El arte en bronce y latón data de la antigüedad remota . Estos metales importantes son las aleaciones , el bronce compuesto de cobre y estaño y el latón de cobre y zinc .
Las proporciones de cada aleación varían ligeramente. Normalmente se puede considerar que el bronce es nueve partes de cobre por una de estaño. Otros ingredientes que se encuentran ocasionalmente son más o menos accidentales. El resultado es un metal de un rico color marrón dorado, capaz de ser trabajado por fundición , un proceso poco aplicable a sus componentes, pero particularmente exitoso con el bronce, la densidad y dureza del metal le permiten tomar cualquier impresión de un molde. , por delicado que sea. De este modo es posible crear obras ornamentales de diversos tipos.
El proceso de fundición de bronce y latón se conoce como cire perdue , y es el más primitivo y el más empleado a lo largo de los siglos, habiendo sido descrito por el monje Teófilo y también por Benvenuto Cellini . Brevemente, es como sigue: un núcleo, que representa aproximadamente el tamaño y la forma del objeto que se va a producir, se hace de ladrillo machacado, yeso u otra sustancia similar y se seca completamente. Sobre esto el artista superpone su cera , que modela en el grado requerido en su obra terminada. Pasando desde el núcleo a través de la cera y sobresaliendo más allá hay varillas de metal. Una vez finalizado el modelado, llamado fundición a la cera perdida , se debe aplicar la cubierta exterior que formará el molde; Se trata de un líquido formado por arcilla y yeso lo suficientemente fino como para penetrar en cada detalle del modelo de cera. Se aplican más capas de líquido, de modo que, cuando está seco, hay una capa exterior sólida y un núcleo interior sólido unidos por las varillas de metal, con la obra de arte modelada en cera en el medio. Se aplica calor y la cera se derrite y sale, y el metal fundido se vierte y ocupa cada detalle que la cera había llenado. Cuando está frío, se rompe con cuidado la carcasa exterior, se rastrilla el núcleo lo más posible, se retiran las varillas salientes y el objeto modelado en cera aparece en bronce . Si se requiere un acabado adicional, se obtiene mediante estampación. [1]
El cobre empezó a utilizarse en la zona del Egeo cerca del final de la era predinástica de Egipto, alrededor del 3500 a.C. El instrumento más antiguo conocido es una hacha plana, que se encontró en el suelo de una casa neolítica en el patio central del palacio de Knossos en Creta , y se considera un producto egipcio. El bronce no se utilizó generalmente hasta mil años o más después. Su primera aparición es probablemente en los hachas y dagas de la Segunda Ciudad de Troya , donde ya es la aleación estándar de 10% de estaño. No se estableció en Creta hasta principios de la edad minoica media (MMI, c. 2000 a. C.). La Edad del Cobre comenzó en el norte de Grecia e Italia c. 2500 a. C., mucho más tarde que en Creta y Anatolia , y la cultura italiana madura de la Edad del Bronce de Terremare coincidió en el tiempo con la civilización del Egeo tardío ( micénica ) (1600-1000 a. C.). Se desconocen las fuentes originales de estaño y cobre en estas regiones. [1]
Herramientas y armas, cinceles y puntas de hacha , puntas de lanza o dagas , son los únicos artefactos supervivientes de la Edad del Cobre, y no muestran tratamiento artístico. Pero algunas formas de cerámica del Minoico temprano están claramente copiadas de prototipos metálicos, tazas y jarras de construcción simple y diseño bastante elaborado. Las copas son cónicas y, a veces, con pie de tallo; hay jarras ovaladas con picos tubulares largos y jarras picudas con hombros redondos colocadas sobre cuerpos cónicos. Las cabezas de remaches que unen las piezas metálicas se reproducen a menudo como elemento decorativo en arcilla. Las jarras con pico y el tipo de cabeza de hacha perforada indican que las conexiones metalúrgicas de la Creta minoica temprana eran en parte mesopotámicas .
Se sabe que el trabajo en bronce del Minoico Medio floreció como arte nativo independiente. A principios de esta época pertenece la espada más grande de la época, encontrada en el palacio de Malia . Es una hoja plana, de 79 cm de largo, con base ancha y punta afilada; hay una empuñadura de oro y cristal, pero ningún adorno en la hoja. Una daga de fecha algo posterior, ahora en el Museo Metropolitano de Nueva York, es la pieza más antigua de bronce decorado de Creta. Ambos lados de la hoja están grabados con dibujos: toros peleando y un hombre cazando jabalíes en un matorral. Un poco más tarde ( MM III ) hay una serie de hojas de Grecia continental, que deben atribuirse a artesanos cretenses, con adornos en relieve, incisos o incrustados de oro, plata y niel . Las incrustaciones más elaboradas, imágenes de hombres cazando leones y gatos cazando pájaros, se encuentran en dagas de las tumbas de Micenas . Estos grandes diseños cubren toda la hoja plana excepto el borde, pero en las espadas, mejor representadas por los hallazgos en Knossos , el adorno se limita a las nervaduras centrales altas, que son una característica esencial de las hojas más largas. El tipo pertenece al comienzo de la era minoica tardía (micénica). La empuñadura está realizada de una sola pieza con la hoja; tiene una guarda con cuernos, un borde con bridas para sujetar las escamas de agarre y una espiga a modo de pomo . Las escamas eran de marfil o alguna otra sustancia perecedera y estaban fijadas con remaches de bronce ; los pomos solían estar hechos de cristal . Un estoque de Zapher Papoura (Knossos) mide 91,3 cm de largo; su nervadura central y el reborde de la empuñadura están grabados con bandas de espirales, y sus cabezas de remache (originalmente revestidas de oro) con verticilos. Las hojas micénicas ordinarias están enriquecidas con molduras estrechas, paralelas a las nervadura centrales de espadas y dagas, o al lomo curvo de cuchillos de un solo filo. Las puntas de lanza tienen casquillos martillados. Otras herramientas e implementos son cuchillos ovalados de dos filos, navajas de punta cuadrada , hacha , cinceles, martillos , hachas, azadones , rejas de arado y sierras . Las armas de las Cícladas y de la Grecia continental ( Heládica ) no muestran adornos, pero incluyen algunos tipos novedosos. Una punta de lanza con espiga tiene una hoja hendida (cicládica) o deslizada (heládica) para asegurar el eje; y la alabarda , un arma de Europa occidental , se utilizaba en la Grecia heládica media.. Quedan pocos restos de armaduras metálicas micénicas ; una carrillera sencilla de un casco proviene de Ialysos en Rodas , y un par de grebas de Enkomi en Chipre . Una de las chicharrones tiene alambre remachado en su borde para sujetarla. [1]
