Barbara Kruger (nacida el 26 de enero de 1945) es una artista conceptual y collagista estadounidense asociada con la Generación de las Imágenes . [1] Es más conocida por su estilo de collage que consiste en fotografías en blanco y negro, superpuestas con subtítulos declarativos, expresados en texto blanco sobre rojo Futura Bold Oblique o Helvetica Ultra Condensed . [2] Las frases en sus obras a menudo incluyen pronombres como "tú", "tuyo", "yo", "nosotros" y "ellos", abordando construcciones culturales de poder, identidad, consumismo y sexualidad . Los medios artísticos de Kruger incluyen fotografía, escultura, diseño gráfico, arquitectura, así como instalaciones de video y audio. [3]
Kruger vive y trabaja en Nueva York y Los Ángeles. [4] Es profesora emérita distinguida de nuevos géneros en la Escuela de Artes y Arquitectura de la UCLA . [5] En 2021, Kruger fue incluida en la lista anual de las 100 personas más influyentes de la revista Time . [6]
Kruger nació en una familia de clase trabajadora [7] [8] [9] en Newark, Nueva Jersey . Su padre trabajaba como técnico químico para Shell Oil [10] y su madre era secretaria legal.
Kruger se graduó de la escuela secundaria Weequahic . [11] Asistió a la Universidad de Syracuse , pero abandonó después de un año debido a la muerte de su padre. [10] Después de su año en la Universidad de Syracuse, en 1965, asistió a la Escuela de Diseño Parsons en Nueva York durante un semestre. Durante los siguientes diez años, Kruger se estableció mientras perseguía el diseño gráfico para revistas y la edición de imágenes independiente , así como el diseño de cubiertas de libros. [12] A fines de la década de 1960, Kruger se interesó en la poesía y comenzó a asistir a lecturas de poesía , además de escribir su propia poesía. Mientras estaba en la Escuela de Diseño Parsons, Kruger estudió arte y diseño con Diane Arbus y Marvin Israel , y pronto obtuvo un trabajo de diseño en Condé Nast Publications [4] en su adolescencia. [13] Poco después, Kruger recibió el puesto de diseñadora principal para el año siguiente. Inicialmente trabajó como diseñadora en Mademoiselle y luego pasó a trabajar a tiempo parcial como editora de imágenes para House and Garden , Aperture y otras publicaciones. [14] También escribió columnas de cine, televisión y música para Artforum y REALLIFE Magazine por sugerencia de su amiga Ingrid Sischy . [10]
Las primeras obras de Kruger datan de 1969, cuando comenzó a crear grandes tapices que incorporaban materiales como hilo, cuentas, lentejuelas, plumas y cintas. Estas piezas representaban la recuperación feminista de la artesanía durante este período. [15] Kruger tejía, cosía y pintaba objetos de colores brillantes y eróticamente sugerentes, algunos de los cuales fueron incluidos por la curadora Marcia Tucker en la Bienal del Whitney de 1973. [9] Se inspiró para estas piezas en la muestra de Magdalena Abakanowicz en el Museo de Arte Moderno . Aunque algunas de estas obras se incluyeron en la Bienal del Whitney, Kruger se volvió distante e insatisfecha con su producción laboral. [12] En 1976, se tomó un descanso de hacer lo que se habían convertido en obras más abstractas, sintiendo que su trabajo se había vuelto sin sentido y sin sentido. [10] Luego se mudó a Berkeley, California, donde enseñó en la Universidad de California y se inspiró en los escritos de Walter Benjamin y Roland Barthes . [10] En 1977, volvió a dedicarse al arte, trabajando con sus propias fotografías arquitectónicas y publicando un libro de arte, Picture/Readings , en 1979. [16] La práctica de su familia de visitar "casas modelo que nunca podrían permitirse" la inspiró a fotografiar arquitectura. [17]
Al principio de su carrera artística, Kruger se sentía intimidada al entrar en galerías de Nueva York debido a la atmósfera predominante en la escena artística que, para ella, no daba la bienvenida a "mujeres particularmente independientes y no masoquistas". [10] Sin embargo, recibió apoyo temprano para sus proyectos de grupos como el Public Art Fund, que la alentaron a seguir haciendo arte. [17] Cambió a su práctica moderna del collage a principios de la década de 1980.
