fue tomada principalmente de Enrique IV Partes 1 y 2 y Enrique V , durante la gira mientras ensayaba simultáneamente la segunda parte y finalmente debutaba la producción completa en Broadway. [8] [12] [13] Houseman afirmó que el objetivo de la obra era "combinar la calidad inmediata del estilo isabelino con todos los dispositivos y técnicas posibles en el teatro moderno". [14] El elenco incluía a Welles como Falstaff, Burgess Meredith como el Príncipe Hal, John Emery como Hotspur, Morris Ankrum como Enrique IV y Robert Speaight como el Narrador. [15] [16] [17] La música de la obra fue compuesta por Aaron Copland . [18] Welles encargó la construcción de un elaborado decorado giratorio, pero no se completó durante las cinco semanas asignadas a los ensayos.
Welles evitó asistir a los ensayos o terminar el guión final de la obra y, en cambio, a menudo salía a beber y socializar con su coprotagonista Meredith, con el resultado de que solo se ensayaban escenas o fragmentos específicos de la obra. [19] La actuación de Baltimore finalmente se abandonó y en el primer ensayo general en Boston, se descubrió que la obra duraba más de cinco horas y media y contenía 46 escenas. Welles cortó 14 escenas y acortó otras, lo que provocó que el temporizador incorporado del set giratorio se desincronizara. [20] Five Kings, Part 1 se estrenó en el Colonial Theatre de Boston el 27 de febrero de 1939 y fue un desastre. [21] Los críticos fueron mordaces o se disculparon, y sólo las escenas de batalla de la obra recibieron elogios. [22] Al final de la carrera de Boston, el Theatre Guild estuvo a punto de abandonar la producción y canceló el compromiso con DC. Luego, Welles editó el programa a tres horas y media. [23] La obra cerró después de sólo unas pocas funciones en Filadelfia, y el Theatre Guild rescindió su contrato con el Mercury Theatre. [24] Las fotografías de los ensayos de la obra muestran similitudes con Chimes at Midnight , incluido el decorado de Boar's Head Tavern y el bloqueo de personajes de la escena de "campanas a medianoche" con Falstaff, Shallow y Silence. [25]
Welles volvió al proyecto en 1960, con actuaciones en Belfast y Dublín . Esta versión, ahora retitulada Chimes at Midnight , [26] fue producida por el viejo amigo de Welles, Hilton Edwards, a través de su compañía Gate Theatre, con sede en Dublín . [12] El elenco incluía a Welles como Falstaff, Keith Baxter como el príncipe Hal, Hilton Edwards como el narrador, [27] Reginald Jarman como Enrique IV [28] y Alexis Kanner como Hotspur. [29] En un momento, Welles y Edwards querían que Micheál Mac Liammóir reemplazara a Jarman como Enrique IV, pero Mac Liammóir solo aceptaría el papel del Príncipe Hal. [30] Hilton Edwards fue acreditado oficialmente como director, pero a Welles generalmente se le reconoce como el director real y, a menudo, fue el director durante los ensayos. [31] [32] El supuesto hijo biológico de Welles, Michael Lindsay-Hogg, también trabajó en la obra como actor y como asistente personal de Edwards. [33] La opinión de Welles sobre Falstaff se había intensificado desde que interpretó el papel por primera vez, y su nueva versión de la obra se centró más en la relación entre Falstaff y el príncipe Hal que en la historia histórica de la derrota de Hotspur por parte de Hal. [34] La mayoría de las escenas de Enrique V utilizadas en la primera versión anterior fueron eliminadas. [12] Welles tenía la intención de representar la obra en Belfast, Dublín y Londres antes de filmarla en Yugoslavia. [12]