Son numerosas las vasijas del Minoico Medio y Tardío y Micénicas . Las primeras en tamaño son algunas cuencas encontradas en Tylissos en Creta, la más grande mide 1,40 metros de diámetro. Son cuencos semiesféricos poco profundos con dos o tres asas remachadas en los bordes y están hechos en varias secciones. El mayor está compuesto por siete láminas martilladas, tres en el labio, tres en el cuerpo y una en la base. Este método de construcción es habitual en formas grandes y complicadas. Las uniones de los cuellos y cuerpos de jarras y tinajas a menudo estaban enmascaradas con una moldura enrollada. También se moldearon formas más simples y pequeñas. Los mejores ejemplares de estos vasos proceden de casas y tumbas de Knossos . Su adorno se aplica en bandas separadas, martilladas o fundidas y cinceladas , y soldadas en el borde o hombro de la vasija. Una forma ricamente decorada es un cuenco poco profundo con un asa ancha y borde plano, en ambos casos hay motivos foliados o florales en relieve . [1]
Una forma notable, que conecta la metalurgia prehistórica con la helénica, es un cuenco trípode, un cuerpo globular martillado con asas anulares verticales en el labio y pesadas patas de fundición unidas al hombro.
El trabajo puramente decorativo es raro entre los bronces minoicos y su calidad es comparativamente pobre. Hay varias estatuillas, muy completamente modeladas pero toscamente fundidas; son sólidos y sin pulir, con detalles borrosos. Son muy conocidas una figura de una mujer rezando o bailando de la Tróade , ahora en Berlín , y otra de Hagia Triada ; hombres orantes de Tylissos y Psychro , otro en el Museo Británico , un flautista de Leyden y un grupo ambicioso de un hombre que daba un salto mortal sobre un toro que embistía, conocido como el saltador de toros minoico . Esto último quizá fuera un peso; Hay pesas micénicas más pequeñas con forma de animales, rellenas de plomo , procedentes de Rodas y Chipre. Entre los últimos bronces micénicos encontrados en Chipre se encuentran varios trípodes de construcción calada simple , un tipo que también se ha encontrado con material de transición en Creta y en contextos (geométricos) de la Edad del Hierro Temprana en el continente griego. Algunas piezas más elaboradas, fundidas con diseños de barcos, hombres y animales, pertenecen a un grupo de bronces encontrados en la cueva de Ida en Creta, la mayoría de los cuales son obras asiáticas de los siglos IX u VIII a.C. Los trípodes calados pudieron haber tenido el mismo origen. Probablemente no sean griegos.
Durante la Edad Media de la transición del bronce al hierro, las artes decorativas permanecieron casi inmóviles, pero la orfebrería industrial se producía libremente. Hay algunos restos de vasijas geométricas de bronce, pero como en el caso del material del Minoico temprano , se registran formas metálicas en sus derivados cerámicos. Algunas formas de jarrones son claramente supervivientes del repertorio micénico, pero un mayor número son nuevas, y se trata de cuerpos elementales y algo torpes, esféricos o bicónicos, enormes cuellos cilíndricos con largas asas y sin pico. Los adornos de cerámica pintada también reflejan originales de metal, y algunos restos de delgada placa de bronce con hileras de perillas en relieve y ligeramente grabados en contornos rayados o en zig-zag representan sin duda el arte que los recién llegados trajeron consigo a tierras griegas. Este tipo de trabajo decorativo se ve mejor en los bronces de la cultura Villanova, estrechamente relacionada , del norte y centro de Italia . Una característica novedosa es la aplicación de pequeñas figuras redondas, particularmente pájaros y cabezas de buey , como adornos de mangos, tapas y bordes. El estilo geométrico italiano evolucionó hacia la complicación, en bandas estrechas y abarrotadas de patrones convencionales y filas apretadas de patos; pero la obra griega contemporánea fue un refinamiento de los mismos elementos toscos.
El grabado aparece en su mejor momento en las grandes placas de fijación de las fíbulas , algunas de las cuales contienen las imágenes más antiguas conocidas de la mitología helénica . Se hacían pequeñas estatuillas de animales para uso votivo y también servían como sellos, cuyos dispositivos se fundían debajo de sus bases. Hay una gran serie de figuras de este tipo, en su mayoría caballos, de pie sobre placas grabadas o perforadas, que evidentemente derivaban de sellos; entre los ejemplos posteriores se encuentran grupos de hombres y centauros. Los calderos-trípode de Olimpia tienen animales tumbados o de pie sobre sus asas verticales, sujetas por figuras humanas en los bordes. Los tiradores y las patas están fundidos y enriquecidos con elegantes molduras geométricas. Los cuencos están labrados y su forma y técnica son prehelénicas. He aquí dos de los elementos del arte griego clásico en pleno desarrollo: las formas y procesos de épocas anteriores revitalizados por un nuevo sentido estético. [1]
Un tercer elemento lo aportó pronto el rico repertorio de motivos decorativos, egipcios y asirios , que fueron traídos a Europa por los comerciantes fenicios o traídos de Asia por los aventureros griegos. Una gran cantidad de mercancías orientales llegaron a Grecia e Italia alrededor del año 800 a.C. Existe cierta incertidumbre sobre el lugar de fabricación de gran parte de los trabajos de bronce supervivientes, pero la misma duda sirve para enfatizar el gran parecido que estas piezas, fenicias, griegas o etruscas , guardan con sus modelos asirios o egipcios. Los más destacados son los cuencos y escudos de la cueva idea en Creta. Estos interesantes cuencos están grabados con sencillas bandas de animales, los escudos con diseños atrevidos y complicados de carácter puramente oriental. Es poco probable que un artesano griego de esta vigorosa época geométrica pudiera suprimir su estilo y producir copias mecánicas como éstas. Así, en tumbas etruscas, junto a cuencos fenicios con inscripciones, se han encontrado grandes calderos, adornados con cabezas salientes de leones y grifos , y colocados sobre soportes cónicos que tienen grabados monstruos alados asirios.