Al abordar cuestiones de lenguaje y signos, Kruger a menudo ha sido agrupada con artistas posmodernas feministas como Jenny Holzer , Sherrie Levine , Martha Rosler y Cindy Sherman . [16] Al igual que Holzer y Sherman, en particular, utiliza las técnicas de comunicación masiva y publicidad para explorar el género y la identidad. [18] Habla de su interés en representar "cómo somos los unos para los otros" [19] y el "amplio alcance" [19] que esto proporciona a su trabajo. Se considera que Kruger forma parte de la Generación de las Imágenes . [20]
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Gran parte del trabajo de Kruger combina fotografías encontradas con texto conciso y asertivo que desafía al espectador, [9] conocido como arte de palabras . [21] [22] Su método incluye desarrollar sus ideas en una computadora, luego transferir los resultados (a menudo del tamaño de una valla publicitaria) a imágenes impresas. [9] Algunos ejemplos de sus lemas instantáneamente reconocibles incluyen "Compro, luego existo", "Tu cuerpo es un campo de batalla", [23] y "No eres tú mismo" que aparecen en sus características letras blancas sobre un fondo rojo. La mayor parte de su trabajo trata temas provocativos como el feminismo , el consumismo y la autonomía y el deseo individuales, apropiándose con frecuencia de imágenes de revistas convencionales y utilizando sus frases audaces para enmarcarlas en un nuevo contexto.
Kruger ha dicho que “trabajo con imágenes y palabras porque tienen la capacidad de determinar quiénes somos y quiénes no somos”. [24] Un elemento recurrente en su obra es la apropiación y alteración de imágenes existentes. Al describir su uso de la apropiación, Kruger afirma:
Las imágenes y las palabras parecen convertirse en puntos de encuentro de ciertas suposiciones. Hay suposiciones de verdad y falsedad, y supongo que las narrativas de falsedad se llaman ficciones. Replico ciertas palabras y observo cómo se desvían de las nociones de realidad y ficción o cómo coinciden con ellas. [25]
Su cartel para la Marcha de las Mujeres en Washington de 1989 en apoyo del aborto legal incluía el rostro de una mujer dividido en reproducciones fotográficas positivas y negativas, acompañado del texto "Tu cuerpo es un campo de batalla". [9] Un año después, Kruger utilizó este eslogan en una valla publicitaria encargada por el Centro Wexner para las Artes . Doce horas después, un grupo opuesto al aborto respondió al trabajo de Kruger reemplazando la valla publicitaria adyacente con una imagen que representaba un feto de ocho semanas. [26]
Las primeras obras monocromáticas predigitales de Kruger , conocidas como «paste ups», revelan la influencia de la experiencia de la artista como diseñadora editorial de revistas durante el inicio de su carrera. Estas obras a pequeña escala, la más grande de las cuales mide 28 x 33 cm (11 x 13 pulgadas), están compuestas de imágenes encontradas alteradas y textos extraídos de los medios o inventados por la artista. Luego se produjo un negativo de cada obra y se utilizó para hacer versiones ampliadas de estos «paste ups» iniciales. [27] Entre 1978 y 1979, completó «Picture/Readings», fotografías simples de casas modestas alternadas con paneles de palabras. [9] A partir de 1992, Kruger diseñó portadas para varias revistas, incluidas Ms. , Esquire , Newsweek y The New Republic . [28] Su estilo de fuente característico, Futura Bold, probablemente esté inspirado en el estilo publicitario "Gran idea" o "Revolución creativa" de la década de 1960 al que estuvo expuesta durante su experiencia en Mademoiselle . [10]