Los ensayos de la obra comenzaron en Russell Square, Londres, con una lectura completa. Después de una semana de ensayos, Welles se fue para conseguir más financiación y Edwards dirigió la obra, trabajando en el bloqueo y la iluminación. Welles regresó una semana antes del estreno sin haber aprendido ni una sola línea. El elenco tuvo su ensayo técnico la noche anterior al estreno. que duró hasta las 8 de la mañana del día siguiente. Nunca tuvieron un ensayo general, ni siquiera una prueba, y nunca habían visto a Welles sin el libro o disfrazado. Después de estrenarse en la Grand Opera House de Belfast el 13 de febrero de 1960 y recibir una buena crítica de un corresponsal de Variety , se trasladó al Gaiety Theatre de Dublín. Durante dos noches, Orson hizo un espectáculo individual, comenzando con lecturas de JM Synge, Riders to the Sea, Moby Dick y las obras de Isak Dinesen. La segunda mitad fue un programa de televisión con preguntas del público. Posteriormente se reveló que las cámaras de televisión eran falsas, sólo para atraer audiencia. Welles continuó ajustando la obra a lo largo de su breve producción, y en un momento trasladó el discurso de Mistress Quickly sobre la muerte de Falstaff al comienzo de la obra. [35] Welles finalmente abandonó todo el proyecto a finales de marzo de 1960, cuando su amigo Laurence Olivier le ofreció la oportunidad de dirigirlo en la obra de Eugène Ionesco Rhinoceros en el West End de Londres. [36] Según Keith Baxter, Welles terminó la obra porque estaba aburrido y en un momento le dijo a Baxter: "Esto es sólo un ensayo para la película, Keith, y nunca la haré a menos que interpretes a Hal en eso también." Cinco años más tarde, la hija menor de Baxter y Welles, Beatrice Welles , que interpretó al paje de Falstaff, fueron los únicos miembros del reparto de la obra que aparecieron en la película. [28] [37] Chimes at Midnight fue la última actuación de Welles en una obra de teatro. [31]
En 1964, Welles conoció y se hizo amigo del productor de cine español Emiliano Piedra , que quería trabajar con él. Piedra no pensó que una película de Shakespeare fuera lo suficientemente comercializable y propuso que Welles hiciera una versión de La isla del tesoro . Welles aceptó esto con la condición de que simultáneamente pudiera hacer Chimes at Midnight , y Piedra aceptó sin saber que Welles no tenía intención de hacer Treasure Island . Aunque algunas imágenes B-roll del Alicante saliendo del puerto se filmaron al principio de la producción, nunca se filmó ni se escribió ninguna escena de Treasure Island . Welles se salió con la suya durante la preproducción construyendo decorados que podrían usarse en ambas películas, como la taberna Boar's Head de Mistress Quickly, que funcionaría como Admiral Benbow Inn. Welles también eligió a cada actor para ambas películas, eligiéndose a sí mismo como Long John Silver, Baxter como el Dr. Livesey, Beckley como Israel Hands y Gielgud como Squire Trelawney. [38] Irónicamente, Welles eventualmente interpretaría a Long John Silver en la versión cinematográfica no relacionada de 1972 de Treasure Island . [39]
Welles dijo que Boar's Head Tavern fue el único decorado completo construido para la película, y que los otros decorados se vistieron o decoraron simplemente en el lugar. Welles declaró que diseñó, pintó y quemó el decorado, y diseñó todo el vestuario de la película. [39] Al principio de la preproducción, Anthony Perkins se acercó a Welles para interpretar al Príncipe Hal, pero Welles ya le había prometido el papel a Keith Baxter. [40] [41] Hilton Edwards fue elegido inicialmente como Justice Silence, pero fue reemplazado después de que se enfermó. [42] El título Campanas a medianoche deriva de Enrique IV, Parte 2 , donde en respuesta al recuerdo del juez Shallow de sus días escolares pasados, Falstaff afirma: "Hemos escuchado las campanadas a medianoche, maestro Shallow". [43] La estudiosa de Welles, Bridget Gellert Lyons, dijo que el título de la película, "al que se le da mayor resonancia por el repetido entono de campanas a lo largo de la película, se asocia para el público con la tristeza y la mortalidad más que con la juerga juvenil". [44]