El cuenco y el soporte eran las formas arcaicas favoritas. El soporte griego era una fusión del trípode de varilla fundida y el cono en relieve. Algunos de los primeros ejemplos tienen grandes placas triangulares entre las piernas, trabajadas en relieve; pero el tipo desarrollado tiene patas y tirantes separados cuyas uniones están enmascaradas con bordes y pies decorativos y placas de cobertura. Estos adornos están moldeados y cincelados, y están modelados en formas florales, animales y humanas. Los pies son garras de león, que a veces sujetan una pelota o se apoyan en sapos; los bordes y las placas muestran grupos de animales luchadores, guerreros, juerguistas o atletas, ninfas y sátiros , o temas mitológicos en relieve. Los banqueteros se reclinan y los jinetes galopan sobre los bordes de los cuencos; Los mangos están formados por figuras individuales de pie, parejas arqueadas de luchadores, amantes tomados de la mano o dos soldados verticales que llevan a un camarada horizontal. Atletas desnudos sirven como asas para todo tipo de tapas y recipientes, mujeres envueltas sostienen discos de espejo alrededor de los cuales vuelan dioses del amor, y figuras similares coronan altos brazos de candelabros . Las bases de los mangos están modeladas como máscaras de sátiros, palmetas y esfinges . Este es un adorno griego del siglo VI y posteriores. Sus centros de fabricación no se conocen con precisión, pero el estilo de gran parte del trabajo arcaico apunta a Jonia .
Las telas etruscas se aproximan tanto a sus originales griegos que no es posible separarlas en técnica o diseño, y el estilo etrusco no es más que un griego provinciano. El bronce abundaba en Italia, las primeras monedas romanas eran de bronce pesado y existe evidencia literaria de que se exportaban bronces etruscos. El proceso de grabado de líneas parece haber sido una especialidad latina ; Se aplicó en temas pictóricos en la parte posterior de los espejos y en los lados de grandes cajas cilíndricas, ambos particularmente relacionados con Praeneste . La mejor de todas estas cajas, la cista Firconi de Villa Giulia en Roma , lleva la firma de un artista romano . Pertenecen a los siglos IV y III a.C. Los espejos griegos del mismo período rara vez están grabados; El disco suele estar contenido en una caja plana que tiene un diseño repujado en la tapa. [1]
Las formas helenísticas y grecorromanas son más convencionales y los nuevos motivos que pertenecen a estos períodos son en su mayoría florales. Los bustos y las máscaras son las habituales placas-mango y caños; A las cabezas y extremidades de diversos animales se les asignan determinadas funciones decorativas, como por ejemplo las animadas cabezas de mula mencionadas por Juvenal , que formaban los apoyabrazos de los sofás de comedor. Estas piezas estructurales suelen tener incrustaciones de plata y niel . Las sillas y mesas de bronce se usaban comúnmente en las casas helenísticas y romanas, y en gran medida reemplazaron a los jarrones monumentales que eran populares en épocas anteriores. Los pequeños artículos domésticos, como las lámparas, cuando están hechos de bronce, suelen ser romanos, y una clase de adornos personales peculiarmente romanos es un gran broche de bronce con incrustaciones de esmaltes de colores, una técnica que parece haber tenido un origen galo .
También se fabricaron estatuillas de bronce en todos los períodos de la antigüedad para uso votivo , y al menos en la época helenística y romana para adornos domésticos y muebles de santuarios domésticos. Pero el arte de la estatuaria en bronce apenas existía antes de la introducción de la fundición hueca, aproximadamente a mediados del siglo VI a.C. Las estatuillas votivas más primitivas son bueyes y otros animales, que evidentemente representan víctimas ofrecidas a los dioses . Se han encontrado en abundancia en muchos sitios de templos. Pero el arte clásico prefería al sujeto humano, a los devotos con regalos o en su apariencia ordinaria, o a los propios dioses en forma humana. Estas figuras suelen llevar inscritas fórmulas de dedicación. Los dioses y diosas que posan conforme a sus personajes tradicionales y llevan sus atributos distintivos son la clase de estatuillas posteriores más representada. Son un género religioso que apareció por primera vez en la escultura del siglo IV y que fue particularmente favorecido por el sentimiento helenístico y la pedantería romana. Muchas de ellas eran sin duda figuras votivas, otras eran imágenes de santuarios domésticos y algunas eran ciertamente adornos. Entre los ídolos de culto se encuentran los bailarines Lares , que llevan cornucopias y cuencos de libación. El pequeño Heracles que Lisipo hizo para Alejandro era un adorno de mesa ( epitrapezios ): estaba reclinado sobre la piel del león, con su maza en una mano y una copa de vino en la otra.