En 1990, Kruger conmovió a la comunidad japonesa estadounidense de Little Tokyo, Los Ángeles , con su propuesta de pintar el Juramento a la Bandera , rodeado de preguntas provocativas, en el costado de un almacén en el corazón del barrio del centro histórico. [9] Kruger había sido comisionada por el MOCA para pintar un mural para "Un bosque de signos: el arte en la crisis de la representación", una exposición de 1989 que también incluía obras de Barbara Bloom , Jenny Holzer , Jeff Koons , Sherrie Levine y Richard Prince . Pero antes de que se colocara el mural, la propia Kruger y la curadora Ann Goldstein lo presentaron en varias reuniones comunitarias durante un período de 18 meses. [29] Después de que los participantes expresaran sus protestas sobre su diseño, la artista ofreció eliminar la promesa de su propuesta de mural, aunque aún conservaba una serie de preguntas pintadas con los colores y el formato de la bandera estadounidense: "¿Quién se compra y se vende? ¿Quién está más allá de la ley? ¿Quién es libre de elegir? ¿Quién sigue las órdenes? ¿Quién saluda más tiempo? ¿Quién reza más fuerte? ¿Quién muere primero? ¿Quién ríe último?". [9] Un año completo después del cierre de la exposición, el mural reconfigurado de Kruger finalmente se exhibió durante dos años. [29]
En 1995, con los arquitectos Henry Smith-Miller y Laurie Hawkinson y el arquitecto paisajista Nicholas Quennell, diseñó las letras escultóricas Picture This de 200 pies de largo (60 m) para un escenario y anfiteatro al aire libre en el Museo de Arte de Carolina del Norte , Raleigh. [9]
Para una pieza específica que produjo en el Museo de Arte Parrish en 1998, Kruger colocó en la parte superior de la fachada románica del museo letras rojas que decían: "Tu perteneces aquí"; debajo, en columnas que separaban tres portales de entrada arqueados, letras apiladas que deletreaban "Dinero" y "Gusto". [30] Como parte de la Bienal de Venecia en 2005, Kruger instaló un mural de vinilo impreso digitalmente en toda la fachada del pabellón italiano, dividiéndolo así en tres partes: verde a la izquierda, rojo a la derecha, blanco en el medio. En inglés e italiano, las palabras "dinero" y "poder" trepaban por las columnas del pórtico; la pared izquierda decía: "Imagina que las cosas van según lo planeado", mientras que "Dios está de mi lado; me lo dijo" llenaba la derecha. [31] En 2012, su instalación Belief+Doubt , que cubre 6.700 pies cuadrados (620 m 2 ) de superficie y fue impresa en hojas similares a papel tapiz en los colores característicos de la artista: rojo, negro y blanco, se instaló en el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn . [32]
En 2022, como la voz más importante en el arte de los movimientos por el derecho al aborto , Kruger creó una serie de nuevas obras en respuesta a los documentos filtrados de la Corte Suprema que anularían Roe v. Wade . Kruger dijo: "El fin de Roe fue claramente el resultado de la campaña llena de ira de la derecha para deshacer la salud reproductiva y la capacidad de acción de las mujeres. Han sido implacables, mientras que el centro y la izquierda con demasiada frecuencia guardaron silencio, viendo el tema como el tercer carril de la política estadounidense, independientemente de los números de las encuestas que favorecían a Roe. Durante décadas, el aborto estuvo ausente o marginado en los debates de campaña". [33] [34]