La película se rodó en España desde septiembre de 1964 hasta abril de 1965, con una pausa en el rodaje desde finales de diciembre hasta finales de febrero. [45] Las limitaciones de Welles sobre la película incluían un presupuesto de 800.000 dólares y que los actores Jeanne Moreau y John Gielgud estuvieran disponibles durante cinco y diez días respectivamente, [46] mientras que Margaret Rutherford estuvo disponible sólo cuatro semanas. [47] Welles luego bromeó diciendo que durante una escena que incluía siete personajes principales, ninguno de los actores estaba disponible y se utilizaron sustitutos para tomas por encima del hombro de los siete personajes. [39] El rodaje comenzó en Colmenar e incluyó todas las escenas de John Gielgud. Welles viajó después a Cardona , donde se rodaron las escenas de la Corte Real y de Marina Vlady, y al parque de la Casa de Campo de Madrid , donde se rodó la escena del robo de Gadshill. Madrid fue también la ubicación del set de Boar's Head Tavern, donde Welles rodó las escenas de Moreau y Rutherford. Luego, la producción viajó a Pedraza para algunas escenas callejeras al aire libre, y luego a Soria para rodar en la nieve las primeras tomas. Después de rodar algunas escenas de Justice Shallow y Justice Silence en el País Vasco , Welles regresó a Madrid en diciembre para rodar las escenas de batalla en el parque de la Casa de Campo durante diez días. [48] [49]
El cineasta de explotación Jesús "Jess" Franco trabajó como asistente de dirección de la película. No aparece en los créditos porque él y Orson Welles tuvieron una pelea. [50]
A finales de diciembre, Welles se había quedado sin dinero y la película quedó en suspenso mientras buscaba financiación adicional. [51] Sin embargo, se rodaron algunas pequeñas escenas durante el descanso. Welles dijo más tarde que había rechazado ofertas de financiación condicionadas a filmar en color. [52] Welles finalmente consiguió financiación de Harry Saltzman [53] y la producción se reanudó oficialmente a finales de febrero con la mayoría de los discursos más largos de Keith Baxter y la escena de la Coronación en Madrid. Entre marzo y abril, Welles terminó la película con planos de relleno, primeros planos, la escena final del rechazo y la mayoría de los discursos de Falstaff. Según Keith Baxter, Welles tenía miedo escénico y retrasó todas sus escenas hasta el final del rodaje, excepto las escenas que incluían a otros actores. [54] Welles se mostró tímido a la hora de rodar su escena de amor con Moreau y utilizó un doble siempre que fue posible. [55] Otros lugares de rodaje incluyeron el Castillo de Calatañazor , la Puerta de San Vicente, la Catedral de Soria [56] y la ciudad de Ávila . [57] Welles fue duro con los miembros de su equipo y, según el actor Andrew Faulds, "les habló en cinco idiomas diferentes y fue bastante ofensivo, muy exigente. Supongo que había descubierto que si intimidabas a los actores, no lo hacías". "No obtengo lo mejor de ellos, mientras que al diablo con los técnicos. Tenían que hacer lo que les decían y bastante rápido". [58] Se cortó una escena que representaba el asesinato del rey Ricardo II , originalmente destinada a abrir la película. [59]
Keith Baxter dijo que la banda sonora de la película fue postdoblada meses después de finalizar el rodaje, y que los actores Fernando Rey y Marina Vlady fueron doblados por diferentes actores debido a sus fuertes acentos. Baxter también afirmó que él, Welles y Michael Aldridge grabaron voces para varios personajes en posproducción. [60] El discurso de Mistress Quickly después de la muerte de Falstaff, que fue interrumpido por el zumbido audible de un generador de energía, utilizó la versión original de la banda sonora porque a Welles le gustó la actuación de Margaret Rutherford lo suficiente como para conservarla. [61] La partitura fue compuesta por Angelo Francesco Lavagnino , que había trabajado con Welles en Otelo ; se destaca por su uso prominente de melodías de danza monofónicas medievales reales (y algo de “música antigua” posterior, como varias de las piezas consortes isabelinas de Antony Holborne) en una época en la que esto era todo menos común. La partitura fue grabada en un estudio italiano, que pagó a Lavagnino por su trabajo en la película a cambio de los derechos de la música, y luego lanzó un álbum de banda sonora en Italia y el Reino Unido. [62] Durante el montaje, Welles mostró un borrador al director visitante del Festival de Cine de Cannes , quien inmediatamente quiso incluir la película en el festival, y Welles tuvo que terminar el montaje más rápido de lo que prefería. [54]