Con la invención de la fundición hueca, el bronce se convirtió en el medio más importante de la escultura monumental, en gran parte debido a su resistencia y ligereza, que admitía posturas que no serían posibles en piedra. Pero el valor del metal en épocas posteriores ha implicado la destrucción de casi todas esas estatuas. Las pocas figuras completas que se conservan, y una serie algo más numerosa de cabezas separadas y retratos-bustos, atestiguan la excelencia del trabajo antiguo con este material. Las primeras estatuillas están cinceladas, labradas y soldadas; luego vinieron las piezas fundidas sólidas, pero las figuras más grandes estaban compuestas de secciones martilladas, como utensilios domésticos, cada parte trabajada por separado en repujado y el conjunto ensamblado con remaches (σφυρήλατα). Se conserva muy poco de esta endeble tela, pero la casualidad ha conservado un busto entero, en la tumba de Polledrara en Vulci . Pertenece a principios del siglo VI a. C., la época del trabajo repujado .
El proceso pronto fue superado en estos temas por la fundición hueca, pero los relieves batidos, el oficio doméstico del que surgió el trabajo en bronce griego, persistieron en algunas formas especiales y muy perfeccionadas, como placas de asa en ciertos jarrones, emblemas en espejos y particularmente como adornos de armaduras, donde se requería poco peso. Los bronces de Siris en el Museo Británico son hombreras de una coraza del siglo IV . La fundición se realizaba mediante el proceso de cire perdue en moldes de arcilla, pero se invertía mucho trabajo en el acabado. Los modelos están finamente tallados y la mayoría de las piezas grandes contienen parches insertados para corregir los defectos. Las cabezas y miembros de las estatuas fueron moldeados por separado y ajustados a los cuerpos: además de la evidencia de la literatura y de los bronces reales, hay una ilustración de una estatua desmembrada en proceso en un jarrón pintado en Berlín. [1]
Plinio y otros escritores antiguos tienen mucho que decir con respecto a diversas aleaciones de bronce ( corintio , delo , egineta , siracusano ) en lo que respecta a su composición y usos y, en particular, a sus efectos de color, pero sus afirmaciones no han sido confirmadas por los análisis y estudios modernos. son a veces manifiestamente falsas. Se dice que el bronce corintio se produjo por primera vez por accidente en el incendio romano de la ciudad (146 a. C.), cuando se mezclaron corrientes de cobre fundido , oro y plata. Plutarco y Plinio cuentan historias similares sobre el control del color por parte de los artistas: Silanion hizo una Yocasta de rostro pálido mezclando plata con su bronce, Aristonidas hizo sonrojar a Atamas con una aleación de hierro . Hay pruebas fehacientes de que los bronces griegos y romanos no estaban patinados artificialmente , aunque muchos sí estaban dorados o plateados. Plutarco admira el color azul de algunas estatuas muy antiguas en Delfos y se pregunta cómo se produjo; Plinio menciona un lavado con betún , pero sin duda se trataba de una laca protectora ; y una inscripción del siglo IV procedente de Quíos registra las normas dictadas allí para mantener limpia y brillante una estatua pública. [1]
Esta sección no se ocupa de la escultura en bronce , sino de las múltiples aplicaciones artísticas del metal en relación con la arquitectura , o con objetos de uso eclesiástico y doméstico. No se puede determinar satisfactoriamente por qué se prefirió el bronce en Italia , el hierro en España y Alemania y el latón en los Países Bajos ; National Temperamente se impresiona por la elección de los metales y también por los métodos de trabajo. Los centros de energía artística se desplazan de un lugar a otro debido a guerras, conquistas o migraciones. [2]
Dejando de lado la remota antigüedad y empezando por la Roma Imperial , se aprecia claramente el trabajo del bronce, inspirado probablemente en la Grecia conquistada. Hay antiguas puertas de bronce en el Templo de Rómulo en el Foro Romano ; otros de las termas de Caracalla se encuentran en la Basílica de Letrán , que también contiene cuatro finas columnas estriadas de bronce dorado de orden corintio . El Museo de Nápoles contiene una gran colección de utensilios domésticos de bronce, recuperados de las ciudades enterradas de Pompeya y Herculano , que muestran un alto grado de perfección en el trabajo del metal, así como una amplia aplicación de su uso. Una serie de amarres en forma de cabezas de animales finamente modeladas, fabricados en el siglo I d.C. y recuperados hace algunos años del lago Nemi en las colinas Albanas , muestran un mayor conocimiento del hábil trabajo de este metal. El trono de Dagoberto en la Bibliothèque Nationale , París , parece ser una silla curule romana de bronce , con respaldo y parte de los brazos añadidos por el abad Suger en el siglo XII.
Bizancio , desde la época en que Constantino la convirtió en la sede del imperio, a principios del siglo IV, fue durante 1.000 años famosa por sus trabajos en metal. Su posición como centro comercial entre Oriente y Occidente atrajo todo el mejor trabajo proporcionado por las habilidades artísticas de los artesanos de Siria , Egipto , Persia , Asia Menor y las costas septentrionales del Mar Negro , y durante 400 años, hasta el comienzo del Período iconoclasta de la primera mitad del siglo VIII, su producción fue enorme. Varias iglesias italianas aún conservan puertas de bronce fundidas en Constantinopla en los últimos días del Imperio de Oriente , como las presentadas por los miembros de la familia Pantaleone , en la segunda mitad del siglo XI, a las iglesias de Amalfi , Monte Cassino y Atrani. y Monte Gargano . Puertas similares se encuentran en Salerno ; y la de San Marcos , en Venecia , también tiene puertas de origen griego.
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El período de los iconoclastas se sincronizó con el reinado del emperador franco Carlomagno , cuyo poder se sintió en toda Europa occidental. Algunos de los artesanos que se vieron obligados a abandonar Bizancio fueron acogidos por él en sus capitales, Colonia y Aix-la-Chapelle , y su influencia se dejó sentir también en Francia. Otra corriente pasó por el Mediterráneo hasta Italia, donde el antiguo arte clásico había decaído debido a las muchas calamidades nacionales, y aquí provocó un renacimiento. En Renania y en otras partes de Europa, los términos "renano-bizantino" y " románico " aplicados a la arquitectura y a las obras de arte en general, atestiguan la procedencia del estilo de este período y del siguiente. El parapeto de bronce [ es necesario aclarar ] de la catedral de Aquisgrán es de diseño clásico y probablemente data de la época de Carlomagno.