En 1994, la obra de Kruger L'empathie peut changer le monde ( La empatía puede cambiar el mundo ) se instaló en el andén de una estación de tren en Estrasburgo , Francia. Para una muestra de 1997 en Nueva York, Kruger hizo que los autobuses urbanos se envolvieran con citas de figuras como Malcolm X , Courtney Love y HL Mencken . Para promocionar la primera retrospectiva de Kruger, en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles , creó 15 vallas publicitarias e innumerables carteles disparatados, ejecutados e instalados tanto en inglés como en español. [9] En apoyo de una campaña de concienciación pública para promover la instrucción artística en el Distrito Escolar Unificado de Los Ángeles , Kruger cubrió un autobús con frases como: "Préstale a tu cerebro tanta atención como a tu cabello y estarás mil veces mejor"; "de aquí para allá"; "No seas idiota"; y "Lo quieres. Lo compras. Lo olvidas". [35] En 2017, la obra de arte de Kruger apareció en 50.000 MetroCards de edición limitada lanzadas por la Autoridad de Tránsito Metropolitano de Nueva York . [36]
En 1984, Kruger creó un diseño de camiseta que presentaba una imagen ampliada del rostro de una mujer con un texto que recorría los ojos y la boca de la figura que decía: "No puedo mirarte... y respirar al mismo tiempo". La camiseta fue producida como un proyecto colaborativo con el diseñador de moda Willi Smith para su marca WilliWear Productions. [37]
En 2017, Kruger colaboró con la marca de ropa Volcom para su contribución a la bienal Performa 17 en Nueva York. Creó una tienda temporal en el barrio SoHo de la ciudad donde se vendían camisetas, gorros, sudaderas y patinetas. [38]
Entre 1998 y 2008, Kruger creó instalaciones permanentes para el Fisher College of Business , el Broad Contemporary Art Museum en LACMA y el Price Center en la Universidad de California, San Diego . [39] Desde 2008 hasta 2011, el Moderna Museet en Estocolmo mostró una obra específica para el sitio que consistía en tres grandes collages montados en la pared en el área de entrada del museo. [40] En 2012, Kruger creó la instalación permanente de su obra Belief+Doubt en el nivel inferior del Hirshhorn Museum and Sculpture Garden en Washington, DC.
En 2024, Kruger estuvo entre los 18 artistas seleccionados por la Autoridad Portuaria de Nueva York y Nueva Jersey para crear instalaciones para la nueva Terminal 6 del Aeropuerto Internacional John F. Kennedy , cuya inauguración está prevista para 2026. [41]
Desde mediados de la década de 1990, Kruger ha creado instalaciones de audio y video inmersivas a gran escala. Envolviendo al espectador con las seducciones del discurso directo, la obra continúa su cuestionamiento del poder, el control, el afecto y el desprecio: las imágenes fijas ahora se mueven, hablan y espacializan su comentario. [42] En 1997, Kruger produjo una serie de esculturas de fibra de vidrio de figuras públicas comprometidas, incluidos John F. y Robert F. Kennedy levantando a Marilyn Monroe sobre sus hombros. [9] En 2016, Kruger creó una obra de protesta por la elección de Donald Trump para la portada de la revista New York y participó en un boicot a la inauguración el 20 de enero de 2017. [43] [44] Para la edición de 2020 de la Feria de Arte Frieze en Los Ángeles, presentó una serie de 20 preguntas, incluida "¿Quién crees que eres?" y "¿Quién muere primero? ¿Quién ríe último?", que se muestran en vallas publicitarias digitales, carteles callejeros, lugares emblemáticos y espacios públicos por toda la ciudad. [45]
Kruger ha enseñado un Programa de Estudio Independiente en el Museo Whitney , y en el Instituto de las Artes de California en Valencia, la Universidad de California, Berkeley , y en Chicago. Después de enseñar durante cinco años en la UCSD , se unió a la facultad de la Escuela de Artes y Arquitectura de la UCLA , donde es Profesora Emérita Distinguida de Nuevos Géneros. En 1995-96, fue artista residente en el Centro Wexner para las Artes , donde creó Anuncios de Servicio Público que abordaban el tema de la violencia doméstica. [46] En 2000, fue Artista Residente de la Fundación Wiegand en Scripps College , Claremont. [47] Ha escrito sobre televisión, cine y cultura para Artforum , Esquire , The New York Times y The Village Voice .