Welles originalmente había querido que toda la película utilizara una cinematografía de alto contraste, parecida a los grabados de la Edad Media; sólo la secuencia del título de apertura utiliza esta técnica. [63] La secuencia más famosa de la película es la Batalla de Shrewsbury; sólo estaban disponibles unos 180 extras y Welles utilizó técnicas de edición para dar la apariencia de ejércitos de miles. [55] Welles filmó todas las escenas de batalla en tomas largas, pero cortó las tomas en fragmentos para crear el efecto que quería. [59] Se necesitaron diez días para filmar las escenas y seis semanas para editar lo que se convirtió en una secuencia de seis minutos. [49] Al filmar la secuencia, Welles a menudo utilizó cámaras portátiles, lentes gran angular, tomas en cámara lenta y acelerada, tomas estáticas, movimientos rápidos y constantes de los personajes para crear una atmósfera cinética y caótica. Anderegg ha dicho que "al final, ambos ejércitos se han convertido en una máquina de guerra enorme, incómoda y en desintegración, un robot grotesco cuya fuente de energía comienza a fallar lentamente y finalmente se detiene por completo. La retórica verbal -el lenguaje mismo- parece, por el momento, momento, irrelevante y obsceno." [64]
Los críticos de cine a menudo han calificado la secuencia de la Batalla de Shrewsbury como una declaración contra la guerra y la han comparado con películas contemporáneas como Dr. Strangelove y Culloden . El estudioso de Shakespeare Daniel Seltzer dijo que "la conciencia social de la película es tan alerta como la de Shakespeare, y también temáticamente pertinente en términos de Shakespeare... las imágenes de la batalla de Shrewsbury en sí deben ser algunas de las mejores, más verdaderas y más feas escenas de guerra". jamás filmado y editado para una película". [64] El estudioso de Welles, James Naremore, dijo que "el erotismo subyacente del código caballeresco... queda expuesto en toda su cruel perversidad". [64] Tony Howard escribió que Welles utilizó las obras históricas de Shakespeare "para denunciar la hipocresía política y el militarismo modernos". [sesenta y cinco]
Debido a limitaciones presupuestarias, tanto el sonido del set como el de postproducción se grabaron mal. Anderegg escribió que esto, en combinación con los rápidos movimientos de cámara y la edición de Welles, hace que el diálogo de Shakespeare sea más difícil de entender. Muchas escenas se filman en tomas largas o con los personajes de espaldas a la cámara, probablemente con fines prácticos cuando los actores no estaban presentes, lo que crea más problemas de sonido. "En efecto", escribe Anderegg, "Welles genera una tensión constante entre lo que vemos y lo que oímos, una tensión que señala el estatus ambiguo del lenguaje en su relación con la acción". [66] Durante la secuencia de la Batalla de Shrewsbury , Welles utilizó una banda sonora compleja y en capas que incluía sonidos de espadas y armaduras chocando, soldados gruñendo y gritando, huesos rompiéndose, botas en el barro y la partitura musical de la película para aumentar el caos de la escena. [64]
La adaptación de Welles de cinco obras de Shakespeare no fue una transcripción cronológica de los textos originales. El erudito de Shakespeare Kenneth S. Rothwell dijo que Welles "va más allá de la mera modificación de las escenas de Shakespeare; [él] las reelabora, transpone, revisa y elimina masivamente, de hecho, las reconstruye". Estos cambios incluyeron tomar líneas de diálogo de una obra e insertarlas en escenas de otra. [67] Los cambios específicos incluyen una escena cerca del final de la película en la que Hal perdona a un agitador callejero encarcelado justo antes de su expedición para invadir Francia ; Welles alteró ligeramente esta escena de Enrique V , Acto 2, Escena 2. En la película se afirma que este hombre es Falstaff, y que el incidente que está perdonando es la alteración de la coronación de Hal por parte de Falstaff. Aunque se dice que tanto el prisionero perdonado