A lo largo de la Edad Media el uso del bronce continuó a gran escala, especialmente en los siglos XI y XII. Bernward , obispo de Hildesheim , un gran mecenas de las artes, hizo hacer puertas de bronce, las Puertas Bernward , para la iglesia de San Nicolás (posteriormente trasladada a la catedral), que se instalaron en 1015; Se construyeron grandes puertas para Augsburgo entre 1060 y 1065, y para Maguncia [3] poco después del año 1000. Un rasgo destacado en varias de estas puertas son las mandíbulas de león finamente modeladas, con melenas convencionales y con un anillo colgando de sus mandíbulas. . Estos tienen su equivalente en Francia y Escandinavia , así como en Inglaterra , donde están representados por el llamado Sanctuary Knocker en la catedral de Durham . [4]
El suministro de elaborados monumentos funerarios y mobiliario religioso dio mucho trabajo a los fundadores alemanes y holandeses. Cabe mencionar el candelabro de siete brazos de la catedral de Essen , realizado para la abadesa Matilda alrededor del año 1000, y otro en Brunswick terminado en 1223; también de la notable pila del siglo XIII realizada para la catedral de Hildesheim a cargo de Wilbernus, un canónigo de la catedral. Otras fuentes se encuentran en Brandeburgo y Würzburg . En la Edad Media se produjeron grandes cantidades de aguamanil, recipientes para agua bendita, relicarios y candelabros de bronce y latón . En general, la mayoría de los mejores trabajos fueron realizados para la Iglesia. [2] Un importante centro medieval de fundición de cobre y latón ( holandés : geelgieten ; literalmente "fundición amarilla") fue el valle del Mosa , especialmente en el siglo XII. La ciudad de Dinant dio su nombre al término francés para todo tipo de trabajos artísticos en cobre y latón: dinanderie (ver también la sección "Latón"). Después de la destrucción de la ciudad por Carlos el Temerario en 1466, muchos trabajadores del latón se trasladaron a Maastricht , Aquisgrán y otras ciudades de Alemania e incluso Inglaterra.
El final del período gótico vio algunos grandes artesanos en Alemania y los Países Bajos de los Habsburgo . El latonero Aert van Tricht tenía su base en Maastricht , pero trabajó en la catedral de San Juan, 's-Hertogenbosch y la catedral de Xanten . Un atril de bronce para la Iglesia de San Pedro, Lovaina, se encuentra ahora en la colección de The Cloisters en Nueva York. Peter Vischer de Nuremberg y sus hijos, trabajando en el relicario de bronce de San Sebald , un monumento de forma arquitectónica finamente concebido, con ricos detalles de ornamentos y figuras; entre estos últimos aparece el artista con su traje de trabajo. El santuario fue terminado y construido en el año 1516. Este gran artesano realizó otras bellas obras en Magdeburgo , Römhild y Breslau . Cabe hacer referencia al colosal monumento de Innsbruck , la tumba del emperador Maximiliano I , con sus 28 estatuas de bronce de tamaño superior al natural. Se instalaron grandes fuentes en las que se empleaba libremente el bronce, como las de Múnich y Augsburgo. La tendencia era utilizar este metal para grandes obras de carácter arquitectónico o escultórico; mientras que al mismo tiempo se producían objetos más pequeños para fines domésticos. [2] A finales del siglo XV y XVI, se había desarrollado un estilo de cuencos ornamentales de latón llamado Beckenschlägerschüssel .
En el siglo XII los artesanos italianos habían desarrollado un estilo propio, como se puede ver en las puertas de bronce de San Zenón , Verona (que están hechas de bronce martillado y no fundido), Ravello , Trani y Monreale . Bonanno da Pisa realizó una serie de puertas para el duomo de esa ciudad , de las cuales se conserva un par. El siglo XIV fue testigo del nacimiento de un gran renacimiento en el trabajo del bronce, que estaba destinado a florecer durante al menos cuatro siglos. El bronce era un metal muy querido por el artesano italiano; en ese metal produjo objetos para todos los propósitos imaginables, grandes o pequeños, desde el pomo de una puerta hasta las poderosas puertas de Lorenzo Ghiberti en Florencia , de las cuales Miguel Ángel comentó que estarían bien a las puertas del Paraíso. Nicola , Giovanni y Andrea Pisano , Ghiberti , Brunelleschi , Donatello , Verrocchio , Cellini , Miguel Ángel, Giovanni da Bolonia : estos y muchos otros produjeron grandes obras en bronce.