Kruger se relacionó con un grupo de artistas que se habían graduado de CalArts y que habían llegado a la ciudad de Nueva York en la década de 1970, entre ellos Ross Bleckner y David Salle , a quienes mencionó como su primer grupo de pares. Consideró a Diane Arbus como su "primer modelo femenino a seguir... que no fregaba el suelo seis veces al día". También se relacionó con Julian Schnabel , Marilyn Lerner, Sherrie Levine , Cindy Sherman , James Welling , Nancy Dwyer , Louise Lawler , Sarah Charlesworth , Laurie Simmons , Carol Squiers, Judith Barry , Jenny Holzer , Richard Prince , Becky Johnston y Lynne Tillman . Kruger se unió al grupo llamado Artists Meeting for Cultural Change en la década de 1970, pero señaló sobre la experiencia: "No era una oradora realmente [sic] activa; me sentía intimidada pero también curiosa". [17] En la misma entrevista, Kruger explicó que, aunque era amiga de una amplia gama de artistas, no estaba realmente influenciada por ellos porque estaba trabajando para mantenerse. A principios de la década de 1980, Kruger también se asoció y expuso con artistas de Colab , como en la muestra Island of Negative Utopia en The Kitchen en 1984.
En 1979, Barbara Kruger exhibió sus primeras obras que combinaban fotografías apropiadas y fragmentos de texto superpuesto en el PS 1 Contemporary Art Center , en Long Island City, Queens. Su primera muestra institucional se realizó en Londres, cuando Iwona Blazwick decidió exhibir su trabajo en el Institute of Contemporary Arts en 1983. [48] En 1999, el Museum of Contemporary Art de Los Ángeles montó la primera exposición retrospectiva para brindar una visión integral de la carrera de Kruger desde 1978; La muestra viajó al Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York en 2000. [49] Desde entonces, Kruger ha sido objeto de muchas exposiciones individuales, incluidas las organizadas por el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres (1983), el Museo de Arte Contemporáneo de Montreal (1985), la Serpentine Gallery de Londres (1994), el Palazzo delle Papesse Centro Arte Contemporanea de Siena (2002), el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego (2005) y el Moderna Museet de Estocolmo (2008).
En 2009, Kruger fue incluida entre los artistas seminales cuyo trabajo se exhibió en " The Pictures Generation , 1974-1984" en el Museo Metropolitano de Arte . Kruger también participó en la Bienal del Whitney (1983, 1985 y 1987) y en Documenta 7 y 8 (1982 y 1987). [50] Representó a los Estados Unidos en la Bienal de Venecia en 1982 y participó en 2005 y 2022. [51] Recibió el prestigioso León de Oro ( premio León de Oro ) por su trayectoria.
En 2007, Kruger fue una de las muchas artistas que formaron parte de la Bienal de Mujeres Artistas de Incheon en Seúl, Corea del Sur . Esta fue la primera bienal de mujeres de Corea del Sur . [52] Ese mismo año, diseñó "Consider This...", una exposición en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles . [53] En septiembre de 2009, Between Being Born and Dying de Kruger , una importante instalación encargada por la Lever House Art Collection, se inauguró en el emblemático edificio arquitectónico de la ciudad de Nueva York, Lever House . En 2012, como miembro de la junta directiva del Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA) , Kruger se ofreció como voluntaria para ser la principal financiadora de la exposición académica del museo Ends of the Earth: Land Art to 1974 y para crear una nueva obra en vinilo para vender, con las ganancias destinadas íntegramente al presupuesto de 1 millón de dólares de la muestra. [54] En 2014 , Modern Art Oxford organizó una exposición de obras nuevas y recientes de Kruger. [55] En 2016, como parte de la celebración de la reapertura de la East Building Tower Gallery después de años de renovación, la National Gallery of Art creó una exposición que mostraba 13 obras de Barbara Kruger. [56]
Del 19 de septiembre de 2021 al 24 de enero de 2022, Barbara Kruger: Thinking of You , I Mean Me , I Mean You es una exposición amplia, integral e inmersiva en el Art Institute of Chicago, que viaja al Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) del 20 de marzo de 2022 al 17 de julio de 2022. [57]
Las palabras e imágenes de Kruger se han exhibido tanto en galerías como en espacios públicos, y también se han ofrecido como fotografías enmarcadas y sin marco, carteles, postales, camisetas, carteles electrónicos, pancartas de fachadas y vallas publicitarias.