como Falstaff beben vino, Shakespeare no implica que el prisionero perdonado sea Falstaff. [68] Tanto en Campanadas de medianoche como en Enrique V , esta escena es seguida por la muerte de Falstaff. [69] La película no contiene verdaderos soliloquios , ya que los personajes nunca están solos y no hablan directamente al público durante sus discursos. [66] Enrique IV generalmente se muestra de pie o sentado con muy poca acción involucrada; esto, dice Anderegg, hace que parezca que habla solo para sí mismo, incluso cuando hay otros presentes. Gielgud era conocido por su interpretación clásica de Shakespeare, y su actuación se compone casi exclusivamente de palabras, que no pueden derrotar ni a los rebeldes de Northumberland ni al comportamiento salvaje de Hal. A lo largo de la película, Falstaff, Hal y Hotspur imitan a Gielgud, burlándose de las palabras de Enrique IV. [70]
Chimes at Midnight se estrenó con una recepción positiva del público en el Festival de Cine de Cannes de 1966 . Sin embargo, después de la crítica anticipada desfavorable del crítico del New York Times , Bosley Crowther , el distribuidor estadounidense Harry Saltzman decidió darle a la película poca publicidad y una distribución mínima cuando se estrenó en Estados Unidos el año siguiente. [71] La recepción crítica en su primer lanzamiento fue en su mayoría negativa; la película no fue considerada una de las mejores de Welles hasta años después. Crowther criticó la mala pista de audio de la película y la llamó "un mosaico confuso de escenas y personajes... diseñado para dar una mayor exposición a Jack Falstaff". La actuación de Welles, dijo, fue "la de un Papá Noel disoluto y torpe de esquina". [72] Penélope Houston la llamó "una película que parece darle la espalda a la brillantez". [73] Una reseña de Time también criticó a Welles, afirmando que "[él] es probablemente el primer actor en la historia del teatro que parece demasiado gordo para el papel... domina las escenas menos con el inglés hablado que con el inglés corporal". ", pero que "nunca es del todo malo". [74]
Judith Crist elogió la película por ser "cruda, simple, concentrada en la palabra y la interpretación, y que sirve como un recordatorio de dónde reside la sustancia de la obra". [75] Pauline Kael también criticó el mal sonido, pero dio una crítica favorable en general, destacando el reparto de la película y calificando la actuación de Welles como "muy rica, muy completa". Dijo que la secuencia de la Batalla de Shrewsbury era "diferente a cualquier escena de batalla realizada antes en la pantalla". [76] El crítico de Cahiers du Cinéma, Serge Daney, también elogió tanto la película como la capacidad de Welles para hacer grandes películas sobre el tema del poder. [77] Welles quedó decepcionado con la recepción de la película y se quejó de que "casi nadie la ha visto en Estados Unidos, y eso me vuelve loco". [78]
Welles tenía en gran estima a Chimes at Midnight . "Es mi película favorita, sí", le dijo a la entrevistadora Leslie Megahey en una entrevista de 1982 para BBC Arena :
Si quisiera llegar al cielo gracias a una película, esa es la que ofrecería. Creo que es porque para mí es el menos defectuoso; Déjame decirlo de esa manera. Es el más exitoso para lo que intenté hacer. En mi opinión, con eso logré más éxito que con cualquier otra cosa. [79] [80] : 203
También la consideró su película más personal, junto con Los magníficos Amberson . [81] Muchos críticos, incluidos Peter Bogdanovich y Jonathan Rosenbaum , también consideran Campanadas a medianoche como el mejor trabajo de Welles. Varios años después de su estreno inicial, el crítico de cine Vincent Canby de The New York Times escribió que Chimes at Midnight "puede ser la mejor película de Shakespeare jamás realizada, sin excepción". [82] Joseph McBride la ha llamado "la obra maestra de Welles, la expresión más completa y realizada de todo por lo que había estado trabajando desde Ciudadano Kane ". [83] En 2006, Roger Ebert elogió la película como "una película magnífica, claramente entre las mejores obras de Welles". [84]