Benedetto da Rovezzano llegó a Inglaterra en 1524 para ejecutar una tumba para el cardenal Wosley , parte de la cual, después de muchas vicisitudes, se encuentra ahora en la cripta de la catedral de San Pablo . Pietro Torrigiano de Florencia ejecutó la tumba de Enrique VII en la Abadía de Westminster . Alessandro Leopardi , a principios del siglo XVI, completó las tres admirables basas para mástiles de banderas que aún adornan la plaza de San Marcos de Venecia. Un mayor desarrollo se manifestó en la producción de medallas de retratos en bronce, que alcanzaron un alto grado de perfección y atrajeron la atención de muchos artistas célebres. Las plaquetas de bronce para la decoración de objetos de gran tamaño exhiben un fino sentido del diseño y la composición. De objetos más pequeños, para uso doméstico y eclesiástico, el número era legión. Entre los primeros se pueden mencionar crucifijos, santuarios, altares y candelabros pascuales , como los elaborados ejemplos de la Certosa de Pavía ; para uso secular, morteros, tinteros, candelabros y un gran número de espléndidos aldabas y tiradores, todos ejecutados con consumada habilidad y perfección de acabado. Se siguieron realizando trabajos de este tipo a lo largo de los siglos XVII y XVIII. [2]
El Candelabro Trivulzio de la Catedral de Milán , un candelabro de bronce de siete brazos que mide 5 metros de altura, tiene una base y una parte inferior decoradas con adornos de intrincado diseño que muchos consideran una obra francesa del siglo XIII; la parte superior con las ramas se añadió en la segunda mitad del siglo XVI. Una parte de un objeto similar que muestra la misma intrincada decoración existió anteriormente en Reims , pero lamentablemente fue destruido durante la Primera Guerra Mundial . [ cita necesaria ]
En el siglo XVI, los nombres de Germain Pilon y Jean Goujon son prueba suficiente de la habilidad para trabajar el bronce. Un gran estallido de energía artística se observa desde principios del siglo XVII, cuando se produjeron en grandes cantidades obras en ormolu o bronce dorado. La artesanía es magnífica y de la más alta calidad, los diseños al principio refinados y simétricos; pero más tarde, bajo la influencia del estilo rococó , introducido en 1723, con el único objetivo de lograr una magnífica magnificencia. Todo estaba en consonancia con el espíritu de la época, y en su suntuoso entorno, estos finos candelabros, apliques, jarrones, relojes y ricos muebles están completamente armoniosos. El "ciseleur" y el "fondeur", como Pierre Gouthière y Jacques Caffieri , se asociaron con los fabricantes de muebles finos y de la delicada porcelana de Sèvres , dando como resultado una riqueza extrema y un efecto hermoso. Después de la Revolución Francesa, el estilo fue sucedido por un estilo rígido y clásico que, aunque tiene un encanto propio, carece de la vida y la libertad de trabajos anteriores. En Londres, los estilos pueden estudiarse en la colección Wallace , Manchester Square , y en el Victoria and Albert Museum , South Kensington ; en Nueva York en el Museo Metropolitano . [2]
La fundición en bronce alcanzó gran perfección en Inglaterra, donde todavía quedan numerosos monumentos. William Torel , orfebre y ciudadano de Londres, realizó una efigie en bronce de Enrique III , y más tarde la de la reina Leonor, para sus tumbas en la Abadía de Westminster; la efigie de Eduardo III fue probablemente obra de uno de sus alumnos. No se encuentran pilas de bronce en las iglesias inglesas, pero han sobrevivido varios crucifijos procesionales del siglo XV, todos siguiendo el mismo diseño y de ejecución tosca. Existen anillos o aldabas de santuario en Norwich , Gloucester y otros lugares; el más notable es el de la puerta norte de la nave de la catedral de Durham , que tiene suficiente carácter propio para diferenciarla de sus hermanos continentales y sugerir un origen norteño.
El candelabro de Gloucester, en el Victoria and Albert Museum de South Kensington, muestra el poder y la imaginación del diseñador, así como una extraordinaria habilidad de manipulación por parte del fundador. [5] Según una inscripción en el objeto, este candelabro, que mide unos 61 cm (2 pies) de alto y está hecho de una aleación aliada con bronce, fue hecho para el abad Pedro , quien gobernó de 1109 a 1112. Si bien el contorno es Cuidadosamente conservado, el adorno consiste en una masa de figuras de monstruos, pájaros y hombres, mezcladas y entrelazadas hasta el borde de la confusión. Como pieza de casting es un triunfo de la capacidad técnica. [5] Para uso secular, el mortero era uno de los objetos más comunes en Inglaterra y en el continente; Los primeros ejemplos de diseño gótico son de gran belleza. En ejemplos posteriores se encuentra una mezcla de estilos en las bandas de adornos góticos y renacentistas , que se utilizan libremente en combinación. Los aguamaniles de bronce debían de ser comunes; Del tipo más ornamentado se pueden ver dos, uno en South Kensington y el segundo en el Museo Británico. Se trata de vasijas grandes de unos 61 cm (2 pies) de altura, con escudos de armas e inscripciones en letras de los fundadores de campanas. En siglos posteriores se produjeron muchos objetos de uso doméstico, como morteros, sartenes, etc. [1] [2]
En el norte de Europa, Francia, Alemania, Inglaterra y los Países Bajos , la fundición de campanas ha sido una industria enorme desde principios de la Edad Media. Desgraciadamente, un gran número de campanas medievales han sido fundidas y refundidas, y en tiempos de guerra muchas fueron confiscadas para convertirlas en armas de fuego. Las primeras campanas tienen un contorno elegante y, a menudo, tienen adornos sencillos pero bien diseñados e inscripciones muy decorativas; para este último se utilizaba un sello o troquel separado para cada letra o para un grupo corto de letras. En todos los países los fundadores de campanas constituían un grupo importante de la comunidad; en Inglaterra se conocen muchos de sus nombres y se reconoce el carácter especial de su obra. Existen campanas antiguas en las catedrales francesas de Amiens , Beauvais , Chartres y otros lugares; en Alemania en Erfurt , Colonia y Halberstadt . La industria de la fundición de campanas ha continuado a lo largo de los siglos, siendo uno de sus últimos logros la fundición del " Big Ben " en Westminster en 1858, una campana de entre 13 y 14 toneladas de peso. [1] [2]
En años más recientes, el bronce ha sustituido en cierta medida al hierro en barandillas, balcones y escaleras, en relación con la arquitectura; el estilo adoptado es rígidamente clásico, lo que no requiere una gran cantidad de ornamentación, y el metal tiene el mérito de una apariencia agradable y una durabilidad considerable.
El latón es una aleación compuesta de cobre y zinc , generalmente para chapa , y fundición en la proporción de siete partes del primero por tres del segundo. Esta combinación garantiza un color bueno y brillante. Sin embargo, existen variedades de tonos que van desde un color limón pálido hasta un marrón dorado intenso, que depende de una cantidad mayor o menor de zinc. En los primeros tiempos este metal parece haber sido empleado con moderación, pero a partir de la Edad Media la industria del latón fue muy importante, llevada a cabo en gran escala y aplicada en direcciones muy diferentes. El término " latten ", que se encuentra frecuentemente en documentos antiguos, se emplea de manera bastante vaga y, a veces, se utiliza para objetos hechos de bronce; su verdadera aplicación es la aleación que llamamos latón. En Europa su uso con fines artísticos se centró en gran medida en la región del valle del Mosa en el sureste de Bélgica , junto con el noreste de Francia, partes de los Países Bajos y las provincias renanas de las que Colonia era el centro.