Kruger vive en el barrio de Beachwood Canyon de Los Ángeles. [58] [59]
El Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles le otorgó a Kruger el Premio MOCA a Mujeres Distinguidas en las Artes en 2001. [60] En 2005, fue incluida en La Experiencia del Arte en la Bienal de Venecia [61] y recibió el León de Oro por su trayectoria. [62] En la Gala del décimo aniversario en el Jardín del Museo Hammer en 2012, Kruger fue honrada por la presentadora de televisión Rachel Maddow . [63] En 2012, Kruger se unió a John Baldessari y Catherine Opie para dejar la junta del Museo de Arte Contemporáneo en protesta, [64] pero luego regresó en apoyo del nuevo director del museo, Philippe Vergne , en 2014. [65] En 2021, Kruger fue incluida en la lista anual de la revista Time de las 100 personas más influyentes . [6]
El primer marchante de Kruger fue la Galería Gagosian , con la que realizó dos exposiciones en Los Ángeles a principios de la década de 1980. [48] En 1988, se convirtió en la primera mujer en unirse a la galería de arte de Mary Boone ; [66] ha tenido nueve exposiciones individuales allí. Tras el cierre de la galería, se trasladó a la Galería David Zwirner en 2019. [67] Kruger también está representada por Rhona Hoffman Gallery, Chicago; y Sprüth Magers Berlin Londres (desde 1985) [67] y L&M Arts en Los Ángeles.
A finales de 2011, la fotografía de Kruger de 1985 de un muñeco de ventrílocuo , Sin título (Cuando escucho la palabra cultura, saco mi chequera) , se vendió en Christie's por un récord de 902.500 dólares. [32]
Supreme , una marca de ropa y patinetas fundada en 1994, ha sido acusada de tomar su logotipo (la palabra blanca "Supreme" en una caja roja) del estilo característico de Kruger. James Jebbia , fundador de Supreme, ha admitido que el logotipo fue tomado del trabajo de Kruger. [68] La propia Kruger no había comentado sobre este tema hasta una demanda reciente entre Supreme y Leah McSweeney , fundadora de Married to the Mob (MTTM), una marca de ropa urbana para mujeres. MTTM utilizó el logotipo de Supreme para hacer un logotipo de "Supreme Bitch" que se imprimió en camisetas y gorras. En respuesta, Kruger dijo: "Qué ridículo lío de bromistas totalmente poco cool. Hago mi trabajo sobre este tipo de farsa tristemente tonta. Estoy esperando a que todos me demanden por infracción de derechos de autor". [69] Finalmente, las demandas fueron desestimadas cuando las partes llegaron a un acuerdo según el cual McSweeney podría seguir utilizando la frase "Supreme Bitch" siempre y cuando no fuera "como lo hace Barbara Kruger". [70] [71]
Tras el ataque liderado por Hamás contra Israel el 7 de octubre de 2023 , Kruger firmó una carta en Artforum que fue criticada por ser antisemita, [72] [73] ya que intencionalmente no mencionó a la organización terrorista Hamás ni a los israelíes que fueron asesinados. [74] La carta recibió más de 8.000 firmas. Muchos en el mundo del arte condenaron la petición y a sus firmantes por su antisemitismo . [75]
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