La secuencia de la Batalla de Shrewsbury ha sido particularmente admirada e inspiró películas posteriores, incluidas Braveheart y Saving Private Ryan . Los críticos de cine la han comparado con la secuencia de los Pasos de Odessa en El acorazado Potemkin y la secuencia de La batalla sobre el hielo en Alexander Nevsky , ambas dirigidas por Sergei Eisenstein . [85] Enrique V de Kenneth Branagh utilizó la secuencia de la Batalla de Shrewsbury de Welles como inspiración para la Batalla de Agincourt , [64] y describió el rechazo del Príncipe Hal a Falstaff de una manera que estaba más influenciada por Chimes at Midnight que por las más tradicionales. Interpretaciones de la escena. [86] En 1988, el director Patrick Garland presentó una versión de Chimes at Midnight protagonizada por Simon Callow como Falstaff en el Chichester Festival Theatre . [87] Michael Anderegg dijo que el uso de lentes gran angular, iluminación y vestuario discretos en Chimes at Midnight , y su enfoque en la relación entre Falstaff y el príncipe Hal, influyeron en My Own Private Idaho , la adaptación libre de Gus Van Sant de 1991 . de Enrique IV Partes 1 y 2 . [88]
En 2011, la Casa de Subastas Bonham vendió un gran archivo de material de Welles que alguna vez perteneció al productor ejecutivo de la película, Alessandro Tasca di Cuto. La mayor parte del material era de Chimes at Midnight e incluía obras de arte, fotografías y memorandos originales de Welles. [89] Esta colección fue posteriormente donada a la Universidad de Michigan para estudios académicos. [90]
En 2012, para la encuesta Sight and Sound del British Film Institute , 11 críticos de cine y dos directores votaron Chimes at Midnight como una de las 10 mejores películas de todos los tiempos, incluidas McBride y Todd McCarthy . [91]
El escritor español y director de la Filmoteca de Cataluña Esteve Riambau publicó un libro sobre la película titulado Las cosas que hemos visto: Welles y Falstaff en 2015. [92] [93]
En el Festival de Cine de Cannes de 1966, Chimes at Midnight se proyectó en competición por la Palma de Oro y ganó el Gran Premio Técnico (empatado). [94] Welles fue nominado al premio BAFTA al Mejor Actor Extranjero en 1968 [95] En España, la película ganó el Premio del Círculo de Escritores Ciudadanos a la Mejor Película en 1966. [96]
Debido a disputas legales sobre los derechos, Chimes at Midnight se ha lanzado sólo dos veces en vídeo VHS en los Estados Unidos, ninguno de los cuales está disponible actualmente. La viuda de Harry Saltzman, Adriana Saltzman, [53] las familias de los productores Emiliano Piedra y Angel Escolano y el patrimonio de Orson Welles, mantenido por Beatrice Welles , entre otros, han reclamado la propiedad de la película. [97] Durante muchos años, la única fuente disponible fue un DVD sin región de Brasil. Bongo Records proyectó una versión restaurada en el Reino Unido en Picturehouse Cinemas el 1 de agosto de 2011. [98] En febrero de 2015, la película se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Sedona . Beatrice Welles asistió y anunció que "un importante sello de DVD/Blu-ray está interesado en restaurar y lanzar Chimes at Midnight ". [92] La prístina impresión de 35 mm fue descubierta por Distribpix Inc., quien dijo que estaba "en tan buenas condiciones que está pidiendo a gritos una restauración completa del escaneo 4k". [99]
La película se estrenó en Europa en DVD y Blu-ray el 29 de junio de 2015. [100] [101]
Janus Films lanzó una versión restaurada de la película en DCP que se estrenó el 1 de enero de 2016 en Film Forum en la ciudad de Nueva York del 1 al 12 de enero de 2016 y en Cinefamily en Los Ángeles. [102] [103] Esta versión restaurada no se deriva de la impresión de Distribpix. [104] Peter Becker, presidente de Criterion, dijo que el lanzamiento es producto de más de 20 años de esfuerzo: "No hay ninguna película que hayamos esperado más o que hayamos trabajado más duro para liberar, y ninguna de la que estemos más orgullosos de presentar". él dijo. [105] Criterion lanzó esta restauración en DVD y Blu-ray el 30 de agosto de 2016.