Ya en el siglo XI los habitantes de las ciudades de Huy y Dinant trabajaban este metal; El zinc lo encontraban en su propio país, mientras que en busca de cobre iban a Colonia o Dortmund , y más tarde a las minas de las montañas de Harz . Se produjo mucho trabajo tanto por fundición como por repujado, pero fue en el primer proceso donde sobresalieron. En muy poco tiempo se acuñó el término "dinanderie" para designar los trabajos en latón que emanaban de las fundiciones de Dinant y de otras ciudades de los alrededores. Sus producciones llegaron a Francia, España, Inglaterra y Alemania. En Londres los comerciantes de Dinant, alentados por Eduardo III , establecieron un "Hall" en 1329 que existió hasta finales del siglo XVI; en Francia comerciaban en Rouen , Calais , París y otros lugares. La industria floreció durante varios siglos, pero se vio debilitada por las disputas con sus rivales en la vecina ciudad de Bouvignes ; en 1466 la ciudad fue saqueada y destruida por Carlos el Temerario . Los fundadores de latón huyeron a Huy, Namur , Middleburg , Tournai y Brujas , donde continuaron su trabajo. [1] [2]
La primera obra de latón del distrito de Mosa es la pila bautismal de la iglesia de San Bartolomé de Lieja (cf. Fig. 1 de la Galería), una gran vasija apoyada sobre bueyes, el exterior del cuenco moldeado en alto relieve con grupos de figuras dedicadas a ceremonias bautismales; Fue ejecutado entre 1113 y 1118 por Renier de Huy , autor de un notable incensario en el museo de Lille .
A partir de este momento se ejecutaron una larga serie de obras excepcionales para iglesias y catedrales en forma de pilas bautismales, atriles , candelabros pascuales y de altar, sagrarios y candelabros; las fuentes de contorno simple tienen portadas ricas frecuentemente adornadas con temas de figuras; los atriles suelen estar coronados por un águila de forma convencional, pero a veces por un pelícano (cf. Fig. 2); Un grifo corona el atril de Andenne . Los soportes que sostienen a estas aves son a veces de rica tracería gótica, con figuras y descansan sobre leones; las formas posteriores muestran un eje de forma cilíndrica, con molduras a intervalos y extendido hasta una base ancha. Algunos se encuentran en Alemania, en el distrito de Colonia, y pueden ser de fabricación local; algunos permanecen en las iglesias de Venecia. Se han observado alrededor de una veintena en iglesias inglesas, como en Norwich , St Albans , Croydon y otros lugares. En su mayor parte siguen el mismo modelo y probablemente fueron importados de Bélgica. Existen finos candelabros de latón en la Iglesia del Temple , Bristol (cf. Fig. 3), en St Michael's Mount , Cornualles y en el norte de Gales . Los atriles debieron haber marcado la moda en Inglaterra para este tipo de objetos; desde hace varios siglos se encuentran, como en la Capilla de San Jorge, el Castillo de Windsor , la Capilla del King's College, Cambridge , la Catedral de San Pablo y algunas iglesias de Londres (cf. Fig. 4). En la región de Colonia se produjeron muchos trabajos de latón que aún se conservan en las iglesias; Cabe mencionar el hermoso biombo de la catedral de Xanten , obra, se dice, de un artesano de Maastricht , Países Bajos, a principios del siglo XVI. Un ejemplo moderno es el Biombo de Hereford en la Catedral de Hereford , realizado por George Gilbert Scott en 1862 en una variedad de metales donde domina el latón (cf. Fig. 5).
Los Países Bajos, Noruega y Suecia también produjeron candelabros, muchos de ellos de gran tamaño: el tipo de los siglos XVI y XVII es la conocida "araña", un gran número de los cuales también se fabricaron en Inglaterra y todavía cuelgan en muchas iglesias de Londres y provincias. Los Países Bajos también mostraron un gran gusto por el trabajo martillado y produjeron con este método una gran cantidad de atriles, candelabros de altar y artículos similares. Los grandes platos con Adán y Eva grabados y temas similares son probablemente de origen holandés y se encuentran en los países vecinos. Se diferencian considerablemente de los platos de latón en los que el tema central (la Anunciación , San Jorge , San Cristóbal , el Agnus Dei , una sirena o flores) está rodeado por una banda de letras, que frecuentemente no tienen ningún significado más allá del de la ornamentación; las llantas están estampadas con un patrón repetido de pequeños diseños. Este último tipo de plato fue probablemente obra de artesanos de Nuremberg o Augsburgo, y cabe señalar que la totalidad del adorno se produce martillando en troqueles o mediante el uso de sellos; son piezas puramente mecánicas.
El latón se utilizaba mucho para objetos más pequeños en iglesias y para uso doméstico. En fotografías flamencas y alemanas se muestran candelabros, pilas de agua bendita , reflectores, incensarios y recipientes para lavarse las manos utilizados en las iglesias. Los inventarios de bienes de la Iglesia en Inglaterra hicieron que en la época de la Reforma se revelara un gran número de objetos en látex que probablemente se fabricaban en el país. De uso general era una vasija atractiva conocida como aguamanilo (cf. Fig. 6); se trata de un recipiente de agua, generalmente en forma de león de pie, con un pico que sobresale de su boca; en la parte superior de la cabeza hay una abertura para llenar el recipiente, y un asa en forma de lagarto une la parte posterior de la cabeza con la cola. Otros tienen forma de caballo o carnero; algunos tienen forma de busto humano y otros representan a un guerrero montado. Fueron producidos entre los siglos XII y XV. Son innumerables los objetos domésticos: morteros, pequeños candelabros, calentadores, salvamanteles, guardabarros; Estos datan principalmente de los siglos XVII y XVIII, cuando la ornamentación de latón también se aplicaba con frecuencia a las esferas de los relojes, grandes y pequeñas. Dos acontecimientos ingleses durante el siglo XVII merecen una atención especial. El primero fue un intento de utilizar esmalte con latón, una cuestión difícil, ya que el latón es un mal medio para el esmalte.