Welles consideraba a Falstaff "la mayor creación de Shakespeare" [106] y dijo que el papel era "el papel más difícil que he desempeñado en mi vida". [107] Keith Baxter creía que hacer la película era la ambición de la vida de Welles. [54] Antes del estreno en Boston de 1939 de Five Kings , Welles dijo a los periodistas: "Lo interpretaré como una figura trágica. Espero, por supuesto, que sea divertido para el público, tal como lo fue para quienes lo rodeaban. Pero su humor e ingenio surgían simplemente por el hecho de que quería complacer al príncipe. Falstaff, sin embargo, tenía el potencial de la grandeza en él." [108] Las reseñas de la obra de 1939 mencionan la decisión de Welles de restar importancia a los elementos cómicos tradicionales de Falstaff en su actuación. [25] Esta reverencia por el personaje aumentó con los años y cuando Welles hizo Campanadas a medianoche , su atención se centraba por completo en las relaciones entre Falstaff, Hal y Enrique IV. Creía que el núcleo de la historia era "la traición de la amistad". [44] Welles calificó el rechazo de Hal a Falstaff como "una de las mejores escenas jamás escritas, por lo que la película es realmente una preparación para ello. Todo se prepara para ello". [109] A lo largo de la película, Hal repetidamente le da la espalda a Falstaff, presagiando el final de la película. [110]
La película no pretendía ser un lamento por Falstaff, sino por la muerte de Merrie England . La Merrie England como concepción, un mito que ha sido muy real en el mundo de habla inglesa y que hasta cierto punto se expresa en otros países de la época medieval: la época de la caballería, de la sencillez, de Mayo y todo eso. Es más que Falstaff quien está muriendo. Es la vieja Inglaterra agonizante y traicionada. ~Orson Welles [81]
Muchos teóricos del cine y biógrafos de Welles han escrito sobre el tema recurrente del " Edén perdido " en la obra de Welles y de los personajes que sienten nostalgia por un pasado idealizado, que Welles llamó "el tema central de la cultura occidental". [9] Welles le dijo a Peter Bogdanovich que "incluso si los buenos viejos tiempos nunca existieron, el hecho de que podamos concebir un mundo así es, de hecho, una afirmación del espíritu humano". [111] El estudioso del cine Beverle Houston argumentó que esta nostalgia hacía que la representación de Welles de Falstaff fuera infantil y calificó su actuación como un "[p]or bebé... una criatura parecida a un feto que come y chupa". [66] Welles también llamó a Falstaff "la mayor concepción de un buen hombre, el hombre más completamente bueno, en todo el drama", [107] y dijo que "cuanto más me acercaba a Falstaff, menos divertido me parecía". "Cuando lo interpreté antes en el teatro, parecía más ingenioso que cómico. Y al llevarlo a la pantalla, lo encontré sólo ocasionalmente, y sólo deliberadamente , un payaso." [108]
"[Falstaff] es bueno en el sentido en que los hippies son buenos. La comedia trata sobre los grandes defectos del hombre, pero esos defectos son muy triviales: su famosa cobardía es una broma, una broma que Falstaff parece estar contándose a sí mismo. él mismo... pide tan poco, y al final no obtiene nada." - Welles sobre Falstaff [111]