Existen varios objetos en forma de perritos de fuego , candelabros, cofres, placas y jarrones, cuyo cuerpo es de latón toscamente fundido con un diseño en relieve; los espacios huecos entre las líneas del diseño se rellenan con parches de esmalte blanco, negro, azul o rojo, con resultados muy agradables (cf. Fig. 7). La analogía más cercana se encuentra en las pequeñas placas e iconos de latón esmaltado producidos en Rusia en los siglos XVII y XVIII. El segundo uso del latón se encuentra en un grupo de cerraduras de mecanismo intrincado, cuyas cajas son de latón fundido calado con un delicado patrón de volutas y formas de pájaros, a veces grabadas. Otro desarrollo muestra cajas de latón macizo cubiertas con diseños ricamente grabados (cf. Fig. 8). El Victoria and Albert Museum de Londres contiene un excelente grupo de estas cerraduras; otros están in situ en el Palacio de Hampton Court y en mansiones de campo. [1] [2]
Durante el siglo XVIII el latón se utilizó ampliamente en la producción de objetos de uso doméstico; También continuó la fabricación de grandes candelabros colgantes, así como apliques de pared y otros aparatos de iluminación. En la segunda mitad del siglo XIX hubo una creciente demanda de trabajo eclesiástico en Inglaterra; atriles, platos de limosna, cruces procesionales y muebles de altar eran de latón; los diseños eran en su mayor parte adaptaciones de trabajos más antiguos y sin gran originalidad.
Generalmente se considera que el trabajo de los latones conmemorativos se originó en el noroeste de Alemania, siendo al menos un centro Colonia , donde se fabricaban las placas de látex o Cullen para uso local y para exportación. Pero lo cierto es que desde la época medieval hubo una producción igual en las ciudades de Bélgica, cuando el latón era el metal preferido para otros fines. Los latones continentales estaban formados por láminas rectangulares de metal en las que se representaba la figura del difunto, hasta en tamaño natural, mediante líneas profundamente incisas, frecuentemente rellenas de masilla o sustancia similar al esmalte; el fondo de las figuras estaba cubierto con un decorado arquitectónico, o con adornos de follaje y figuras, y una inscripción. En Inglaterra, posiblemente porque el metal era menos abundante, las figuras suelen ser accesorios, talladas en metal e insertadas en las matrices de losas de piedra o mármol que forman parte de la tumba; Del mismo modo se colocan marquesinas arquitectónicas, inscripciones y escudos de armas. Así, el fondo de piedra o mármol sustituye al fondo de latón decorado del modelo continental. El método primitivo de rellenar las incisiones ha sugerido alguna conexión con los métodos de los esmaltadores de Limoges del siglo XIII. El arte se introdujo en Inglaterra desde los Países Bajos y rápidamente alcanzó un alto grado de excelencia. Durante muchos siglos siguió siendo muy popular y todavía quedan un gran número de metales que testimonian un hermoso departamento artístico. [2]
El latón más antiguo que existe es el del obispo Ysowilpe en Verden , Alemania, que data de 1231 y tiene el modelo de una piedra grabada, como si fuera obra de un artista acostumbrado a trabajar en ese material. En Inglaterra, el ejemplo más antiguo se encuentra en la iglesia de Stoke D'Abernon , en Surrey , en memoria de Sir John D'Abernon, que murió en 1277. Numerosos metales se encuentran en Bélgica y algunos en Francia y los Países Bajos. Aparte de su atractivo artístico, estos latón ornamentales son de sumo valor para representar fielmente las vestimentas de la época, eclesiásticas, civiles o militares; también proporcionan inscripciones apropiadas en bellas letras (cf. Brass Gallery). [1] [2]
Las excavaciones de sitios donde alguna vez floreció la civilización del valle del Indo revelan el uso del bronce para diversos fines. El primer uso conocido del bronce como forma artística se remonta al 2500 a.C. A la bailarina de Mohenjo Daro se le atribuye lo mismo. Los arqueólogos que trabajaban en el sitio de excavación en Kosambi en Uttar Pradesh desenterraron una figura de bronce de una niña montando dos toros que data aproximadamente entre 2000 y 1750 a. C. y revela además el uso del bronce para fundir una forma de arte durante el período Harappa tardío . Otro ejemplo de un artefacto de bronce del período Harappa tardío se encontró en Daimbad, Maharashtra, lo que sugiere la posibilidad de un uso más generalizado del bronce que luego se localizó solo en lugares alrededor del valle del Indo.
El bronce continuó utilizándose como metal para varias estatuas y estatuillas durante el período clásico, como puede verse en el tesoro de bronce descubierto en Chausa Bihar , que consistía en estatuillas de bronce que databan del siglo II a.C. al siglo VI d.C.
El arte en bronce recogido en el sur de la India durante la Edad Media durante el gobierno de Pallava , el icono de asana Ardhaparyanka de Shiva del siglo VIII, es un artefacto notable de este período. Sin embargo, la escultura en bronce alcanzó su punto máximo durante el reinado de Cholas (c. 850 d. C. - 1250 d. C.). Muchas de las esculturas de bronce de este período están ahora presentes en varios museos de todo el mundo . La estatua de Nataraja encontrada en el Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York es una pieza escultórica notable de este período.
Este artículo incorpora texto de una publicación que ahora es de dominio público : Chisholm, Hugh , ed. (1911). "Metalistería". Enciclopedia Británica . vol. 18 (11ª ed.). Prensa de la Universidad de Cambridge. págs. 205-215.
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