Keith Baxter comparó a Welles con Falstaff, ya que ambos siempre estaban escasos de dinero, a menudo mentían y engañaban a la gente para conseguir lo que necesitaban y siempre eran alegres y amantes de la diversión. [54] El estudioso del cine Jack Jorgens también comparó a Welles con Falstaff, afirmando que "a un hombre que dirigió y protagonizó una obra maestra y desde entonces se ha tambaleado a lo largo de tres décadas de películas mal financiadas, apresuradas y defectuosas, decenas de pequeños papeles, narraciones y entrevistas. que degradaron su talento, decenas de proyectos que murieron por falta de perseverancia y financiación, la historia de un bufón gordo y anciano exiliado de su público y que ya no es capaz de triunfar sobre obstáculos imposibles con ingenio e imaginación torrencial bien podría parecer trágico." [112] Cuando Joss Ackland interpretó a Falstaff en el escenario en 1982, dijo que estaba más inspirado por Welles que por la actuación de Welles como Falstaff, afirmando que "al igual que Falstaff, creo que podría haber logrado mucho, pero fue desperdiciado". lejos." [86] Kenneth S. Rothwell ha calificado el rechazo de Hal a Falstaff como alegórico al rechazo de Hollywood a Welles. [113] Welles se había deprimido profundamente a finales de la década de 1950 después de la decepción de hacer Touch of Evil , su previsto regreso a Hollywood. [114]
El biógrafo de Welles, Simon Callow, ha comparado a Falstaff con el padre de Welles, Richard Head Welles, afirmando que, al igual que Falstaff, el padre de Welles era "un borracho, un embaucador, un fanfarrón, un mujeriego, un caballero y un encantador, y es rechazado por el persona que más ama." [108] El padre de Welles era un alcohólico y mujeriego que a menudo llevaba consigo a un Welles adolescente cuando se entregaba a sus vicios. Welles observó a su padre de la misma manera que Hal observa a Falstaff y depende de su joven protegido para sacarlo de los problemas. [115] El triángulo amoroso entre el príncipe Hal y sus dos figuras paternas, Enrique IV y Falstaff, también es similar a las relaciones de Welles con su padre y los dos hombres que se convirtieron en padres sustitutos para él: el amigo de la familia, el Dr. Maurice Bernstein, y Todd School. Para el director de niños, Roger Hill. [115] Ambos padres sustitutos de Welles desaprobaron el estilo de vida de Richard Welles y su influencia negativa sobre Welles. Cuando el joven Welles cumplió quince años, siguió el consejo de Roger Hill y le dijo a su padre que no lo volvería a ver hasta que se arreglara y dejara de beber; El padre de Welles murió poco después, solo y solitario, y Welles siempre se culpó a sí mismo por la muerte de su padre y afirmó: "Siempre pensé que lo maté". [116]
El supuesto hijo biológico de Welles, Michael Lindsay-Hogg , que nació fuera del matrimonio de Welles y la actriz Geraldine Fitzgerald , conoció a Welles cuando tenía 15 años y luego trabajó en la obra de teatro de 1960 Chimes at Midnight . Esta fue la única cantidad significativa de tiempo que los dos pasaron juntos y después Lindsay-Hogg solo vio a Welles esporádicamente. Al igual que Welles, Lindsay-Hogg tuvo dos padres sustitutos además de su padre biológico. [117] A finales de la década de 1950, cuando tenía dieciséis años, la hija mayor de Welles, Christopher Welles Feder, cortó todos los lazos con Welles bajo la presión de su madre, quien desaprobaba la influencia de Welles sobre ella. [118] Welles y Feder se volvieron a conectar más tarde, pero su relación nunca se recuperó por completo. [119] Beatrice, la hija menor de Welles, que se parecía a su padre cuando era niño, aparece en la versión cinematográfica de Chimes at Midnight . [78]